Kaum ein Synthesizer ist so legendär wie der Minimoog. Der Synthbolide lieferte schon vor fünfzig Jahren fette Bässe, durchsetzungsfähige Leads und eine schnell begreifbare Oberfläche. Und so ist es kaum verwunderlich, dass es mittlerweile etliche Minimoog-Plugins gibt, die sich auf die Reproduktion dieses Sounds spezialisieren. In diesem Artikel sehen wir uns die besten Minimoog VSTs an. Wenn ihr euch für die besten Minimoog-Hardware-Clones interessiert, ist dieser Artikel vielleicht spannend.

Was macht den originalen Minimoog-Sound aus?

• 3 Oszillatoren mit Dreieck, Sägezahn, verschiedene Puls-Schwingungen. OSC 3 kann als LFO geschaltet werden und die beiden Oszillatoren, sowie das Filter modulieren
• 24 dB Filter mit Resonanz
• 2 ADSR-Hüllkurven
• Mixer mit Overdrive-Sättigung
• Feedback, Audio In, und Noise

Auf den ersten Blick ist das also nicht so viel. Jedenfalls nicht, wenn man den Minimoog mit anderen Schlachtschiffen von heute verglicht. Dennoch, oder vielleicht genau aus dem Grund, schaffte es Moog, mit der perfekt aufeinander abgestimmten Kombination die Blaupause für etliche weitere Synths zu kreieren.

Denn nicht nur der Sound, sondern auch die intuitive Bedienung, haben maßgeblich zum Erfolg des Klassikers beigetragen. So simpel das Konzept auf den ersten Blick erscheint: Etliche Hersteller haben sich bereits die Zähne daran ausgebissen und sind auf halber Strecke gescheitert. Aber heute geht es um die Positivbeispiele.

u-he Diva: Hervorragender Moog-Sound, aber noch viel mehr

Und das Rennen eröffnet u-he Diva, ein Synthesizer-PlugIn, das mittlerweile selbst zu einem Studiostandard geworden ist. Neben anderen hochwertigen Emulationen von Synthgrößen liefert Diva bei entsprechender Wahl der Funktionsgruppen (Triple VCO, VCF | Ladder, ADS-Envelope) einen richtig satten Moog-Sound. Selbst bei intensiver Frequenzmodulation der Oszillatoren oder des Filters klingt Diva noch organisch analog. Und das ist eine Disziplin, bei der viele Mitbewerber aufgeben.

Allerdings hat diese Authentizität auch ihren Preis. Je mehr Klanggüte man möchte, umso stärker ist auch der CPU-Verbrauch. Auf aktuellen Systemen bewegt sich das mittlerweile zwar echt noch im Rahmen. Als Diva erstmals angekündigt wurde, war der hohe CPU-Verbrauch aber schon ein Show-Stopper für einige Produzenten.

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Softube Model 72: Minimoog-Plugin ohne Kompromisse

Das Plugin-Portfolio des schwedischen Unternehmens Softube umfasste über Jahre hochwertige Emulationen von Edel-Outboard-Equipment. Spätestens mit dem Softube Modular erweiterte Softube das Angebot um einen exzellenten Modular-Synthesizer. Mit der „Model“-Reihe werden nun Synthesizer-Klassiker auf PlugIn-Ebene geholt. Jetzt stellt sich die Frage, warum es denn noch mehr Emulationen auf einem ohnehin schon übersättigten Markt benötigt.

Wenn man das Minimoog-Plugin Model 72 dann aber im Einsatz hört, wird schnell klar, dass Softube diese Herausforderung sehr ernst nahm. Meiner Meinung nach ist der Model 72 der derzeit authentischste Software-Clone auf dem Markt. Fette Bässe, authentische Melodic-Techno-Leads, und eine organische Tiefe, die ihresgleichen sucht. Allerdings muss man hier mit vielen Einschränkungen des Originals leben. Zwar wurde der Model 72 um Velocity und ein paar andere Tweaks erweitert. Polyphonie sucht man hier ebenso vergebens wie erweiterte Routing-Möglichkeiten.

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Native Instruments Monark

Natürlich hat es sich auch Native Instruments nicht nehmen lassen, ihrerseits einen virtuellen Nachbau des Minimoog zu entwickeln. Hier sind zwar weder der Name noch das GUI ein klarer Indikator. Sound und struktureller Aufbau des PlugIns lassen aber keine Zweifel, wer hier das Vorbild war.

Und so überzeugt auch Monark durch einen erstaunlich fetten Sound, der aber bei höheren Resonanz- und Overdrive-Settings Schwächen zeigt. Dennoch kann man Monark gut einsetzen, sofern man den Minimoog-Sound nicht in allen Einstellungen zu 95 % auf den Punkt benötigt.

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Arturia Mini V: Minimoog expanded

Zwar wurde Mini V von Arturia bereits 2004 vorgestellt. Das Minimoog-Plugin der Franzosen hat aber durchaus aus heute noch seine Berechtigung. Denn einige Updates später bietet Mini V nicht nur einen soliden Sound, sondern auch etliche Zusatz-Features wie eine umfangreiche Modmatrix, Effekte, Motion Recorder oder Formant-Filter. Hinzu kommt noch ein moderater CPU-Verbrauch.

Allerdings darf man hier nicht die klangliche Authentizität eines Softube Model 72 erwarten. Wer aber ein flexibles VST Instrument mit Moog-Charakter sucht, sollte Mini V unbedingt mal ausprobieren. Zumal das PlugIn als Bestandteil der V-Collection von Arturia sicherlich vielen auch indirekt begegnen wird.

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Cherry Audio Miniverse: Die Budget-Alternative

Mit dem Miniverse gibt es am Ende des Artikels der besten Minimoog-Plugins noch einen echten Budget-Tipp. Und so viel sei gesagt: Klanglich spielt der Miniverse ganz vorne mit und braucht sich auch vor deutlich teureren Varianten nicht zu verstecken.

Der rohe Charakter des Minimoogs wird hier sehr gut getroffen. Zusätzlich eröffnet einem die 16-stimmige Polyphonie auch Flächenwelten, was einigen anderen Minimoog-Emulationen in dieser Liste vorbehalten bleibt. Geradezu sensationell ist dann auch der geringe Ressourcen-Verbrauch von Miniverse. Hier muss man sich echt fragen, wie es Cherry Audio geschafft hat, soviel klangliche PS auf die Straße zu schicken.

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Ein wichtiger, aber oft übersehener Bestandteil eines DAW-basierten Studios sind externe Festplatten. Sei es für die Verwaltung oder Mitnahme von großen Sample-Libraries, Recording-Sessions, oder als Datenträger für Videoaufnahmen. Dabei ist es gar nicht schwer, gute Lösungen zu finden. Das sind die besten externen Festplatten und SSDs für die Musikproduktion und Video-Bearbeitung.

Worauf sollte man bei einer externen Festplatte für die Musikproduktion achten?

• Speicherplatz (4 TB oder mehr)
• Geschwindigkeit: HDD vs SSD
• Anschlüsse (USB-C-Anschluss)
• Energieverbrauch
• Robustheit (IP55-Schutz) und Langlebigkeit
• Formatierung APFS vs ExFat

Speicherplatz

Die meisten HDD (mechanische Festplatten) und SSDs gibt es in Größen von 500 GB bis 8TB und teilweise mehr. Während für die meisten Datensicherungen 1-2 TB reichen, kommen bei Musikproduktion, Sample-Librarien und Videoprojekten schnell größere Datenmengen zusammen. Um eine längere Zeit entspannt zu arbeiten, empfehle ich daher eine Größe von mindestens 4 TB.

Geschwindigkeit

Der nächste wichtige Faktor ist die Geschwindigkeit der Festplatte. Genau genommen unterscheidet man hier noch einmal in Lese-/und Schreibgeschwindigkeit. Bei der Musik- oder Videoproduktion sind beide Faktoren relevant.

Verwendet man man zum Beispiel viel Diskstreaming, wird eine externe Festplatte schnell mal zum Nadelöhr, wenn die Lesegeschwindigkeit nicht ausreicht. Fürs Aufzeichnen mehrerer hoch aufgelöster Audiospuren oder Videos ist eine hohe Schreibgeschwindigkeit ein doppelter Boden, um keine Disk-Drop-Outs zu kassieren. Zwar dauert es bei Audioaufnahmen eine Zeit, bis man diesen Punkt mit aktuellen HD oder langsameren SSDs erreicht. Trotzdem würde ich auch hier auf Nummer sicher gehen und bei SSDs auf mindestens 1000 mb/s (Lesen / Schreiben) setzen.

Anschlüsse

Die meisten SSD Festplatten auf dem Markt sind mittlerweile mit einem USB-C-3.2 (Gen2)-Anschluss erhältlich. Daher reicht beim Kauf ein kurzer Blick auf die Specs, um absolut sicher zu sein, um welchen Typ es sich handelt.

Dabei sei noch erwähnt, dass ein USB-C-Anschluss nicht immer gleichzusetzen ist mit einer hohen Datentransferrate. Hier wird zusätzlich noch unterschieden zwischen USB 3.0 / 3.1 und 3.2. Zwar ist ist auch USB 3.0 mit Datentransferraten von 5 Gbit/s ausreichend schnell für die meisten Audioprojekte. Sobald aber Streaming von großen Sample-Libraries, Video- oder hoch aufgelöste Mehrspuraufnahmen mit ins Spiel kommen, sind Festplatten mit USB-C / 3.2 empfehlenswert, das Datentransferraten von bis zu 20 Gbit/s erlaubt.

USB-C ist einerseits zukunftssicherer, andererseits spart ihr euch die Anschaffung von Adapterkabeln oder -steckern, wenn ihr die Festplatte an einem aktuellen Macbook oder Tablet betreibt, oder mit dem Smartphone Videoaufnahmen machen wollt. Preise für Adapter sind überschaubar, aber sich die elendige Sucherei in der Kabelkiste zu ersparen ist unbezahlbar.

Bei den mechanischen, externen HDDs ist die Situation etwas anders. Da diese Festplatten systembedingt ohnehin nicht die hohen Geschwindikeiten einer SSD erreichen, spielt der Anschluss hier keine große Rolle. Trotzdem ist es praktisch, wenn man auch hier keine speziellen Kabel oder Adapter benötigt und ebenfalls auf den USB-C-Standard setzt.

Energieverbrauch

Im Dauereinsatz im Studio ist der (ohnehin schon geringe) Energieverbrauch einer externen Festplatte kein Thema. Im mobilen Recording-Einsatz kann jedoch jede Komponente relevant werden, die Energie zieht.

Wie gesagt, wir reden hier über Nuancen. Aber da sich schon die Performance-hungrige Video- und Mehrspuraufnahme reichlich Energie aus dem Akku holt, wäre das ein Faktor, den man zumindest auf dem Schirm haben sollte.

Robustheit und Zuverlässigkeit im Dauereinsatz

Wer Musik und Videos produziert, stellt hohe Ansprüche an die Zuverlässigkeit und Robustheit einer Festplatte. Gerade wenn man viel unterwegs ist, sollte man auf gut geschützte Modelle setzen. Manche Hersteller wie Samsung bieten spezielle Varianten ihrer Modelle an, bei denen ein gummiertes Gehäuse zusätzlichem Schutz bietet und Verrutschen verhindert. Spritzwasserschutz ist ebenfalls eine gute Sache, wenn ihr Getränke in der Nähe des Rechners aufstellt, oder Regen in euren Rucksack dringt.

Zuverlässigkeit im Dauereinsatz ist bei Festplatten natürlich immer so eine Sache. Denn wie alle technischen Geräte nutzen sich auch Festplatten mit der Zeit ab, je häufiger und intensiver man damit arbeitet. Das dürfte auch einer der Hauptgründe sein, warum man bei der Anschaffung nicht auf billige Alternativen setzen sollte. Zudem sollte man auch regelmäßige Backups seiner wichtigen Daten machen.

Wer ganz sicher gehen will, sichert seine Daten also regelmäßig auf einer Backup-Festplatte. Hierfür riecht eine mechanische Festplatte allemal.

Formatierung: APFS vs. exFAT

Bevor wir zu den Kaufempfehlungen kommen, noch ein kurzer Tipp zur Formatierung. Manchmal steht in der beschreibung, dass die Festplatte „perfekt für Mac, iOS, Xbox“ etc. ist. Das könnt ihr eigentlich ignorieren, denn das Formatieren der Festplatte könnt ihr auch selbst mit den entsprechenden Apps erledigen. Für den Betrieb einer SSD am Mac empfehle ich auf APFS zu setzen.

Wenn ihr hingegen häufig Daten zwischen Mac und Windows transportieren müsst, solltet ihr auf maximale Kompatibilität achten. Datenträger, die als exFAT formatiert sind, werden von beiden Systemen unterstützt.

Das sind die besten SSDs und Festplatten für die Musikproduktion – Kaufempfehlungen

Damit kommen wir zu den konkreten Kaufempfehlungen. Für Musik- und Videoanwendungen empfehle ich grundsätzlich SSDs. Hier ist genügend Performance vorhanden, damit die Festplatte im Studiobetrieb nicht zum Nadelöhr wird.

Crucial X10 Pro: Schnelle Festplatte für die Musikproduktion

Mit Geschwindigkeiten von bis zu 2100MB/s Lesen und 2000MB/s Schreiben gehört die Crucial X10 Pro derzeit zu den schnellsten SSDs auf dem Markt. Hinzu kommt ein iP55 Staub- und Spritzwasserschutz, sowie eine angegebene Fallsicherheit aus zwei Metern. Das würde ich zwar niemals freiwillig ausprobieren, aber nett, dass es zumindest auf dem Papier gewährleistet ist.

Was ich aber aus der Praxis bestätigen kann ist, dass es sich bei der Crucial X10 Pro um eine extrem performante SSD handelt. Hiermit lassen sich selbst größere Videoprojekte in 4K und mehr problemlos stemmen. Ganz zu schweigen vom blitzschnellen Sample-Streaming größerer Libraries oder dem Datentransfer größerer Backups.

Und so könnte ich diese Liste mit der Empfehlung der Crucial X10 Pro eigentlich schon abschließen, wenn es nicht immer wieder auch gute Angebote von alternativen SSDs gäbe.

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Samsung Portable SSD T9 4TB: Alternative zur Crucial X10 Pro

Und damit komme ich zur nächsten Variante. Ebenfalls mit beeindruckenden Daten schickt Samsung die portable SSD T9 mit 4 TB ins Rennen. In der Regel liegt die Crucial X10 Pro in der 4 Terabyte Version preislich ein gutes Stück unter der Samsung-Variante. Trotzdem solltet ihr gerade bei Black Friday oder Prime-Day-Angeboten diese SSD im Auge behalten.

Denn mit Geschwindigkeiten von bis zu 2.000 MB/s Lesen, 2.000 MB/s Schreiben eignet sich diese SSD perfekt für komplexe Videoproduktionen in 4K (und mehr), sowie für große Libraries, die per Disk-Streaming wiedergegeben werden sollen.

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Samsung Portable SSD T7 Shield: Für unterwegs

Wenn es etwas langsamer zugehen darf, euch aber ein robustes und rutschfestes Gehäuse wichtig ist, könnt ihr auch gut zur Samsung Portable SSD T7 Shield greifen. Diese war gemeinsam mit der normalen Variante SSD T7 bei mir mehrere Jahre im Einsatz und hat auch Videoprojekte und Musikproduktionen problemlos gemeistert.

Zwar liefert die Crucial X10 Pro noch einmal einen wahrnehmbaren Performance-Schub, für die meisten Projekte sind aber auch die T7-Varianten mehr als ausreichend. Wer also etwas Geld sparen möchte, sollte hier auf gute Angebote (220-270 €) warten.

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Mechanische Festplatten HDDs: Perfekt für Backups und kleinere Sample-Libraries

Nach den SSDs möchte ich noch kurz auf mechanische Festplatten (HDD) eingehen. Da schnelle und große SSDs mittlerweile in erschwingliche Preisregionen vorgedrungen sind, sind mechanische Festplatten bestenfalls zweite Wahl, wenn man vorhat, sie intensiv in der Musikproduktion einzusetzen.

Dennoch spielen sie nachwievor eine wichtige Rolle im Studio-Kosmos. So sind sie die perfekte Lösung für Backups oder kleine Projekte. Mein Workflow ist meistens so, dass ich die Video- (Audio)bearbeitung erst auf einer SSD mache. Nach dem Export sichere ich das finale Final Cut-Projekt inklusive aller Daten auf einer großen, mechanischen Festplatte und anschließend das Projekt von der SSD lösche. Das schafft einerseits Platz auf dem teuren Datenträger und andererseits habe ich immer noch Zugriff auf das komplette Projekt. Als zuverlässige Lösungen kann ich diese Modelle empfehlen:

Western Digital My Passport: 6TB für Backups

Viel Speicher, ausreichend schnell und auch über mehrere Jahre hinweg zuverlässig: Festplatten von Western Digital sind ein guter Standard, wenn man eine überzeugende Backup-Lösung sucht, die auch das Budget nicht sprengt. Abstriche macht man hier bei der maximalen Schreibgeschwindigkeit von 60 MB/s und der Notwendigkeit, den mitgelieferten USB-C-Adapter zu nutzen.

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Seagate Ultra Touch HDD 5TB

Mit 5 TB liegt diese Variante der Seagate Ultra Touch zwar unter den Möglichkeiten der Western Digital. Dafür bringt sie neben dem USB 3.0 Standard ebenfalls eine USB-C-Schnittstelle mit. Dadurch ist sie mit den meisten Endgeräten auch in den nächsten Jahren noch kompatibel. Die Schreibgeschwindigkeit von 120 MB/s ist guter Standard, und auch für den Dauereinsatz als Backup-Medium sind Modelle von Seagate ein verlässlicher Partner.

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Fazit: Die besten Festplatten und SSDs für die Musikproduktion

Mein Favorit aus dieser Liste ist klar die Crucial X10 Pro, da sie nicht nur überzeugend schnell ist, sondern auch das beste Preis-/Leistungsverhältnis bei den SSDs aufweist. Trotzdem rate ich, immer wieder mal nach Angeboten zu gucken. Denn auch die Samsung SSDs sind perfekt für die Musikproduktion geeignet, selbst die älteren T7-Modelle.

Am besten ist, ihr schafft euch direkt zwei Festplatten an: eine schnelle SSD für die Musikproduktion und eine weitere HDD zur Datensicherung. Denn für reine Backup-Anwendungen sind SSDs einfach zu teuer. Und sobald ihr eure Projekte finalisiert habt, könnt ihr die Daten einfach auf der günstigeren Festplatte sichern.

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Die Roland TB-303 Bassline ist ohne Zweifel einer der wichtigsten Synthesizer in der elektronischen Musik. Beim Acid war sie stilprägend, aber auch an etlichen anderen Genres wie Techno, Trance oder Ambient war sie maßgeblich beteiligt. Und die TB-303 hat nichts an Popularität eingebüßt. Im Gegenteil: Denn heute sind die Preise für gebrauchte Units höher denn je. Umso wichtiger ist es, Alternativen aufzuzeigen. In diesem Artikel geht es um die besten TB-303 Clones in Hardware-Form, sowie die besten TB-303 VST vor.

TB-303 VSTs: Das sind die besten 303-PlugIns

ABL Bass Line 3

Der TB-303 VST Clone ABL Bass Line 3 ist schon seit Jahren eine Bank in DAW-basierten Studios. Und das aus gutem Grund. Denn der abl3 liefert nicht nur einen sehr authentischen Klang, sondern lässt sich auch hervorragend bedienen. Mit anderen Worten: Die Unzulänglichkeiten des ursprünglichen TB-303-Sequencers wurden hier gezähmt und um intelligente Zufallsfunktionen erweitert. Diese findet man etwas versteckt in Ausklappmenüs. Dort finden sich auch weitere Anpassungen für das Übersteuerungsverhalten, Tuning und Filtersettings.

Im Vergleich zum D16 Group Phoscyon 2 gehen die Sounddeisgn-Möglichkeiten hier zwar nicht so weit. Dafür findet man auch hier Details wie das charakteristische Klicken/Rauschen des BA-662 VCAs, was sogar deaktiviert werden kann. Manchmal möchte man aber auch ganz schnörkellos und schnell zum Ziel kommen. Audiorealism abl3 liefert genau das: Guten TB-303-Sound und schnelle Ergebnisse.

Arturia Acid V

Arturia hat im Zuge ihrer V-Collection einen weiteren TB-303-Clone ins Rennen geschickt, der in dem Bundle natürlich nicht fehlen durfte, aber auch einzeln erhältlich ist. Der Acid V ist eine sehr gut klingende Emulation der 303, die zudem eine ausgezeichnete Effektsektion bereithält.

Einzigartig ist hier die Polymetrik-Funktion des Sequencers, bei dem Accent, Slide und Vibrato polymetrisch vorrücken und so spannende Groovemuster erzeugen. Gut gefallen haben mir auch die Trimming-Optionen, durch die man die virtuelle 303 näher an den Originalsound seiner Wahl – jede TB 303 klingt leicht anders – rücken kann.

Per Suboszillator kann man dem Acid V noch etwas mehr Tiefenschub mitgeben und hat hier die Wahl aus drei unterschiedlichen Schwingungsformen. Im Vergleich mit dem Phoscyon bietet letzterer aber noch ein wenig mehr Möglichkeiten fürs Sounddesign.

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D16 Group: Phoscyon 2

Über Jahre hinweg haben sich Phoscyon und die ABL Bassline ein Kopf-an-Kopf-Rennen um den Titel des besten TB-303 VST geliefert. Wenngleich die ABL Bassline 3 klanglich für mich immer einen leichten Vorsprung hatte, konnte die D16 Group mit der zweiten Auflage nun aufholen.

Beide Plugins liefern einen authentischen Sound und der Sequencer von Phosycon 2 bringt den herrlich treibenden Groove der Roland TB-303 in die DAW. Im direkten Vergleich überzeugt Phosycon 2 durch die im Vergleich noch einmal aufgebohrten Möglichkeiten. Diese reichen von zusätzlichen Syntheseparametern wie Envelope-Attack oder Accent Decay, bis hin zu einem intuitiven Sequencer mit gut umgesetzten Zufallsgeneratoren. Eine gut ausgestattete Effektsektion mit vernünftig klingender Overdrive-Sektion rundet die Ausstattung ab.

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Wenn der TB-303 Clone Hardware sein soll

Wem Software nicht so liegt, der aber nicht auf den TB-303-Sound verzichten möchte, findet in der Hardware-Welt mittlerweile ebenfalls etliche gute Alternativen zu einem Original. Die folgenden Vorschläge beschränken sich auf Modelle mit internem Sequencer, da dieser meiner Meinung nach ein wesentlicher Bestandteil einer 303 ist.

Behringer TD-3

Behringer liefert mit der TD-3 eine budgetfreundliche und sehr gut klingende Alternative. Lässt man mal die weniger gelungene Distortion-Einheit weg, liefert der Behringer TD-3 einen ausreichend authentischen Sound. Die Resonanz reicht hier fast bis zur Selbstoszillation (das war bei verschiedenen TB-303s auch unterschiedlich stark ausgeprägt), die Pulswelle klingt schön hohl und auch die Verarbeitung steht dem Plastikfeel des Original in nichts nach.

Zwar hat man bei Behringer auch den recht eigenwilligen Sequencer geklont. Das kann aber für all diejenigen ein Vorteil sein, die das Original-Feeling suchen. Immerhin kann man hier auch alternativ die Editor-Software nutzen, mit der sich der Sequencer gut einstellen lässt. Und für rund 120 € (je nach Modellfarbe) ist die TD-3 so oder so ein No-Brainer.

Behringer TD-3 MO: TB-303 Clone auf Steroiden

Ebenfalls aus dem Hause Behringer kommt die TD-3 MO (Modded Out). Hierbei wurde die originale Klangerzeugung aufgebohrt und um Erweiterungen ergänzt, die der bekannten Devilfish-Modifikation entsprechen. So besitzt der TD-3 MO unter anderem einen erweiterten Filterweg, Sub-Oszillator, Resonanzboost, Overdrive und FM. Auch die CV-Anschlusssektion ist hier noch einmal erweitert worden.

Durch die Modifikationen wird der limitierte Sound noch einmal ordentlich erweitert. Allerdings muss man hierbei beachten, dass man sich auch recht schnell vom Originalsound entfernt. Auch die Sweetspots verlässt man bei der TD-3 MO recht schnell, wenn man die Unit noch nicht auswendig kennt. Trotzdem ist die TD-3 MO für alle eine Empfehlung, die einen TB-303 Clone suchen, der auch mal abseits der ausgetretenen Pfade groovt.

Cyclone TT-303 MK2

Der Cyclone TT-303 war lange Zeit einer der wenigen erschwinglichen TB-303-Clones mit gutem Sequencer. Und auch wenn Behringers TD-3 dem französischen Unternehmen Cyclone wahrscheinlich einiges an Umsatz gekostet hat, ist der TT-303 MK2 immer noch eine echte Empfehlung.

Einerseits ist hier der Sound nicht ganz so spitz resonierend wie bei Behringers TD-3. Das setzt auch im Verbund mit einer TD-3 eine interessante andere klangliche Nuance. Andererseits bietet der Sequencer des Cyclone TT-303 MK2 einige spannende Features, die man bei Behringer vergeblich sucht. Dazu gehören zum Beispiel unterschiedliche Gate- und Slide-Längen, manueller Accent, verschiedene Shuffle-Settings, oder schlaue Random-Funktionen.

Mit überschaubarem Aufwand lässt sich auch die Resonanz bei der TT-303 modden und aggressiver einstellen. Und mit einer ProCo Rat dahinter, fängt sowieso jeder Clone an zu bellen und kreischen.

DIN Sync RE-303

„It’s not a Clone, it’s a replica“ – So wird der DIN Sync RE-303 auf der Webseite des DIY-Projekts vorgestellt. Entsprechend akkurat sind auch die klanglichen Ergebnisse, die dem Original am nächsten kommen. Auch wenn man jetzt streiten kann, wo ein Clone aufhört und eine Replika anfängt. Rein theoretisch müsste ein Clone ja noch einmal deutlich näher dran sein, da dieser genetisch zu 100% identisch ist. Aber lassen wir das – Marketing muss auch sein ;).

Allerdings ist man hier für ein aufgebautes Exemplar (es gibt diverse Anbieter im Netz) auch schnell bei rund 1000 €. Inwiefern einem das letzte Quäntchen Sound den Aufpreis wert ist, muss jeder für sich entscheiden. Als spannendes Lötprojekt für Fortgeschrittene ist die DIN Sync RE-303 auf jeden Fall eine Empfehlung.

Roland TB-03 Boutique

Da auch Roland mit der TB-03 einen TB-303-Clone im Portfolio hat, soll dieser hier ebenso Erwähnung finden. Grundsätzlich bin ich ein Freund von Rolands Boutique-Serie. Besonders der SH-01a ist eine gelungene Alternative zum Original.

Wenn ich die Roland TB-03 Boutique aber mit den anderen TB-303 Clones hier in der Liste vergleiche, muss ich sagen, dass Roland mit Abstand den schlechtesten Job in der Umsetzung gemacht hat. Da ist zum einen die recht digital klingende Resonanz. Zum anderen wurde auf das charaktervoll rauschende Attack des BA662 VCAs völlig verzichtet. Auch der Overdrive tönt eher blechern und nervig, als dass er hier eine gute Erweiterung der Soundpalette liefern würde.

Daher gibt es hier nur die Anstandserwähnung. Als echte 303-Alternative kann ich die TB-03 Boutique bei dem Angebot der Mitbewerber nicht mit gutem Gewissen empfehlen. Dafür liegen die anderen einfach zu weit davor, inklusive der TB-303 VST Varianten.

Abstrakt Instruments Avalon: Der nahezu unerreichbare TB-303 Clone

Die Avalon orientiert sich klanglich und technisch an der TB-303, bietet aber noch einmal deutlich mehr Features wie Filter Tracking und eine ADSR-Hüllkurve für den Amp. Zusätzlich kann man die Avalon Bassline mit optional erhältlichen Filter-Cartridges (SEM, Moog, Arp) erweitern und findet auf der Rückseite eine gute Auswahl an CV/Gate-Anschlüssen.

Allerdings gibt es die Avalon mittlerweile nur noch gebraucht und Modelle erreichen häufig Preise von rund 2000 €. Das können Liebhaber sicherlich rechtfertigen. Wer sich eine Anschaffung überlegt, sollte sich aber im Klaren darüber sein, dass der Support von Abstrakt Instruments schlicht unterirdisch ist. Mails werden nicht beantwortet und auch auf anderen Kommunikationswegen lässt sich der Entwickler nicht blicken. Man bezahlt also einen recht hohen Preis. Wer darauf keine Lust hat, bekommt mit dem Behringer TD-3 MO oder einer erweiterten X0XB0X , gute Alternativen zu einem deutlich geringeren Kurs.

TB-303 Clone: Fazit

Bassline-Freunde leben echt in guten Zeiten. Mittlerweile gibt es so viele gute TB-303 Clones, dass es schwieriger ist, eine Entscheidung zu treffen, als ein geeignetes Modell zu finden.

Klanglich liefern die meisten ab. Also wäre meine Empfehlung, neben dem Preis, die Entscheidung vom Sequencer-Konzept und den gewünschten Zusatz-Features abhängig zu machen.

Die Frage könnte dann lauten: Will ich mir das originale Sequencer-Feeling geben (Behringer TD-3-Serie), oder suche ich hier einen intuitiveren Ansatz wie etwa beim Cyclone TT-303 MK2 oder den TB-303 VSTs? Möchte ich die pure Klangerzeugung (ABL 3, TD-3, RE-303), oder will ich das volle Modding-Paket (Phoscyon 2, TD-3 MO)? Es spricht natürlich auch nichts dagegen, sich mehrere Clones ins Haus zu holen. Schließlich haben nicht nur Hardfloor gezeigt, dass man auch gut mit einer ganzen Herde von 303s arbeiten kann.

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Die Basis: Wie man Dub Chords am Synthesizer programmiert

Am Anfang steht ein recht simpler Akkord, den ihr entweder schon auf Synthesizerebene mit drei unterschiedlich gestimmten Oszillatoren realisiert (ein guter Startpunkt ist der Grundton plus 3 & 7 Semitöne) oder direkt einspielt.

Als Schwingungsform bietet sich ein obertonreicher Sägezahn oder ähnliches an. Wenn es der Synthesizer hergibt, könnt ihr an dieser Stelle bereits etwas Rauschen hinzugeben, das dem Signal ein extra Quäntchen Schmutz verleiht.

Als Filter wählt ihr entweder ein Bandpass- oder ein Tiefpassfilter aus und schließt die Flankensteilheit großzügig. Die Hüllkurven für Amp und Filter sind beide auf hartes Attack, moderate Decay-/Release-Zeiten und 30-50 Prozent Sustain eingestellt. Durch höhere Attackzeiten bewegt ihr den Sound mehr und mehr in Richtung Pad. Hier bietet sich an, die Attack-Zeit durch die Anschlagstärke zu modulieren.

Das Filter im Synth schneidet bereits einen Teil der Obertöne weg, die man per Modulation des Cutoff durch LFO und Filter-Envelope aber wieder temporär hinzufügt. Dub-Chords leben von Modulationen. Je mehr Parameter moduliert werden, umso interessanter das Endergebnis.

Auf Klangerzeugerebene war es das bereits, wenden wir uns nun dem wichtigsten Part zu – der Effektreihenfolge:

Dub Chords sind nichts ohne die richtigen Effekte

Ich habe ewig gebraucht, bis ich verstanden habe, dass der Großteil eines Dub Chords über Effekte zustande kommt. Oder anders formuliert: Wenn die Effektkette passt, kann man fast jedes Signal durchschicken und am Ende kommt Dub heraus.

In die Effektkette gehören in dieser Reihenfolge

• Delay, vorzugsweise ein Space Echo (Tape Delay) oder ein BBD-Delay
• Equalizer / Multimode-Filter
• Reverb / 2. Delay
• optional: Phaser
• optional: Sidechain-Kompressor

Am Anfang unserer Kette steht ein (Tape oder BBD) Delay, das den analogen Schmutz liefert. Die Delay-Zeit wählt ihr nach eurem Geschmack aus, zu kurz oder zu lang sollte sie aber nicht sein. Ein interessantes Feature ist, die Delay-Geschwindigkeit entweder manuell oder automatisiert zu verändern. Wenn man etwa einen LFO auf die Delay-Rate legt, reagiert eine gute Tape-Simulation mit Tonhöhenschwankungen. Dieses Leiern kommt besonders gut, wenn man es mit höheren Feedback-Werten kombiniert. Fährt man das Delay dabei knapp bis zur Selbstoszillation, entstehen recht schöne Übergänge.

Sehr wichtig ist dann ein Multimode-Filter (oder ein EQ), das direkt hinter dem Delay eingeschliffen wird. Ein Bandpassfilter mit 12 dB Flankensteilheit und mittlerer Resonanz ist ein guter Ausgangspunkt. Je tiefer ihr das Filter schließt, umso muffiger wird der Klang und umgekehrt.

Tipp: Einige Delay-PlugIns wie etwa das fantastische Echo von Ableton bringen Multimode-Filter für das Delay-Signal direkt mit. Hier kann man Hochpass und Tiefpass gut miteinander kombinieren und separat die Resonanz einstellen.

Spring-Reverb und weitere Delays

An dieser Stelle haben wir schon einen Großteil des Pflichtprogramms erfüllt. Jetzt streuen wir noch etwas Sternenstaub on top. Nach dem Filter fügt ihr optional ein weiteres Delay ein. Auf diese Weise könnt ihr schön treibende Grooves erzeugen, ohne kompliziert einzelne Noten einzugeben.

Im Anschluss folgt mit dem Reverb eine weitere wichtige Komponente. Als Algorithmus empfehle ich ein Shimmer Reverb oder ein warm klingendes Room-Preset. Wer den authentischen Retrosound sucht, greift besser direkt zu einer Federhall-Simulation oder einem Plattenhall. Gerade Spring-Reverbs (Federhall) kann man in unzähligen Dub-Produktionen heraushören, denn ihr markant metallener Hall-Sound ist unverwechselbar.

Phaser, Flanger und Sidechain-Compression

Am Ende der Effektkette addieren wir noch einen Phaser oder Flanger. Dezent eingesetzt verpasst dieser Effekt dem Signal noch zusätzliche Tiefe. Allerdings würde ich hier keine allzu extremen Einstellungen auswählen, damit sich der Klang insgesamt homogen in den Mix einfügt. Zumal wir mit der umfangreichen Effektbatterie davor schon ordentlich Bewegung im Sound haben.

Eine einfache Möglichkeit, Mixing-Probleme zu umgehen, ist der Einsatz eines Kompressors am Ende der Signalkette. Per Sidechaining wird dann die Lautstärke beim Einsetzen der Kick heruntergedrückt, wodurch sich der Dub Chord recht einfach in den Mix integriert.

Noch ein Tipp für Elektron Digitone User: In meinem Digitone-Tutorial zeige ich, wie man mit dem FM Synthesizer dubbige Effektketten erstellt.

Hardware-Empfehlungen für Dub Techno / Ambient Dub

Die hier vorgestellten Tipps gelten natürlich gleichermaßen für die Hardware-Pendants. Wer lieber mit Hardware produziert und nach guten Synthesizern und Effekten für Dub Techno und Ambient Dub sucht, findet hier noch ein paar meiner Favoriten.

Synthesizer für Dub Techno

Delays für Dub Techno

Kostenloses Dub Chord Instrument Rack für Ableton Live

Hier könnt ihr euch ein komplettes Instrument-Rack für Ableton Live herunterladen, das ich erstellt habe. Enthalten sind zum einen ein Dub Chords Patch für Operator, sowie eine komplette Effektkette, die alle hier beschriebenen Stationen enthält. Für Live-Performer gibt es ein Makro, das euch direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter bietet.

Sound Packs mit Dub, Techno und Ambient Patches

• Novation Circuit „Elements“
• Novation Peak „Permafrost“
• Elektron Digitone „Epigenetics“ und „Nemesis“
• Twisted Electrons MEGAfm „Magnitude“
• u-he Diva „ReVolution“: Presets für Melodic Techno & Ambient
• Die besten Synthesizer für Dub Techno

Der Beitrag Dub Chords und Pads erstellen Workshop erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

MIDI Controller für Ableton Live – Worauf sollte man achten?

Folgende Funktionen sollte ein guter Controller für Ableton mitbringen:

• Clip Launch Matrix
• Transport-Taster zur Steuerung von Start, Stop, Pause
• Fader und / oder Drehregler zur Steuerung von Parametern und Mixing
• Pads oder Klaviatur zum Einspielen von Instrumenten, gerne anschlagdynamisch
• Ein Display, damit man Werte auch direkt am Controller ablesen kann
• Wenig versteckte Funktionen, um sich bei Performances nicht auf Shift-Befehle konzentrieren zu müssen
• Beleuchtete Bedienelemente wie RGB-LEDs, damit man auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club noch zurechtkommt
• Taster für Mute / Arm / Solo

Je mehr Haken bei dieser Liste gesetzt werden, umso flexibler sind die Möglichkeiten, die der Controller bietet. Jetzt hängt es natürlich auch vom jeweiligen Einsatzgebiet ab, wie wichtig jeder einzelne Punkt ist. Für einen Live-Instrumentalisten werden anschlagdynamische Pads bzw. Klaviatur deutlich wichtiger sein, als beispielsweise Transport-Taster. Letztere sind wiederum im Studio unheimlich praktisch, wenn man nicht ständig auf die Mouse zurückgreifen möchte. Im Clubeinsatz ist häufig der direkte Zugang, also kein Navigieren durch Submenüs, essentiell. Wenn jemand den Controller zum Auflegen mit Ableton Live nutzen möchte, kann ein Crossfader praktisch werden.

So vielseitig die Einsatzgebiete sind, so umfangreich ist auch das derzeitige Angebot an MIDI Controllern für Ableton. Die folgenden Controller bieten (fast) alle der aufgelisteten Funktionen und können daher ohne Bedenken empfohlen werden. Die Details folgen.

Ableton Push 3

Aus dem Hause Ableton selbst kommt der wunderbare Push 3 Controller, den man alternativ sogar als komplette Standalone-Unit kaufen kann. Dank schickem, hochauflösenden Display, hervorragend reagierenden Pads mit MPE und vielen Elementen zur Steuerung der wichtigsten Parameter findet man Push 3 in vielen Studios als zentralen Controller für Ableton Live.

Und das aus gutem Grund: Denn Ableton hat mit der Version 3 das Bedienkonzept der Vorgänger noch einmal optimiert, MPE hinzugefügt und die mitunter etwas anfällige Hardware – hier sei vor allem die klebrige Oberflächenbeschichtung genannt – gegen hochwertigeres Material ausgetauscht. Dadurch fühlt sich Push 3 nicht nur besser an, sondern ermöglicht es jetzt, sämtliche Parameter zu steuern, ohne überhaupt eine Mouse berühren zu müssen. Selbst PlugIns können nun komfortabel über den Controller ausgewählt und einzelnen Kanälen hinzugefügt werden. Dadurch ist es Ableton gelungen, mit Push 3 ein Gerät zu schaffen, das sich eher wie ein Instrument verhält.

Wo so viel Licht ist, muss auch etwas Schatten sein. Als Negativpunkt für Live-Performances sehe ich das Fehlen von Fadern. Gerade beim Aufbau von Übergängen mittels Fade-Ins und -Outs sind diese praktisch, denn so kann man mal eben z.B. die komplette Hi-Hat-Sektion aus- und einfaden. Mit einer geschickten Zuweisung von Groups kann man zwar mehrere Spuren auf einmal mit einem Poti erfassen. Allerdings verlangt das einiges an Organisation vorab und das ist sicherlich nicht jedermanns Sache. Immerhin kann man sich problemlos einen Fader-Controller wie Novation Launch Control XL MK3 dazustellen, um dieses Problem zu lösen.

Ableton Push 3 – Übersicht

Novation Launch Control XL MK3

Als umfangreich ausgestatteten Einsteiger-Controller kann man den Launch Control XL MK3 bezeichnen. Hier wurde zwar auf eine Cliplaunch-Matrix verzichtet. Dafür bietet der Launch Control XL acht Fader, sechzehn Taster und 3 x 8 frei belegbare Drehregler zur Steuerung von Parametern. Diese Anordnung ist nicht nur für Live-Performer interessant. Denn zum schnellen Einstellen von EQs (Low / Mid / High), Effektanteilen und Lautstärkeverhältnissen ist dieses Layout mega praktisch.

Aber auch als Add-on macht der Launch Control XL MK 3 total Sinn. Hiermit ließen sich Launchpad Pro oder Push 3 mit Fadern ausstatten, die man in der Grundausstattung doch schnell vermisst.

Novation Launch Control XL MK3 – Übersicht

Novation Launchpad Mini MK3

Als günstige Empfehlung für Einsteiger sei noch das Launchpad Mini genannt. Wie viele Controller im höheren Preissegment bietet auch dieser eine 8 x 8 Clip-Launch-Matrix, Transportbutton, sowie die Möglichkeit, Effektsends und Lautstärken über Shiftfunktionen zu steuern. Hierbei sollte man sich nur im Klaren darüber sein, dass Parameterwerte aufgrund der Eingabe über acht Pads eben auch nur in acht Stufen auflösen. Zudem sind die Pads nicht anschlagdynamisch.

Auf der Habenseite stehen eine gute Verarbeitung bei geringem Gewicht und ein sehr günstiger Preis. Da das Launchpad Mini zusätzlich noch mit Ableton Live Lite eine Einsteigervariante der populären DAW, sowie weitere gute Mixing-PlugIns mitliefert, kann man das Preis-/Leistungsverhältnis fast schon als sensationell bezeichnen.

Novation Launchpad Mini MK3 – Übersicht

Novation Launchkey MKIV

Wer einen Ableton Live Controller sucht, der nebenbei noch eine gute Klaviatur mitbringt, sollte sich die Novation Launchkey MKIV Serie näher ansehen. Die Tastatur-Controller fügen sich nahtlos in Ableton Live ein und können ohne umständliche Installation direkt eingesetzt werden.

Auch hier gibt es zahlreiche Fader, Pads und Drehregler zur Steuerung von Live. Zusätzlich spendierte Novation den USB-Controllern Arpeggiator, Chord Mode und ein 5 Pin-MIDI-Interface zur umfangreichen Kontrolle von externen Synths und Samplern.

Die Klaviatur spielt sich sehr gut, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand. Keine Frage, die Launchkey-Serie ist sowohl von der Verarbeitung als auch von den Features her am oberen Ende angesiedelt.

Und dafür, dass Novation seiner Linie eine 37-Tasten-Variante spendiert hat, gehört ihnen ein Orden verliehen. Wer viel reist oder bei begrenztem Platz im Club trotzdem eine vernünftige Tastatur sucht, kann damit aufatmen. Handgepäck freundlich und genug Tastenumfang, um auch mal beidhändig zu spielen. Danke Novation!

Novation Launchkey MKIV Übersicht

Wer nicht so viel Patz hat oder eine günstige kleine Einspieltastatur sucht, dem sei noch das Launchkey Mini MKIV ans Herz gelegt. Die Verarbeitung ist Top, alles fühlt sich gut an. Selbst die Minitasten geben ein ausreichend angenehmes Gefühl, solange man darauf natürlich keine anspruchsvollen Stücke spielen will.

Novation Launchkey Mini MKIV Übersicht

Akai Pro APC64

Wo andere Controller einige Funktionen in Shift-Konfigurationen oder Menüs verstecken, bietet Akai Pro APC64 einen eher direkten Ansatz. Acht Touch-Strips, Transporttaster und eine Clip-Launch-Matrix mit 64 anschlagdynamischen Pads mit Poly-Aftertouch ermöglichen die intuitive Kontrolle von Ableton auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club.

Im Unterschied zu vielen Mitbewerbern setzt Akai auf Touchstrips inklusive LED-Meter. So geben sie einerseits ein visuelles Feedback der aktuellen Werte. Andererseits – und das ist bei Performances noch wichtiger – werden Parametersprünge vermieden, wenn man etwa zwischen zwei Tracks umschaltet, der Regler aber noch auf dem vorher eingestellten Wert ruht.

Außerdem bietet der APC64 rudimentäre 32 Step-Sequencer, mit denen man über 8 CV/Gate und 2 MIDI-Outs einen mittelgroßen externen Gerätepark ansteuern kann. Wer sich mit diesem Feature noch nicht beschäftigt hat, sollte das auf jeden Fall mal für die nächste Performance nachholen.

Akai Pro APC 64 – Übersicht

touchAble Pro – Ableton Live Controller für Tablets und Smartphones

Viele von euch werden ein Android, Surface, iPhone oder ein iPad nutzen. Für diese Tablets und Smartphones gibt es ebenfalls gute Ableton Live Controller. Die App touchAble Pro enthält eigentlich alles, was man zur Steuerung von Ableton Live benötigt, inklusive der Synths und Sampler. Eine Mixer-Ansicht, Session View mit Clip Launch Matrix, selbst Noten lassen sich direkt eingeben und mit dem Piano-Roll-Editor später korrigieren.

Wenn man Touchscreens gegenüber nicht abgeneigt ist, sollte man die rund 29 € für die App investieren. Selbst als Zweitgerät zur Steuerung wichtiger PlugIns im Live-Einsatz ist die Software eine tolle Ergänzung zu einem Hardware-Controller.

Weitere Infos zu touchAble Pro gibt es hier.

Controller für Ableton Live – Fazit

Einen klaren Gewinner aus dieser Auswahl zu küren ist aufgrund der unterschiedlichen Einsatzgebiete nur schwer möglich. Als Controller für elektronische Musik im Club würde ich wohl am ehesten zum APC 64 greifen, da dieser den direktesten Zugriff bei überschaubarem Preis ermöglicht. Ergänzt um ein kompaktes Einspielkeyboard wie Launchkey Mini MK 4 geht damit schon einiges.

Als Performance-Instrument und Controller Hybride ist der Push 3 die umfangreichste Lösung. Hervorragend spielbare Pads mit MPE, ein gutes Display und alle Funktionen über den Controller erreichbar: Mit dem Push 3 kann sogar der Bildschirmschoner angehen und man findet sich immer noch problemlos zurecht.

Die beste Lösung für Einsteiger sind wahrscheinlich das Launchkey Mini oder ein Launch Pad Mini. Beide bieten eine solide Verarbeitung, sowie ausreichend Funktionen. Ein gutes Software-Paket erleichtert den Einstieg.

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Inhalt

• Wann ergibt ein Controller für FL Studio überhaupt Sinn?
• Worauf sollte man beim Kauf eines FL Studio Controller achten?
• Die besten Modelle im Überblick
• Die besten MIDI Controller für FL Studio: Fazit

FL Studio Controller: Wann wird ein USB MIDI Controller überhaupt benötigt?

Grundsätzlich könnt ihr komplett ohne Controller arbeiten, wenn euch der Platz oder das Budget fehlt. MIDI Controller sind aber immer dann sinnvoll, wenn man weg von der Computerarbeit mit der Mouse und hin zu einem direkteren Zugriff möchte. Ein Controller beschleunigt zum einen den Workflow deutlich. Bereits bei so banalen Dingen wie der gleichzeitigen Steuerung von zwei Parametern, müssen Touchpad und Mouse passen. Zum anderen vermittelt ein Controller durch den direkteren Zugang eine Nähe zur Musik, die man mit Mouse und Computertastatur nur schwer erlangt.

Ebenso ist ein USB MIDI Controller in Live-Situationen häufig die bessere Wahl. Und sei es nur um dem anwesenden Publikum nicht das Gefühl zu geben, ihr macht auf der Stage eure Steuererklärung.

MIDI Controller für FL Studio: Worauf sollte man achten?

Bei dieser Frage wird es schon deutlich persönlicher. Verschiedene Anforderungen verlangen unterschiedliche Lösungen, soweit klar. Wenn ihr auf der Bühne Melodien einspielen möchtet, wird euch ein Mixing-Controller fürs Studio oder ein USB Controller für die Drum-Programmierung nichts bringen. Ebenso ist ein Keyboard-Controller nicht die erste Wahl, wenn es darum geht, mal schnell rhythmische Drumloops zu programmieren und leicht zu verändern. Die erste Frage sollte also lauten: Wofür möchte ich den Controller in erster Linie einsetzen?

Sobald ihr euch für eine grobe Richtung entschieden habt, solltet ihr euch vor allem an folgenden Spezifikationen orientieren:

1. Tastaturumfang

Braucht ihr einen großen Notenumfang oder legt ihr eher Wert auf einen kleinen Controller für unterwegs? Das Angebot reicht von 25 Minitasten bis hin zur Pianoklaviatur mit 88 hammergwichteten Tasten.

2. Ist Plug-and-Play in FL Studio vorhanden?

Das ist wichtig, wenn ihr den Controller nur anschließen und direkt loslegen wollt. Wenn der Controller bereits von FL Studio erkannt wird, entfällt nämlich die manuelle Zuweisung von Parametern.

3. Anzahl der Pads

Pads kann man einerseits nutzen, um Beats und Melodien direkt einzuspielen. Hier reichen häufig schon 16 Pads. Sobald man andererseits aber lange Lauflicht-Sequenzen programmiert, sind 32 oder gar 64 Pads praktischer, da ihr auch längere Beats immer im Blick habt.

4. Transport-Taster

Transport-Taster dienen der Fernsteuerung von Start, Stop, Pause, Aufnahme etc. Die sind besonders dann praktisch, wenn man weitestgehend ohne Mouse arbeiten möchte.

5. Anzahl der Echtzeit-Controller fürs Mixing oder Sounddesign

Wenn ihr den Controller zur Steuerung von Soundparametern nutzen wollt, sind Echtzeit-Controller wie Drehpotis oder Fader wichtig. Neben dem Sounddesign eignen sich diese auch hervorragend für Mixing-Aufgaben, etwa zur Lautstärkeregelung, Panorama-Einstellungen oder dem Zumischen von Effekten.

6. Größe und Gewicht (Studioeinsatz vs. Einsatz unterwegs)

Größe und Gewicht eines MIDI Controllers werden spätestens dann entscheidend, wenn ihr vorhabt, diesen auch unterwegs häufiger einzusetzen. Je kompakter und leichter das Modell ist, umso besser. Im Studio ist das natürlich anders, wobei auch hier der Platzbedarf eine Rolle spielen kann.

7. Enthaltenes Software-Paket

Als letztes solltet ihr noch einen Blick auf das mitgelieferte Software-Paket werfen. In der Regel ist der Lieferumfang nicht so wesentlich, da man meistens entweder schon über eine gute Auswahl verfügt, oder sich später seine Wunschkonfiguration ohnehin zusammenstellt. Falls ihr euch aber einmal partout nicht zwischen zwei Controllern festlegen wollt, ist die enthaltene Software eine gute Entscheidungshilfe.

Die besten Controller für FL Studio im Überblick

Nachdem nun die Eckdaten bekannt sind, kommen wir jetzt zu den konkreten Empfehlungen. Bei der Zusammenstellung der Auswahl ging es mir darum, Controller auszuwählen, die möglichst viele der genannten Kriterien erfüllen.

Novation FLKey Serie: Optimierte FL Studio Controller mit Tastatur

Mit der FL Key-Serie schickt Novation Controller ins Rennen, die perfekt auf FL Studio zugeschnitten wurden. Die Novation FLKey-Serie wird direkt von FL Studio erkannt und umfangreiche Zuweisungen entfallen.

Auch die Ausstattung kann sich sehen lassen: Die größeren Modelle bieten eine gut spielbare Tastatur mit Anschlagdynamik, während sich die budgetfreundliche Variante „FLkey mini“ eher für Studios mit wenig Platz und kompakte Live-Setups eignet. Über die anschlagdynamischen Pads werden u.a. Racks und Instrumente gesteuert, die Drehregler helfen beim Sounddesign.

Akai Pro Fire

Akai Pro Fire ist der erste Controller, der speziell auf FL Studio zugeschnitten wurde. Zwar ließe sich Fire auch mit anderen DAWs wie Ableton Live koppeln, aber die Plug-and-Play-Integration mit FL Studio ist hier besonders gut gelöst.

Hierfür bietet der Akai Pro Fire insgesamt 64 anschlagdynamische RGB-Pads. Darüber könnt ihr entweder im Notenmodus Melodien einspielen, oder im Drum-Modus wie bei einer Roland TR-909 einzelne Drumspuren im Lauflichtverfahren programmieren. Vier Endlosdrehregler geben euch zudem Zugriff auf insgesamt 16 Parameter in vier Bänken. Das ist praktisch, denn so hat man im Studio oder bei Live-Sessions die wichtigsten Parameter immer im Zugriff.

UPDATE: Mittlerweile gibt es den Akai Pro Fire nur noch gebraucht. Wenn ihr euch für den Controller interessiert, solltet ihr hier also auch gleich noch die FL Studio Lizenz mit einplanen. Falls ihr die bereits habt, ist der Fire aber eine super Empfehlung.

Nektar Impact LX-Serie

Obwohl die Impact-LX-Serie von Nektar optisch eher unscheinbar daherkommt, stellt sie gerade für FL Studio User eine echte Alternative zu den Controllern der Big Player Novation, M-Audio etc dar. Denn Nektar hat auf die Wünsche der User reagiert und bietet als einer der wenigen Hersteller eine umfangreiche Plug-and-Play-Integration in FL Studio an.

Auch sonst ist die Ausstattung hier solide: Mit einer guten Auswahl an Pads, Potis und Fadern, dazu einer anschlagdynamischen Tastatur, sowie fünf Speicherplätzen für eigene Konfigurationen ist die Nektar-Serie ein idealer FL Studio Controller für Einsteiger. Das spiegelt auch der geringe Preis wider. Denn für gerade mal 149 € bekommt man einen gut ausgestatteten Keyboard-Controller mit 61 Tasten, mit dessen Fadern und Drehreglern auch Zugriff auf die wichtigsten Parameter in FL Studio hat.

Novation Launchkey mini mkIV

Mit dem Launchkey mini mk3 hat Novation einen flexibel ausgestatteten Minikey-Controller im Sortiment. Zwar punktet dieser Controller besonders im Zusammenspiel mit Ableton Live. Er lässt sich aber mit etwas Zuweisungen auch hervorragend mit FL Studio verwenden.

Das kompakte Gerät bietet acht Drehregler, 16 RGB Pads mit Anschlagdynamik, Transporttaster und eine okaye Tastatur. Natürlich lassen sich auf den 25 Minitasten keine virtuosen Sprünge erzielen. Als Sketchpad für eigene Ideen reicht es aber allemal. Zumal Novation in ihr Launchkey mini mkIV sogar noch einen Arpeggiator eingebaut hat.

Dank MIDI Ausgang kann man sich mit dem Launchkey Mini MKIV übrigens ein weiteres MIDI-Interface sparen, falls man vorhat auch externe MIDI-Klangerzeuger mit FL Studio anzusteuern.

Novation Launchpad Pro MK 3

Damit komme ich zum Novation Launchpad Pro MK3. Dieser Controller ist ideal für Beat-Produzenten und Finger Drummer. Denn die 64 anschlagdynamischen Pads mit RGB-Hintergrundbeleuchtung reagieren nicht nur präzise auf Anschlagdynamik, sondern bieten auch Aftertouch.

Das Launchpad Pro MK3 eignet sich zudem auch gut zur Steuerung von FL Studio, da es direkt von der DAW unterstützt wird. So habt ihr in unterschiedlichen Modi Zugriff auf Mixer-Einstellungen, Session-Parameter oder Sound-Einstellungen.

Da wir gerade bei den Modi sind: Auch zum Einspielen eigener Melodien bietet das Launchpad unterschiedliche Ansätze. So findet sich etwa neben dem klassischen Drum-Pad-Layout auch ein Keyboard-Mode. Damit werden vier Oktaven untereinander im Grid abgebildet. Falls man eine richtige Klaviatur sucht, ist das Launchpad Pro MK3 sicherlich kein Ersatz. Jedoch inspiriert das ungewöhnliche Layout der Klaviatur zu Melodien, die man auf diese Weise niemals mit einer Klaviatur gespielt hätte.

Arturia Keystep Pro

Arturia bietet mit dem Keystep Pro eine umfangreiche Controller-Station, mit der sich ein kompletter Gerätefuhrpark fernsteuern lässt. Zwar ist der Keystep Pro nicht speziell auf FL Studio ausgerichtet. Trotzdem empfehle ich ihn vor allem Produzenten, die sich einen soliden Hardware-Park um FL Studio herum aufbauen.

Denn genau hier spielt der Keystep Pro seine Stärken aus. Natürlich kann man ihn auch als Controller verwenden. Mit den 37 gut spielbaren Minitasten mit Anschlagdynamik und Aftertouch, sowie den fünf Drehreglern und Transporttastern lässt sich FL Studio bequem fernsteuern.

Richtig lustig wird es meiner Meinung nach aber erst, wenn man von den massiven Sequencer-Möglichkeiten des Keystep Pro Gebrauch macht. So könnt ihr gleichzeitig mehrere externe Analog- oder Digitalsynths anspielen, während ihr Drums von FL Studio mit dem Sequencer des Keystep Pro abfeuert. Damit ist Arturias Controller für mich definitiv der heißeste Kandidat für Hybrid-Studios und Live-Sessions.

Die besten MIDI Controller für FL Studio – Fazit

Obwohl man grundsätzlich jeden MIDI-Controller an FL Studio anpassen kann, erleichtern einem bereits zugewiesene Controller den Alltag erheblich. Während Nektar mit der LX+-Serie günstige Allrounder im Portfolio hat, sschickt Akai Pro mit dem Fire einen Controller ins Rennen, der perfekt auf FL Studio zugeschnitten ist. Beide Controller verzichten jedoch auf einen MIDI-Ausgang, sodass zur Integration externen MIDI-Hardware ein weiteres Interface angeschafft werden muss. Aber wenn ihr ohnehin In-the-Box arbeiten wollt, sind beide Modelle aber eine gute Empfehlung.

Sowohl Novations Launchkey FLKey-Serie als auch Launch Pad Pro 3 fügen sich gut in FL Studio ein. Durch die direkte Integration der FLKey-Serie sind diese für komplette Einsteiger möglicherweise die derzeit beste Wahl, wenn man eine Kombination aus Tastatur und Bedienelementen für FL Studio sucht. Trotzdem sind beide eine gute Empfehlung, wenn ihr viele Features auf sehr geringem Raum benötigt. Die Verarbeitungsqualität ist top und als Pad-Controller lassen die guten Pads des Launchpad Pro die Mitbewerber klar hinter sich.

Der Keystep Pro schließlich eignet sich als zentrale Steuereinheit für hybride Studios. Hierüber lässt sich nicht nur FL Studio steuern, sondern auch externe MIDI-Synthesizer und selbst komplett analoge Modularsysteme einbinden. Falls ihr so ein Studio plant, empfehle ich den zusätzlichen Aufwand der Einrichtung.

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Einer der am häufigsten eingesetzten Effekte in elektronischer Musik ist neben dem Reverb das Delay. Hiermit lassen sich spannende rhythmische Strukturen erzeugen, Signale breiter im Mix verteilen oder räumliche Tiefe erzeugen. Gleichzeitig dürften Delays auch zu den Effekten gehören, bei denen die Auswahl am größtem ist. In diesem Artikel sehen wir uns daher an, welches die besten Delay PlugIns für Techno, Ambient und andere Genres elektronischer Musik sind. Wer lieber auf Hardware setzt, dem sei der Artikel „die besten Hardware Delays für Synthesizer“ ans Herz gelegt.

Delay PlugIn für elektronische Musik: Worauf sollte man achten?

Vorweg: Im Prinzip lässt sich jedes Delay verwenden, es kommt vielmehr auf den Einsatz an. Wollt ihr treibende Dub Chords mit dem Delay aufwerten, wird ein BBD oder Tape Delay das Mittel der Wahl sein. Wenn ihr eure Percussion-Sounds um eine zusätzliche rhythmische Ebene erweitern wollt, kann ein Delay richtig sein. Das färbt den Klang zwar nur minimal, bietet dafür aber zahlreiche Möglichkeiten, die unterschiedlichen Wiederholungen zeitlich gegeneinander zu verschieben. Experimentelle Delays fürs Sounddesign wiederum sollten möglichst viele Parameter und Modulationsmöglichkeiten aufweisen.

Jetzt habt ihr im Prinzip zwei Möglichkeiten. Entweder, ihr packt euch unzählige Delay-Varianten auf den Rechner, bei der für jeden Einsatzzweck ein paar Alternativen bereitstehen. Oder ihr konzentriert euch stattdessen auf eine überschaubare, aber hochwertige Auswahl an flexiblen Alleskönnern und Spezialisten.

Da ich ein Freund von minimalen Setups bin, ziehe ich klar den zweiten Ansatz vor. Besser, man beschäftigt sich mit wenig Equipment viel, als mit einer großen Auswahl wenig.

Valhalla Delay – Das Delay PlugIn für alle Anwendungen

Den Auftakt dieser Bestenliste macht dann auch das „Delay“ von Valhalla DSP. Für gerade mal 50 € bietet dieses Delay VST nicht nur einen extrem guten Klang, sondern deckt mit verschiedenen Algorithmen ein breites Spektrum an Delay-Variationen ab. Darunter finden sich klassische Tape Delays ebenso, wie analoge BBDs und HiFi-Varianten.

Die Anzahl der Parameter ist überschaubar genug, um das Delay schnell zu begreifen. Gleichzeitig sind aber sowohl Skalierung als auch Auswahl der Parameter umfangreich und perfekt aufeinander abgestimmt, um das Delay problemlos in DAW-basierten Livesetups einzusetzen.

Softube Tape Echoes

Mit Softubes Tape Echoes haben wir den ersten Spezialisten in dieser Liste. Wie man es nicht anders von Softube erwartet, klingt die Emulation eines analogen Bandechos ausgezeichnet. Wobei „ein“ analoges Bandecho den Kern nicht genau trifft. Denn Softube fusioniert mit Tape Echoes die Eigenschaften mehrerer Bandecho-Legenden, darunter Roland Space Echo, WEM Copicat, sowie Echoplex. Allerdings ist dieses Delay PlugIn auch recht anspruchsvoll, was die CPU-Leistung betrifft und bildet unter diesem Aspekt das obere Mittelfeld der hier vorgestellten VSTs.

Wer über einen einigermaßen aktuellen Rechner verfügt, wird mit edlem Sound belohnt. Oder besser gesagt: Er erhält eine wunderbar schmutzig klingende Emulation analoger Tape-Delays inklusive überzeugendem Sättigungsverhalten, das selbst in der Selbstoszillation noch authentisch klingt. Wer richtig ausrasten möchte, kann mit hohen Wow- und Flutterwerten die typschen Leiereffekte erzeugen, wie man sie in vielen Ambient- und Dub-Tracks findet.

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Audiothing Outer Space

Das Audiothing Outer Space ist der zweite Spezialist in dieser Sammlung. Ähnlich wie Softube Tape Echoes hat sich Audiothing beim Outer Space ein Bandecho zum Vorbild genommen. In diesem Fall handelt es sich aber um die virtuelle Emulation des legendären Roland Space Echo RE-201.

Das Outer Space sieht nicht nur gut aus, auch die klangliche Umsetzung ist Audiothing sehr gut gelungen. An einigen Stellen sinnvoll erweitert, bietet das Outer Space trotz seiner Vintage-Ausrichtung genügend moderne Features, um sich einen Platz in aktuellen Produtionen zu sichern.

Möchte oder kann man sich das Original nicht leisten, erhält man mit dem Audiothing einen ordentlichen klanglichen Ersatz. Auf das Retrofeeling eines laufenden Bands und das besondere haptische Feedback eines echten RE-201 muss man logischerweise verzichten.

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Soundtoys EchoBoy: Von klassischen Emulationen bis hin zu komplexen Rhythmen

Auch das EchoBoy widmet sich der Emulation klassischer Delays, geht aber mit dem Rhythm Echo Mode noch darüber hinaus. Dieses Delay VST bietet neben dreißig unterschiedlichen Delay-Modellen umfangreiche Sounddesign-Optionen, die von Filtern über verschiedene Sättigungsalgorithmen bis hin zu Tape Flutter und Diffusion reichen.

Im Rhythm Echo Modus spielt dieses Delay PlugIn eine weitere Stärke aus: nach dem Wechsel in diese Betriebsart kann man die einzelnen Verzögerungen frei in einem rhythmischen Grid einzeichnen. Frei bedeutet hier, einerseit die einzelnen Wiederholungen in einem frei definierten Taktraster platzieren zu können. Andererseits ist es möglich, für jede Wiederholung zusätzlich noch die Lautstärke einzustellen.

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d16 Group Repeater

Das Delay-Plugin Repeater der D16 Group vereint 23 unterschiedliche Delay-Modelle. Darunter finden sich neben einer umfangreichen Auswahl an Klassikern wie Space Delay, Memory Man oder Lexikons PCM 42, auch Exoten wie etwa einem Oil Can Delay.

Einzelne Effektalgorithmen lassen sich im Vergleich zu etwa einem Soundtoys EchoBoy nicht so detailliert bearbeiten. Die Flexibilität erzielt man hier über die vielen Delay-Modelle.

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Fabfilter Timeless 3

Wer es auf möglichst hohe Flexibilität beim Delay-Sounddesign anlegt, sollte sich das Timeless 3 von Fabfilter ansehen. Fabfilter gehört zu meinen absoluten Favoriten, wenn es um hervorragend klingende PlugIns geht. Und auch beim Timeless 3 hat das Unternehmen wieder abgeliefert.

Denn das Timeless 3 bietet einen satten Analogklang, dessen Charakter auf alte Bandechos zurück geht. Allerdings erweitert um Features wie verschiedene Filtermodelle und rhythmische Patterns mit bis zu 16 Delay-Taps.

Ein weiteres Highlight des Timeless 3 ist die flexible Modulationsmatrix, die User von anderen Fabfilter-Plugins wie etwa Saturn bereits kennen. Das Feld unterhalb des eigentlichen GUI beherbergt eine Modulations-Spielwiese, die man fast als kleines Modularsystem bezeichnen kann. Modulationsquellen lassen sich bequem per Drag & Drop nahezu völlig frei den unterschiedlichen Sound-Parametern zuordnen.

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Der Delay-Geheimtipp für Dub: Pulsar Echorec

Das Echorec von Pulsar ist im Bereich elektronischer Musik sicher nicht ganz so bekannt wie die meisten anderen Delay VSTs in dieser Liste. Denn bei diesem Delay Plugin handelt es sich um eine authentische Reproduktion des italienischen Binson Echorec 2, das vor allem im Gitarrenbereich ein gesuchter Exot ist.

Im Gegensatz zu Tape-Delays oder BBDs basiert das Binson Echorec auf einer magnetisierbaren Metallscheibe, wodurch es auch klanglich in eine interessante andere Richtung geht.

Gerade durch die Kombination aus Selbstoszillation bei hohen Feedback-Werten und dem Drive-Regler entstehen interessante harmonische Verzerrungen. Diese eignen sich wunderbar für Dub Sounds oder als Sättigungsstufe für digitale Sounds. Falls ihr auf der Suche nach einem exotischeren Delay-Plugin seid, das durch analoge Wärme überzeugt, dann solltet ihr euch unbedingt einmal das Pulsar Echorec ansehen.

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Fazit: Delay Plugin für Techno, Ambient und co. – die besten Delay VSTs

Und damit kommen wir zum Fazit unser Best-of Delay VSTs. Egal wie groß die Effektsammlung auf eurem Rechner ist, diese drei Kandidaten sollten auf keinen Fall fehlen. Zum einen ist da das fantastische Delay von Valhalla DSP, das mit Flexibilität, Klang und Live-Tauglichkeit auf ganzer Linie überzeugt.

Zum anderen das EchoBoy von Soundtoys. Echoboy erzeugt mit seinen frei einstellbaren Delay-Zeiten auch rhythmisch komplexe Pattern, die so mit vielen anderen Delays nicht möglich sind. Klanglich liefert es ebenso ab, nur ist hier der Preis von rund 200 € bereits recht sportlich für ein Delay. Daher lohnt es sich bei Soundtoys auf eine der vielen Sonderaktionen zu warten. Denn dann gibt es das Delay häufig schon für die Hälfte oder weniger.

Nummer drei ist Fabfilter Timeless V3. Zwar verlangt dieses Delay Plugin Einsteigern aufgrund der Flexibilität möglicherweise etwas mehr an Einarbeitung ab. Allerdings ist diese Lernkurve durch die Möglichkeiten und den großartigen Klang mehr als gerechtfertigt.

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Neben TB-303, Minimoog, TR-808 und TR-909 hat auch der Roland SH-101 den Sound der elektronischen Musik maßgeblich mitgeprägt. Durch den runden Klang, der bei fast allen Einstellungen immer gut klingt, konnte sich der SH 101 eine große Fangemeinde aufbauen. Und so überrascht es nicht, dass originale Modelle auf dem Gebrauchtmarkt stetig im Preis steigen. Wer auch mit einem Roland SH-101 Clone leben kann, findet heutzutage zum Glück etliche gute Alternativen, sei es in Hardware-Form oder als SH-101 VST. Die besten davon zeigt diesere Artikel.

• Die besten SH-101 Hardware-Clones
  • Behringer MS-1: Analoger SH-101 Clone
  • Roland SH-01a
  • Roland S-1
  • Donner L1 Essential
  • Intellijel Atlantix
• Die besten Roland SH-101 VST PlugIns
  • D16-Group-LuSH-2
  • Softube Model 82
  • TAL Bassline 101
  • Roland Cloud SH-101
• Fazit: Die besten SH-101 Clones

Roland SH-101 Clones: Hardware

Kommen wir zunächst zu den Hardware-Alternativen. Im Gegensatz etwa zu einer TB-303 gibt es vom SH-101 nicht ganz so viele Varianten, aber letztlich ist ja nicht die Quantität, sondern die Qualität entscheidend.

Behringer MS-1: Analoger Roland SH-101 Clone

Den Auftakt macht Behringer, der mit dem MS-1 einen SH-101 Clone auf den Markt gebracht hat, der dem Original zumindest in seiner Erscheinungsform am nächsten kommt.

Auch klanglich gibt es hier sehr viele Überschneidungen. Abstriche muss man beim MS-1 vor allem beim Noise machen, das hier deutlich heller klingt als beim originalen SH-101. Der VCOs ist ingesamt sehr gut getroffen, ebenso wie das Filter. Wenn aber alle Elemente – also auch Envelope und LFO – in Kombination miteinander genutzt werden, tendiert der MS-1 von Behringer zu einem etwas härteren Klang. Das sind nur Nuancen, aber diese herrliche Melancholie des Originals fehlte mir beim MS-1 einfach. Ebenso fehlt dem MS-1 die Portamento-Option des Originals, bei der Portamento ständig aktiv ist.

Andererseits bietet der MS-1 einige Mods (Nova Mod mit FM) und Speicherplätze für eigene Sequenzen, die man beim Original erst nachrüsten müsste. Wem das wichtiger ist als eine maximal authentische Nachbildung, kann bedenkenlos zur Behringer-Variante greifen.

Der Behringer MS-1 macht einen hervorragenden Sound, aber wenn das Ziel ist, möglich nah am Original zu sein, konnte mich Rolands SH-01a sogar etwas mehr überzeugen. Und das, obwohl es sich hierbei um einen digitalen SH-101 Clone handelt.

Übrigens steht mit dem Behringer MS-1 MKII bereits ein Nachfolger mit angeblich verbesserten Bauteilen in den Startlöchern. Ich bin schon gespannt, wie sich dieser schlägt.

Roland SH-01a

Der zweite SH-101 Clone kommt aus dem Hause Roland selbst. Zwar ist das winzige Boutique-Format nicht jedermanns Sache, der SH-01a bringt, rein aufs Sounddesign bezogen, dennoch den SH-101 Workflow gut rüber. Wichtiger aber ist, dass der SH-01a auch klangleich eine sehr gute Figur macht. Gerade bei eher weichen und melancholischen Sounds finde ich den SH-01a sogar am überzeugendsten von den Hardware-Clones.

Zusätzlich bietet der SH-01a bis zu vierfache Polyfonie, Unisono und erweiterte LFO-Schwingungsformen. All das ergibt mit dem tollen Grundsound richtig Sinn, weshalb ich den Roland SH-01a auch als polyfonen Sweetspot-Synth sehr gerne einsetze.

Nicht ganz so wichtig, aber immerhin erwähnenswert ist, dass der Boutique-Synth sein eigenes USB-Audiointerface mitbringt und auch im kleinsten Reisegepäck noch Platz findet.

Roland S-1

Noch kleiner, günstiger, flexibler als der SH-01a – und zudem mit ebenso gutem Sound – ist der Roland S-1 Aira Compact zu haben. Wer keine Probleme mit Kleinstgeräten hat, findet hier eine überzeugende Lösung. Der S-1 besitzt alle Features des SH-01a und erweitert dessen Klangerzeugung auf Oszillatorebene.

Zusätzlich gibt es interne Effekte – also eine ideale Packung für den Live-Einsatz. Allerdings fehlen hier die praktischen Fader, die für mich persönlich einen wesentlichen Teil des SH-101-Workflows ausmachen.

Donner L1 Essential

Klanglich weiß auch der Donner L1 Essential zu überzeugen: Mit dem bauchigen Rechteck gelingen schnell typische Acidlines, Sägezahn und Suboszillator erzeugen mit etwas Pitch-Modulation sofort BoC-Vibes, und dank Dreieck sind auch schiebende Subbässe schnell umgesetzt.

Das Filter klingt auch bei hohen Resonanz-Werten gut und die 64 Steps lassen sich intuitiv programmieren. Beides sind Punkte, die ich etwa beim Behringer MS-1 im Vergleich nicht vollends überzeugend fand. Auch die zweite Hüllkurve, sowie zusätzliche Pitchmod über die Hüllkurve sind eine willkommene Ergänzung.

Für das gleiche Geld des Donner L1 Essential bekommt man allerdings auch einen Roland SH-01a oder die noch kleinere Variante Roland S-1. Beide bieten Polyfonie und Speicher, sind aber nicht analog und man macht bei der Größe Workflow-Abstriche.

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▶ Donner L1 Essential Test

Intellijel Atlantix

Vorweg: Das Atlantix-Modul von Intellijel ist von den hier vorgestellten SH 101 Clones am weitesten vom Klang eines SH-101 entfernt. Da sich das Modul an vielen Stellen aber stark am Workflow des SH-101 orientiert und hier und da klangliche Nähen bestehen, wollte ich es als Alternative fürs Eurorack-System mit aufnehmen.

Denn der Sound des Intellijel Atlantix ist durchaus kraftvoll, wenngleich härter als der des SH-101. Bauchige Pulswellen und Acidgezwitscher liegen ihm ebenso, wie komplex modulierte Experimentalsounds. Hier bietet das Atlantis-Modul dank der vielen Patchpunkte und des schnell schwingenden LFOs ein immenses Potential. Wer es also nicht allzu genau mit dem SH-Sound nimmt, bekommt hier guten Workflow mit zahlreichen klanglichen Déjà-vus.

Die besten Roland SH-101 VSTs

Falls ihr ein DAW-basiertes Studio betreibt oder schlicht kein Budget oder Platz für einen Hardware SH-101 Clone vorhanden ist, gibt es auch einige gute SH-101 VST Alternativen. Das sind die besten SH-101 Plugins.

D16 Group LuSH-2

Mit dem Lush-2 hat D16 Group sein schickes SH-101 VST „LUSH-101“ noch einmal kräftig erweitert. Der ohnehin schon gute Sound wurde mit dem Nachfolger noch ein gutes Stück verbessert und um etliche Funktionen erweitert. LuSH-2 bietet einen authentischen Sound, punktet aber vor allem durch die umfangreichen Zusatzfeatures. Dazu zählen zahlreiche Moddings, eine umfangreiche Modulationsmatrix, Polyphonie und sogar Multitimbralität. Der Klang ist überzeugend, wenngleich Softube mit dem Model 82 noch ein Stück näher am Original ist.

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Softube Model 82: Authentisches SH-101 VST

Der jüngste SH-101 VST Clone kommt von Softube, die ihr ursprünglich auf Effekte und Dynamikprozessoren fokussierte Portfolio, sukzessive um gut klingende Synthesizer-Plugins erweitern.

In dieser Tradition steht auch das Softube Model 82: Hier hat man sich schnörkellos an der Architektur des Originals orientiert. Hier gibt es ebenso wenig Polyfonie, wie klangliche Erweiterungen, mal abgesehen von Velocity, Aftertouch, Doubling und einem Overdrive-Regler.

Dafür liefert das Model 82 den Klang, der von allen hier vorgestellten Clones den des Originals am stärksten trifft. Runde Bässe, hohle Pulswellen-Leads und zwitschernde Acid-Lines sind mit dem Model 82 kein Problem. Bestimmt kann man in extremen Settings noch Unterschiede herauskitzeln. Einen Blindtest zwischen SH-101 und Model 82 zu bestehen würde ich mir aber nicht zutrauen. Das gilt allerdings auch für die gute Emulation von TAL, die im nächsten Abschnitt vorgestellt wird.

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TAL-Bassline-101: SH-101 Plugin zum Budget-Kurs?

Wenn man mal Rabattaktionen außen vor nimmt, bietet TAL das günstigste SH-101 VST Plugin auf dem Markt. Der Entwickler konnte bereits mit anderen Emulationen überzeugen und liefert auch mit der TAL-Bassline-101 wieder ab. Neben typischen Acid-Leads und SH-101-Bässen ist es vor allem die melancholisch-weiche Tiefe, die dieses SH-101 VST deutlich besser nachbildet, als etwa die Cloud-Variante von Roland.

Im direkten Authentizitätswettlauf liegt für mich das Softube Model 82 zwar noch eine Atomnasenlänge davor. Im Gegensatz zu diesem stattete TAL die Bassline-101 dafür mit Polyfonie, Filter FM und VCO-FM, sowie vielen anderen sinnvollen Tweaks aus, die dem Model 82 fehlen. Für mich wären das im direkten Wettbewerb mit dem Model 82 überzeugende Argumente, die für das Plugin von TAL sprechen. Denn der SH-101 klingt polyfon einfach super und die Erweiterungen ergeben klanglich total Sinn.

Alternativ könnte man natürlich auch mit der TAL-Version starten und bei einer der zahlreichen Rabattaktionen von Softube sich dann das derzeit authentischste SH-101 VST mit Retrofeeling ins virtuelle Studio holen.

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Zur Webseite TAL Bassline 101

Roland Cloud SH-101

Leider kommt die schwächste Emulation in dieser Liste wieder aus dem Hause Roland, die schon mit dem TB 303 VST oder den X0X Drum Machine VSTs nicht überzeugen konnten. Schwach deshalb, da einerseits das Filter bei diesem SH-101 Plugin nicht überzeugend getroffen wurde. Die Resonanz neigt in höheren Einstellungen zu Aliasing und das Filter wirkt irgendwie aufgesetzt und nicht in den Klang integriert.

Hinzu kommt, dass man hier auf den Sequencer des SH-101 verzichtet hat, der aufgrund seiner eigenwilligen Arbeitsweise wesentlich zum Workflow beiträgt. Da helfen auch eine separate ADSR-Hüllkurve oder weitere LFO-Schwingungsformen nicht, um diese Mankos auszublenden. Zumal die Konkurrenz einfach überzeugender abliefert. Trotzdem sei Rolands Variante für die Vollständigkeit hier mit erwähnt.

Fazit: Die besten Roland SH101 Clones

Rolands SH-101 steht für legendären Sound aller Sparten elektronischer Musik. Puristen werden weiterhin nicht um das Original herumkommen, wenn sie das Gesamtpaket aus absolut identischem Workflow und Sound suchen. Für alle anderen gibt es mittlerweile einige sehr gute Alternativen. Mein Hardware-Favorit ist Rolands SH-01a der neben einem authentischen Sound auch Polyfonie und extra LFO-Schwingungsformen bereitstellt.

Bei der Wahl nach dem besten Roland SH-101 Plugin ist es schon schwieriger, einen klaren Sieger zu benennen. Geht es primär um Authentizität, sehe ich Softube Model 82 und TAL-Bassline-101 vorne, mit minimalem Vorsprung seitens Model 82. TAL wiederum bringt Polyfonie und einige Tweaks wie Filter FM mit, die den Sound erweitern. Wenn sowohl umfangreiche Flexibilität als auch guter Sound gefragt ist, kommt man am LuSH-101-2 nicht vorbei.

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Du möchtest Techno, Ambient, House oder andere elektronische Musik mit dem Computer produzieren? Wenn du noch ganz am Anfang stehst, wirst du dir neben ein paar Grundanschaffungen wie Kopfhörer, Studiomonitore oder Audio-Interface natürlich auch die Frage stellen: Welche DAW für elektronische Musik passt am besten für die eigenen Zwecke?

Zunächst empfehle ich erstmal zu schauen, was eventuell schon vorhanden ist. Denn im Lieferumfang vieler Soundkarten und Controllern findet sch bereits eine abgespeckte Version der bekanntesten DAWs. Häufig sind das Ableton Live Lite, Bitwig Studio 8-Track, Presonus Studio One Artist oder Cubase LE.

Die besten DAWs für Techno, Ambient und co.

• Ableton Live
• ImageLine FL Studio
• Cubase, Logic & Co
• Bitwig Studio
• Renoise
• Reason
• Gleetchlab Berna

Ableton Live

Ableton Live hat die elektronische Musikszene seit dem ersten Release im Sturm erobert. Der intuitive Zugang und die flexiblen Möglichkeiten setzten sich damals von den linearen Konzepten der Mitbewerber ab. Vor allem die Session-View von Ableton lädt zum jammen ein und verhält sich dabei eher wie ein Instrument. Wer es klassischer mag, kann von vornherein auch die Arrangement-View nutzen, bei der sich Ableton wie eine klassische DAW verhält, also die einzelnen Spuren in einem großen Fenster von links nach rechts wiedergibt.

Hinzu kommt noch, dass sich im Lieferumfang vieler Hardware-Produkten wie Audio-Interfaces oder MIDI-Controllern mit Ableton Live Lite eine Einsteigerversion der populären DAW findet. Viele Anfänger dürften damit auch erste Berührungspunkte haben und dann häufig bei der DAW bleiben. Zumal das Internet voll ist mit Ableton Tutorials für elektronische Musik.

Intuitiver Wokflow für elektronische Musik

Ich empfehle Ableton Live ganz klar für elektronische Musik. Der Workflow erschließt sich schnell und die Möglichkeiten sind auch nach Jahren der Nutzung noch nicht ausgereizt. Die internen Synthesizer und Sampler klingen ebenso wie Abletons Effekte sehr gut, wobei gerade bei Mastering- und Mixing-Aufgaben die Bordmittel von DAWs wie Logic noch einen minimalen klanglichen Vorsprung haben.

Im Endeffekt werden die meisten User früher oder später aber ohnehin noch spezialisierte PlugIns von Drittanbietern nutzen, insofern fällt dieser Punkt nicht so stark ins Gewicht. In Kombination mit der modularen Programmiersoftware Max4Live gibt es zudem noch eine Vielzahl an weiteren Klangerzeugern, MIDI-Tools und Effekten. Oder um es abschließend mal etwas drastischer zu formulieren: Wenn man es mit Ableton nicht schafft Produktionen auf Profi-Niveau zu erstellen, wird es wahrscheinlich auch mit anderen DAWs nicht klappen. Ich empfehle bei Ableton gleich auf die große Version „Suite“ zu gehen, da diese Max4Live und alle Instrumente / Effekte enthält. Auch wenn man vielleicht nicht gleich am Anfang alles nutzt, kommt man doch schneller an den Punkt, mehr zu wollen.

Ein kleiner Tipp: Solltet ihr noch kein Audio-Interface oder MIDI Controller besitzen, guckt mal, ob euer Wunschkandidat Ableton Live Lite im Lieferumfang hat. Ein Upgrade ist günstiger als direkt die Vollversion zu kaufen.

Herstellerseite Ableton

Imageline FL Studio

Als zweiter Platzhirsch hat sich FL Studio für elektronische Musik etabliert. Mittlerweile in der Version 20 angekommen, entstand aus der damals noch Fruity Loops genannten eine umfangreich ausgestattete DAW inklusive Synthesizern, Audio-Aufnahme, Effekten usw.

Auch wenn FL Studio optisch nach wie vor noch stark den Charme der 90er-Jahre versprüht, kann man damit hervorragende Tracks produzieren. Der Workflow orientiert sich hier etwas stärker am Groovebox-Konzept. Wer sich mit Pattern-Programmierung und Arrangement wohl fühlt, wird sich auch bei FL Studio schnell zurechtfinden. Dieses Erbe ist in der Software zwar omnipräsent, lässt sich mittlerweile aber auch gut umschiffen. Wenn man eher auf den Workflow einer klassischen DAW Wert legt, ist das mit FL Studio aber ebenso möglich.

FL Studio gibt es in verschiedenen Versionen, wobei ich für den Start die Producer Edition empfehlen würde. Hierin enthalten ist eine gute Auswahl an Klangerzeugern, Samples und Effekten. Bei dem Preis von rund 240 € erhält man zudem lebenslange Updates.

Zur Webseite von Imageline

Cubase, Logic & Co

Cubase und Logic Pro (nur für Mac) habe ich parallel aufgeführt, da sie stellvertretend für die klassischen DAWs stehen. Dazu gehören auch PreSonus Studio One, Avid Pro Tools oder Cockos Reaper. Im Gegensatz zu Ableton, Bitwig, FL Studio etc. konzentrierten sich klassische DAWs zunächst am Prinzip älterer Studios. Das äußert sich darin, dass man zunächst in einem Arrangement-Fenster arbeitet, das linear von links nach rechts durchläuft. Das gibt es zwar auch bei den anderen DAWs. Dort findet der Erstkontakt meistens aber im Session-Fenster statt, den ich durch den nicht-linearen Zugang für inspirierender halte. Das haben anscheinend auch die Entwickler traditioneller DAWs erkannt. Und so findet sich mittlerweile auch in Logic ein nicht linearer Clip-Launch-Modus wie bei Ableton oder Bitwig.

Natürlich sind die Möglichkeiten immens und die Unterschiede zwischen den DAWs meistens eher in den Details versteckt. Elektronische Musik kann man mit allen DAWs machen. Neben der linearen und nicht linearen Wiedergabe von Clips ist ein weiterer größerer Unterschied, dass meistens nur die klassischen DAWs Noten auch als Partituren ausgeben. Wie relevant das für euch ist, müsst ihr selbst entscheiden.

Audiobearbeitung

Ein weiterer erwähnenswerter Unterschied liegt in der Bearbeitung von Audio-Dateien. Das ist vor allem dann relevant, wenn man viel mit Stems arbeitet oder live mal eben einen Loop importieren möchte. PreSonus punktet hier bei Studio One Professional mit einer Integration der populären Vocal-Bearbeitungssoftware Melodyne essentials. Wenn ihr vorhabt, viel mit Vocals zu arbeiten, wäre dieses wichtige Tool dafür bereits in der DAW enthalten.

Bitwig

Bitwig hatte seinen Ursprung als Projekt ehemaliger Ableton-Entwickler. In Bitwig finden sich viele Ideen, die man im Ableton-Konzept anscheinend nicht vorgesehen hatte. Und so ist es nicht verwunderlich, dass Bitwig anfangs noch sehr stark an Ableton erinnerte, allerdings mit einigen Abweichungen im Detail.

So unterstützt Bitwig die Möglichkeit, mehrere Fenster auf einem Bildschirm darzustellen. Daher kann man hier Session- und Arrangement-Fenster auch gleichzeitig im Blick behalten, was gerade in Verbindung mit einem zweiten Monitor vorteilhaft ist. Zudem unterstützt Bitwig Touchscreens vollständig, sodass man die DAW bequem mit einem Tablet-PC oder einem Touch-fähigen Monitor ohne Mouse bedienen kann.

Im Laufe der Jahre kamen weitere Optimierungen hinzu, wie der fast komplett modulare Aufbau, der spätestens mit „The Grid“ in Version 3 perfektioniert wurde. Das gibt es zwar auch bei Ableton mit Max4Live, bei Bitwig ist diese Modularität aber fest integrierter Bestandteil der Software. Man kann also wie bei einem Modularsystem einzelne Komponenten, seien es Sequencer, Effekte oder Klangerzeuger erstellen und frei miteinander verbinden.

Bitwig ist neben Windows und Mac außerdem kompatibel mit Linux und liegt mit rund 390 € preislich im Mittelfeld.

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Renoise

Einen ganz anderen Ansatz verfolgt Renoise. Diese DAW steht in der Tradition von sogenannten Trackern. Dabei werden Instrumente, Tonhöhe , Velocity und andere Werte pro Step programmiert. Die visuelle Wiedergabe läuft hier nicht von links nach rechts, sondern von oben nach unten.

Das ist zwar ein gutes Unterscheidungsmerkmal zu anderen DAWs, für sich genommen aber noch nichts wirklich besonderes. Am Ende unterscheidet sich schließlich nur die Wiedergabedarstellung. Was den Tracker nun so außergewöhnlich macht, ist die völlig flexible Zuweisung von Samples pro Step. Man kann sich natürlich pro Track auf ein Instrument reduzieren, wie es etwa bei einer Kick spätestens im Mixing-Kontext sinnvoll sein dürfte. Richtig spannend wird es aber, wenn man pro Track komplexe Instrumenten-Arrangements aufbaut und sie nacheinander abfeuert.

In vielen Fällen werden Tracker gerne in der IDM und Breakbeat-Szene genutzt, da man mit einem Tracker extrem schnell und gut Beats neu arrangieren kann. Auch spielt hier das Zufallselement stark mit rein. Wenn man zum Beispiel die Elemente eines vorher zerschnittenen Drumloop mit jedem Step (halb) zufällig neu anordnet, entstehen sehr schnell aufregende Beats, die man beim manuellen Programmieren so nicht umsetzen würde. Gleiches gilt auch für Melodien. Wie bei einem Step Sequencer beschäftigt man sich beim Tracker gerne mal etwas länger mit einzelnen Noten und probiert herum, bis es perfekt passt.

Dieser ungewöhnliche Ansatz mag mitunter etwas fremdartig erscheinen, bringt einen auf der anderen Seite aber auch auf völlig neue Ideen. Renoise führt den Tracker-Gedanken zudem noch weiter und bietet etliche Performance-Möglichkeiten, sodass man damit auch gut auf die Bühne gehen oder entspannt jammen kann. Probiert aber vor dem Kauf auf jeden Fall einmal die Demo-Version aus.

Zur Produktseite Renoise

Reason

Reason verfolgt noch einmal einen ganz anderen Ansatz. Hier befüllt man ein virtuelles Studiorack mit Klangerzeugern, Sequenzern, Mixern und Effektgeräten. Dadurch kann man sich sein Rack frei zusammenstellen und für zukünftige Projekte speichern.

Seit der Version 9.5 ist Reason ebenfalls in der Lage, VSTs zu integrieren. Damit steht es in Sachen Flexibilität den anderen DAWs kaum nach, ist aber durch den etwas anderen Ansatz fur Umsteiger zunächst etwas gewöhnungsbedürftig. Einsteigern dürfte das aber egal sein, da jede DAW eine gewisse Lernphase voraussetzt. Hier könnte Reason sogar Vorteile gegenüber anderen DAWs haben. Durch das etwas geschlossenere Konzept ist die Gefahr nicht so groß, zu schnell den Fokus zu verlieren.

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Zur Webseite Reason Studios Reason

Gleetchlab – Berna

Elektronische Musik ist längst nicht nur auf den Club beschränkt, sondern hat ihren Ursprung vor rund hundert Jahren. In den 50er Jahren des letzten Jahrhunderts wurde über den Globus hinweg intensive Klangforschung betrieben. Damals noch mit dem akademischen Charme eines Messlabors, entstanden dort aufwändige Klanglandschaften.

Für Ambient- und Drone-Künstler, aber auch für alle, die sich für die Historie elektronischer Musik interessieren, hat Gleetchlab diesen Ansatz virtuell umgesetzt. Die Software Berna bietet etliche Oszillatoren, Rauschen, Bandpassfilter, rudimentäre Impulsgeber usw. Zusätzlich gibt es einen Federhall, Bandecho und eine Vierspur-Bandmaschine, um seine Kreationen authentisch festzuhalten.

Berna ist definitiv keine Software, um schnell mal intuitiv ein paar Beats umzusetzen. Trotzdem ist Berna als Exotentipp eine tolle Möglichkeit, die Komfortzone in seinem Studio zu verlassen. Zumal man das virtuelle Experimentalstudio „Berna“ bereits für 12 € bekommt.

Fazit – Die besten DAWs für elektronische Musik

Die beste DAW für elektronische Musik gibt es nicht. In erster Linie muss die Software zu eurem Workflow passen und da hilft es meiner Meinung nach nur, ein paar Proberunden zu drehen. Für den Start würde ich einerseits gucken, was eventuell schon vorhanden ist. Viele Audio-Interfaces und Controller enthalten bereits abgespeckte Intro-Versionen verschiedener DAWs. Sollte das noch nicht vorhanden sein, würde ich mir erst einmal Demo-Versionen zulegen und gucken, ob einem die Software überhaupt zusagt.

Am Anfang sind vor allem so banale Dinge wie Look & Feel, Performance oder schlicht die Kompatibilität mit dem genutzten Betriebssystem entscheidend. Wenn euch also FL Studio mehr zusagt als etwa Cubase, Bitwig euch optisch besser gefällt als Ableton, dann geht erstmal diesen Weg und lernt, die DAW zu nutzen. Das angelernte Wissen ist weitgehend übertragbar, solltet ihr euch einmal doch für eine andere DAW entscheiden. Am wichtigsten ist es aber, dass ihr erstmal Spaß am Musikmachen habt und dadurch am Ball bleibt. Alles andere sind nur Werkzeuge.

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Dieser Artikel stammt aus dem Buch „Elektronische Musik produzieren – Die größten Fehler, Sounddesign und Tipps für erfolgreiche Clubtracks“. Weitere Infos zum Buch gibt es hier.

Kicks layern – worauf kommt es an?

Die Kick in der elektronischen Musik setzt sich meistens aus mehreren Komponenten zusammen: dem tieffrequenten Bassanteil, einem tonalen Mittenbereich und einem Klicken ganz am Anfang des Zeitverlaufs. Viele Produzenten machen sich das zunutze, indem sie sich ihre Traumkick einfach aus verschiedenen Samples zusammenbauen. Diese Frankenstein-Kick kann also den Boom eines Sinusoszillators, die Mitten einer akustischen Kick und als Topping ein lediglich kurz angerissenes Rimshot-Sample nutzen.

https://www.thomann.de/de/d16_group_punchbox.htm?offid=1&affid=397Der Trick besteht nun darin, die drei Samples per Layering übereinander zu legen. Dabei isoliert man mit Filtern immer genau die Frequenzanteile, die vom jeweiligen Sample übernommen werden soll. Die meisten Drumsampler sind in der Lage mehrere Samples auf eine Note zu legen. Alternativ könnte man drei Clips gleichzeitig abspielen und das entstehende Signal resamplen. Noch einfacher geht das ganze mit spezialisierten Drum-Plugins wie D16 Punchbox, Ableton-Drum-Racks oder in Hardwareform mit Drum-Computern wie dem Rytm von Elektron, die analoge Klangerzeugung und Sample-Engine kombinieren können.

In unserem fiktiven Beispiel der Frankenstein-Kick kann der Sinus als Basis so bleiben. Denn Obertöne, die wir entfernen müssten, besitzt diese Schwingungsform nicht. Bei der akustischen Kick beschneiden wir die tiefen und oberen Frequenzen so weit, bis sich die verbleibenden Mitten nicht mehr mit den Frequenzen des Sinus oder unserem Topping beißen. Final setzen wir bei unserer Rimshot ein Hochpassfilter an und lassen nur noch die Obertöne durch, die wir für unseren perfekten Attack benötigen. Der Vorteil an dieser nicht ganz simplen Methode ist, dass ihr die volle Kontrolle über jedes einzelne Element eurer Kick habt. So könnt ihr den Sinus mit einer entsprechenden Hüllkurve länger stehen lassen als den Rest oder beglückt die Mitten eurer Kick mit etwas Distortion.

Welche EQ-Einstellung, um die Techno Kick fetter zu machen?

Ob ihr ein vorhandenes Kickpreset verwendet oder die Kick per Layering / Synthese aufbaut: Eine Nachbearbeitung ist auf jeden Fall angesagt. Fast immer kommen dabei EQ und Kompressor zum Einsatz. Der EQ hilft dabei, unnötige Frequenzen herauszuschneiden und dezent klangliche Akzente zu setzen.

Je nach elektronischem Genre übernimmt die Kick gleichzeitig den Basspart. In diesem Fall könnt ihr alle Spuren außer der Kick ruhig unter 100 Hz mit einem Low Cut beschneiden, damit sich die Instrumente nicht gegenseitig in die Quere kommen. Um den Bassbereich der Kick zu betonen, boostet ihr die Frequenzen um 40 – 80 Hz mit einem EQ. Idealerweise zielt ihr dabei auf den Grundton der Kick.

Soll der Bass-Lead den Tieftonpart in deinem Track übernehmen, müsst ihr umgekehrt die Kick im Tieftonbereich beschneiden und die tiefen Frequenzen des Basssounds mit einem EQ anheben. In diesem Fall könnt ihr die Kick bei ca. 120 Hz schmalbandig mit einem Peak-EQ betonen. Eine Absenkung der Frequenzen bei 200 bis 350 Hz bewirkt, dass die Kick insgesamt trockener klingt.

Störende Frequenzen ermittelt man, indem man mit einem stark verstärkten schmalbandigen EQ langsam den Bereich abscannt. Sobald der Kick-Sound anfängt zu klingeln bzw. zu zerren, habt ihr die Frequenz gefunden. Jetzt kehrt ihr den Vorgang wieder um und senkt die Frequenz breitbandig moderat (um ca. 6dB) ab. Unterhalb von 150 Hz sollten Kick und Bass mono sein. Das lässt sich recht einfach mit speziellen Plugins wie Fabfilter Q3 oder dem Utility-Tool von Ableton umsetzen.

Wie wird die Kick nachbearbeitet?

Mit dem Kompressor verdichtet ihr das Klangmaterial, arbeitet die Attackphase stärker heraus und macht die Kick dadurch voluminöser. Beim Kompressor solltet ihr auf eine längere Attack- und eine kurze Releasezeit achten. Dadurch wird der Anschlag der Kick nicht negativ von der Komprimierung beeinflusst und die Kick bekommt insgesamt mehr Druck. Ein Ratio-Wert von 4:1 bis 8:1 sollte in den meisten die besten Ergebnisse bringen. Threshold – also der Wert, ab dem der Kompressor anfängt zu arbeiten – ist abhängig von der Stärke des Eingangssignals. Hier müsst ihr einfach etwas experimentieren, bis euch das Resultat gefällt.

Am Ende der Kette könnt ihr der Kick noch mit Distortion zu Leibe rücken. Dezent eingesetzt verleiht es dem Sound zusätzliche Obertöne, wodurch die Kick im Mix noch präsenter wird. Im Techno geht man gerne etwas stärker in die Sättigung, wodurch die Kick noch aggressiver erscheint.

Zur Verzerrung finden sich eine Menge Werkzeuge. Ob es Distortion, Overdrive oder eine Bandsättigungs-Emulation sein soll, bleibt eurem Geschmack überlassen. Sehr gut für diesen Zweck ist das Freeware-Plugin Saturation Knob von Softube. Mit wenigen Parametern und exzellentem Sound kommt man hiermit schnell zum Ziel.

Gerüchten zufolge „leihen“ sich einige bekannte Künstler ihre Kicks gerne mal aus anderen erfolgreichen Produktionen für die eigenen Tracks aus. Rechtlich ist das wahrscheinlich keine Grauzone mehr, aber ihr könnt dieses Verfahren für eigene Produktionen ja mal ausprobieren und bei Gefallen die Kick nachbauen.

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D16 Group Nepheton 2: TR 808 VST auf Steroiden

Dramaturgisch nicht optimal, beginne ich diese Liste direkt mit meinem Favoriten. Aber so spart ihr euch unter Umständen wertvolle Zeit und könnt direkt mit einem TR 808 Highlight für eure DAW starten.

Wie schon beim Drumazon 2 – dem TR 909 Plugin – stattet die D16 Group deren TR 808 VST Clone mit einer umfangreichen Effektsektion aus, bietet flexibles Routing, und einen intuitiv bedienbaren, aber dennoch flexiblen Sequencer.

Fast entscheidender ist jedoch die aufgebohrte Engine. Und ich spreche nicht von dem zusätzlichen „Laser Electro-Zap“ Track, der zwar immens praktisch für dieses Genre ist, aber eigentlich nicht zum Repertoire der TR 808 gehört.

Bei Nepheton 2 wurden die meisten Drum-Instrumente um sinnvolle Parameter erweitert, ähnlich wie bei einer heftig gemoddeten TR-808. Dazu gehören etwa Sweep bei der Kick, Zugriff auf die BP-Frequenz bei den Cymbals, sowie Decay und Snappy bei den Toms. Zusätzlich bietet jede Drum-Spur nebst Kompressor noch einen EQ. Wem das nicht reicht, kann die einzelnen Tracks in zwei Send-Wege schicken und mit Effekten anreichern. Um dem Ganzen am Ende noch den finalen Schliff zu geben, verfügt Nepheton 2 über eine gut klingende „Mastering“-Sektion mit Multiband-Kompressor und Limiter.

Dadurch sind mit Nepheton 2 nicht nur typische Oldschool-Vibes schnell umgesetzt. Auch zeitgenössische Produktionen sind problemlos möglich, eine umfangreiche Auswahl gut klingender Presets rundet die Ausstattung ab. Klare Empfehlung!

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Roland Cloud TR-808: Authentische Nachbildung?

Das zweite TR 808 VST kommt von Roland selbst. Wer hier aufgrund der Historie als Entwickler des Originals den Platzhirsch vermutet, wird unter Umständen enttäuscht sein. Zwar klingt das Roland Cloud TR-808 Plugin durchaus ordentlich. Aber im Vergleich mit dem Nepheton 2 klingt die Cloud TR-808 auch nicht überzeugender. Zudem liegt diese preislich noch über der Variante der D16 Group, bei gleichzeitig geringerem Funktionsumfang.

Nun stellt sich die Frage, wer sich überhaupt für die Roland Cloud TR-808 entscheiden soll. Die Roland-Variante hat den Vorteil weitgehend auf die Features der Originalvorlage reduziert zu sein. Damit geht klanglich zwar nicht so viel wie bei Nepheton 2, aber man ist unter Umständen auch schneller, weil die ganzen Features der Nepheton 2 hier nicht im Weg stehen. Als Argument fänd ich das für meinen Workflow nicht ausreichend, aber letztlich muss das jeder für sich entscheiden.

Der zweite Grund wäre das Vorhandensein einer Roland-Cloud Ultimate Mitgliedschaft. Hier wäre das TR-808 VST inkludiert, aber auch eine monatliche Zahlung von rund 20 € fällig. Sobald man wieder aus dem Abo-Modell aussteigt, ist auch die Nutzungsmöglichkeit passé.

Wave Alchemy Revolution

Falls euch eine Sample-basierte Klangerzeugung reicht, wäre auch Revolution von Wave Alchemy eine gute Alternative. Hierbei handelt es sich nicht um ein reines TR-808 VST, sondern um eine Drum Machine, die im Kern die Kontakt-Engine von Native Instruments nutzt.

Wave Alchemy Revolution liefert neben der TR-808 noch 14 weitere Drum-Klassiker wie TR-909, TR-606, SP12 etc. mit. Darüber hinaus findet sich hier eine umfangreiche und gut klingende Effekt-Engine.

Allerdings vermisst man bei Samples häufig auch diese subtilen klanglichen Nuancen, die Analog Modelling konzeptionell mitbringt. Eine gut gemachte Simulation wie Nepheton 2 klingt durch diese Micro-Veränderungen über die Zeit hinweg dann doch etwas organischer. Auf der anderen Seite überzeugt ein gut gemachtes Sample-basiertes Instrument durch qualitativ hochwertige Aufnahmen, die direkt in der Produktion eingesetzt werden können.

Wenn schnelle Ergebnisse und klangliche Flexiblität euer Hauptziel sind, solltet ihr euch Revolution von Wave Alchemy ansehen.

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Initial Audio 808 Studio 2: Wenn es nur die Kick sein muss

Einen etwas anderen Ansatz verfolgt Initial Audio mit 808 Studio 2. Hierbei handelt es sich um einen Bass Synthesizer, der weitgehend auf der 808 Bass Drum basiert. Vor allem im Trap hat sich die getunete 808 Bass Drum als Standard etabliert, aber auch andere elektronische Musikgenres nutzen diesen Sound gerne.

Und so muss man bei 808 Studio 2 einerseits auf alle anderen TR 808 Instrumente verzichten. Andererseits erhält man hier eine flexible TR 808 Bass-Drum-Sektion, die sowohl auf VA als auch auf (eigenen) Samples basiert. Dadurch ist mit 808 Studio 2 ein breites Spektrum an Kick Drums und Bässen möglich. Wer allerdings das 808 Komplettpaket sucht, wird mit diesem Plugin nicht glücklich.

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Freeware TR 808 VST: BPB Cassette Drums

Mit BPB Cassette Drums möchte ich abschließend noch eine kostenlose Lösung vorstellen. Mit diesem Plugin holt ihr euch auf bequeme Weise den TR 808 Sound in die virtuelle Umgebung. Ja, es gibt auch etliche Sample-Libraries, aber bei diesen muss man sich meistens erst die einzelnen Sounds in die DAW holen, oder in ein Sampler importieren.

Bei BPB Cassette Drums könnt zwischen drei 808-Kits wählen: Clean, Saturated und Distorted. Das Clean-Kit ist perfekt, wenn man komplett unbearbeitete 808-Sounds benötigt. Die anderen beiden Kits sind ideal, wenn Drum-Sounds mit mehr Charakter oder Crunch das Ziel sind.

Das Plugin ist einfach zu bedienen: Einmal in die DAW geladen, stehen die 808 Sounds sofort zur Verfügung. Über die Benutzeroberfläche lassen sich leider nur die Lautstärke und Release-Zeit jedes Instruments anpassen. Auch einen Sequencer sucht man hier vergeblich. Falls ihr mehr wollt, müsst ihr also auf eine der Alternativen ausweichen. Wenn euch der pure TR 808 Sound reizt, ist BPB Cassette Drums aber eine gute Freeware-Lösung.

BPB Cassette Drums könnt ihr euch hier herunterladen.

Fazit: Die besten TR 808 VST Plugins

Eingangs hatte ich es bereits erwähnt: Wer authentischen TR 808 Sound sucht, dabei aber gleichzeitig flexibel bleiben will, ist mit dem Nepheton 2 von D16 Group auf der sicheren Seite. Das 808 VST überzeugt durch Analog Modelling, eine gute klingende Effektsektion und einen intuitiv bedienbaren Sequencer.

Wer ohnehin eine Roland-Cloud-Flatrate hat, kann getrost zur gut klingenden TR 808 Cloud Variante greifen. Bei einer kompletten Neuanschaffung sehe ich aber Nepheton 2 weit davor.

Falls man neben der TR 808 noch andere Drum-Klassiker sucht und nicht für jedes Instrument eine Neuanschaffung plant, ist Wave Alchemy Revolution eine gute Lösung. Persönlich ziehe ich zwar die Flexibilität von Analog Modelling vor, aber mit Revolution kann man durchaus Zeit sparen. Denn das Plugin klingt ohne große Nachbearbeitung direkt gut.

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U-He TyrellN6: Roland Juno 106 als Freeware

Tyrell Nexus6 ist die (inoffizielle?) Vorlage des Deepmind von Behringer und dieser wiederum vom Sound her stark an den Roland Juno 106 angelehnt. Die interne Klangerzeugung geht an vielen Stellen aber sinnvolle Schritte weiter als das Original aus den Achtzigern. Besonders gut finde ich die Einbindung von Cross- und Ringmodulation und den vollwertigen zweiten Oszillator.

Der Grundklang ist – was soll man von U-He auch anders erwarten – auch nach all den Jahren immer noch hervorragend. Zumindest, wenn man den Sound des Juno 106 mag. Denn hier zeigt der U-He TyrellN6 – ebenso der Deepmind – für mich eine Schwäche: Klar definierte, zackige Bässe mit viel Tiefenschub sind nicht ganz so einfach aus dem Synth herauszuholen. Für alles andere ist der Tyrell N6 ein toller Freeware-Synthesizer, der den Spagat zwischen Komplexität und guter Bedienung schafft.

Zur Webseite von Tyrell
U-He Tyrell N6 Sound Pack
U-He Repro Sound Pack

Vital Audio Vital: Der Wavetable-Bolide

Dass es sich bei dem Vital um Freeware handelt, grenzt fast an ein Wunder. Denn der Wavetable-Synthesizer klingt nicht nur fantastisch, sondern bietet etliche Features für die man bei ähnlichen Synths locker mal 150 bis 200 € bezahlen dürfte.

Konzeptionell sehr nah sind sich Vital und der xfer Serum, allerdings gibt man für letzteren hier locker 180 – 200 € aus. Wenn man die beiden direkt miteinander vergleicht, dürften viele User wahrscheinlich bereits mit dem Funtkionsumfang und Sound des Vital voll zufrieden sein.

Am Ende stellt sich die Frage, wie Vital Audio das überhaupt stemmen kann und die Antwort liegt hier in den Add-Ons, die man hinzukaufen kann. Vor allem sind das mehr Presets, mehr Wavetables oder neue Skins (Oberflächendesigns). Also nichts, was man unbedingt benötigt oder den Funktionsumfang beeinträchtigen würde.

Hier geht es zur Webseite von Vital Audio

Cherry Audio SEM – Synthesizer Expander Module

Mit dem Synthesizer Expander Module hat sich der Budget-Plugin-Entwickler Cherry Audio einem Klassiker von Oberheim angenommen, dem SEM. Und um das vorweg zu sagen: Die Variante von Cherry Audio klingt gut, selbst im Vergleich mit kommerziellen Angeboten wie dem SEM von Arturia oder Gforce.

Cherry Audio SEM ist wie sein originales Vorbild zwar monofon, erzeugt aber hervorragende Bässe, Leads und Effektsounds. Die gut sortierte Preset-Library gibt mit 100 vorgefertigten Sounds schnell einen guten Eindruck der Möglichkeiten. Einziger Wermutstropfen hier: Einerseits handelt es sich beim Cherry Audio um Freeware. Um das Plugin nutzen zu können, muss man sich andererseits erst einen Account bei Cherry Audio anlegen. Ich finde das völlig in Ordnung, aber für einige User widerspricht das dem Freeware-Gedanken.

Download-Link Cherry Audio SEM: https://cherryaudio.com/products/synthesizer-expander-module

Eventide Pendulate: Chaos mit Westcoast-Flair

Und noch ein Highlight für alle Freunde des Buchla-/WestCoast-Ansatz. Mit dem Eventide Pendulate gibt es einen Freeware Synthesizer, der ganz in dieser Tradition steht.

Pendulate wird als Chaotic Synth Plugin beschreiben, aber man kann durchaus zielgerichtet mit der Software arbeiten. Sobald man ein paar Grundprinzipien dieser Synthese wie Wavefolder und Low Pass Gate verinnerlicht hat, sind organische Bässe und Leads ebenso möglich, wie Drones oder Texturen.

Das Plugin ist allerdings ebenso wie der Cherry Audio SEM monofon, weshalb Pads oder Streicher nicht seine Stärke sind. Trotzdem lohnt sich ein näherer Blick, denn der organische Sound ist eine ideale Ergänzung für eine gut sortierte Freeware-Sammlung.

Hier könnt ihr euch Eventide Pendulate herunterladen: https://www.eventideaudio.com/plug-ins/pendulate/

Klevgrand Syndtsphere: Flexibler Preset-Morpher

Gut klingende Presets in einem schicken Design gibt es mit dem Syndtsphere von Klevgrand. Der minimalistische Ansatz dieses Freeware Synthesizers täuscht auf den ersten Blick über die klangliche Flexibilität hinweg.

Denn Syndtsphere ist in der Lage, fließend zwischen den über 70 internen Presets der Library zu morphen. Die jeweilige Morphing-Position kann man dann speichern und wieder aufrufen.

Gezieltes Sounddesign ist mit Syndtsphere allerdings nicht möglich. Denn der User muss sich hier mit den Parametern Pitch Bend Range, Glide and Legato begnügen. Zusätzlich ist noch ein gut klingendes Delay vorhanden.

Klevgrand Syndtsphere könnt ihr euch hier herunterladen: https://klevgrand.com/products/syndtsphere

Digital Suburban Dexed: Freeware DX7 FM Synth

Einer der Synthesizer, die Techno erheblich geprägt haben, war der DX7 von Yamaha. Glockige Texturen, gläserne Flächen, Dub Techno Stabs, oder harte Bässe sind sein Metier.

Digital Suburban hat mit Dexed eine ziemlich gute Emulation des FM Synthesizers geschaffen, die zudem noch kostenlos ist. Wer zu viel Zeit hat, kann sich im Netz auf die Suche nach den zehntausenden Patches für den DX7 machen. Denn Dexed ist in der Lage, dieses Format zu importieren.

Dexed hier herunterladen

Spitfire Audio Labs: Hochwertige Sample-Player

Spitfire Audio ist bekannt für hochwertige Sample-Libraries für orchestrale Arrangements, Filmmusik und Ambient. Immer wieder entstehen aus den meist eher hochpreisigen Produkten kleine Nebenerzeugnisse, die das britische Unternehmen kostenlos unter der Rubrik LABS veröffentlicht. Von Streichern und verträumten Pianos, über Field Recordings, bis hin zu Walgesängen, aus denen ein Instrument entwickelt wurde.

Die LABS-Erzeugnisse bringen ihren eigenen VSTi-Sampleplayer gleicht mit. Dieser präsentiert sich schnörkellos ohne viel Möglichkeiten zum Sounddesign. Dafür sind die Sachen meistens auf den Punkt und liefern genau das, was man sich für seine Produktion erhofft. Der Fokus der LABS-Library liegt auf akustischen Instrumenten und Field Recordings, weshalb man hier gute Gegenpole zu ansonsten elektronischen Produktionen entdeckt. Meine Empfehlungen für den Einstieg sind das Soft Piano, Strings und das Granular Whalesong Lab. Am besten schaut ihr euch einfach auf der Seite um.

Die komplette Auswahl findet ihr auf der Webseite von Spitfire Audio

VCV Rack: Das kostenlose Modularsystem

Erste Gehversuche mit einem Modularsystem macht man am besten mit dem kostenlosen VCV Rack. Das virtuelle Euroack stellt eine breite Auswahl eigener Komponenten zur Verfügung und bildet bekannte Module nach, darunter Mutable Instruments, Befaco oder Synthesis Technology.

Da es sich hierbei um ein vollständiges Modularsystem handelt, das sich beliebig erweitern lässt, sind mit VCV Rack theoretisch komplette Track-Produktionen möglich. Zur Nachbearbeitung empfehle ich dennoch EQs, Kompressoren und Limiter zu verwenden.

Mit dem System lässt sich einiges anstellen. Vor allem ist es dann eine Empfehlung, wenn man sich für Eurorack interessiert, aber noch vor einer größeren Investition zurückschreckt. Schnell merkt man, ob diese Art der Klangerzeugung einen anspricht. Und falls das der Fall ist, könnte man direkt mit den realen Versionen der Software einsteigen.

VCV Rack gibt es hier

Synth 1: VA im Nord Lead Stil

Synth1 ist so etwas wie der Methusalem unter den Freeware-Synthesizern da draußen. Das mittlerweile fast 20 Jahre alte PlugIn klingt aber immer noch hervorragend, weshalb es in dieser Liste nicht fehlen darf. Angelehnt sind Sound und Struktur an den virtuell analogen Synthesizer Nordlead 2 von Clavia.

Klanglich eher auf der kühlen Seite, fügt sich der Synth1 hervorragend in bestehende Produktionen ein. Durch genau die richtige Anzahl an Parametern eignet er sich gleichermaßen für Einsteiger und Profis, die übersichtliches Sounddesign schätzen, aber gleichzeitig nicht auf Features wie FM und Ringmodulation verzichten wollen. Trotz seiner eher rudimentären Ausstattung lädt der interne Arpeggiator zum Experimentieren ein und hilft dabei, Bewegung in Leads und Bass-Sequenzen zu bringen.

Hier könnt ihr euch den Synth 1 herunterladen

Drumsynth – MiniSpillage

In elektronischer Musik kann man nie genügend Kicks und Percussion-Elemente haben. Der für Mac OS erhältliche Drum Synthesizer MiniSpillage von AudioSpillage hat sich auf Kicks, hölzerne Percussions und HiHats spezialisiert. Die Oberfläche ist aufgeräumt und lädt zum Sounddesign ein. Klanglich würde ich den MiniSpillage eher in Richtung LoFi und (klassischem) Electro einordnen. Dank flexibler Klangerzeugung, intuitiver Bedienung und alternativem Sound sollte man sich den Freeware-Synthesizer aber unbedingt einmal ansehen, auch wenn man sich in anderen Genres bewegt.

Den Drumsynth MiniSpillage gibt es hier

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Über die Jahre hat sich Softube als Hersteller hervorragender VST Effekte und Synthesizer Plugins etabliert. Und das aus gutem Grund, denn das Unternehmen liefert exzellenten Sound, intuitive Bedienung und eine authentische Nachbildung legendärer Hardware. Zudem gibt es – ähnlich wie bei UAD, Waves oder Native – immer wieder spannende Rabattaktionen. Damit ihr hierbei nicht im Dunkeln tappt, zeigt euch dieser Artikel die besten Softube Plugins für elektronische Musik.

1. Die besten Softube Mixing-Plugins

Beginnen wir die Übersicht direkt mit einem Bereich, auf den Softube seit Jahren einen Fokus legt: Plugins fürs Mixing. Hier hat sich über die Zeit ein beachtliches Portfolio gut klingender EQs, Dynamikprozessoren und mehr angesammelt.

Softube Bus Processor

Inspiriert von SSLs G-Serie, eignet sich der Softube Bus Processor hervorragend, um verschiedene Tracks in einem Bus miteinander zu verschmelzen (glueing). Dadurch klingt das Ausgangsmaterial homogener und fügt sich besser in den Gesamtmix ein.

Aber auch als Kompressor auf einzelnen Spuren, hier besonders auch Kick und Bass, macht der Softube Bus Compressor eine ausgezeichnete Figur. Aber auch Vocals, Pianos oder Synthleads profitieren von dem organischen, druckvollen Sound des VCA-Compressors.

On top gibt es noch eine Sättigungsstufe, sowie die Möglichkeit, das Eingangssignal im Stereobild weit aufzuziehen, oder umgekehrt komplett in Mono umzuwandeln. Der Softube Bus Processor hat definitiv das Zeug zum Standard im DAW-basierten Studio für elektronische Musik.

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Passive Active Pack

Das Passive Active Pack von Softube zäht mittlerweile zu den ältesten Plugins des Herstellers. Nichtsdestotrotz klingt das Trio immer noch hervorragend. Das Bundle enthält drei EQs mit teilweise deutlich unterschiedlichem Klangcharakter.

Im Gegensatz zu präzisen Werkzeugen wie etwa dem Fabfilter EQ eignen sich die Passive Active EQs auch eher zur charaktervollen Soundanpassung als für chirurgische Eingriffe in den Klang.

Gerade weil das Passive Active Pack schon seit Jahren auf dem Markt ist, gibt es hier immer wieder Rabattaktionen. Mit etwas Geduld holt man sich hier eine gut klingende EQ-Sammlung für geringes Budget ins virtuelle Studio.

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Weiss DS1-MK3 und MM-1 Mastering Processor

Der Weiss DS1-MK3 – und auch die deutlich abgespeckte Version MM-1 – ist ideal, um Tracks im Mastering den letzten Schliff zu verpassen. Besonders dann, wenn der Track noch ein Stück lauter werden soll.

Allerdings geht die Vollversion auch zu einem echt sportlichen Preis über die virtuelle Ladentheke. Zudem sollte man sich schon sehr mit der Materie auskennen, damit man die Möglichkeiten des DS1-MK3 voll ausreizt.

Meine Empfehlung für ambitionierte Einsteiger ist dann auch der MM-1 Mastering Prozessor, der viele Aufgaben ausgezeichnet übernimmt und dabei immer noch vergleichsweise günstig ist.

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2. Die besten Softube Effekte

Die nächste Kategorie widmet sich dem Effektportfolio von Softube. Auch im Bereich Klangmanipulation, Sounddesign und Zeiteffekten gibt es etliche Highlights. Drei davon stellen wir hier vor.

Tape Echoes: Tape-Delay für Dub-Techno und mehr

Softube Tape Echoes überzeugt als ein „Best-Of“ analoger Bandechos durch herausragenden Klang. Tape Echoes vereint die charakteristischen Merkmale mehrerer Bandecho-Legenden, darunter das Roland Space Echo, WEM Copicat und das Echoplex, ohne dabei ein konkretes Modell abzubilden. Allerdings erfordert dieses Delay-Plugin eine beträchtliche CPU-Leistung.

Falls ihr einen aktuellen Rechner am Start habt und kompromisslosen Bandecho-Sound sucht, solltet ihr Tape Echoes auf jeden Fall einmal ausprobieren. Denn hier überzeugen selbst kritische Einstellungen wie hohe Feedback-Werte, die in Selbstoszillation gehen und das Sättigungverhalten.

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Softube Harmonics: Analog Saturation Processor

Auch nach mehr als zwei Dekaden virtueller Effekte scheint die Programmierung von gut klingender analoger Sättigung eine der größten Herausforderungen zu sein. Und die wirklich guten Vertreter kann man wohl an einer Hand abzählen.

Einer davon ist für mich der Softube Harmonics. Hier hat man die Wahl aus fünf verschiedenen Verzerrungs-Algorithmen, die alle auf ihre Weise hervorragend klingen. Von subtiler Tape-Sättigung im Mix, etwas präsentere Vocals, bis hin zu bellenden TB-303s oder brachial verzerrte Technokicks steht einem hier eine ganze Welt an Sättigung zur Verfügung. Intelligente Transientenerkennung und die Möglichkeit, den Klang des jeweiligen Modus noch weiter zu beeinflussen runden die gute Ausstattung ab.

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Saturation Knob als exzellente Freeware zur Sättigung

An dieser Stelle will ich auch direkt noch auf den Saturation Knob hinweisen. Das kleine VST-Freeware-Plugin erledigt seine Aufgabe ebenfalls hervorragend, wenngleich man hier natürlich auf viele Funktionen verzichten muss.

Wer aber nur gelegentlich etwas Sättigung auf seiner Einzelspur haben möchte, sollte sich Saturation Knob einmal näher ansehen.

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OTO Biscuit 8-bit Effects

Als Kreativtool für Glitch, Ambient und Techno sollte der Softube OTO Biscuit 8-bit in keiner Plugin-Sammlung fehlen. OTO Biscuit vereint musikalische Bitredution mit Multimode-Filter, Pitch-Shifting, Delay und mehr.

Dadurch ist der OTO Biscuit 8-bit Effects recht vielseitig einsetzbar: Vom dezenten Anrauhen einer HiHat-Spur, über crispe Vocals bis hin zu Step-Filter-Fahrten und radikaler Soundmanipulation erzeugt die virtuelle Abbildung des OTOs einen echten Mehrwert für elektronische Musik.

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3. Die besten Softube Synthesizer

Der letzte Block dieses Softube Best-Of stellt ein paar der Synthesizer-Highlights vor. In den letzten Jahren hat Softube sein Portfolio in Richtung VST Synths erweitert und setzt die Tradition guten Klangs und Bedienung auch in diesem Segment fort.

Softube Model 82: Einer der besten SH-101 VST Clones

Der bekannte Roland SH-101 ist in unzähligen Techno, Ambient, und House-Tracks zu hören. Der runde Sound in Verbindung mit der einfachen Bedienung ließen den Synth zurecht zu einem Standard werden. Wer sich das Original nicht mehr leisten kann, oder einfach in der DAW produzieren will, erhält mit dem Softube Model 82 ein überzeugendes SH-101 VST.

Das Software Model 82 Plugin dürfte derzeit einer der besten Clones sein und zeichnet sich durch einen breiten Sweetspot aus. Kleine Optimierungen wie Drive oder Doubling helfen dabei, den ohnehin schon breiten Sound weiter anzudicken. Lediglich auf Polyfonie oder eine interne Effektsektion muss man hier verzichten. Aber das dürfte in der DAW ohnehin kein größeres Problem sein.

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Softube Model 72: Überzeugender Minimoog-Sound

Neben einer guten Roland SH-101 Emulation, sollte auch ein Minimoog VST im Baukasten für elektronische Musik nicht fehlen. Und mit dem Softube Model 72 bekommt ihr zweifelsfrei eines der besten derzeit erhältlichen Minimoog-Plugins auf dem Markt.

Im Gegensatz zu anderen Herstellern ist man beim Softube Model 72 auch konzeptionell sehr nah am Original geblieben. Daher müsst ihr hier auf Polyfonie, weitreichendere Modulationsmöglichkeiten oder Effekte verzichten. Dafür werdet ihr aber mit einem rohen Analogsound belohnt, der die meisten virtuellen Konkurrenten deutlich hinter sich lässt. Für mich derzeit die beste virtuelle Nachbildung dieser Legende.

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Softube Modular: Die modulare Kreativzentrale

Heftig im Ressourcenverbrauch aber groß im Sound: Der Softube Modular ist ein virtuelles Modularsystem, das etliche Hardware-Module mit einer beeindruckenden Klangqualität nachbildet.

Neben dem hohen CPU-Verbrauch sollte man hier auch erwähnen, dass der Softube Modular in der Grundausstattung zwar über eine vernünftige Modulauswahl verfügt. Wie bei einem Hardware-Modularsystem kann man sich hier das System sukzessive durch weitere (virtuelle) Module erweitern. Das kann schnell Sammelleidenschaft erwecken und damit auch schnell teurer werden, als erwartet.

Dafür erhält man aber auch spannende Buchla- , intellijel-, oder 4ms-Emulationen, sowie einzelne Klangkomponenten der hauseigenen Legenden-Emulationen. Für Klangforscher ohne den nötigen Platz ist der Softube Modular eine klare Empfehlung.

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Fazit: Die besten Softube Plugins

Sich bei der Auswahl wirklich guter Effekte auf maximal drei Vertreter pro Kategorie zu beschränken, ist nicht einfach. Softube liefert eigentlich immer hervorragend ab und so kann man fast ohne Bedenken auch zu den anderen Titeln greifen, wenn diese ein konkretes Einsatzgebiet abdecken sollen.

Häufig gibt es auch die Softube-Bundles im Angebot, weshalb es sich durchaus auch lohnen kann, auf den nächsten Cyberweek-, Weihnachts- oder Summer-Deal zu warten.

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Mittlerweile haben auch viele Hersteller das Thema für sich entdeckt und spannende Verzerrer für das virtuelle Studio entwickelt. Diese klingen nicht nur gut, sondern punkten mit vielseitigen Modulationsmöglichkeiten und Features.

Arturia Dist Coldfire

Den Auftakt dieser Sammlung macht Arturia mit Dist Coldfire. Das flexible Schwergewicht stellt als Distortion VST vielseitige Algorithmen zur Verfügung, die von subtiler Sättigung bis hin zur kompletten Zerstörung des Eingangsmaterials reichen. Dazu zählen Röhren-Emulationen, Transistor-Zerren, Bit-Crusher und mehr.

Das für sich genommen klingt gut, richtig spannend wird es aber denn, wenn man mit den zahlreichen Modulationsmöglichkeiten Bewegung in den Sound bringt. Hierzu stehen mehrere LFOs, Hüllkurven und sogar Step-Sequencer bereit. Um das Material adäquat vorzubereiten, enthält Dist Coldfire mehrere EQs/Filter nebst gezielter Multiband-Bearbeitung.

Da bleiben kaum noch Wünsche offen und am Ende dürfte hier maximal der Funktionsumfang ein Grund sein, sich vielleicht für ein anderes PlugIn zu entscheiden. Denn dieser kann Einsteiger mitunter gerne mal überfordern.

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Heavyocity Fury

Von allem ein bisschen weniger aber klanglich ebenfalls auf hohem Niveau ist Heavyocity Fury. Zwar ist Fury nicht ganz so umfangreich ausgesattet, was EQs, Filter und die Modulationsmatrix betrifft. Dennoch ist alles Wesentliche vorhanden, um auch experimentelle Einsätze zu ermölgichen. Alle, die ein kreatives Overdrive Plugin suchen, das sich immer noch intuitiv bedienen lässt, sollten sich Heavyocity Fury einmal ansehen.

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Fabfilter Saturn 2

Ähnlich wie Arturias Dist Coldfire ist auch fabfilter Saturn2 ein Distortion Plugin mit extrem umfangreichen Möglichkeiten. Wie schon Dist Coldfire ist fabfilter Saturn 2 nicht unbeding die erste Wahl, wenn schnelle Ergebnisse oder intuitive Bedienung das Ziel sind. Dafür wird man hier mit gutem Sound und extremer Flexibilität belohnt, wenn man sich intensiver mit dem Plugin beschäftigt.

Im Direktvergleich mit Arturias Dist Coldfire legt fabfilter sogar noch einen drauf, wenn es um die Modulationsmöglichkeiten geht. Ähnlich wie bei einem Modularsystem kann man hier verschiedene Module hinzufügen, frei im Signalweg platzieren, und zudem noch auf die einzelnen – ebenfalls frei definierbaren – Frequenzbänder routen.

Verschiedene Qualitätsstufen, sowie die Möglichkeit, sich durch verschiedenen Phase-Modi Mixing-Probleme zu ersparen, unterstreichen den professionellen Anspruch von Saturn 2.

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Output Thermal

Wer sich etwas spielerischer dem Thema Verzerrung nähern möchte, sollte sich Output Thermal mal ansehen. Natürlich verbirgt sich unter der einladenden Oberfläche auch ein Distortion PlugIn mit extrem umfangreichen Möglichkeiten. Mit dem kleinen Detail des XY Controllers setzt sich das Plugin aber erfrischend von den anderen Alternativen ab. Die gute Presetauswahl trägt dazu bei, direkt auf dem Feld das Klangspektrum auszuloten.

Sobald man dann tiefer einteigen möchte, warten auf der Detail-Seite dann etliche Modulationsquellen, Filter, Step-Generatoren, und natürlich eine Menge an Verzerrungsalgorithmen, die vom klassischen Overdrive über BitCrusher bis hin zu Waveshapern reichen.

Besonders praktisch finde ich bei Output Thermal die Möglichkeit, Signale im Stereopanorama zu verteilen. Dadurch erhält man on Top ein praktisches Tool zur Erhöhung oder Verringerung der Stereobreite.

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Softube Harmonics

Bei all den Mutlitools in dieser Liste wirkt Softube Harmonics mit seinen eingeschränkten Möglichkeiten fast etwas deplaziert. Und streng genommen handelt es sich hierbei ja auch um ein Saturation-Plugin. Trotzdem darf dieser Spezialist nicht in einer Liste der besten VSTs für Verzerrung fehlen.

Denn was dem Plugin an Möglichkeiten fehlt, macht es durch seinen sehr organischen Klang wieder gut. Softube Harmonics liefert eine exzellente Emulation des Sättigungsverhaltens analoger Bandmaschinen und geht darüber hinaus. Dadurch ist das Plugin ideal, um Kicks und Bässe anzufetten, Vocals präsenter zu machen, oder dem Mix eine subtile Sättigungsnote zu verpassen, die das Gesamtergebnis homogener klingen lässt. Auch extremere Settings sind hier möglich, wenngleich ich dafür andere Kandidaten dieser Liste vorziehe.

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Fazit: Die besten Distortion VST

Aus dieser Liste kann ich alle Distortion VSTs ohne zu Zögern empfehlen. Klanglich sind alle sehr gut und auch flexibel genug, um einem breiten Anwendungsspektrum gerecht zu werden. Letztlich dürften dann eher Faktoren wie intuitive Bedienung, schnelle Ergebnisse oder Funktionsdichte entscheidend sein.

Meine zwei Favoriten für kreatives Sounddesign sind fabfilter Saturn 2 und Output Thermal, weil ich hier selbst auf Mikroebene noch ins Klanggeschehen eingreifen und wie im Fall von fabfilter die zahlreichen Komponenten sogar noch frei routen kann.

Wenn sehr schnell gut klingende Ergebnisse das Ziel sind, wäre auch Softube Harmonics eine gute Empfehlung. Zwar handelt es sich hierbei in erster Linie um ein Sättigungs-Plugin zur Emulation des klassischen Tape-Sounds. In extremen Einstellungen kann Softube Harmonics aber auch herrlich organisch zerren, ohne gleich zu schrill zu klingen. Haltet am besten nach Rabattaktionen Ausschau und holt euch dann mehr als einen Kandidaten ins Haus.

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Xfer Serum hat seit seinem Erscheinen im Jahr 2014 ein echtes Erfolgsrennen hingelegt. Der Wavetable-Synthesizer dürfte nach wie vor eines der am meisten genutzten Plugins für elektronische Musik sein. Im Gegensatz zu vielen anderen Anbietern, gibt es bei Xfer allerdings (so gut wie?) keine Rabattaktionen. Will man sich das PlugIn anschaffen, sind also rund 190 € fällig. Zum Glück gibt es mittlerweile zahlreiche Xfer Serum Alternativen. Die besten davon stellt dieser Artikel vor.

Warum ist Xfer Serum so beliebt?

Bevor wir aber zu den konkreten Empfehlungen kommen, schauen wir uns erstmal an, warum xfer Serum eine Dekade später immer noch so beliebt ist.

Vielseitigkeit

Serum kombiniert umfangreiche Wavetable-Synthese mit einer breiten Palette von Funktionen – perfekt für verschiedene Genres elektronischer Musik.

Intuitive Bedienung

Die Benutzeroberfläche von Serum ist intuitiv erlernbar und visuell ansprechend. Modulationsverknüpfungen per Drag-and-Drop und die Visualisierung der Wellenformen machen das Sounddesign auch für Anfänger zugänglich.

Klangqualität

Die Klangqualität von Serum ist immer noch ausgezeichnet. Dazu tragen die hochauflösenden Oszillatoren und Filter ebenso bei, wie die gute Effektsektion.

Wavetable-Synthese

Die Wavetable-Synthese-Engine von Serum ist das herausragende Merkmal des Synthesizer-Plugins. Neben einer guten Library können User eigene Wavetables importieren, oder im Editor zeichnen.

Support

In regelmäßigen Updates spendierte Xfer Records dem Plugin immer wieder neue Features und Verbesserungen.

Wer und was benötigt eine gute Xfer Serum Alternative?

Die Frage nach dem „Wer“ lässt sich einfach beantworten: Alle, die sich grundsätzlich für Wavetable-Synthese interessieren, aber je nach dem mehr (oder weniger) Features, einen anderen Grundsound oder schlicht eine günstigere Alternative suchen.

Das bestimmt bis zu einem Anteil mit, was eine gute Alterantive liefern soll. Wer nur etwas Wavetable-Flair schnuppern möchte, sollte sich eher nach einer simpleren Variante umsehen. Wer den Synthese-Overkill sucht, wird womöglich mit Serum nicht mehr glücklich. Denn selbst wenn das Plugin unheimlich viele Features mitbringt, gehen vergleichbare Kandidaten wie etwa Arturias Pigments oder KiloHearts Phaseplant noch einmal weiter.

Allen Alternativen gemein ist jedoch das Vorhandensein von Wavetable-Synthese (logisch), verschiedener Filtermodelle, einer guten Modulationsabteilung, sowie einer gute Effektsektion, die integraler Bestandteil des Sounddesigns ist. Einigen Usern ist zudem ein integrierter Editor wichtig, um eigene Wavetables zu importieren, oder gar von Null auf neu zu erstellen.

Am Ende kann schlicht der Preis den Unterschied machen. Im Gegensatz zu xfer gibt es bei den meisten Mitbewerbern regelmäßige Rabattaktionen. Dann gibt es noch flexiblere Plugins zur Hälfte des Preises von Serum. Welche das sind, gucken wir uns jetzt an.

Die besten Xfer Serum Alternativen

Vital Synth (Serum Freeware Alternative)

Eine der stärksten Alternativen und zugleich kostenlose xfer Serum Alternative ist der Vital von Vital Audio. Kaum zu glauben, dass dieses Plugin Freeware ist! Denn nicht nur der Sound überzeugt, sondern auch die Feature-Ausstattung.

Drei Wavetable-Oszillatoren, ein weiterer mit Sample-Import, etliche Filtermodelle, sowie eine umfangreiche Modulationssektion bieten eine Vielzahl an Möglichkeiten für komplexes Sounddesign. Zusätzlich gibt es eine frei konfigurierbare Effektsektion mit bis zu neun gleichzeitig aktiven Effekten.

Wem die gute Auswahl an Wavetables noch nicht reicht, kann sich mit dem internen Editor eigene bauen, weitere Wavetables importieren, oder das Text-zu-Wavetable-Tool ausprobieren.

▶▶▶ Hier könnt ihr euch Vital kostenlos herunterladen.

Korg modwave native

Mit dem Korg modwave native gibt es ebenfalls eine hervorragend klingende xfer Serum Alternative. Zwar muss man hier auf den praktischen Wavetable-Editor verzichten. Man kann aber eigene Wavetables importieren und diese mit Samples und der virtuell analogen Klangerzeugung verknüpfen.

Ein Preset basiert hier auf zwei Layern. Jeder Layer bietet zwei Oszillatoren. Jeder Oszillator setzt sich wiederum aus zwei Wavetable-Oszillatoren zusammen. Das bedeutet alleine schon bis zu acht Oszillatoren pro Preset! Hinzu kommen noch pro Layer ein Suboszillator / Noise und umfangreiche Modifier- und Morphingmöglichkeiten für die Wavetables. Das wäre für sich schon genug, um Sounddesigner glücklich zu machen.

Nun gibt es on top noch eine breit aufgestellte Filterabteilung, etliche Modulationsquellen, sowie eine gut klingende Effektabteilung. Ein absolutes Highlight sind aber die komplexen Modulationssequencer. Diese stellen in ihrer Vielseitigkeit ein Alleinstellungsmerkmal gegenüber den anderen Alternativen dar und eignen sich hervorragend für spannende Pads, rhythmische Texturen und komplexes Sounddesign.

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KiloHearts PhasePlant

Der PhasePlant von KiloHearts verfolgt einen etwas anderen Ansatz, als die anderen hier vorgestellten Plugins. Hierbei handelt es sich nämlich um eine semimodular aufgebaute Klangerzeugung. In bis zu 32 Slots kann man bei Phaseplant einzelne Generatoren wie etwa Oszillatoren, Filter, oder Hüllkurven frei miteinander verknüpfen. Zusätzlich gibt es eine umfangreiche Modulationsabteilung und eine hervorragend klingende Effektabteilung. Die Oszillatoren stellen neben Wavetable-Synthese auch VA und Sampling/Granularsynthese bereit, und bieten zusätzlich noch FM-Synthese.

Durch diese Flexibilität ist PhasePlant ein absoluter Tipp für ambitionierte Sounddesigner. Aus den selben Gründen wäre PhasePlant aber nicht meine erste Empfehlung für Einsteiger. Denn sobald man eigene Klänge erstellen möchte, wird hier eine recht hohe Expertise nötig. Erste Schritte kann man natürlich mit den sehr guten Presets gehen. Und wer sich ohnehin auf Presets beschränkt, kann bedenkenlos bei PhasePlant zugreifen. Der vorhandene Soundvorrat wird laufend (kostenpflichtig) erweitert.

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u-he Hive 2

Hive 2 von u-he ist in dieser Liste einem konventionellen VA-Synthesizer am nächsten. Trotzdem verfügen die beiden Hauptoszillatoren über die Möglichkeit Wavetables wiederzugeben (und zu importieren). Der Klang ist – wie man es bei u-he kennt – über alle Zweifel erhaben, stellt vom Grundcharakter allerdings eher eine gute Ergänzung zu dem gerne mal aggressiveren Grundsound des xfer Serum dar. Auch der Ressourcenhunger hält sich hier in Grenzen.

Die Oberfläche von Hive 2 wirkt auf den ersten Blick erstmal überwältigend. Die Bedienung erschließt sich dennoch recht schnell und per praktischem Drag- and-Drop sind Modulationsverknüpfungen schnell hergestellt. Intensives und komplexes Sounddesign ist mit dem Hive 2 natürlich problemlos möglich, wenngleich andere Kandidaten wie der modwave native da noch eine Ebene drüber liegen.

u-he Hive 2 macht eine ausgezeichnete Figur als VA-Allrounder mit Wavetable-Option, eignet sich als xfer Serum Alternative allerdings nur eingeschränkt. Dafür fehlen ihm in der Wavetable-Abteilung zu viele weitere Bearbeitungsmöglichkeiten (z.B. Spectral-Shift, die es bei Serum und anderen spezialisierteren Synths gibt.

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Arturia Pigments

Den Abschluss dieser Empfehlungsrunde macht Arturia Pigments. Pigments hat das Zeug, als zukünftiger Studiostandard ähnlich erfolgreich zu werden, wie Serum. Und das vor allem aus drei Gründen:

Zum einen ist da die erstaunliche Flexibilität. Alleine auf Oszillatorebene punktet das Synth-Plugin mit einer Vielseitigkeit, welche viele anderen Hersteller weit hinter sich lässt. Zum anderen klingt Pigments einfach verdammt gut, was zudem an der umfangreich ausgestatteten Filtersektion und der hervorragende Effektabteilung liegt. Letztlich sind aber auch die konstante Produktpflege und Aktionen am Erfolg beteiligt, bei denen es das Plugin regelmäßig für unter 100 € gibt.

Lediglich auf einen Wavetable-Editor muss man bei Pigments verzichten. Aber auch so ist meine Empfehlung ganz klar: Kaufen, sobald es das Plugin wieder in einer Rabattaktion gibt. Denn selbst wenn Wavetable-Synthese euch irgendwann nichts mehr gibt: Die anderen Engines wie Granular-, VA- oder additive Synthese eröffnen ein unheimlich flexibles Klangpotential bei gleichzeitig intuitiver Bedienung.

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UAD OPAL Morphing Synth

Ich habe lange überlegt, ob ich UAD Opal oder Native Massive X in diese Liste aufnehme. Beide sind konzeptionell recht nah beieinander. Auch der Sound ist bei beiden absolut top. Rein von den Features ist Massive X dem UAD Opal zwar überlegen. Am Ende entschied ich mich aber für den VA-Wavetablehybriden von UAD.

Der Grund ist hier schlicht, dass ich ihn vor allem Einsteigern und Produzenten empfehle, die schnell richtig gut klingende Sounds haben wollen, ohne sich aber für kleine Tweaks erstmal ganz tief in die Soundengine vorarbeiten zu müssen. Opal ist schneller begreifbar und aufgrund der Einschränkungen übersichtlicher. Zudem gibt es den Softsynth regelmäßig bei Sonderaktionen für unter 70 €, was zu dem Preis ein No-Brainer ist.

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xfer Serum Alternative: Fazit

Bei einer derart guten Auswahl fällt es mir schwer, einen klaren Gewinner zu nennen. Daher würde ich es anders angehen: Mit Plugins wie modwave native, Pigments oder PhasePlant gibt es eigentlich keinen Grund mehr, sich heutzutage noch für xfer Serum zu entscheiden. Lediglich dessen Wavetable-Editor ist hier recht einzigartig. Auch bei Kooperationen wird man sich aufgrund der Verbreitung von Serum unter Umständen das Plugin holen müssen, um kompatibel mit anderen Projekten zu bleiben.

Allen anderen sei aber zunächst einmal das kostenlose PlugIn Vital ans Herz gelegt. Hier gibt es viele Elemente von Serum inklusive Wavetable-Editor und einen hervorragenden Sound.

Wer direkt in die Vollen gehen möchte und eine Serum Alternative mit viel Klangpotential und intuitiver Bedienung sucht, sollte sich Pigments oder Phaseplant in einer Rabattaktion zulegen. Falls ihr euch eher von Presets inpirieren lässt, wäre meine Empfehlung zwischen diesen beiden letztlich Pigments. Das Plugin ist im Vergleich einfach am weitesten verbreitet, was sich positiv auf die Zahl verfügbarer Soundpacks auswirkt.

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Bevor wir aber tiefer ins Thema einsteigen, noch ein Hinweis: Es geht hier ausschließlich um Plugins für den klassischen Vocoder-Effekt. Das ebenfalls gerne genutzte Autotune ist technisch eine komplett andere Baustelle und wird hier nicht behandelt.

Bordmittel: Ist ein Vocoder in der DAW vorhanden?

Bevor ihr Geld in die Hand nehmt, solltet ihr erst einmal gucken, ob eure DAW nicht bereits einen Vocoder an Bord hat. Der Ableton Vocoder beispielsweise ist ein ziemlich gut klingendes Plugin mit hoher Sprachverständlichkeit. Zusätzlich kann man hier die Formanten verschieben und das Effektsignal im Stereopanorama verteilen. Zur Erzeugung des Carrier-Signals bietet der Ableton Vocoder ebenfalls eine rudimentäre Klangerzeugung, die zwar vergleichbar etwa mit dem Softube Vocoder VST ist, aber nicht an Plugins wie Waldorf Lector oder den Orange Vocoder heranreicht.

Und so ist ein Wermutstropfen häufig, dass man in DAWs das Vocoder-Carriersignal erst aufbereiten muss. Demgegenüber besitzen viele spezialisierte Vocoder-Plugins bereits eine entsprechend optimierte Klangerzeugung, die besonders Einsteigern häufig schnellere Erfolgserlebnisse liefert.

Softube Vocoder VST

Preis: 99 €
Konzept: Vintage-Emulation
Fazit: Hervorragender Sound mit intuitiver Bedienung, allerdings nicht so viele Sounddesign-Möglichkeiten.

Ganz klassisch geht es bei Softube zu. Denn der Softube Vocoder VST steht in der Tradition legendärer Roland-Vocoder aus den 70ern. Mit bis zu 20 Bändern ist die Sprachverständlichkeit beim Softube Vocoder für die meisten klassischen Sounds mehr als ausreichend, wenngleich man hier mit anderen Plugins noch bessere Ergebnisse erzielt.

Falls ihr auf der Suche nach singenden Vocoder-Chören wie bei Air seid, ist der Softube Vocoder eine gute Adresse. Aber auch typische Roboterstimmen gelingen hiermit recht einfach. Wenn ihr aber tiefer ins experimentelle Sounddesign einsteigen wollt, sind der Waldorf Lector oder der Orange Vocoder die besseren Kandidaten.

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Arturia Vocoder V

Preis: 149 €
Konzept: Vintage-Emulation des Moog-Vocoders
Fazit: Eigene Klangerzeugung und 16 Bänder, die frei verschaltet werden können: Der Vocoder V ist ideal für Experimentierfreudige, die auf Vintage-Sound nicht verzichten wollen.

Die Sprachverständlichkeit ist bei anderen Vocodern mit mehr Bändern definitiv höher. Dafür punktet der Arturia Vocoder V wiederum als kreativ verschaltbare Filterbank und bietet neben guten internen Effekten auch eine umfangreiche Modulationsmatrix, die anderen Vocodern mit Retro-Ansatz fehlt.

Als weiteres Highlight ist hier noch der Sample-Player zu nennen. In bis zu zwölf Slots können eigene Aufnahmen abgelegt und auf Tastendruck in verschiedenen Richtungen wiedergeben werden. Sicherlich kann man das bei den meisten DAWs auch anders erreichen. Trotzdem ist es als integrierte Lösung praktischer und hilfreich, wenn man einfach mal ein paar Einstellungen ausprobieren möchte.

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Waldorf Lector: Vocoder Plugin

Preis: 149 €
Konzept: Digitaler Vocoder mit umfangreichen Features
Fazit: Komplexes Vocoder-VST mit 100 Bändern, Synthese-Engine und guten Effekten. Kann für Einsteiger anfangs zu anspruchsvoll sein.

Bis zu 100 Analysebänder, eine umfangreiche Soundengine und gut klingende Effekte: Der Waldorf Lector kombiniert klangliche Flexibilität mit hoher Sprachverständlichkeit und bleibt damit immer noch intuitiv bedienbar. Vorausgesetzt natürlich, man bringt gewisse Vorkenntnisse im Bereich Sounddesign mit.

Denn die vielseitige Klangerzeugung mit FM, Ringmodulation, unterschiedlichen Filtertypen auf der einen Seite, dann die ebenso vollständige Filterbank auf der anderen Seite, will erst einmal beherrscht werden. Wer sich nicht scheut, tief ins Sounddesign abzutauchen wird mit überzeugenden Ergebnissen belohnt. Diese decken Vocoder-Standards ebenso ab, wie komplexe geräuschhafte Texturen, die ideal im cineastischen Kontext funktionieren.

Der Klangcharakter des Lector ist typisch für den Waldorf-Sound deutlich auf der HiFi-Seite. Man kann man zwar mit Ringmodulation und Overdrive gegenwirken, richtig brutal wird es hier aber selten.

▶▶▶ https://waldorfmusic.com/de/lector/

Zynaptiq Orange Vocoder IV

Preis: 169 €
Konzept: Digitales Vocoder Plugin
Fazit: Der Klassiker ist 20 Jahre nach Erscheinen auch in der vierten Iteration eines der besten Vocoder-Plugins

In einem Artikel über die besten Vocoder Plugins darf der Orange Vocoder von Zynaptiq natürlich nicht fehlen. Mittlerweile in der vierten Generation angekommen, war der Orange Vocoder bei seiner Premiere im Jahre 1998 eines der ersten richtig gut klingenden Plugins.

Und der hervorragende Sound hat es natürlich auch in die V4 des Plugins geschafft. Hinzu kamen über die Jahre immer mehr Vocoder-Algorithmen und eine weiter ausdefinierte Soundengine, die ein sehr breites Klangspektrum abdecken: Von klassisch analog, bis modern experimentell. Der Orange Vocoder IV wäre meine Empfehlung für alle auf der Suche nach der Vocoder-Vollausstattung sind.

Der Funktionsumfang mag anfangs eventuell etwas überwältigen. Dafür bietet Zynaptiq aber eine große Auswahl an guten Presets an, bei denen man schnell das Passende findet. Und wem das nicht reicht, kann sich hier von einer geschickt programmierten Zufallsfunktion neue Inspirationen holen.

▶▶▶ Zynaptiq Orange Vocoder IV bei Plugin-Boutique kaufen (Affiliate-Link)

iZotope VocalSynth 2

Preis: 220 € (aber häufig im Angebot für unter 100 €)
Konzept: Kreative Suite zur Vocal-Bearbeitung
Fazit: Ein flexibles Tool für alle, die nicht nur den klassischen Vocoder-Effekt suchen.

VocalSynth 2 von iZotope ist weit mehr als ein reines Vocoder Plugin, bringt aber mit dem Blockmodul „Vocoder“ auch hervorragende Vocoder-Sounds hervor. Im Vergleich mit anderen Vocoder VSTs wie etwa Waldorf Lector, ist der Funktionsumfang in diesem Bereich zwar eingeschränkter. Flexibilität liefert der VocalSynth 2 jedoch mit seinen anderen Blöcken mit. Dabei stellt er auch Werkzeuge zum kreativen Vocal-Processing bereit, die man bei den anderen Kandidaten nicht erhält.

Darunter zählen Sprachsynthese wie bei Speak & Spell-Computern aus den 70ern, Talkbox, natürliche Umformung der Stimme, oder Harmonizer. Dadurch lässt sich der VocalSynth 2 nicht nur für Vocoder-Aufgaben nutzen, sondern stellt ein komplettes Arsenal an außergewöhnlichen Vocal-Effekten bereit, die man woanders erst hinzukaufen müsste.

Da der iZotope VocalSynth 2 regelmäßig im Angebot ist, lohnt es sich zu warten und ihn für wenig Geld einfach als Zweiteffekt in der Plugin-Sammlung zu haben. Wer jedoch ausschließlich Vocodereffekte mit viel Eingriffsmöglichkeiten sucht, ist mit anderen Plugins wie dem Orange Vocoder 4 oder Waldorf Lector besser beraten.

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TAL-Vocoder: Vocoder VST Freeware

Preis: Freeware
Konzept: Vintage-Emulation
Fazit: Eine gute Alternative zum Softube Vocoder und ideal für erste Experimente, klanglich aber etwas eingeschränkt

Wer erstmal nur etwas probieren möchte, findet mit dem TAL-Vocoder ein ausgezeichnetes Vocoder VST, das zudem noch Freeware ist. Der Sound geht hier klar in die Vintage-Richtung. Das überrascht nicht, denn der TAL-Vocoder ist dem Sound von Vintage-Maschinen der frühen 1980er Jahren nachempfunden.

Mit der rudimentären internen Klangerzeugung kann man bereits viele der klassischen Vocoder-Sounds nachempfinden. Wer hier etwas weiter gehen möchte, kann die interne Klangerzeugung umgehen und über den Sidechain-Eingang auch andere Carriersignale verwenden.

Die Sprachverständlichkeit ist ok, wenngleich hier die elf Bänder im Vergleich nicht ganz so exakt abliefern, wie andere Vocoder Plugins. Etwas behelfen kann man sich, indem man dem internen Carriersignal mehr Harmonische hinzufügt, oder per „Ess“-Regler Plosivlaute und „S/Z“ mit Rauschen verstärkt.

▶▶▶ https://tal-software.com/products/tal-vocoder

Die besten Vocoder Plugins: Fazit

Bevor ihr euch die kostenpflichtigen Vocoder VSTs anseht, solltet ihr erst einmal mit Bordmitteln und Freeware experimentieren. Für viele Standards liefern diese bereits eine gute Basis. Was aber noch wichtiger ist: Ein guter Vocoder Sound entsteht zu einem großen Teil auch durch eine optimalen Aufarbeitung des Sprachsignals.

Von den hier vorgestellten wären meine persönlichen Favoriten der Orange Vocoder IV und Waldorf Lector. Denn obwohl Softube und Arturia spannende Vocoder liefern, wäre mir bei beiden der Funktionsumfang zu eingeschränkt, um den signifikanten Aufpreis gegenüber Freeware oder Bordmitteln zu rechtfertigen. Sowohl Zynaptiq als auch iZotope und Waldorf Music haben demgegenüber Synthesefabriken im Portfolio, die auch langfristig Spaß machen. Für welche Lösung ihr euch auch entscheidet: Viele der Plugins gibt es regelmäßig im Angebot. Warten lohnt sich!

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Ein gutes Reverb PlugIn ist für elektronische Musik wie das Salz in der Suppe. Zwar liefern in den meisten Fällen die DAWs bereits ein paar gute Halleffekte mit, manchmal muss es dann aber doch mehr sein. Glücklicherweise gibt es mittlerweile eine gigantische Auswahl an ausgezeichneten Reverb VSTs. Und gerade bei Reverb-Effekten ergibt es Sinn, sich eine gute Sammlung zusammenzustellen. Dieser Artikel zeigt einige der besten Reverb Plug-Ins für Techno und Ambient. Dabei konzentriere ich mich vor allem auf algorithmische Reverb-PlugIns. Die auf gesampleten Hallimpulsen basierenden Convolution-Reverbs (Faltungshall) werde ich in einem späteren Artikel behandeln.

LiquidSonics: Tai Chi

Der erste Kandidat kommt von Liquid Sonics und wird als „ensemble character reverb“ beschrieben. Und Charakter kann man dem Reverb PlugIn definitiv nicht absprechen! Denn das Reverb VST sorgt besonders bei Synths, Vocals, oder elektroakustischen Instrumenten für einen wahnsinnig vollen und warmen Klang.

Grund dafür sind zum einen die Hallalgorithmen, die sich jeweils auf unterschiedlich mikroskopischer Ebene editieren lassen. So ist es beim Tai Chi etwa möglich, die Reverb-Zeit separat pro gewähltem Frequenzbereich einzustellen und gleichzeitig das Signal noch mit EQs weiter zu perfektionieren.

Zum anderen bietet das Tai Chi Reverb noch einen hervorragend klingenden Chorus und eine Kompressorsektion. Letzterer beinhaltet auch einen Ducking-Modus, bei dem der Reverbanteil abhängig vom Eingangssignal weggepumpt oder verdichtet wird.

Sollte einem das Tai Chi zu edel klingen, gibt es in der „Fidelity“-Sektion noch die Möglichkeit die Bitrate zu reduzieren. Und das unabhängig für die Hallfahne, die Erstreflektionen oder den Feedback-Weg!

LiquidSonics Tai Chi Webseite

FabFilter Pro-R 2

FabFilter ist schon seit Jahren eine echte Bank, wenn es um hochwertige VST-PlugIns geht. Darum überrascht es auch nicht, dass das Pro-R2 Reverb ebenfalls überzeugt. Die Stärken des Pro-R sehe ich vor allem in der Erzeugung natürlicher Hallräume. Denn das Pro-R 2 besitzt so gut wie keine Eigenfärbung oder experimentelle Hallalgorithmen wie Shimmer. Dadurch ist es ideal zur Bearbeitung von Vocals oder Drumspuren geeignet. Als Halleffekt für warme Synthpads würde ich allerdings wohl eher zu einem anderen Kandidaten greifen.

Die Bedienung des Pro-R geht dank der übersichtlichen Oberfläche erfrischend intuitiv von der Hand. Dabei hilft auch der integrierte Analyzer, der einen bei der Suche nach störenden Frequenzen vor oder nach der Effektbehandlung visuell unterstützt.

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Webseite FabFilter

strymon Big Sky Plugin

Mit dem Strymon BigSky Plugin hat der Hersteller eines der bekanntesten Reverb-Pedale in Software übertragen. Und auch als VST überzeugt das Big Sky auf ganzer Linie. Vor allem große und experimentelle Räume sind seine Stärke, aber auch Retro-Reverbs liegen dem Plugin.

Wer in erster Linie auf der Suche nach sehr natürlichen Raumsimulationen ist, sollte besser zu einem Convolution Reverb greifen. Für alle anderen, die ein Reverb-Plugin mit viel Charakter suchen, ist das Strymon Big Sky aber eine klare Empfehlung.

Test: Strymon BigSky Plugin

Valhalla DSP VintageVerb & Shimmer

Zugegeben, ich bin ein großer Fan der Valhalla DSP Effekte. Und die beiden Reverb PlugIns VintageVerb und Shimmer machen da keine Ausnahme. Im Gegensatz zu den meisten anderen Halleffekten in dieser Liste, handelt es sich bei VintageVerb und Shimmer um zwei spezialisierte Reverb-VSTs. Durch diese Spezialisierung schafft es Valhalla DSP auch, die Parameterdichte so zu reduzieren, dass man mit den PlugIns extrem schnell zum Ziel kommt.

Shimmer ist ein Effekt, der in vielen Ambient-Produktionen der letzten Jahre präsent ist. Hierbei läuft der Halleffekt zusätzlich durch einen Pitch-Shifter, wodurch dem Signal ein gewisser Glanz hinzugefügt wird. Zur Popularität dieses Effekts trug maßgeblich das Reverb-Pedal Big Sky von Strymon bei. Mittlerweile sind Shimmer-Effekte aber recht stark verbeitet und werden am häufigsten in Kombination mit Pads und großen Hallräumen eingesetzt. Als Reverb-VST-Variante überzeugte mich die Version von Valhalla DSP mit Abstand am meisten. Die Reduktion aufs Wesentliche und ein transparenter Gesamtklang erleichtern die Integration in bestehende Mixe, ohne dass der Effekt dabei zu dominant wirkt.

VintageVerb ist, worauf der Name bereits hindeutet, spezialisiert auf die Emulation älterer Reverb-Modelle. Hier findet sich eine umfangreiche Auswahl an bit-reduzierten Hallräumen ebenso wie Platten- und Federhallvarianten und nichtlinerare Raum-Simulationen. Das Reverb PlugIn klingt nicht besonders authenthisch, dafür aber unglaublich warm und „Retro“. Große Hallräume mit langen Reverbzeiten liegen dem VintageVerb im Vergleich nicht so sehr. Dafür überzeugen hier kleine und mittlere Räume, wodurch sich das PlugIn hervorragend zur subtilen bearbeitung von Percussion, Leads und Vocals eignet.

Webseite Valhalla DSP

Abletunes RVRB

Abletunes RVRB kommt mit einer schicken minimalen Oberfläche aus, die Zugriff auf alle Parameter bereitstellt. Dazu gehören neben den zwölf Hallalgorithmen jeweils ein EQ für den Eingang bzw. für das bearbeitete Signal. Mit Softattack und Tail Control kann das Signal in wenigen Schritten in die richtige Form gebracht werden. Anschließend verdicht man die Hallfahne noch mit dem Compressor oder fügt stufenweie Chorus hinzu.

Ein Spektrum-Analyzer gibt in Echtzeit Auskunft über die Frequenzverteilung von Ein-und Ausgangssignal. Neben der intuitiven Bedienung, die sich auch Einsteigern schnell erschließen dürfte, ist es vor allem der Klang des Reverb-Plugins, warum es RVRB in diese Liste schaffte.

Dieser lässt sich als angenehm warm mit seidigen Höhen beschreiben. Der Sound des Hall VST fügt sich angenehm unaufrdinglich in den Mix ein und sorgt besonders bei Syntzflächen und Leads für eine weite Räumlichkeit. Für kleinere Räume gibt es meiner Meinung nach etwas bessere Alternativen. Nicht, dass RVRB hier nicht gut abliefert; Aber bei anderen Plugins wie beispielsweise R4 oder fabfilter Pro-R klingen sehr kleine Räume noch etwas organischer. Bei mittleren und großen Ambiences spielt RVRB aber ohne Zweifel ganz weit vorne mit und ist daher eine klare Empfehlung.

Webseite von abletunes RVRB

Quantum 2772 (e)volution Reverb

Die Reverbs von Quantec galten in den 1980er-Jahren (und auch weit darüber hinaus) als teurer Studiostandard, wenn möglichst realistische Raumsimulationen gefragt sind. Die kleine Softwareschmiede Savant Audio Labs hat mit dem Quantum 2772 (e)volution einen Hybriden der berühmten QRS und Yardstick im Sortiment, das vor allem bei großen Hallräumen glänzt.

Zwar ist dieses Hall-VST ziemlich ressourcenintensiv. Dafür erhält man einen hervorragend klingenden Raumsimulator, der mit einem Preis von unter 100 € auch noch erstaunlich günstig ist. Gerade bei Flächen, aber auch bei endlosen Vocalsounds, Dub Chords und Leads machen selbst extreme Settings und Freeze Spaß.

Neben der Ausrichtung auf echte Räume überzeugt der Quantum 2772 (e)volution vor allem auch dann, wenn man ihn fürs kreative Sounddesign einsetzt: Ein großer (e)volution-Hall in den Send gelegt und dann per Sidechain-Kompressor in den Track integriert, erzeugt eine herrlich sphärische Stimmung.

Einsteiger dürften unter Umständen anfangs etwas Anlaufschwierigkeiten mit dem Quantum 2772 haben. Denn Bezeichnungen wie RT-60 sind im professionellen Bereich absolut geläufig, aber mittlerweile eher selten in Plugins und Hardware zu finden.

Webseite Savant Audio Labs

Reverb Plugin: Die besten VST Reverbs im Test – Fazit

Mittlerweile gibt es so viele gute PlugIns, dass es schwer ist, klare Sieger zu benennen. Zunächst einmal empfehle ich, dass ihr euch mit den Bordmitteln eurer DAW vertraut macht und prüft, was euch wirklich noch fehlt. Viele DAW Reverb PlugIns setzen eher auf Natürlichkeit, von daher würde ich zuerst einen Antagonisten suchen. Häufig wird dies ein Reverb mit Eigencharakter sein, der sich gut in den Mix einfügt.

Dieser Rolle werden besonders die Valhalla DSP Reverbs gerecht, aber auch Strymons BigSky Plugin und Tai Chi überzeugen durch ihren warmen Sound. Mein persönlicher Favorit aus dieser Liste ist das Tai Chi von Reverb Foundry, da es fast alle Hall-Disziplinen extrem gut beherrscht. Wenn es etwas schneller gehen soll, vereint auch das BigSky guten und flexiblen Klang mit intuitiver Bedienung. Noch unkomplizierter geht es nur bei Valhalla DSP, wobei man hier dadurch auch eingeschränkter ist. Die Valhalla DSP Reverbs würde ich daher eher denjenigen empfehlen, die einen ganz bestimmten Sound wie Shimmer oder Vintage-Reverbs suchen.

Als erstes Hall-PlugIn eines Drittanbieters sehe ich Reverb Foundrys Tai Chi oder das RVRB von abletunes. Hier trifft am Ende der eigene Geschmack und das vorhandene Budget die Entscheidung.

Für realistische Hallsimulationen sind für mich das Quantum 2772 (e)volution und FabFilter Pro-R die erste Wahl. Die Ergebnisse klingen authentisch und die Arbeit mit dem PlugIn macht dank der durchdachten und animieren Frequenzanalyse sehr viel Spaß. Der Pro-R ist auch ein guten Gegenspieler zu einem färbenden Hall.

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FM Synthesizer Plugins in der DAW

Vermutlich werden die meisten von euch eine DAW zur Musikproduktion verwenden. Dann lohnt es sich erstmal einen Blick auf die Bordmittel zu werfen. Denn viele DAWs haben bereits einen gut ausgestatteten FM-Synthesizer dabei. Sei es der Operator von Ableton, Bitwigs FM-4, oder der umfangreiche Sytrus in der Producer Edition von FL Studio; Mit diesen FM Synth Plugins deckt man eine umfangreiche Basis an relevanten Sounds ab, ohne gleich auf Drittanbieter-Plugins auszuweichen.

Wer auf Logic setzt, bekommt mit Retrosynth und EFM-1 ebenfalls FM-Synthese. Für umfangreiches Sounddesign sind diese zwei Kandidaten allerdings zu limitiert. Für alles weitere sind allerdings Spezialisten nötig.

Und damit steigen wir direkt ins Thema „die besten FM Synth VST Plugins“ ein.

Korg opsix native

Den Auftakt macht Korgs opsix native, ein flexibles FM Synth Plugin, das auch VA-Elemente enthält. Der opsix native von Korg ist die virtuelle Abbildung des hervorragenden Korg opsix Hardware Synthesizers (Korg opsix Test).

Mit sechs Operatoren, subtraktiven Filtermodellen, Sequencer und einer gut klingenden Effektsektion bietet der opsix native ein flexibles Portfolio an Klangbausteilen. Hervozuheben sind die Shaping-Möglichkeiten auf Operatorebene, denn im Gegensatz zu vielen klassischen FM Synthesizern kann man hier auch traditionelle Schwingungsformen wie Sägezahn, Rechteck oder Rauschen auswählen. So kann man den opsix native auch als traditionellen VA-Synth nutzen, ohne überhaupt den FM-Baukasten zu öffnen.

Wer noch tiefer ins Sounddesign einsteigen will, kann sich eigene Algorithmen bauen, oder die Schwingungsformen mit Waveshapern, Ringmodulation etc. formen.

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Arturia DX7 V

Ganz in der Tradition einer Legende steht der DX7 V von Arturia. Hierbei handelt es sich um die virtuelle Abbildung des beliebten Yamaha DX7, der über Jahre hinweg den Sound von Techno mitgeprägt hat.

Der Grundsound des DX7 V lässt zwar etwas von dem organischen Schmutz des Originals vermissen. Dafür wurden die Möglichkeiten des DX7 noch erweitert , u.a. mit einem Multimode-Filter, eine umfangreiche Modmatrix, LFOs samt Step-Sequencer, sowie eine gut klingende Effektsektion. Zwar klingt der originale DX7 imer noch absolut zeitgemäß, aber die notwendige Peripherie bringt der DX7 V von Arturia direkt mit.

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Tracktion f’em

Der mächtigste FM Synthesizer aus dieser Liste ist der F.’em von Tracktion. Eine komplexe und frei verschaltbare Operatoren-Matrix bietet acht Waveform-Operatoren, dazu noch zwei Sample-basierte Operatoren, sowie einen Noise-Operator.

Die Level-Hüllkurven für jeden Operator bestehen aus bis zu 32 Segmenten, dessen Verlauf nicht nur flexibel zwischen linear und exponentiell verschoben werden kann. Die einzelnen Segmentzeiten lassen sich zudem noch zur MIDI-Clock synchronisieren, wodurch problemlos spannende rhythmische Verläufe möglich sind.

Da wir gerade bei Automationen sind: Neben den großartigen Hüllkurven bietet der F.’em noch eine umfangreiche LFO-Sektion, sowie eine flexible Modulationsmatrix, mit der man extrem tief ins Sounddesign absteigen kann.

Diese Komplexität verlangt definitiv ein solides Grundwissen in Klangsynthese. Aber auch Einsteigern begegnet F.’em mit einer soliden Auswahl an gut klingenden Presets. Und wer sich mit den Feinheiten der FM-Synthese nicht so wohlfühlt, kann zu harschen Klängen mit der subtraktiven Synthese die Schärfe nehmen. Hierfür steht ein duales Multimodefilter zur Verfügung.

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dexed: ein DX 7 als Freeware FM Synth VST

Digital Suburban dexed ist schon lange kein Geheimtipp mehr. Das Freeware Synth-Plugin basiert konzeptionell auf dem legendären Yamaha DX7 und ist sogar in der Lage, ebensolche Presets zu importieren (und exportieren). Dadurch hat man nicht nur Zugriff auf tausende Sounds, sondern einen perfekten VST FM Synth für Techno, Ambient und andere Genres elektronischer Musik.

Besonders die berühmten Dub Chords und Techno Stabs gelingen mit dem dexed im Handumdrehen. Der metallisch organische Sound ist direkt vorhanden und geht noch etwas aggressiver zu Werke, als etwa ein Ableton Operator.

Wenn man von der subtraktiven Synthese kommt, muss man sich beim dexed – neben den Grundlagen der FM-Synthese – erst einmal an die „spiegelverkehrte“ Bedienung der Hüllkurven gewöhnen. Im Gegensatz zu den typischen ADSR-Hüllkurven werden längere Zeitsegmente hier nämlich mit einer Linksdrehung des Potis umgesetzt. Hat man das einmal verinnerlicht, dürfte sich der Rest auch recht schnell erschließen. So oder so: Den dexed sollte sich jeder zumindest einmal angesehen haben.

Digital Suburban dexed: Hier könnt ihr euch dexed kostenlos herunterladen.

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Opal Morphing Synthesizer: Wavetable VST

Den Auftakt dieses Best-Ofs macht der Opal Morphing Synthesier, ein Hybride aus Wavetable- und subtraktiver Synthese. Zwar ist das Konzept „Wavateble meets Analog“ mittlerweile alles andere als revolutionär. Aber man muss auch nicht immer das Rad neu erfinden, um gut klingende VST-Instrumente auf den Markt zu bringen.

Und der Opal Morphing Synth ist definitiv einer der besten Vertreter dieser Gattung. Er bringt unheimlich viel Pfund in den Bässen, kristallene Höhen und einen flexiblen Sound, den man in dieser Qualität woanders nur selten findet. Spontan fallen mir da Xfer Serum, Arturias Pigments oder Kilohearts Phase Plant ein.

UADs Opal Morphing Synth spielt neben dem kraftvollen Grundsound seine Stärken vor allem in der Bedienung aus. Im umkämpften Markt der Wavetable-Synth-PlugIns überzeugt Opal durch eine klar strukturierte Bedienoberfläche, die sich auch Einsteigern schnell erschließt. Eine hervorragend klingende Effektsektion rundet die Ausstattung ab.

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PolyMAX: virtueller Analogpoly

Keine großen Modulationsorgien, keine komplexe Syntheseformen und kein virtueller Software-Clone: Beim UAD PolyMAX könnte man sich wirklich die Frage stellen, warum ausgerechnet so ein Basic-Synth es in die Liste der besten UAD PlugIns geschafft hat.

Wenn da nicht der Sound wäre. Denn die zwei Oszillatoren inklusive FM und Sync, verbunden mit einem kräftigen Multimodefilter und großartigen Effekten bringen in wenigen Schritten einen vollen und überzeugenden Vintage-Analogsound.

Durch die überschaubaren Möglichkeiten ist der PolyMAX auch eine Empfehlung für Einsteiger, die guten Klang suchen, aber gerade in der Lernphase schnell zu Ergebnissen kommen wollen. Aber auch im professionellen DAW-Studio ist der PolyMAX eine sinnvolle Ergänzung. Für mich eine echt positive Überraschung.

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Moog Minimoog: Der Klassiker als VST

Jede größere Software-Schmiede hat einen Minimoog-Clone im Portfolio. Der Kultsynthesizer darf demnach natürlich auch bei Universal Audio nicht fehlen. Und die UAD Spark Variante liefert ordentlich ab: Satte Bässe, authentische Melodic Techno Leads und perkussive Sounds gelingen mit dem UAD Moog Minimoog PlugIn problemlos.

Wer ein maximal authentisches Minimoog VST sucht, ist allerdings mit dem Softube Model 72 etwas besser beraten. In den Nuancen, vor allem was das zornig organische Grummeln im Bass betrifft, liegt Softube etwas davor.

Wer allerdings neben dem Moog Charakter vor allem einen guten Bass und Lead Synth sucht, kann bedenkenlos bei einer Rabatt-Aktion zuschlagen. Beim vollen Preis würde ich aber immer das Model 72 vorziehen, das zu einem ähnlichen Kurs erhältlich ist.

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Galaxy Tape Echo: Roland RE-201 Delay

Beim Galaxy Tape Echo hat sich Universal Audio dem legendären Roland RE-201 Space Echo angenommen. Und die Bandecho-Simulation gehört zu den besten Vertretern dieses Effekttyps. Wie schon beim Original kombiniert das Galaxy Tape Echo ein analoges Tape Delay mit einem Federhall, stellt verschiedene Tonkopfkombinationen für groovende Rhythmen zur Verfügung und zeichnet sich durch seine intuitive Bedienung aus.

Hinzugekommen sind praktische Funktionen wie BPM-Synchronisation, wählbare Alterungsstufen für die extra Portion Chaos, sowie Stereobetrieb. Das Universal Galaxy Tape Echo ist fast ein „Must-Have“ für DAW-basierte Dub Techno Studios, aber auch eine klare Empfehlung für alle, die eine organisch klingende Tapedelay-Simulation suchen.

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Lexikon 224 UAD Plugin: Der legendäre Hall als VST

Gute Reverb VSTs kann man eigentlich immer gebrauchen. Denn je nach Einsatzgebiet, ist mal ein natürlicher, mal ein künstlich klingender, oder ein Kreativhall gefragt. Auch die klanglichen Charakteristika unterscheiden sich mitunter immens, weshalb ein perfekt auf das Signal abgestimmte Reverb einen gravierenden Unterschied machen kann.

Beim Lexikon 224 VST von UAD handelt es sich um die virtuelle Nachbildung eines Studioklassikers, der durch seinen warmen Sound berühmt wurde. Als eines der ersten Digitalreverbs gab es noch etliche Artefakte im Sound. Unperfektheiten, die heutzutage durchaus erwünscht und selbstverständlich auch im Plugin emuliert wurden.

Das UAD Spark Plugin macht sich besonders gut auf Pads, wo es mit langen Hallfahnen dazu beiträgt, warme Texturen zu kreieren. Aber auch Vocals oder Drum-Spuren kann man mit dem Lexikon 224 ein angenehmes Retroflair verpassen.

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Studer A800 VST: Analoge Sättigung und Wärme

Bandmaschinen werden gerne eingesetzt, um kompletten Tracks oder einzelnen Subgruppen etwas Glueing mitzugeben. Ein Effekt, der dazu führt, dass sich ein Mix – oder bestimmte Gruppen im Mix homogener anhören. Bandmaschinen eignen sich aber auch gut, um Audiosignale durch Sättigung harmonische Obertöne hinzuzufügen, was gerne mal als analoge Wärme beschrieben wird.

Eine legendäre Mehrkanalbandmaschine die in professionellen Studios genutzt wird, ist die Studer A800. Mit dem UAD Studer A800 Plugin holt ihr euch etwas von dem Sound ins virtuelle Studio. Dieser Effekt eignet sich auch gut für die Summe, um dem Track den letzten Feinschliff zu verpassen oder als Kreativtool, wenn ihr das Signal mit hohem Pegel in die Verzerrung fahrt.

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UAD Studio D Stereo Chorus

Der UAD Studio D Stereo Chorus kann nicht viel. Aber was er macht, gelingt ihm ausgezeichnet. Das Chorus-PlugIn ist dem Roland Dimension D nachempfunden, einem legendären Modulationseffekt, der erstmals 1979 auf den Markt kam.

Ein Stereo-/Mono-Wahlschalter und vier verschieden kombinierbare Chorus-Modi, die man ebenfalls per virtuellem Taster aktiviert, sind hier die spärliche Ausstattung. Wie schon beim Original, ist aber nicht die Menge an Features entscheidend, sondern der Sound.

Und den kann man beim UAD Spark Studio D durchaus als gelungen bezeichnen: Das Plugin eignet sich besonders gut zum subtilen Andicken von Bässen, breitere Vocals, oder warme Flächensounds. Im Übermodus bei der alle vier Chorusmodi parallel laufen entsteht ein herrlich organischer Klang, der besonders auch nach einem Hall-Effekt das gewisse Etwas hinzufügt.

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Roland JUNO-6, JUNO-60 und JUNO-106: Eine kurze Einführung

Wahrscheinlich habt ihr euch vor der Suche nach den besten Roland Juno VSTs bereits Gedanken über die unterschiedlichen Modelle gemacht habt. In diesem Fall könnt ihr direkt zu den Plugin-Empfehlungen springen. Falls ihr das erste Mal davon hört, dass es DEN Roland Juno nicht gibt, zeige ich kurz die wesentlichen Unterschiede.

Roland JUNO-6 und JUNO-60

Beide Modelle wurden ursprünglich entworfen, um eine günstigere Alternative zu den großen Polysynths der Zeit (Prophet 5 etc.) zu bieten. Entsprechend sporadisch kommt die bis zu 6-fach polyfone Klangerzeugung pro Stimme daher: ein DCO (Sägezahn, Puls mit PWM), Suboszillator, eine ADSR-Hüllkurve, Hochpass und Tiefpass mit Resonanz, sowie ein globaler LFO.

Um den Klang anzudicken, verfügen die Junos noch über einen hervorragend klingenden Chorus-Effekt. Dieser lässt sich in drei Betriebsarten umschalten und erfreut sich aufgrund des wunderbaren Klangs trotz massivem Rauschanteil einer großen Fangemeinde.

Der wesentliche Unterschied zwischen JUNO-6 und JUNO-60 liegt zum einen in den 56 Speicherplätze im JUNO 60. Das war für viele Bühnenperformer in den 80ern ein wesentlicher Faktor, ist aber im Zuge der Digitalisierung bei Roland Juno VSTs kein Thema mehr. Zum anderen konnte man das Hochpassfilter im Juno 6 noch stufenlos einstellen, beim Juno 60 hingegen erfolgte die Abstimmung in vier Positionen.

Roland JUNO-106

Im Jahre 1984 folgte dann der JUNO-106, der auch das letzte Modell der analogen JUNO-Reihe war (wenn man die Alpha-Junos nicht mitzählt). Dieser bot nun 128 Speicherplätze und eine echte MIDI-Schnittstelle, verzichtete aber auf den Arpeggiator zugunsten von polyfonem Portamento. Wie schon beim Juno-60 ist auch das Hochpassfilter im JUNO-106 nur vierstufig schaltbar.

Klanglich kommt der JUNO-106 im Vergleich zum Juno-6 / Juno-60 etwas zahmer daher, was vor allem an der etwas träger reagierenden Hüllkurve liegen dürfte. Die ist zwar immer noch schnell genug für runde Bässe oder Leads, vermisst aber im Direktvergleich mit dem Vorgänger etwas an Punch.

Roland JUNO VSTs: Die besten Juno PlugIns

Nach dieser kurzen Einführung kommen wir direkt zu den Empfehlungen. Wie immer, sind solche Artikel stark subjektiv gefärbt und ihr solltet euch daher immer auch auf eure eigenen Ohren verlassen.

Softube Model 84: Der authentische Juno 106-Clone

Den Auftakt macht das Juno-106 Plugin Softube Model 84. Der Juno-106 VST Clone kommt ohne wesentliche Zusatzfeatures direkt auf den Punkt. Hinzugekommen sind ein paar sinnvolle Erweiterungen gegenüber dem Original. Insgesamt zwar überschaubar, aber Zuweisungsmöglichkeiten für Aftertouch und Velocity, mit denen man Amp, Filter und Pulsbreite steuert, nimmt man gerne mit. Der Choruseffekt lässt sich zudem zwischen Stereo und Mono umschalten.

Besonders sinnvoll für fette Bass- und Leadsounds ist die Möglichkeit, die Oszillatoren im Unisono-Modus zu resetten. Dadurch vermeidet man Probleme mit Phasenlagen, die im freilaufenden Betrieb gerne mal zu Signalauslöschungen führen können.

Klanglich ist das Model 84 dabei im Vergleich auch am überzeugendsten. Wer den authentischen Juno-106 Sound möchte, macht mit dem Model 84 von Softube nichts verkehrt.

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TAL U-NO-LX: Roland Juno 60 VST

Wer eher nach dem Sound des Roland JUNO 60 sucht, sollte sich den TAL U-NO-LX genau ansehen. Denn das Juno 60 PlugIn liefert überzeugenden Sound und das mit knapp 70 € zu einem immer noch überschaubarem Preis.

Auch wenn das GUI mittlerweile etwas in die Jahre gekommen ist, wird das PlugIn laufend erweitert. Neben Delay und Reverb finden sich weitere kleine Features, die den JUNO 60 Sound sinnvoll ergänzen.

Zum einen ist es der MPE-Modus, mit dem man den Klang noch expressiver formen kann. Zum anderen gibt es hier ein stufenlos überblendbares Hochpassfilter, Portamento, und BPM-synchronisierbarem Arpeggiator und LFO. Ansonsten hält man sich bei TAL weitestgehend nah an der Originalvorlage, was auch auf den Sound zutrifft.

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Cherry Audio DCO-106: Die Budgetvariante

Mit dem DCO-106 schickt Cherry Audio die Budget-Variante eines Juno 106 VST ins Rennen. Für gerade mal rund 30 $ gibt es hier eine recht ordentliche Emulation des Klassikers, die neben dem Juno 60 Arpeggiator noch um Delay- und Reverb-Effekte erweitert wurde. Der LFO bietet neben der ursprünglichen Dreieck-Schwingung fünf weitere Wellenformen zur Auswahl. Natürlich sind diese Erweiterungen zur BPM synchronisierbar.

Klanglich liegen die Mitbewerber etwas davor, da sich die Cherry Audio Emulation in den Höhen immer etwas bedeckt hält. Am Ende ist es fraglich, wie viel mehr Wert einem die Authentizität ist. Wer gelegentlich etwas Juno-106-Charme im Mix benötigt, findet mit dem Cherry Audio DCO-106 eine gute Alternative, die man in bei einer der zahlreichen Sale-Aktionen von Cherry Audio schon mal für 15-20 € bekommt.

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Arturia Jun-6 V: Juno 6 als VST PlugIn

Mit dem Jun-6 V widmete sich Arturia dem Roland Juno 6, dem Urvater der Juno-Serie. Da sich Juno 6 und Juno 60 nur minimal unterscheiden, ist der direkte Mitbewerber bei den besten Roland Junos VST wohl der TAL-U-NO-LX, den ich klanglich noch überzeugender finde.

Arturia hält wiederum mit einer Modulationsmatrix, zusätzlicher ADSR-Hüllkurve und einem zweiten LFO mit sechs Schwingungsformen dagegen. Die Modmatrix ist zwar auf wenige Slots beschränkt. Dafür stehen in den Zielen auch Parameter der Effektsektion zur Verfügung, was interessante Möglichkeiten im Sounddesign eröffnet.

Da auch der Jun-6 V den typischen Juno-Charakter liefert, entscheidet hier am Ende wohl die Frage: Mehr Authentizität (TAL) oder mehr Features (Jun-V)? Und falls man auf beides nicht verzichten will, gibt es mit dem u-he Diva noch einen weiteren Kandidaten …

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u-he Diva: Der Allrounder als Juno VST?

u-he Diva ist auf den ersten Blick kein direkter Juno-Clone. Schaut man aber genauer hin, kann man sich mit der Kombination aus DCO-Modell, Cascade-Filter (rough mode), und Analog-ADSR einen JUNO-60 Clone zusammenbauen. Der bringt einen sicher an die Zielgerade, wenngleich hier die spezialisierten Plugins am Ende doch noch vorbeiziehen.

Dabei ist es nicht der Klang, sondern der Weg dorthin, durch den sich echtes JUNO-60-Feeling nicht ganz einstellen will. Denn gerade die Reduktion auf wenige Parameter und die einfache Bedienung sind ein wesentlicher Bestandteil für den Erfolg des Junos.

Dennoch sei Diva jedem ans Herz gelegt, der einen flexiblen Synth sucht, der nebenbei auch Juno-esque Sounds hervorragend beherrscht. Juno-60-Puristen sollten eher zu TALs U-NO-LX oder dem JUN-6 von Arturia greifen.

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Fazit: Die besten Roland Juno VST Plugins

Wer maximale Authentizität sucht, findet mit dem Softube Model 84 die klanglich überzeugendste Lösung. Softube hat eine ausgezeichnete Rekreation des Roland Juno 106 auf den Markt gebracht, die sich auch von den Features her nahezu komplett an der Originalvorlage orientiert.

Wem das zu wenig ist, oder wer eher in Richtung Juno 60 tendiert, erhält mit dem TAL-U-NO-LX ebenfalls einen großartigen Sound. Dazu kommen noch ein paar Extras wie MPE Support oder Effekte.

Falls Budget eine Rolle spielt, findet mit dem Cherry Audio DCO-106 eine günstige Alternative, die klanglich aber nicht mit den anderen Kandidaten in dieser Liste mithalten kann. Zwar ist der Juno-Charakter grundsätzlich vorhanden, aber mir wäre der Kompromiss bei den fehlenden Höhen einfach zu drastisch.

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FabFilter Twin 3: Konzept

Theoretisch handelt es sich beim Twin 3 um einen virtuell analogen Synthesizer mit vier Oszillatoren, ebenso vielen Filtern, etlichen Modulationsmöglichkeiten und einer hochwertigen Effektengine. Theoretisch deshalb, da der FabFilter Twin 3 durch die sehr flexible Verschaltung einzelner Komponenten und die beachtliche Anzahl an Filtermodellen durchaus auch als semimodularer Synth durchgeht.

Oszillatoren

Fangen wir klassisch im Signalfluss mit den Oszillatoren an. Bis zu vier Oszillatoren erzeugen einen herrlich rohen Analogsound, der mittels simuliertem Drift sehr organisch daherkommt. Die Schwingungsformen decken das Standardrepertoire gut ab und erzeugen Sägezahn, zwei Dreieck-Formen, Rechteck in zwei verschiedenen Varianten und flexibler Pulsbreite, Sinus, sowie weißem und rosa Rauschen.

Die Stimmenverteilung geschieht polyfon, unisono, oder per Oszillator. Letzterer Modus ist besonders in Kombination mit Ringmodulation und Sync spannend, wenn man per gespielter Note die Frequenz von nur einem der beiden Oszillatoren ändert. So entstehen je nach Chord-Kombination ständig neue Obertonvariationen.

Sync und Ringmodulation ermöglichen auch metallische Sounds und schneidende Leads bereits auf Oszillatorebene. Frequenzmodulation zwischen den Oszillatoren ist leider nicht möglich, wobei dieses Feature bei dem Grundsound sicherlich zu spektakulären Ergebnissen führen würde. Immerhin kann man das Ansatzweise über die bis zu 500 Hz schnell schwingenden LFOs simulieren, deren Frequenz sich wiederum an die Tonhöhe koppeln lässt.

Abschließend steht für alle Oszillatoren noch Lautstärke und Panorama zur Verfügung; ideal für Sounds, die sich im Stereobild ausbreiten sollen. Dieser Effekt lässt sich zusätzlich verstärken, indem man jeden Oszillator durch ein anderes Filter leitet.

Filter des Fabfilter Twin 3

Und damit kommen wir direkt zur Filtersektion. Ebenso wie bei den Oszillatoren gibt es hier eine maximale Anzahl von vier Filtern, für die jeweils elf Filtermodelle bereitstehen. Die Auswahl ist hier echt beachtlich und reicht von smoothen Vertretern, über klinisch exakte Filter, bis hin zu warm übersteuernden Varianten. Allerdings werden die Filter nie übermäßig schmutzig oder brutal böse. Wer in erster Linie das chaotische Flirren eines Polivoks- oder WASP-Filters sucht, wird hier also nicht glücklich.

Für jedes Modell lässt sich einerseits die Flankensteilheit zwischen 6, 12, 24 und 48 dB festlegen. Andererseits ist es möglich zwischen etlichen Betriebsarten umzuschalten. Diese reichen vom klassischen Lowpass, über verschiedene Bandpass, Notch und Bell-Varianten und enden schließlich im Hochpass. Alle natürlich mit Resonanz, die bis in die Selbstoszillation reicht.

Bemerkenswert ist beim Filter, wie gut die Interpolation funktioniert. Selbst bei extrem langsamen Sweeps konnte ich dem Filter keine hörbaren Stufen entlocken.

Modulationsroutings im Handumdrehen

Ein absolutes Highlight des fabfilter Twin 3 ist seine Modulationsmatrix. Hierüber lassen sich etliche Modulationsquellen frei auswählen, worunter Klassiker wie ADSR-Hüllkurven (mit flexibler Charakteristik), sowie MIDI-Controller wie Modwheel etc. fallen. Aber auch Live-Performance Tools wie XY-Pads und die XLFOs, die entweder ganz klassisch genutzt werden können, oder als kleine Stepsequencer mit frei definierbaren Schwingungskurven.

Die Hüllkurven eignen sich ebenso gut für zackige Percussions wie für extrem gemächliche Drones. Die LFO-Frequenzen reichen, wie kurz schon angerissen, mit 0.02-500 Hz bis in den hörbaren Bereich, wodurch (wenn gewünscht mit Keyboard-Tracking) auch AM- und FM-Sounds möglich sind.

Den Modulationsquellen stehen etliche modulierbare Parametern zur Verfügung. Alle aufzuzählen würde den Rahmen sprengen. Eigentlich ist nämlich fast jeder Parameter auch ein Modulationsziel. Ausnahmen bilden „Basis-Parameter“ wie Flankensteilheit, OSC-Schwingungsform oder Filtertyp.

Die Modulationsverknüpfung wird dabei ganz einfach per Drag-and-Drop hergestellt und erinnert etwas ans Strippenziehen im Modularsystem, geht aber gefühlt noch schneller von der Hand. Genauso wünsche ich mir das in einem Synthesizer-Plugin!

Interne Effektsektion

Neu hinzugekommen ist im Twin 3 eine umfangreiche und gut klingende Effektsektion. Bei den Parametern hat man sich hier auf das Nötigste konzentriert und erzielt damit eigentlich immer brauchbare Ergebnisse.

Dem Delay wurde zudem ein eigenes Filter, oder besser gesagt bis zu vier unterschiedliche Filter spendiert. Alle mit Resonanz und via Modulationsmatrix in ihrer Eckfrequenz ebenso steuerbar, wie die Delayzeit. Mit dem Delay lassen sich herrlich breite Dub-Delays mit viel Bewegung erzeugen. Aber auch für den subtilen Einsatz ist das Delay echt ein verlässlicher Partner.

Gewünscht hätte ich mir in der Effektsektion einerseits etwas mehr Parameter für Drive, das außer Umschaltung von Pre/Post-Effekt nur die Verzerrungsintensität anbietet. Trotzdem klingt es gut und liefert von subtiler Sättigung bis hin zu aggressiver Distortion ein breites Portfolio.

Andererseits – und das habe ich wirklich vermisst – wäre es super gewesen, wenn man die Reihenfolge der Effekte frei bestimmen könnte. Zwar deckt die von fabfilter vordefinierte Serie die meisten Anwendungen gut ab, manchmal hätte ich den Chorus vielleicht doch gerne vor dem Phaser platziert, oder das Reverb hinter dem Delay.

Alternativen zum Fabfilter Twin 3

Reduziert man Twin 3 auf das Konzept „VA“, gibt es etliche Alternativen, jede mit ihren eigenen Stärken und Schwächen. Nimmt man aber das Gesamtpaket aus Flexibilität, hervorragendem Sound und intuitiver Bedienung, steht Twin 3 schon ziemlich einzigartig da. Mir jedenfalls fällt auf die Schnelle kein vergleichbares Synth-VST ein, dass hier ähnlich umfänglich abliefert. Maximal u-he Zebra, wobei man dem Plugin mittlerweile sein Alter anmerkt, sowohl klanglich als auch beim GUI. Ein Leser wies mich noch auf den Phase Plant von Kilohearts hin, ein ebenso viel versprechendes Synth-VST. Allerdings fehlt mir (noch) die Praxis mit dem Plugin, um das vernünftig beurteilen zu können.

Fabfilter Twin 3 Test: Fazit

Und so kann ich jedem nur empfehlen, fabfilter Twin 3 einmal auszuprobieren. Klang ist immer auch Geschmackssache und sicherlich benötigt man bei so einem umfangreichen Synth wie Twin 3 eine gewisse Zeit, um die Nuancen alle zu begreifen. Bedienung und Grafik helfen dabei immens. Bei mir wird das flexible Plugin definitiv einen festen Platz im Synth-Favoriten-Pool einnehmen und häufig zum Einsatz kommen.

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Strymon Big Sky PlugIn Test: Die Vorgeschichte

Immer wieder schaffen es Geräte, Legendenstatus zu erhalten und Genres entscheidend mit zu prägen. Darunter fallen die Roland TR-909 und TB-303, der Minimoog oder, wie in diesem Fall, das Strymon Big Sky Reverb. Letzteres hat sich vor allem durch den Shimmer-Hall unter Ambientproduzenten einen Ruf erkämpft. Dabei wurde dieser Effekt, bei dem vereinfacht gesagt in die Feedbackschleife eines Reverbs ein Pitch-Shifter integriert wurde, noch nicht einmal von Strymon erfunden.

Allerdings liefert das Big Sky neben dem Shimmer-Reverb auch eine Reihe weiterer hervorragend klingender Reverb-Algorithmen mit. Hinzu kommt eine sehr intuitive Bedienung und ein Klang, den man als warm färbend beschreiben kann.

Strymon Big Sky PlugIn: Erster Kontakt

Zunächst muss das Big Sky Plugin über einen iLok-Account lizenziert werden, wenn man seine ersten Schritte nicht mit der Demoversion machen möchte. Mit anderen Worten: alles ganz normal und es funktioniert wie es soll.

Einmal in der DAW aufgerufen, werden erst einmal einige der Presets durchgehört, von denen das BigSky VST bereits mit einer guten Auswahl kommt. Diese reicht von soliden Studiostandards wie Room, Slap Echo, oder Hall in allen Größen, bis hin zu experimentellen Riesenräumen und Vocal-Effekten. Entgegen meiner Erwartungen hält sich der CPU-Verbrauch auf meinem M1 Macbook Pro in Grenzen.

Charakterstarker Sound

Wie schon bei der Hardware-Version klingen die insgesamt zwölf unterschiedlichen Algorithmen hervorragend, wobei ich die Stärke des BigSky Plugins vor allem in den künstlichen Raumsimulationen sehe. Realistische Hallräume kann das BigSky zwar auch, allerdings sehe ich da viele Convolution-Reverbs einfach vorne.

Schön ist, dass die Färbung des BigSky Pedals auch in der PlugIn-Variante zu finden ist. Gerne werden bei solchen Dingen Wandler etc. als entscheidend angeführt, um Vorteile der Hardware zu rechtfertigen. Im vorliegenden Fall kann ich aber guten Gewissens sagen, dass sich auch hier der Glanz auf den Sound legt, für den das Big Sky so beliebt ist.

Nahezu alles, was man ins PlugIn schickt, kommt irgendwie breiter, wärmer etc. heraus. Das ist aber eine Färbung, die mit der Zeit auch nervig werden kann, wenn man es übertreibt. So erging es mir mit einigen Ambient-Tracks, bei denen ich deutlich den BigSky-Shimmer heraushören konnte. Wie so oft, macht die Dosis das Gift.

Zwölf Algorithmen

Neben dem bekannten Shimmer-Reverb in unterschiedlichen Varianten, reicht die Palette wie erwähnt von Studioklassikern bis hin großartigen Vintage-Simulationen inklusive Federhall und Plate-Reverb. Mit Magneto kommen auch Dub Techno Freunde voll auf ihre Kosten, da hier Tape-Delay und Reverb fließend ineinander übergehen.

Chorale wiederum erzeugt interessante Vocaleffekte, die mit zunehmender Intensität in Richtung Chor gehen. Dessen Formanten lassen sich gezielt ansteuern, was besonders spannend wird, wenn man diesen Parameter fernsteuert. Und damit kommen wir zu einer echten Stärke des Strymon Big Sky Plugins.

Automation Deluxe: Die Modulationsstärken des PlugIns

Wer in seinen Tracks auf umfangreiche Modulationen setzt, wird mit dem BigSky Plugin deutlich schneller zum Ziel kommen als mit der Hardware-Version. Das ist einerseits durch die native Einbindung logisch. Andererseits spielt hier in die Karten, dass man auch dien bei der Hardware-Version im Menü versteckten, Parameter immer direkt im Zugriff hat.

Wer es gerne experimentell hat, könnte das Reverb auf Infinite stellen und im Laufe der Zeit alleine durch umfangreiche Parameterautomation komplexe Drones oder Gated Pads erzeugen.

Alternativen

Wenn es vor allem um den Shimmer-Effekt und Vintage-Reverbs geht, dürfte man mit Valhalla DSP Shimmer und Room gute Alternativen zu günstigem Kurs bekommen. Allerdings sind diese deutlich spezialisierter und man muss auf viele Algorithmen des BigSky verzichten.

Die heißeste Alternative ist für mich aber das Tai Chi Reverb von Reverb Foundry. Das klingt noch eine Spur edler, lässt mehr Sounddesign-Möglichkeiten zu und liegt mit rund 200 $ sogar noch etwas unter dem Preis eines BigSky Plugins. Allerdings muss man sich hier auf die Parametertiefe einlassen wollen. Denn das Big Sky punktet deutlich mit seinem übersichtlichen GUI, das auch Einsteiger nicht überfordert.

Fazit: Strymon Big Sky PlugIn Test

Mit ihrem ersten PlugIn hat Strymon wie erwartet abgeliefert. Der Sound des legendären Reverb-Pedals ist definitiv da, wenngleich man natürlich Abstriche bei dem direkten Zugriff machen muss. Andererseits erreicht man über das Plugin viele Parameter direkter, für die man in der Hardware ins Menü abtauchen muss.

Sicherlich wirkt der Preis von rund 230 € erstmal sportlich. Vor allem dann, wenn man für rund 150 – 200 € mehr die Hardware auf dem Gebrauchtmarkt bekommt. Andererseits stehen mit dem Big Sky Plugin theoretisch unbegrenzt viele Instanzen zur Verfügung und der Workflow fügt sich nahtlos in bestehende DAW-basierte Studios ein. Und selbst als „Zweitgerät“ neben der Hardware macht das Plugin eine gute Figur. Jedoch hätte ich mir hier von Strymon auch langfristig einen attraktiven Crossgrade-Preis gewünscht.

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Waves BSS DPR-402 Kompressor

Starten wir direkt mit Studiostandards: Einen guten Kompressor kann man immer gebrauchen. Und der Waves BSS DPR-402 Kompressor ist wahrscheinlich eines der besten Waves-Plugins für die Bearbeitung von Drums.

Egal ob Techno, EDM oder House: Der Waves BSS DPR-402 Kompressor eignet sich einerseits hervorragend zur Bearbeitung von Einzeslpuren wie Kick oder Snare. Gleichzeitig macht er auch als Kompressor in der Subgruppe eine gute Figur. Hier hilft er dabei, die einzelnen Drum-Instrumente zu einem homogenen Mix zusammenzufügen. In extremen Settings fängt er aber auch herrlich an zu pumpen, was vor allem im French House gerne genutzt wird.

Waves F6 Floating-Band Dynamic EQ

Neben einem Kompressor darf auch ein EQ nicht in dieser Sammlung fehlen. Hier habe ich mich für den Waves F6 Floating-Band Dynamic EQ entschieden. Hinter dem Produktnamen in Roman-Länge verbirgt sich ein flexibler 6-Band-EQ. Neben seiner Funktion als parametrischer EQ reagiert der F6 akitv auf eingehende Signale. Hierzu bietet der F6 die Möglichkeit, je nach Lautstärke des eingehenden Signals einzelne Frequenzen abzusenken oder zu betonen.

Das ist besonders dann praktisch, wenn man nur zu bestimmten Ereignissen Störsignale entfernen möchte, etwa Zischlaute bei Vocals. Oder man gibt dem Anfangimpuls einer Kick direkt noch etwas an oberen Mitten hinzu, damit sich diese im Mix stärker durchsetzt. Ein anderes Szenario wäre ein Lead- oder Basssound, der nur bei einer bestimmten Note unangenehme Resonanzen erzeugt. Per Threshold legt man fest, ab welcher Lautstärkeschwelle der EQ anfängt zu arbeiten.

Der F6 ist ein präzises Tool für unterschiedliche Mixingaufgaben, das sich trotz des Funktionsumfangs recht intuitiv bedienen lässt.

Waves Submarine

Clubmusik lebt auch vom Subbassbereich, gerade bei der Bearbeitung von Kick und Bass. Wann immer euch etwas an Tiefenschub in der Produktion fehlt, könnte Submarine von Waves helfen. Hierbei handelt es sich um einen Subbassgenerator, der das eingehende Signal resynthetisiert. Auf dieser Basis erzeugt der Submarine dann zwei subharmonische Signale, die jeweils eine und zwei Oktaven unterhalb des Ursprungssounds liegen. Per Regler wird dann noch festgelegt, welche Frequenz zwischen 20 und 240 Hz gezielt betont werden soll.

Die Lautstärke ist für beide Subharmonische unabhängig einstellbar. Damit das Ergebnis bestmöglich in den Mix passt, stehen zusätzlich Kompressor /Sustainer, Drive, sowie ein Dry-Wet-Regler für den Effektanteil zur Verfügung.

Waves Smack Attack: Transient-Shaper

Transienten-Shaper kommen vor allem dann zum Einsatz, wenn der Anfangsimpuls eines Signals stärker herausgearbeitet oder abgesenkt werden soll. Hiermit verleiht man zum Beispiel Kickdrums mehr Punch, oder eliminiert Popgeräusche oder Knackser am Anfang eines Signals. Aber auch die Verstärkung oder Reduktion der Sustain-Phase ist eine Disziplin, wleche die meisten Transienten-Shaper beherrschen.

Der Smack Attack von Waves liefert all das in einer intuitiven Bedienoberfläche. Dabei bietet der Smack Attack weitere sinnvolle Features wie Effektanteil, Dauer der Anhebung und Absenkung, sowie ein hilfreiches Display, das die Veränderungen anhand einer animierten Wellenform darstellt.

Wie so oft bei diesen Tools sollte man es nicht übertreiben und lieber subtil arbeiten. Denn mit zunehmender Gewöhnung an die Veränderungen kann der positive Effekt schnell nach hinten losgehen und der Mix unausgewogen klingen.

Waves J37 Tape-Emulation

Bandemulationen kommen dann zum Einsatz, wenn einzelnen Spuren etwas Glanz in den Obertönen oder ein spezieller Vintage-Charme verpasst werden soll. Auch in der Summe werden Tapes gerne zum Einsatz, um den Mix homogener klingen zu lassen.

Die J37 Tape-Emulation von Waves spielt seine Stärken vor allem in der Bearbeitung von Einzelspuren wie Vocals aus. Darüber hinaus erzeugen die Parameter Wow und Flutter aber auch herrliches Retroflair, wenn bei stärkerer Dosierung das Material in der Tonhöhe leicht schwankt. Man kennt diesen Effekt besonders bei Flächen von Boards of Canada oder Leads von Tycho.

Waves Brauer Motion

Neben unzähligen Tools fürs Mixing und Mastering gibt es auch Waves Plugins für ausgefallenere Anwendungen. Eines davon ist Brauer Motion. Hiermit erzeugt ihr interessante Stereoeffekte, die sich besonders gut für Pads eignen. Im Gegensatz zu anderen Panning-Werkzeugen kommen beim Brauer Motion zwei Panner gleichzeitig zum Einsatz, die sich unterschiedlich in Breite und Geschwindigkeit regeln lassen.

Die Frequenz kann natürlich an die BPM-Geschwindigkeit gekoppelt werden, wobei zudem mehrere Triggermöglichkeiten – wie etwa Sidechain – bestimmen, wann die Stereofahrt losgeht. Zusätzlich bieten beide Panner unabhängig voneinander Drive und einen EQ, wodurch der Stereoeffekt noch einmal intensivert wird.

Brauer Motion ist sicherlich eines der spannendsten Waves Plugins, wenn außergewöhnliche Stereoeffekte gefragt sind.

Waves MetaFilter

Beim MetaFilter handelt es sich um ein Multimodefilter, das über einen 16-Stepsequencer, LFO und Envelope-Follower flexibel gesteuert wird. MetaFilter klingt sehr ordentlich und mit den Modulationsquellen sind kreative Filterfahrten, Ducking-Effekte oder Trance-Gates schnell umgesetzt.

Aber auch bei subtilen Anpassungen verleiht MetaFilter einzelnen Signalen einen angenehmen Drive. Kombiniert mit der integrierten Analogdelay-Emulation eignet sich das MetaFilter übrigens gut für Dub Techno Chords.

Waves Flow Motion FM Synth

Waves Flow Motion kombiniert 4-Operatoren FM-Synthese mit subtraktiver Klangerzeugung. Rein von den Spezifikationen ist der Flow Motion daher nicht so weit entfernt von Abletons Operator, der bekanntlich ein echtes Arbeitspferd für Techno und andere elektronische Musik ist.

Für alle, die nicht mit Ableton produzieren oder sich einfach noch einen weiteren FM-Charakter im PlugIn-Fuhrpark wünschen, ist der Waves Flow Motion eine klare Empfehlung. Zumal dieser neben Arp und Sequencer noch gute Effekte, sowie eine umfangreiche Modulationsabteilung mit flexiblen LFOs mitbringt.

Die besten Waves PlugIns für elektronische Musik: Fazit

Bei mittlerweile über 200 Plugins aus dem Hause Waves kann dieser Artikel nur einen Bruchteil abbilden. Ebenso wird er sukzessive erweitert, sobald andere spannende Kandidaten hinzukommen.

Was ich aber im empfehle empfehle, ist auf gute Deals zu warten. Denn kaum ein anderer Anbieter bietet seine Plugins unter immer neuem Vorwand so günstig an wie Waves. Wenn ihr euch also nicht ärgern wollt, wartet einfach bis Ostern, Black Friday, Weihnachten, Halloween, Thanksgiving, Sommer, Frühling, dritter-Freitag-im-Februar …

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Fabfilter Q-3 – EQ PlugIn mit chirurgischer Präzision

Wenn es mal ganz genau sein soll, bietet Fabfilter Q-3 umfangreiche Möglichkeiten zur detaillierten Klangbearbeitung. Dieses Equalizer VST färbt den Sound nicht wie zum beispiel viele Emulationen von Klassikern. Dadurch könnt ihr Fabfilter Q-3 hervorragend zum Entschlacken des Mixings oder gezieltem Eliminieren von Störfrequenzen einsetzen. Hier hört bereits bei minimalen Einstellungen klare Unterschiede.

Gleichzeitig könnt ihr mit dem Equalizer präzise bestimmte Frequenzbereiche betonen, um etwa einer Kick mehr Punch zu verleihen. Nicht ganz so gut eignet sich der FabFilter Q-3 zur charakteristischen Emulation von analoger Sättigung oder dem gezielten Hinzufügen seidiger Obertöne, wie es beispielsweise mit dem Shelf Boost des Mäag Air Band der Fall ist.

Zusätzliche Funktionien wie lineare Phase, sowie dynamisches EQing, das sowohl auf das Eingangssignal reagiert, als auch per Sidechain gespeist werden kann, runden die Ausstattung ab. FabFilter sollte in jedem VST-Portfolio einen festen Platz haben.

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Softube TubeTech MKII Equalizer Collection

Nicht immer setzt man einen EQ ein, um Audiosignale analytisch präzise zu manipulieren. In vielen Fällen erhofft man sich vom Equalizer auch, dass er den Sound auf eine bestimmte Weise färbt. Je nach EQ kann das mal die Veredelung einzelner Frequenzbereiche sein, oder aber eine globale Veränderung des Gesamtsounds. Meistens geht es dabei darum, dem Signal analoge Wärme einzuhauchen. Und genau hier leistet der Tube-Tech von Softube hervorragende Arbeit.

Als virtuelle Nachbildung der legendären PE-1C und ME-1B stehen hier zwar nicht so viele Bearbeitungsmöglichkeiten wie etwa bei einem Q3 zur Verfügung. Dafür liefern die Equalizer VSTs einen satten Analogsound mit Röhrencharakter.

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Soundtoys Sie-Q

Ein weiteres EQ PlugIn mit Charakter: Das Sie-Q von Soundtoys emuliert den Sound des Siemens W295b. Der Equalizer dürfte eher ein Geheimtipp sein, aber vor allem die luftig-seidigen Höhen in Verbindung mit den effektiv greifenden EQs machen es selbst Einsteigern einfach, schnell gut klingende Ergebnisse zu erzielen.

Mit dem Drive-Regler des Equalizer VST kann man zudem das analoge Sättigungsverhalten nachbilden. Hierdurch macht sich das Sie-Q auch hervorragend auf der Summe, um Wärme in einen zu spitz klingenden Mix zu fahren. Da sich in der Soundtoys-Collection eine Menge richtig gut klingende PlugIns finden, darunter auch Delays und Prozessoren, sei jedem noch die komplette Sammlung empfohlen. Hier lohnt es sich, auf Deals zu warten. Denn fast jedes Jahr bietet Soundtoys diese Sammlung mit 50 % Rabatt an.

Mäag Audio EQ 4

Der Mäag Audio EQ2 (bzw. 4) ist vor allem dank seines Air Bands zu einem beliebten Werkzeug geworden. Dieses wird gerne dafür eingesetzt, um Einzelspuren (vor allem Vocals) Glanz in in den Höhen mitzugeben. Das als Shelf EQ ausgeführte Air Band sorgt für eine Anhebung der Höhen wahlweise ab 2.5 kHz, 5 kHz, 10 kHz, 20 kHz, bis hin zu 40 kHz.

Aber auch ohne das Airband ist der Mäag EQ 4 ein solider EQ, der sich gut zur Bearbeitung von Drum- und Bassspuren eignet. Hier gibt es allerdings flexiblere Kandidaten, weshalb ich dieses Equalizer VST primär für seine Funktion als Höhenveredler empfehle.

Abletunes EQ WISE+: Praktisches Equalizer VST (nicht nur) für Einsteiger

Wer noch relativ am Anfang steht und einen guten EQ sucht, der einem die Suche nach den „richtigen“ Frequenzen erleichtert, sollte mal einen Blick auf den Abletunes EQ WISE+ werfen. Gut klingende EQs gibt es mittlerweile viele. Aber Abletunes geht mit dem EQ WISE+ einen etwas anderen Weg als die meisten Anbieter. Zusätzlich zu den numerischen Werten im Frequenzspektrum wird der User hier auch durch Erklärungen abgeholt, welche Frequenzbereiche für welchen Part eines Sounds zuständig sind.

Dazu gibt es beim EQ WISE+ eine gut sortierte Auswahl an Templates, die für wichtigsten Instrumente hin eingerichtet wurden. Statt allerdings gleich den Sound zu verändern, wie es meistens der Fall ist, wird hier lediglich beschrieben, wo welcher Teil des Sounds zu finden ist. Bei einer 808 Kick wären das zum Beispiel Low End, Bottom, Body Smack, Mud / Boxiness und Knock / Click / Attack. Das erleichtert es gerade Einsteigern, sich mit dem Equalizing vertraut zu machen.

Dass dieser Ansatz häufig deutlich zielführender ist, als eine bereits voreingestellte Absenkung oder Betonung einzelner Frequenzen ist logisch. Denn im Endeffekt muss der EQ einer Spur immer auf den Gesamtmix hin optimiert werden, wobei Presets selten eine sinnvolle Hilfe sein können.

Webseite Abletunes EQ WISE+

Softube Weiss EQ1 / EQ MP

Am Ende stelle ich noch einen Equalizer vor, der sich besonders bei Mastering-Aufgaben einen Namen gemacht hat. Exzellente Audioqualität und klare Präzision sind Merkmale, um die digitale EQ-Serie von Weiss, respektive Softube, zu beschreiben. Allerdings zahlt man hier sicherlich auch einen guten Extrabeitrag für den Namen. Denn der größere Weiss EQ-1 schlägt mit sportlichen 500 € ein ziemliches Loch ins Konto.

Günstiger, aber ebenfalls hervorragend ist die abgespeckte Version Softube Weiss EQ MP. Diese Version wäre dann auch mein Tipp für alle, die ein präzises Tool für den finalen Feinschliff suchen.

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Fazit: Die besten EQ-Plugins – Equalizer VST für Techno und Ambient

Anstatt sich die VST-Sammlung mit dutzenden EQs vollzustopfen, empfehle ich als erstes einen EQ für präzise Eingriffe. Hier bietet der FabFilter Q-3 ein hervorragendes Preis-Leistungsverhältnis. Abletunes EQ Wise+ dürfte es wiederum Einsteigern etwas leichter machen, die ersten Schritte am EQ zu lernen. Er bietet bei geringerem Preis aber auch nicht den Funktionsumfang eines Q-3.

Zusätzlich sollte dann noch eine überschaubare Auswahl aus 2-3 charaktervollen Equalizer VSTs im Plugin-Ordner liegen, und das Thema dürfte ausreichend abgedeckt sein. Hier empfehle ich aufgrund des Air Band gerne den Mäag Audio EQ 4.

Wie immer ist es wichtig, dass ihr euch mit den klanglichen Eigenschaften eurer Werkzeuge vertraut macht. Und das geht meiner Erfahrung nach nur, wenn ihr euch intensiv mit den Tools beschäftigt.

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Denn diese bringen häufig neben den wichtigsten Elementen für Synthese und Sampling gleich auch Tools zur optimalen Nachbearbeitung mit. Alles miteinander kombiniert, habt ihr dann aus der Box direkt schon perfekte Kick-Presets. Dadurch spart ihr euch einen Großteil der Nachbearbeitung und kommt schneller zum Ziel. In diesem Artikel sehen wir uns daher die besten Kick PlugIns für Techno, Ambient und Deep House an.

D16 Group Punchbox

Das Kick-PlugIn Punchbox von der D16 Group vereint alles, was man für durchsetzungsfähige Kicks benötigt: Eine virtuell analoge Drum-Engine, drei Sample-Slots zum Layern, sowie Distortion, Kompressor und Filter, um die Kicks perfekt für den Mix vorzubereiten.

Zusätzlich wird D16 Punchbox mit einer umfangreichen Library ausgeliefert, die man allerdings immer noch stark an die einzelnen Tracks anpassen muss. Jedenfalls war das bei mir häufig der Fall, bei das natürlich nicht für jeden gelten wird. So empfand ich die Preset-Auswahl mitunter zu stark fokussiert auf harte Kicks. Producer aus den Bereichen Industrial Techno, Hardcore oder EBM werden hier schneller fündig, als beispielsweise Produzenten von Melodic Techno oder Ambient.

Sobald man aber erstmal etwas in die Soundengine abtaucht, lässt das Kick PlugIn auch für Techno, House oder Ambient keine Wünsche offen. Die Emulationen von 808, 909 und 606 klingen gut, ein Drumsynthesizer ermöglicht auch Zap-Kicks, wie sie gerne im Psytrance eingesetzt werden. Dazu kommt noch ein Sampler, Und ich spreche hier erst von der zentralen Kick-Ebene. Möchte man der Kick noch einen Impulse in den Höhen mitgeben, mehr Tiefenschub durch Subbässe verleihen oder etwa die Mitten durchsetzungsfähiger gestalten, ist das mithilfe der drei Sample-Layer im Handumdrehen möglich.

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Native Instruments Trk-01

Ähnlich wie bei der D16 Group Punchbox setzt man auch bei Native Instruments Trk-01 auf eine Kombination aus virtuell analoger Synthese und Sampling. Zwar gibt es hier weniger Möglichkeiten zum Sounddesign, dafür dürfte die Library bei Native Instruments stärker auf elektronische Clubmusik abzielen.

Zudem finden sich beim Trk-01 noch ein Bass Synthesizer, sowie ein intuitiver Sequencer, mit dem sich Ideen schnell skizzieren lassen. Trk-01 ist vor allem für diejenigen interessant, die ohne große Sounddesign-Möglichkeiten direkt gut klingende Ergebnisse erzielen wollen.

▶▶▶ Webseite TRK-01 Native Instruments

Sonic Academy Kick 2

Sonic Academy hat mit Kick 2 ebenfalls ein exzellentes Kick PlugIn für Techno, House, EDM etc. im Angebot. Hier gibt es neben einem Drumsynthesizer noch drei Layer für eigene Samples, eine gute Effektsektion, sowie Dynamikprozessoren, um die Kicks optimal zu formen.

Im Unterschied zur Punchbox fehlen Kick 2 zwar die virtuell analogen Emulationen der Klassiker wie TR-808, 909 und 606. Auch gehen die Sounddesign-Möglichkeiten bei Punchbox noch einmal ein ganzes Stück weiter. Dafür kommt man mit Kick 2 häufig schneller zum Ziel, denn die gut klingende Software punktet mit einer intuitiveren Bedienung. Und die Roland-Legenden sind hier ebenfalls in wenigen Schritten geschraubt, auch wenn eine optische Verbindung in der Oberfläche fehlt.

Da das PlugIn zudem noch einmal günstiger ist, würde ich es als Einstig empfehlen. Wenn man später einmal nich tiefer ins Geschehen eingreifen möchte, kann man immer noch zu Punchbox greifen.

▶▶▶ https://www.sonicacademy.com/products/kick-2

Intelligent Sounds & Music BazzISM

Das Kick-PlugIn von BazzISM ist ein reiner Drumsynthesizer. Zwar wirkt das Design mittlerweile sehr altbacken, aber dafür entschädigt der Sound. Gerade wer die typischen Goa- und Psytrance-Kicks sucht, kann sich mit Bazzism in wenigen Klicks die perfekte Bassdrum zusammenbauen.

Das PlugIn ist klanglich nicht so vielseitig wie andere Kandidaten in dieser Liste. Allerdings kommt man manchmal mit eingeschränkteren Lösungen deutlich schneller zum Ziel. Zudem ist man hier bereits mit rund 30 € dabei, wobei man fairerweise sagen muss, dass auch der Kostenabstand zu dem deutlich umfangreicheren Kick 2 für rund 50 € dann vergleichsweise gering ist.

▶▶▶ https://ismism.de/BazzISM.htm

Tracktion / Sinee Chop Suey

Chop Suey ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit von Tracktion und Sinee. Das Kick VST setzt auf Samples zur Klangerzeugung und erzeugt aus bis zu drei verschiedenen Layern hervorragende Kicks für elektronische Musik.

Jeder Layer übernimmt eine eigene Funktion, sodass sich am Ende die Kick aus den drei Bestandteilen Transient (der Impuls am Anfang), Body und Tail zusammensetzt. Damit das auch bestmöglich zusammenfügt, verfügt jeder Layer über Prozessoren, um den Klang zu formen.

Dazu gehören neben Kompressor, EQ und Sättigung auch Pitch und ein Tiefpassfilter. Praktisch ist, dass neben einem Sample-Import auch die Root-Note automatisch vom Plugin erkannt und dargestellt wird. Denn gerade das unkorrekte Tuning der Kick zum Rest des Tracks ist ein Fehler, den Einsteiger gerne mal machen.

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Freeware Kick Plugin: Synsonic BD-909

Wem das alles hier noch zu teuer ist, oder wer nur auf der Suche nach einer klassischen Roland TR-909 Kick ist, sei noch das Plugin Synsonic BD-909 empfohlen. Das Kickdrum-VST emuliert auf digitale Weise die analogen Schaltkreise des berühmten Originals und liefert dabei neben einem guten Sound einige Extras, die man bei der 909 nicht findet.

Darunter gehören neben zusätzlichen Parametern fürs Sounddesign auch Distortion, sowie die Möglichkeit, die Kick tonal über MIDI zu spielen. Dadurch kann man das Synsonic BD-909 optional auch als Bass-Synthesizer nutzen. Eine kleine Auswahl an Presets hilft Einsteigern dabei, den richtigen Sound zu finden.

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On-Board-Lösungen: Techno Kick-Plugin in eurer DAW

Ich gehe davon aus, dass ihr die Bordmittel eurer DAWs bereits einmal durchforstet habt. Falls nicht, wäre das ebenfalls ein guter Ansatz für den ersten Schritt. Denn die meisten populären DAWs für elektronische Musik bieten mittlerweile echt gute Alternativen zu den kommerziellen Produkten.

Sei es die E-Kick bei Bitwig, der Drum Synth von Logic oder DS Kick innerhalb von Ableton Live sind alles grundsolide Kick-Synthesizer (und mehr). Häufig muss man hier zwar auf die ganzen Extras wie Sample-Layers verzichten. Oder man muss sich eben aus den Bordmitteln eine Custom-Made-Lösung zusammenstellen, die dann neben dem Drumsynth noch weitere Layer aus Sampling etc. beinhaltet. Und auch bei der Nachbearbeitung wird es nicht so komfortabel wie bei vielen kommerziellen Drittanbietern. Trotzdem lohnt es sich, einmal den eigenen Werkzeugkasten zu durchleuchten.

Neben den eigentlichen Klangerzeugern liefern manche DAWs auch spezialisierte Plugins gleich mit, die mehrere Dynamikprozessoren und Sättigungseffekte beinhalten. In der Kombination sind wir dann relativ schnell wieder bei einem Funktionsumfang, der dem von speziellen PlugIns wie Punchbox oder Chop Suey entspricht. Allerdings ist hier ein gewisses Know How vorausgesetzt, das einem die Spezialisten abnehmen. Wobei ich hier echt empfehle, euch zumindest mal zwei Stunden Zeit zu nehmen, um diese Möglichkeiten auszuloten. Wenn ihr damit nicht weiterkommt, bleibt euch immer noch die kommerzielle Alternative.

Kick PlugIn für Techno, Ambient und House – Fazit

Und damit komme ich zum Fazit. Das umfangreichste spezialisierte PlugIn für BassDrums dürfte derzeit Punchbox von der D16 Group sein. Punchbox eignet sich hervorragend für Sounddesigner, die sich gerne Zeit für die perfekte Kick nehmen. Meine Empfehlung wäre allerdings Kick 2, bietet es als flexibles PlugIn eine gute Library und das beste Preis-Leistungsverhältnis.

Noch günstiger wird es mit der Freeware Synsonic BD-909. Dieses Kick VST ist zwar auf den Bassdrum-Sound der TR-909 limitiert, aber gerade im Techno oder House ist das nach wie vor einer der absoluten Standards. Durch etwas Nachbearbeitung mit EQ und Kompressor bekommt ihr auch hiermit einen amtlichen Clubsound. Oder ihr geht erstmal den Weg mit der Bordlösung, sofern eure DAW ein Kick-Plugin bereitstellt.

Die Königsklasse ist natürlich, sich mit einem Stock zu bewaffnen, auf Pappe zu kloppen und das Signal dann im Modularsystem für 5000 Euro halb so gut klingen zu lassen, wie mit den hier vorgestellten Kandidaten. Immerhin kann man im Anschluss sagen, man nutzt keine Presets!

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Alborosie Dub Station Test: Echowuk

Echowuk ist ein Tape Delay, das auf einer MCI 2-Spur-Bandmaschine basiert, die zur Aufnahme und Erzeugung unzähliger Reggae- und Dub-Klassiker verwendet wurde. Auch entstanden etliche instrumentale Dub-Mixe von King Tubby auf der MCI-2 Track.

Das Tape Delay klingt dann auch erfrischend anders als viele der erhältlichen Bandecho-PlugIns, von denen ein Großteil auf dem RE-201 von Roland basieren dürften. Echowok überzeugt durch einen satten Sound, der bei hohen Gain- und Feedback-Werten richtig schön ins Körnige abdriftet. Wie es sich für Dub gehört, reicht das Feedback auch bis zur Selbstoszillation. In Kombination mit Änderungen an der Delay-Time entstehen dabei typisch wabernde Klanglandschaften; perfekt für Übergänge oder Atmos.

Apropos Atmos: Der „HISS“-Regler ergänzt das Signal zusätzlich um eine ordentliche Portion Rauschen. Ganz so, wie man es von einem alten Band erwartet. Der Regelbereich reicht von nicht aktiv bis hin zu Wintersturm an der Nordsee. Wobei ich nicht davon ausgehe, dass man ein Tape Delay ganz ohne Rauschen im Dub einsetzen wird.

Filter Man

Beim Filter Man handelt es sich um ein passives Hochpassfilter mit regelbarer Güte und insgesamt zehn festen Frequenzstufen, die von 70 Hz bis 7,5 kHz reichen. Das Filter greift stark in den Sound ein und ist demnach weit mehr als nur Klangkorrektur. Wenn man Impedance und Gain in extremere Stellungen bringt, fängt es schnell an zu pfeiffen. Allerdings nicht unangenehm, sondern so, wie man es bereits von unzähligen Dub-Platten kennt.

Die Sonne geht aber spätestens dann richtig auf, wenn man Filter Man mit dem Spring Bling Reverb kombiniert. Gerade in Verbindung mit Snares, HiHats oder Dub Chords erzeugt das PlugIn dann den metallisch scheppernden Sound, der so typisch für das Dub Genre ist. Da man das Filter sowohl vor als auch nach den anderen Effekten schalten kann, wird das potentielle klangliche Spektrum noch einmal erweitert.

Spring Bling

Beim Spring Bling handelt es sich um einen modifizierten Fairchild Spring Reverb, der in King Tubbys Studio in Waterhouse Kingston zum Einsatz kam und den Dub Sound entscheidend mitgeprägt hat. Ohne einen direkten Vergleich zum Original machen zu können, überzeugt Spring Bling auf der ganzen Linie durch den vollen „Sproing-Klang“.

Der stark resonierende Hall ist natürlich nichts für audiophile Raumfetischsten. Diejenigen, die Dub in allen Facetten mögen, werden Spring Bling auf Anhieb in ihr Herz schließen. Wenn man das Haar in der Suppe suchen möchte, könnte man sich etwas mehr Einstellungsmöglichkeiten wie eine variable Nachhallzeit oder ein manuelles Auslösen (Anstupsen) der Feder wünschen. Allerdings würde man dann auch wieder von der Originalvorlage abweichen.

AudioThing Alborosie Dub Station Test – Fazit

Das Fazit zur Alborosie Dub Station fällt dann auch recht kurz aus: Wer Dub oder eine Variante davon mit dem Computer produziert, kommt eigentlich nicht um dieses PlugIn herum. Aber auch Produzenten, die ein richtig gut klingendes Tape Delay suchen, das abseits von der allgegenwärtigen RE-201 (oder 301) Emulation ist, sollte sich die Alborosie Dub Station unbedingt einmal ansehen. Das PlugIn überzeugt durch viel Charakter und einen unheimlich lebendigen Sound.

Falls ihr das PlugIn mal ausprobieren wollt, geht es hier zur Webseite von AudioThing Alborosie Dub Station

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Output Substance: Fetter Sound mit flexibler Architektur

Output kombiniert in ihrem Bass VST Substance „echte“ Bässe, Samples von Synth-Sounds und virtuell analoge Synthese miteinander. Dabei setzt sich Output das Ziel, durch die Verschmelzung der verschiedenen Ansätze komplett neue Bass-Sounds zu generieren.

Die Klangqualität ist über alle Zweifel erhaben: Substance überzeugt gleichermaßen im Subbass-Bereich wie auch durch klar definierte Mitten und unaufdringliche Höhen. Man merkt bei jedem Preset deutlich, dass viel Zeit in die Feinabstimmung geflossen sein muss. Und so sind die Presets auch allesamt Production-ready, müssen an der ein oder anderen Stelle sogar noch etwas gezähmt werden.

Dank der intuitiven Oberfläche erschließt sich Substance auch Einsteigern recht schnell. Bereits im Startfenster finden sich die wichtigsten Parameter, um schnelle Anpassungen des jeweiligen Presets an die Produktion vorzunehmen. In zahlreichen Untermenüs können Sounddesigner aber ebenfalls tief in die Synthese abtauchen, wenn das gewünscht ist.

Arturia Pigments – der flexible Allrounder

Pigments bietet eigentlich (fast) alles: Virtuell analog, Wavetable-Synth, Granular-Sampler und Frequenzmodulation. Kombiniert mit einer umfangreichen Modulationsmatrix ist Pigments eine wahre Spielwiese für Sounddesigner.

Nicht umsonst ist Pigments zu einem unverzichtbaren Tool in vielen Studios geworden. Der Synthesizer punktet in sämtlichen Sparten und liefert selbstverständlich auch gute Bass- und Lead-Sounds.

Einsteiger mag dieser Funktionsumfang anfangs jedoch etwas überforden. Und wenn noch die unterschiedlichen Syntheseformen hinzukommen, ist der Informations-Overkill schnell da. Trotzdem lohnt es sich, Arturia Pigments im VST Fuhrpark zu haben. Und anfangs hilft auch eine gute Soundlibrary beim Einstieg.

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Spectrasonics Trilian: Die besten E- und Akustikbässe, aber auch synthetisch überzeugend

Mit dem Trilian hat Spectrasonics ein Bass VST im Portfolio, das zwar schon einige Jahre erhältlich ist, aber klanglich immer noch überzeugt. Auch wenn die Synth-Bässe insgesamt solide sind, liefert Trilian besonders im Bereich Akustik- und E-Bässe ab.

Und auch in elektronischer Musik muss es längst nicht immer ein Synth-Bass sein. Probiert einfach mal, statt klassischem Moogsound einen gezupften Kontrabass für die Bassspur einzusetzen. Nicht nur, dass auch diese Bässe ordentlich Tiefe erzeugen. Sie können auch eine willkommene Abwechslung zu anderen Produktionen liefern, die am Ende vielleicht den entscheidenden Unterschied mit sich bringt.

Zur Webseite von Spectrasonics.

Softube Model 72: Der Minimoog-Clone

Wenn man von Bass Sounds spricht, darf auch eine Moog-Emulation nicht fehlen. Einer der besten virtuellen Minimoog-Clones stammt von Softube. Softube schafft es, den einzigartig runden Klang des Minimoog einzufangen und die Legende als Software bereitszustellen. Wie immer bei Software muss man natürlich auf die haptische Erfahrung beim Arbeiten mit einem Minimoog verzichten. Aber der Sound des Model 72 ist für mich die bisher gelungenste Umsetzung.

Wie schon bei der Originalvorlage, bietet der Model 72 extrem kraftvollen Tiefenschub bei gleichzeitig sehr organischem Klang. Aber auch bei Leads kann das VST PlugIn überzeugen. Insofern ist der Model 72 eine klare Empfehlung für alle Fans des Moog-Sounds, die sich entweder das Original nicht leisten können, oder eine gute virtuelle Abbildung für unterwegs suchen.

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Zur Webseite von Softube

Softube Model 82: Der SH-101 Clone

Model 82 von Softube ist ein hervorragend klingender SH-101 VST Clone und damit prädestiniert für runde Synthwave- und Acid-Bässe. Beim Softube Model 82 hat man sich schnörkellos an der Architektur des Originals von Roland orientiert. Daher gibt es jier leider ebenso wenig Polyfonie, wie klangliche Erweiterungen, mal abgesehen von Velocity, Aftertouch, Doubling und einem Overdrive-Regler.

Trotzdem liefert das Model 82 einen einzigartigen Sweetspot, mit dem schon das Original überzeugen konnte. Zu den Stärken gehöhren runde Bässe, hohle Pulswellen-Leads und zwitschernde Acid-Lines.

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Native Instruments Massive X: Flexibler Sounddesign-Baukausten

Mit dem Massive X findet sich ein weiteres reines Synth-Plugin in dieser Liste. Im Gegensatz zu u-he RePro-1 und Softube Model 72 orientiert man sich bei Native Instruments allerdings nicht an einem Klassiker, sondern kombiniert verschiedene Syntheseformen wie Wavetable, FM und subtraktive Synthese.

Daraus entsand mit Massive X ein mächtiges Sounddesign-Tool, das sich neben vielen anderen Einsatzgebieten auch ganz hervorragend für Bässe eignet. Zwar lassen sich mit Massive X auch analoge Bass-Sounds akkurat abbilden. Die Stärke von Massive X als Bass VST sehe ich aber eher in der Erzeugung digitaler, härterer Bässe, die man etwas vage auch als „modern“ bezeichnen könnte.

Durch einen nahezu semimodularen Aufbau lassen sich etliche Verknüpfungen realisieren, wodurch selbst extrem komplexe Patches möglich werden. Fein dosiert kommt damit eine angenehme Lebendigkeit in den Sound, die man woanders kaum oder nur mit hohem Aufwand findet.

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UAD PolyMAX: Sweetspot-Synth mit Vintage-Sound

Zwar handelt es sich beim PolyMAX von UAD weder um eine direkte Kopie eines Klassikers, noch um ein spezialisiertes VST für Bässe. Überdies wird es in der Regel als ideales Polysynth-Plugin beworben. Warum also taucht es dann in dieser Liste auf?

PolyMAX überzeugt mit einem Sweet-Spot-Sound, der auch Einsteiger schnell zu Erfolgserlebnissen führt. Das intuitiv aufgebaute Plugin ist natürlich ebenso in der Lage, hervorragend klingende Bässe zu erzeugen, die sich gut in den Mix einfügen.

Zudem ist PolyMAX häufig in Sonderaktionen für deutlich unter 100 € zu haben. Für mich ist das VST definitiv ein Geheimtipp und bietet trotz des überschaubaren Parameter-Umfangs eine erstaunlich flexible Klangpalette abzudecken, wenn man auf der Suche nach Vintage-Sound ist.

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Tracktion f’em: FM Bässe ohne Ende

Wenn man einen Artikel über die besten Bass VST Plugins schreibt, darf ein FM-Synthesizer natürlich nicht fehlen. Einer der mächtigsten FM Synthesizer zurzeit ist der F.’em von Tracktion. Eine komplexe und frei verschaltbare Operatoren-Matrix bietet acht Waveform-Operatoren, dazu noch zwei Sample-basierte Operatoren, sowie einen Noise-Operator.

Die Level-Hüllkurven lassen sich segmentweise zur MIDI-Clock synchronisieren, erzeugen aber auch ohne dieses Feature ordentlich Druck, um durchsetzungsfähige Bässe zu erstellen. Natürlich geht mit F’em – ebenso wie mit anderen Vertretern dieser Liste – deutlich mehr als nur Bässe. Wer aber auf der Suche nach FM-Bass-Klassikern oder auch knüppelharten Techno-Bässen ist, macht mit dem f’em von Tracktion nichts verkehrt.

Einsteigern begegnet F.’em mit einer soliden Auswahl an gut klingenden Presets, für die man noch nicht einmal tief in die FM Synthese einsteigen muss. Und wer sich mit den Feinheiten der FM-Synthese nicht so wohlfühlt, kann zu harschen Klängen mit der integrierten subtraktiven Synthese-Einheit die Schärfe nehmen. Hierfür steht ein duales Multimodefilter zur Verfügung.

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U-He RePro-1: Das Sequential Pro One VST

Die virtuelle Nachbildung des legendären Pro One von Sequential Circuits fand bereits einen festen Platz bei den besten VST Synthesizern für elektronische Musik. Nun begegnen wir dem U-He RePro-1 erneut in der Liste der besten Bass VSTs. Und das aus gutem Grund.

Denn der RePro-1 liefert brettharte Bässe, die auch auf großen Anlagen durch einen kräftigen Tieffrequenzbereich überzeugen. Wem der Moog-Sound eines Model 72 beispielsweise zu dominant ist, findet mit dem RePro-1 eine ausgezeichnete klangliche Alternative. Die Nachbildung des Originals ist U-He sehr gut gelungen, wodurch sich auch das PlugIn durch einen präzise definierten Klang auszeichnet, der allerdings gleichzeitig maximal organisch klingt.

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Fazit: Die besten Bass VSTs für Techno und Ambient

Wie eingangs schon erwähnt, hat diese Liste keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Dafür ist die Auswahl an guten Bass VSTs einfach zu groß. Mit jedem dieser Kandidaten könnt ihr euch aber sicher sein, euch ein gutes Bass Plugin für eure Produktion zuzulegen.

Ob ihr dabei eher den klassischen Ansatz wie Moog oder Pro One vorzieht, lieber auf Hybride wie Substance oder Trilian setzt, oder euch für ein Synthesemonster wie Massive X entscheidet, ist letztlich Geschmackssache. Und am Ende spricht natürlich auch nichts dagegen, sich mehrere Bass VSTs in den PlugIn-Fuhrpark zu stellen.

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Die Softwareschmiede U-He hat mit den beiden VSTi Repro-1 und Repro-5 zwei Synthesizer im Programm, die auf authentische Weise die 80er-Legenden Pro One und Prophet 5 von Sequential Circuits emulieren. Das bedeutet massiven Bassschub, breite Flächen und schneidende Leads. Und da sich kaum noch jemand die Originale leisten kann, ist die Repro-Linie ein ziemlich guter Ersatz, wenn man sich den Sequential-Sound ins Studio holen möchte.

U-He Repro Presets für Techno und Ambient: Das Reproduction Sound Pack

Zwar werden beide Synthesizer bereits mit einer umfangreichen Library ausgeliefert. Falls man sich aber vor allem in Genres wie Techno, Ambient oder Electronica bewegt, ist die Auswahl dann doch zu sehr auf die 80er ausgerichtet. Hier setzt das ReProduction Sound Pack an und bietet 120 von Grund auf neu programmierte Presets, die sich gut für zeitgenössische Produktionen eignen.

Die Auswahl erstreckt sich über smoothe Pads und Leads im Stil von Boards of Canada oder Tycho, fetten Bässen für Techno und Industrial, sowie experimentellere Sounds, perfekt für IDM oder Electronica. Dub-Techno-Freunde bekommen eine kleine Auswahl an klassischen Dub Chords und Bässen.

Statt sich auf die puristische Klangerzeugung zu limitieren, wurde auch die Effekt-Engine beim Sounddesign intensiv eingebunden. So finden sich zum Beispiel in einigen Presets Emulationen von Bandechos, inklusive simuliertem Leiern wie bei alten VHS-Tapes. Bei den meisten Repro Patches sind zudem Spielhilfen wie Anschlagdynamik, Aftertouch oder das Modulationsrad bereits zugewiesen.

U-He Repro-1 Patches: Übersicht

• Bass: 18
• Leads: 27
• Pads: 2
• Arps & Sequences: 17
• Percussion: 3
• SFX: 8

U-He Repro-5 Patches: Übersicht

• Bass: 2
• Leads: 9
• Pads: 29
• Arps & Sequences: 2
• SFX: 2

Falls ihr euch für die U-He Repro Presets interessiert, könnt ihr euch die das Reproduction Sound Pack hier kaufen:
https://limbicbits.com/u-he-repro-presets-for-techno-and-ambient-reproduction-sound-pack/

Dort gibt es auch Soundpacks mit u-he Diva Presets und Patches für u-he Tyrell.

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Mehr Schmutz durch Overdrive und co.

Analoger Sound wird gerne mal dadurch definiert, dass er roh und schmutzig klingt. Dass das mit FM-Synthese ähnlich möglich ist, ist kein Geheimnis. Etwas versteckt finden sich im Operator an zwei Stellen jedoch zusätzliche Möglichkeiten, seinen Patches noch einmal ordentlich Schmutz zu verleihen.

Hierbei handelt es sich einerseits um die Sättigungsstufe, die alle Filtermodelle außer „Clean“ mitbringen. Sobald man ein anderes Filtermodell ausgewählt hat, erscheint sie im zentralen Feld, direkt unter der Auswahlbox für Filter. Die Sättigungsstufe klingt ziemlich gut und spielt besonders in Verbindung mit höherer Resonanz ihre .tärken aus-

Andererseits findet sich rechts davon noch ein Shaper, der dem Signal mit verschiedenen Algorithmen auf die Pelle rückt. Hier reicht das Spektrum von subtiler Zerre bis hin zu körniger 4-Bit-Ästhetik.

Eigene Schwingungsformen zeichnen

Jedem dem Filter für subtraktive Synthese hat Ableton dem Operator noch Elemente der additiven Synthese spendiert. Ganz vereinfacht gesagt, erzeugt man bei additiver Synthese Klänge, indem man die gewünschten harmonischen Teiltöne frei zusammenstellt. Natürlich steckt bei einem rein additiven Synth noch einiges mehr unter der Haube, aber als Abgrenzung zur subtraktiven Synthese soll das an dieser Stelle reichen.

Der Operator hat nun genau so ein additives Element an Bord. Es befindet sich im mittleren Fenster und wird durch einen Klick mit dem Stift in die Fläche aktiviert. Egal, welche Schwingungsform hier vorher aktiviert wurde: Mit dem Klick wird automatisch die User-Waveform ausgewählt. In dem Fenster lassen sich nun 16, 32 oder 64 Teiltöne frei in ihrer Lautstärke mischen. Auf diese Weise entstehen neue Schwingungsformen, die man ansonsten nicht im Vorrat des Operators findet. Bearbeitet man diese dann noch mit Shaper, Filter und Frequenzmodulation, eröffnet das eine völlig neue Klangwelt. Um nicht zu schnell in harsche Gefilde abzudriften, ist es ratsam, erstmal mit subtilen Einstellungen zu beginnen. So kann man etwa drei bis vier Teilharmonische langsam hochziehen, um überhaupt zu verstehen, wis sich das auf den Klang auswirkt.

Hüllkurven loopen

Ein Feature, das man für die Produktion elektronischer Musik unbedingt auf dem Schirm haben sollte, sind loopbare Hüllkurven. Wenn der Loop aktiviert ist, wird eine Hüllkurve solange in der Schleife abgespielt, bis der Note-Off-Befehl kommt (die Taste oder das Pad losgelassen wird). Dabei wird nur das Segment von Attack bis Decay wiederholt, denn Release betrifft ja die Phase nach dem Note-Off-Befehl.

Jetzt gibt es in Ableton eine sehr coole Funktion: Man kann innerhalb der Sektion, in der man den Loop aktiviert, bestimmen, auf welche Weise die Hüllkurve geloopt werden soll. „Loop“ startet die Hüllkurve immer dann neu, wenn die Attack- und Decay-Phasen einmal komplett durchlaufen wurden. Da das völlig unabhängig von der BPM des Tracks läuft, eignet sich diese Variante am besten für experimentelle Texturen oder Effektsounds.

Tipp: Sehr geringe „Time“- bzw. Attack- und Decay-Werte sorgen in dieser Variante dafür, dass wir eine weitere Modulationsquelle im hörbaren Bereich haben. Auf diese Weise eröffnen wir uns noch mehr Möglichkeiten für das kreative Sounddesign.

Aber zurück zum eigentlichen Thema: Mit den Modi „Beat“ und „Sync“ lassen sich die Loop-Durchläufe an das Songtempo koppeln. Im Unterschied zu Sync, bei dem auch bei polyphon gespielten Sounds alle Hüllkurven synchronisiert laufen, ermöglicht uns der Modus „Beat“ noch eine interessante Variation: Spielt man zum Beispiel alle Noten eines Akkord nicht hundertprozentig gleichzeitig, kommt auch der Loop der Hüllkurven der einzelnen Stimmen leicht versetzt.

Kombiniert man das zusätzlich mit mehreren Operatoren und unterschiedlichen Taktarten in dem Feld „Repeat“, entstehen komplexe polyrhythmische Strukturen, die selbst über lange Zeiträume hinweg noch spannend bleiben.

LFO Tools für Modulationsorgien nutzen

Manchmal fährt man mit nur einem LFO die interne Klangerzeugung des Operators schnell an ihre Grenzen. Nicht nur, weil ein LFO insgesamt nicht sehr viel ist, sondern auch, weil die vorhandenen Modulationsziele im Operator beschränkt sind. Eine gute Abhilfe schaffen MIDI-LFOs, die es für Max4Live in mehreren Varianten gibt.

Hiermit ist es möglich, sich beliebige Parameter in Operator auszusuchen und sie dem LFO zuzuweisen. So kann man dann selbst die Operatoren-Verschaltung, Feedback oder die Schwingungsform der Operatoren modulieren. Empfehlenswerte MIDI-LFOs sind LFO, enthalten in den Max for Live Essentials, sowie der komplexere LFO 2.0 von Robert Henke.

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1. Bestimmte Elemente müssen in die Mitte

Bevor wir den Mix in die Breite ziehen, müssen wir uns erst einmal klarwerden, welche Elemente unbedingt in die Mitte gehören. Ganz vorne in dieser Liste steht natürlich die Kick, die man nicht links oder rechts im Panorama haben möchte. Zusätzlich sollte auch der Sub- und Bassbereich der Kick nicht mit Stereoverbreiterungstools bearbeitet werden, da das unnötig Probleme mit sich bringt. Ebenso gehören zentrale Elemente eines Tracks wie Gesang oder Lead-Spuren in die Mitte.

Was man allerdings durchaus mal probieren kann, ist lediglich die oberen Frequenzen eines eigentlich in die Mitte gehörenden Instruments zu bearbeiten. Das kann man entweder mit einem M/S-Frequenz-Splitter machen. Dabei wird nur der Bereich oberhalb einer bestimmten Frequenz in die Breite gezogen. Oder man stellt das Instrument durch das Schichten einzelner Layer so zusammen, dass nur die Layer der höheren Frequenzanteile mit den Stereotools bearbeitet werden.

2. Panning intelligent einsetzen

Der einfachste Weg einen Mix breiter klingen zu lassen, geht über die Verteilung der einzelnen Instrumente im Stereopanorama. Hierbei ist es wichtig, dass der Mix insgesamt ausgewogen bleibt. Das heißt Instrumente, die eher links im Panorama sitzen sollten immer einen Gegenspieler auf der rechten Seite haben. Hast du etwa deine Toms links, kannst du Congas oder andere Percussion auf der rechten Seite platzieren.

Besonders wichtig ist es, die Lautstärken entsprechend anzupassen. Nur auf diese Weise stellst du sicher, dass nicht etwa plötzlich eine scharfe HiHat ständig von links zischelt, während rechts kaum etwas passiert. Zudem solltest du nach jedem Panning die Lautstärkeverhältnisse kontrollieren. Das Entfernen eines Instruments aus der Stereomitte hat nicht selten zur Folge, dass das Instrument viel dominanter wahrgenommen wird. Eine Absenkung um ein paar dB behebt das aber recht schnell.

Ein anderer Weg ist es, einfach eine Zufallsmodulation auf das Panorama zu legen. Viele Plugins liefern so eine Funktion gleich mit, wie hier zum Beispiel der Simpler von Ableton.

3. Spuren doppeln für mehr Stereobreite

Dieser Trick eignet sich besonders gut für Pads oder Sounds, die eher im Hintergrund platziert werden. Dazu duplizierst du die Spur mit dem Pad und ziehst die zweite, duplizierte Spur ein paar Millisekunden nach hinten (Track Delay). Jetzt wird jeweils eine der Spuren hart nach links, die andere Spur hart nach rechts gepannt. Das sollte schon einen großen Unterschied machen.

Damit dieser Trick aber erst richtig gut funktioniert, bietet es sich an, die einzelnen Spuren mit Effekten zu versehen. Dafür eignen sich EQs oder Hallräume gut. Die Effekte stellst du nun jeweils minimal anders ein, sodass dem Ohr vorgegaukelt wird, es handle sich um zwei unterschiedliche Aufnahmen.

4. Minimale Verstimmungen nutzen (Pitch-Shifting)

Ähnlich wie bei dem eben beschriebenen Trick duplizieren wir wieder unsere Spur und platzieren beide Spuren ganz links und ganz rechts im Stereopanorama. Im Unterschied zur zeitlichen Versetzungen erzeugen wir dieses Mal aber Schwebungen, indem wir beide Spuren ganz leicht gegeneinander verstimmen. Wenige Cent reichen hierfür völlig aus. Diese Verstimmung sorgt für einen Choruseffekt, der in Zusammenhang mit dem Panning eine unheimlich breite Bühne erzeugt. Wen du es noch extremer möchtest, kannst du auch die Tricks 3 & 4 miteinander kombinieren.

5. Spezielle Tools um die Stereobreite zu verbessern

Auch wenn man beim Mixen der Stereobreite in erster Linie über Panorama und eine optimale Tiefenstaffelung gehen sollte, können spezialisierte Plugins manchmal das gewisse Extra liefern oder schlicht Zeit sparen.

Gute Werkzeuge um die Stereobreite zu verbessern sind zum Beispiel die Freeware Ozone Imager von iZotope oder das ebenfalls kostenlose Stereo Tool V3 von Flux. Praktischerweise verfügen beide Plugins über ein Vector Scope, das dir eine visuelle Unterstützung liefert.

6. Stereo-Delay verwenden

Zugegebenermaßen liegt dieser Tipp direkt auf der Hand: Mit einem Stereo- oder PingPong-Delay können wir selbst Monosignalen eine spannende Stereobreite verschaffen, ohne dabei große Anstrengungen auf uns zu nehmen. Für subtile Effekte ist das Stereo-Delay der optimale Kandidat, wenn die Delay-Wiederholungen rhythmisch im Panorama wandern sollen, geht das besser mit einem Ping Pong Delay.

Tipp: Wählt man sehr kurze Delay-Zeiten wird aus dem Delay ein Choruseffekt. Möchte man die Stereobreite erzielen, ohne aber den typischen Delay-Effekt zu erhalten, ist das eine einfache Möglichkeit. Oder man nimmt einfach direkt einen Chorus für diesen Zweck.

Stereobreite verbessern – Behalte die Phasen im Auge!

Bei all den Maßnahmen für einen breiteren Mix solltest du unbedingt immer auf die Phasenlage der einzelnen Instrumente und Spuren achten. Gerade Techniken wie Dopplungen und der Einsatz von Tools um die Stereobreite zu verbessern, erhöhen die Gefahr, die Phasen einzelner Spuren mitunter stark zu verschieben. Manchmal kommt es dadurch zu Auslöschungen oder Überbetonung einzelner Frequenzen. Das äußert sich dann durch unerwünschtes Phasing oder Flanging bis hin zu kompletten akustischen Löchern im Mix.

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Was ist Sidechaining überhaupt?

Beim Sidechaining wird der Kompressor einer Spur oder im Gesamtmix von dem Audiosignal einer anderen Spur gesteuert. Dabei werden drei Elemente genutzt:

1. Der Track, die Subgruppe oder der Gesamtmix, der komprimiert wird
2. Der Kompressor, der das Signal verdichtet
3. Die Spur (z.B. eine Bass Drum), die den Grad der Komprimierung kontrolliert

Mit Sidechain Compression verbesserst du deinen Mix

Eine Möglichkeit, Bass und Kick gut im Track unterzubringen ist gezieltes Mixing und dabei beide Instrumente exakt aufeinander abzustimmen (siehe Tutorial: Kick und Bass abmischen: Diese Fehler solltest du vermeiden). Manchmal kann das aber zu einer echten Tortur ausarten und die Motivation ist nach unzähligen EQ-Tweaks dahin. Hier kann Sidechain-Kompression weiterhelfen.

Eine der häufigsten Anwendung für Sidechain-Kompression ist sicherlich, Kick und Bass vernünftig miteinander zu verschmelzen. Schnell und einfach erzielt man gute Ergebnisse, wenn man Sidechaining dafür einsetzt, die Bass-Spur immer dann wegzudrücken (Ducking), wenn die Kick gerade spielt. Die Frequenzen beider Instrumente kommen sich zwar nach wie vor noch in die Quere.

Durch die automatischen Lautstärkeänderungen treten die unerwünschten Matsch-Effekte aber in den Hintergrund und der Mix wirkt homogener. Trotz Sidechaining sollte man auf das vernünftige Abmischen natürlich nicht verzichten. Als schnelle Kur für den Motivationsschub ist es aber eine wunderbare Methode.

Sidechain Compressor einstellen

Kommen wir jetzt zu den Details. Allerdings sei vorweg gesagt, dass es eine Blaupause mit allgemeingültigen Einstellungen nicht gibt. Denn je nach Ausgangsmaterial muss die Kompression stärker oder leichter wirken, die Lautstärke justiert werden usw. Daher sind die nachfolgenden Tipps nur ein Ausgangspunkt, mit dem ihr dann die Detailarbeit vornehmen könnt.

Eingangslautstärken

Um den Sidechain-Kompressor einzustellen, fängt man als erstes mit den richtigen Lautstärken an. Zum einen ist es natürlich die Lautstärke der Spur, die komprimiert werden soll. Zum anderen muss die Lautstärke des Sidechain-Signals angepasst werden, das in unsere Sidechain-Spur geroutet wird. Viele Compressor-PlugIns bieten die Möglichkeit, das Eingangssignal innerhalb ihrer Oberfläche einzustellen, wie hier im Beispiel der Ableton Compressor. Sollte das nicht vorhanden sein, kann man das Sidechain-Signal über eine Subgruppe oder einen Effektkanal führen. Bevor es dann weiter in den Kompressor geht, legt man hiermit die Lautstärke fest.

Threshold, Ratio, Attack und Release kurz erklärt

Threshold ist der Wert, ab dem der Kompressor anfängt zu arbeiten. Solange der Pegel also nicht laut genug ist, wird man den Effekt nicht hören. Attack bestimmt, wie schnell der Kompressor reagiert. Je kürzer die Attackzeit eingestellt ist, umso schneller setzt der Pumpeffekt ein. Release wiederum bestimmt, wie lange der Kompressor benötigt, um den Ursprungswert zu erreichen. Sind Attack oder Release zu hoch eingestellt, hört man den Pumpeffekt mitunter gar nicht. Denn der Kompressor hat dann nicht genügend Zeit, „sich zu erholen“. Mit Ratio wird schließlich der Grad der Verdichtung bei Überschreitung des Schwellenwerts „Threshold“ bestimmt.

Ab in die Praxis: Sidechain Compression einer Bass-Spur

Nehmen wir daher das gängigste Beispiel, um unsere Sidechain-Kompression einzustellen: Wir wollen unseren Bass-Track im Takt einer 4/4-Kick wegdrücken. Die Eingangslautstärke im Sidechain-Kanal ist hoch genug und Threshold ausreichend niedrig eingestellt, damit der Kompressor überhaupt anfängt zu arbeiten. Ratio sollte bei einem Wert zwischen 2,5:1 und 8:1 liegen.

Um den Effekt deutlich zu machen, zieht ihr nun bei geringer Attack-Zeit die Release-Zeit langsam hoch und guckt, was passiert. Irgendwann wird die Zeit länger sein, als die Intervalle zwischen einzelnen Bassdrums eures Sidechain-Signals. Dann wird der Pumpeffekt, wenn überhaupt, nur noch sporadisch zu hören sein. Im Prinzip war es das schon. Jetzt könnt ihr mit den Werten Attack, Threshold und Release spielen, bis euch das Ergebnis am besten gefällt.

Tipp: Praktisch ist es, wenn der Kompressor zusätzlich über einen EQ im Sidechain-Kanal verfügt. Hiermit lässt man nur bestimmte Frequenzbereiche durch, die den Compressor steuern sollen. So könnte man bei einem gesampleten Drumloop per Tiefpassfilter alles herausfiltern, was keine Bassdrum ist.

Pumpeffekt über den kompletten Track legen

Wenn ihr den Pumpeffekt über den kompletten Track legen wollt, müsst ihr dazu genauso vorgehen, wie eben bei dem Kick & Bassbeispiel beschrieben. Nur dass der Kompressor dieses Mal in der Summe eures Mix liegt statt in der Bass-Spur. Um den Effekt etwas subtiler zu fahren, könnt ihr den Effektanteil eures Kompressors auf Werte unter 50 % einstellen. Euer Gesamtmix pumpt dann zwar immer noch ordentlich, strengt aber nicht ganz so schnell an.

Rhythmische Gate-Effekte mit Sidechain-Kompression

Während die bisher beschriebene Variante immer davon ausging, dass man sowohl die Kick als auch den / die komprimierten Tracks gleichzeitig hört, kann man den Sidechain-Effekt auch dafür einsetzen, klassische Gate-Effekte zu erzeugen. Für diesen Fall programmiert man eine Kick einfach im gewünschten Rhythmus des Gate-Effekts. Damit das Kicksignal für den Compressor dann nicht im Mix erscheint, muss man diese Spur nur noch stummschalten.

Rollende Bassdrums mit Reverb und Sidechain Kompression

Eine weitere Einsatzmöglichkeit von Sidechain Kompression ist in Kombination mit einem Reverb. Hier nehmen wir einen Effektkanal, in den wir ein Reverb-Plug-In mit 100 % Effektanteil ziehen. Direkt im Anschluss fügen wir noch einen EQ und dahinter den Kompressor in die Spur.

Das Signal aus unserem Bass-Drum-Kanal schicken wir mit ca. 50 % in den Effekt-Send, in dem unsere Effektkette liegt. Gleichzeitig wählen wir die Kickdrum als Signalquelle für die Steuerung des Kompressors aus.

Für unsere rollenden Bassdrums brauchen wir gar nicht so viel: Ein Reverb mit ausreichend langer Hallfahne und den EQ, der das Effektsignal im Anschluss zurechtformt. Je mehr Höhen ihr wegschneidet, umso dumpfer und düsterer wird die „Hallkick“.

Am Ende der Kette drückt der Kompressor das Reverbsignal immer mit Einsetzen der Bassdrum weg. Bei den Einstellungen des Kompressors geht ihr genauso vor, wie vorhin beschrieben. Je nachdem, wie schnell ihr Attack- und Release eingestellt habt, setzt die rollende „Ghostkick“ näher oder weiter entfernt von eurer Bass Drum ein.

Sidechain-Compressor – Freeware Tipps

Für Sidechain-Compression nehme ich meistens den Ableton Compressor, daher sind die folgenden Tipps nur Empfehlungen aus zweiter Hand. Wenn ihr noch gute Vorschläge habt, immer her damit. Ich ergänze die Liste dann entsprechend.

• MCompressor (Mac / Windows)
• ATK Sidechain Compressor (Mac / Windows)

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Template(s) einrichten

Ich beginne dieses Ableton Live Tutorial gleich mit einem unheimlich unspektakulären Tipp, der euch im Endeffekt aber sehr viel Zeit sparen wird: Nutzt die Möglichkeit, ein eigenes Template anzulegen.

Das Template enthält alle Klangerzeuger, Effekt-PlugIns und Kanäle für externe Instrumente, die ihr regelmäßig benötigt. Zusätzlich empfehle ich, eine gewisse Anzahl an Audiokanäle hinzuzufügen für Loops, externe Audiotracks oder resamplete Phrasen. Reduziert euch dabei auf das, was ihr wirklich einsetzt. Ansonsten wird euer Template schnell zu einem Monster aufgeblasen, das viel mehr Ressourcen verschlingt, als ihr eigentlich benötigt.

Ist alles nach eurem Geschmack enthalten, speichert ihr das Template, indem ihr auf Einstellungen (Preferences) geht und hier dann den vierten Reiter „File / Folder“ auswählt. Mit einem Klick auf „Save“ in der ersten Zeile habt ihr euer Template eingerichtet. Ableton Live startet nun jedes Mal mit euren Konfigurationen.

Wenn ihr wie ich regelmäßig verschiedene Templates benötigt, ergibt es sogar Sinn, für jeden Einsatzgebiet ein eigenes Template zu haben. Eins wäre dann zum Beispiel zum Produzieren im Studio, ein weiteres für Live-Auftritte und ein drittes letztlich zum Sampling oder Sound Design. Jedes dieser drei Sets hat andere PlugIns in den Kanälen, eine andere Kanalanzahl usw. So versuche ich meine Live-Sets um maximal 16 Kanäle herum aufzubauen, während Studioproduktionen schnell mal über 50 Spuren haben.

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Neben dem Template-Hinweis vielleicht der zweitbanalste Tipp in dieser Sammlung. Aber für jemanden, der den ganzen Tag vorm Rechner sitzt dann doch eine Offenbarung. Ich habe jedenfalls sehr lange gebraucht um herauszufinden, ob das möglich ist und im Endeffekt hat es meine Arbeit mit Ableton echt angenehmer gestaltet.

Innerhalb von Ableton gibt es etwas vergraben in den Voreinstellungen unter „Look / Feel“ die Option Bildschirm-Zoom. Hiermit vergrößert oder verkleinert ihr die Anzeige sämtlicher Schriften und Elemente innerhalb von Ableton Live. Wenn ihr über exzellente Augen verfügt, könnt ihr diesen Tipp auch umgekehrt nutzen und die Bedienelemente verkleinern. Dadurch finden mehr Informationen auf dem Screen Platz, was sicherlich auch viele Vorteile mit sich bringt.

Clip Launch Modi in Ableton Live

Clip Launch Modes sind eines der ältesten Features in Ableton Live und wahrscheinlich eines der Features, die am wenigsten Beachtung finden. Dabei kann man mit dem Clip Launch Modus einige spannende Sachen anstellen. Kurz erklärt ermöglicht diese Funktion das Abfeuern und Wechseln zwischen mehreren Clips in einer Spur. Clip Launch Modi eignen sich damit nicht nur für Live-Anwendungen ziemlich gut, sondern können auch zu völlig neuen Rhythmen und Melodien führen, auf die man normalerweise nicht gekommen wäre.

Die Regeln, wann das passiert und wie häufig der neu angewählte Clip sich wiederholen soll, kann man unter dem Reiter „Launch“ einstellen. Für eine detaillierte Beschreibung aller Funktionen verweise ich an dieser Stelle auf die gute Beschreibung der verschiedenen Clip Launch Modi auf der Seite von Ableton.

Als Startexperiment empfehle ich, im Session-Fenster drei Audiosamples in eine Spur zu ziehen. Jetzt markiert ihr alle drei und klickt auf das kleine „L“ unten links in der Clip-Ansicht. Der Rest bleibt erstmal unverändert, nur unter Follow Action im unteren Teil ändert ihr das linke weiße Feld mit dem kleinen Pfeil um in „Next“. Jetzt sollten alle drei Clips nach einem Takt auf den nächsten Clip wechseln und am Ende wieder von vorne anfangen. Das ist eure Basis von der aus ihr nun wild mit den anderen Parametern unter Follow Action probieren könnt.

Tipp: Nehmt denselben Loop und kopiert ihn 5-10 mal in die Spur. Jetzt wählt ihr für alle „Next“ und direkt daneben „Any“ aus. Dadurch werden die einzelnen Loops zufällig wiederholt. Soweit ist das noch nichts besonderes. Wenn ihr nun aber für die Länge des Loops und die Startzeiten jeweils andere Werte nehmt, entstehen sehr interessante Breakbeats, die ihr wiederum resamplen könnt.

Effektwege heißer anfahren

Immer wieder kommt es vor, dass man beim Nutzen von Effekten über den Aux-Weg den Send ziemlich weit aufreißen muss, um den Effekt überhaupt zu hören. Dadurch ist eine Feindosierung nur schwer möglich.

Dieses Problem lässt sich glücklicherweise ganz leicht umgehen, indem man am Anfang der Effektkette eines Effekt-Sends ein Utility-Plugin einschleift. Bei diesem zieht ihr anschließend einfach den Gain auf + 10-18 dB hoch. Das hat nämlich zur Folge, dass schon bei geringeren Send-Einstellungen viel mehr Signalstärke in der Effektkette landet, also auch schneller hörbar ist.

Utility PlugIn

Bleiben wir gleich beim Utility-Modul. Gerade Einsteiger übersehen dieses Werkzeug in Ableton gerne. Dabei ist es ein sehr nützliches Schweizer Taschenmesser, das einem viel Arbeit erspart. Zum einen ist es die Möglichkeit, Bass-Frequenzen in einer Spur mono auszugeben und gleichzeitig die Stereobreite für Mitten und Höhen frei zu bestimmen.

Zum anderen sollte es immer dann herangezogen werden, wenn man Lautstärke-automationen im Mix-Down oder Arrangement umsetzt. Viele nutzen hierfür einfach den Kanal-Fader, was solange gut funktioniert, bis man im Mix schließlich merkt, dass die ganze Spur noch zu leise ist. Jetzt könnte man die Automationskurve händisch anpassen, oder einfach nachträglich das Utility-Modul in den Kanal ziehen. Mit diesem lassen sich schnell die fehlenden dB hinzufügen.

Noch besser ist es allerdings, wenn man von vornherein die Lautstärke-Automation mit dem Utility-Modul von Ableton macht. Statt der Channel-Lautstärke nimmt man also den Gain-Regler des PlugIns und automatisiert darüber den Pegel. Der Regler für die Kanallautstärke bleibt somit frei für Anpassungen im Mixdown, ohne dass Automationen dazwischen schießen.

Default Audio und MIDI Tracks

Ähnlich wie das Default-Live-Template kann man auch MIDI- und Audiotracks als Vorlagen speichern. In meinen Audiotracks finden sich meistens EQ, Kompressor und ein Utility-Modul. Warum sollte ich mir die Arbeit machen, die drei PlugIns jedesmal aufs Neue hineinzuziehen?

Viel praktischer ist es doch, sich einmal einen typisch genutzten Channel-Strip, inklusive einiger Grundeinstellungen bei den PlugIns, zurechtzulegen. Diesen Track kann man sich dann mit allen geladenen PlugIns und deren Einstellungen als Vorlage abspeichern. Dazu klickt man einfach rechts in den Kanal. In dem aufpoppenden Dialog ganz unten wählt man dann „Save Default Audio (oder MIDI) Track“ aus. Immer dann, wenn ihr einen neuen Audio-Track (CMD+T) oder MIDI-Track (CMD+Shift+T) auswählt, findet sich darin eure komplette Effektkonfiguration.

Wenn euch dieses kurze Ableton Live Tutorial geholfen hat, schaut euch auch mal den Artikel Kick und Bass abmischen an.

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Fehler 1: Kick und Bass teilen sich den Frequenzbereich

Wenn Kick und Bass zu undifferenziert sind, liegt es häufig daran, dass sich beide Instrumente den selben Frequenzbereich teilen. Schnell kommt es zu Phasenauslöschungen oder zu einem matschigen Mix der unteren Mitten. Zunächst sollte man mittels Analyzer herausfinden, wo sich beide Instrumente im Weg stehen.

Liegt die Grundfrequenz beider Instrumente zum Beispiel auf A-1 (55 Hz), reicht es eventuell schon, entweder die Kick oder den Bass um eine Oktave nach oben (A2 = 110 Hz) oder unten zu verschieben. Quinten sind ebenfalls möglich. Hier muss man nur darauf achten, dass die restlichen Instrumente noch mit dem tonalen Anteil des Bass funktionieren. Eine weitere Möglichkeit ist der Einsatz von Sidechain-Kompression, bei der die Kick den Bass jedesmal „herunterdrückt“, wenn sie einsetzt.

Fehler 2: Tiefbässe nicht mono

Da man ab einer bestimmten Schwelle tieffrequente Signale räumlich nicht mehr ortet, kann man diese Frequenzen mono wiedergeben. Dadurch stellst du nicht nur sicher, dass Kick und Bass in der Mitte des Mixes sitzen, sondern diese auch auf den meisten Geräten klar wiedergegeben werden. In den meisten Fällen kannst du Kick und Bass also mono abmischen.

Möchtest du dem Bass oder der Kick mehr Räumlichkeit verpassen, bieten sich spezialisierte PlugIns an. Diese geben ab einer bestimmten Frequenz alle darüber liegenden Frequenzen stereo, und alle Frequenzen unter dieser Schwelle mono aus. Bei Ableton Live gibt es dafür das Utility-PlugIn. Alternativ geht das auch mit dem kostenlosen PlugIn BassLane oder dem hervorragenden bx_stereomaker von Brainworx.

Fehler 3: Zu viel Effektanteil auf der Kick

Grundsätzlich sollte man die Kick frei von Delay oder Reverb lassen. Da Dogmen in der Musik aber noch nie ein guter Rat waren, sollte hier der Geschmack entscheiden. Und was wären viele düstere Techno-Tracks ohne den rollenden Reverbteppich der treibenden Kick?

Willst du deiner Kick etwas Reverb verpassen, achte darauf den Effekt sparsam zu dosieren. Vor allem solltest du die Frequenzen des Effektes nicht aus den Augen verlieren. Schnell schleichen sich ungewünschte Tieffrequenzen über den Return-Weg in den Mix, die in der Summe alles zudröhnen. Ist das der Fall, schafft ein Low-Cut im Effektweg Abhilfe.

Fehler 4: Die Kick hat zu viel Decay

Um Probleme durch Überlagerungen im Mix zu vermeiden, sollte die Ausklingphase (Decay/Release) der Kickdrum im Auge behalten werden. Ist diese zu lang, entstehen schnell unerwünschte Frequenzüberlagerungen mit anderen Instrumenten. Die Folgen sind Überbetonung bis hin zu Auslöschungen von Frequenzen. Erschwerend kommt hinzu, dass viele Monitore und Lautsprecher diesen Bereich nur unzureichend definiert wiedergeben.

Für die Beurteilung der Ausklingphase ist es notwendig, alle Spuren außer Kick und Bass zu deaktivieren, um sich ein exaktes Bild zu machen. Im Zweifelsfall ist es besser, die Kick etwas großzügiger zu verkürzen. Hilfreich sind visuelle Unterstützungen wie Analyzer oder die ms-Anzeigen der Hüllkurven. Umgekehrt gilt es natürlich genauso: Wenn der Bass noch laut in die nächste Kick reinragt, matscht der Mix zu und die Kick bleibt undefiniert.

Fehler 5: Schlecht programmiertes Pattern

Ging es hier nicht ums Mixing? Schon, aber viele Mixing-Probleme lassen sich ganz einfach umgehen, indem man bei der Patternprogrammierung eine einfache Sache beachtet: Kick und Bass nicht gleichzeitig wiedergeben. Das ist zugegebenermaßen nicht immer möglich und versaut einem auch den Spaß beim Produzieren. Manchmal kann das Verschieben der Bassnote um eine Achtelnote aber den gordischen Mixknoten zerschneiden und dir viel Zeit beim Mixen ersparen.

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Obwohl der Tyrell N6 erstmals 2013 vorgestellt wurde, gehört er ohne Zweifel zu den Synths, die heute noch am häufigsten empfohlen werden. Und das aus gutem Grund. Denn mit seiner intuitiven Oberfläche und gutem Klang lässt er immer noch manch kommerzielles Produkt hinter sich. Die Kombination von Ringmodulation, FM und Sync lässt zudem auch komplexere Klänge zu, die man auf den ersten Blick nicht von dem Synth erwartet.

Die geringe Prozessorauslastung auf aktuellen Rechnern ist dabei ein willkommener Nebeneffekt. Lediglich die enthaltenen Presetbänke scheinen manchmal etwas in die Jahre gekommen zu sein.

Das Molecules Sound Pack setzt hier an und liefert eine Breite Auswahl unterschiedlicher Presets. Jedes davon wurde von Grund auf neu programmiert, wobei der Fokus des Sets auf Pads (insgesamt 34) und Leads liegt (20). Natürlich finden sich in der Collection auch fette Bässe, Dub Chords und einige Effektsounds für Übergänge oder perkussive Elemente.

Damit man die Sounds live oder im Studio ausdrucksstark spielen kann, wurden Modwheel, Pitch Bend und Aftertouch relevanten Parametern zugewiesen. Da diese Verknüpfung häufig über das übliche Modwheel -> Vibrato hinausgeht, kann man Klänge in wenigen Schritten komplett umformen.

Wer auf der Suche nach der Soundästhetik von Boards of Canada, Rival Consoles, Basic Channel oder Bodzin ist, sollte sich mal das Demo anhören.

Molecules Tyrell N6 Patches

• Pads: 34
• Bass: 14
• Percussion & FX: 6
• Leads: 20

Die Molecules Tyrell N6 Patches gibt es hier zu kaufen:
https://limbicbits.com/u-he-tyrell-n6-presets-molecules-sound-pack-for-ambient-and-techno/

Das VSTi U-He Tyrell könnt ihr euch kostenlos hier herunterladen: Download-Link U-He Tyrell N6. Dort gibt es auch Soundpacks mit u-he Diva Presets und Patches für u-he RePro.

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Arturia Pigments – der flexible Allrounder

Pigments bietet eigentlich (fast) alles: Virtuell analog, Wavetable-Synth, Granular-Sampler und Frequenzmodulation. Und das zusätzlich in allen denkbaren Kombinationen. Nicht umsonst ist Pigments zu einem unverzichtbaren Tool in vielen Studios geworden. Der Synthesizer punktet in sämtlichen Sparten: Bässe, Leads und Experimentelles sind kein Problem. Besonders gut gelingen mit ihm zudem Pads, Drones und atmosphärische Texturen.

Dieser Funktionsumfang hat seinen Preis, der sich zum einen in einem recht hohen Ressourcenbedarf niederschlägt. Selbst auf aktuellen Rechnern Zum anderen äußert er sich in einer vergleichsweise vollgepackten Bedienoberfläche. Für Einsteiger mag dies anfangs verwirrend sein. Wenn dann noch die unterschiedlichen Syntheseformen hinzukommen sollen, ist der Informations-Overkill schnell da.

Wenn man sich erstmal etwas mit Pigments beschäftigt hat, merkt man jedoch schnell, wie logisch die Sektionen aufgebaut und miteinander verknüpft sind. Und um den Spaß anfangs nicht zu verlieren, liefert Arturia den Pigments mit einer echt guten Sound Library aus. Hier setzen viele Hersteller auf Masse und so findet sich unter hunderten, wenn nicht tausenden Presets oft fast nur Schrott, durch den man sich erstmal durchwühlen muss. Nicht so hier: Fast jedes Preset lädt direkt zum experimentieren ein und ist zudem noch gut in laufende Produktionen integrierbar.

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U-He RePro-1

U-He RePro-1 ist eine ausgezeichnete virtuelle Nachbildung des legendären Pro One Synthesizers von Sequential Circuits. Und als solche kann man sich darauf verlassen, dass RePro-1 Bässe und Leads, aber auch experimentellere Sounds problemlos beherrscht.

Vor allem für Bässe ist der RePro-1 also eine absolute Kaufempfehlung. Er sitzt problemlos im Mix und erzeugt einen wahnsinnigen Tiefenschub, der manch analogem Hardware-Synth die Schamröte ins Gesicht treibt. Da er zudem noch einfach zu bedienen ist und über eine gut abgestimmte Effektsektion verfügt, ist der RePro-1 eine klare Empfehlung für alle Spielarten elektronischer Musik.

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D16 Punchbox

Dieses PlugIn ist ein vielseitiger Lieferant für Bassdrums für alle Arten elektronischer Musik: harte Techno-Kicks, kurze Impulse für IDM oder boomige 808 Sounds für Electro. Punchbox beherrscht sie alle.

Diese Sounds beherrschen natürlich auch etliche andere Libraries. Punchbox kombiniert aber auf eine sehr effiziente Weise Sampling, Synthese und Nachbearbeitung in einem leicht nachvollziehbarem Signalweg. In dem PlugIn finden sich alle Zutaten, die man zum Erstellen perfekter Kickdrums benötigt: Layering mit einem gut zusammengestellten Vorrat an Samples, Drum-Synthese, Overdrive und Sample-Rate-Reduktion für die extra Portion Schmutz, ein Filter und ein Limiter am Ende der Signalkette, um die Kick noch etwas lauter zu machen. Ja, man kommt auch auf andere Wege zum Ziel – Punchbox ist dabei aber eine willkommene Abkürzung.

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u-he Diva

Und noch einmal u-he. Denn das flexible Plug-In Diva darf in dieser Liste auf keinen Fall fehlen. Nicht umsonst hat sich Diva seit Erscheinen zu einem Standard für elektronische Musik entwickelt.

Mit großartigem Analogsound, umfangreichen Features und nichtzuletzt klanglicher Flexibilität deckt Diva ein breites Spektrum an Klängen ab. Wann immer authentisch organischer Sound gefragt, aber gerade kein Hardware-Synth in Reichweite ist, stellt Diva eine hervorragende Alternative auf PlugIn-Basis dar. Hier könnt ihr Diva Presets für Ambient und Techno in Aktion sehen.

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Tracktion f.’em: FM Synthesizer

In jedem gut sortierten Plugin-Paket für elektronische Musik sollte auch ein FM Synthesizer zu finden sein. Durch diese Syntheseform erweitert ihr euer Soundportfolio in Richtung metallische Dub Chords, gläserne Texturen, kräftige Bässe oder glockige Percussions. Aber auch ganz klassische warme Pads gelingen mit FM Synthese ganz hervorragend, wenn man sich etwas Zeit zur Einarbeitung nimmt.

Einer der vollständigsten Spezialisten auf Plugin-Basis dürfte der f.’em von Tracktion sein. Acht Waveform-Operatoren, dazu noch zwei Sample-basierte Operatoren, sowie einen Noise-Operator können hier völlig frei in einer Operatoren-Matrix miteinander verknüpft werden. Mächtige Hüllkurven mit bis zu 32 Segmenten, LFOs und subtraktive Filter machen aus dem Tracktion f’em ein spannendes Plugin für elektronische Musik, das auch nach Jahren nicht langweilig werden dürfte.

Sicher, eine derartige Komplexität setzt immer auch ein gewisses Maß an Lernbereitschaft voraus. Für die ersten Schritte steht aber eine gut sortierte Preset-Auswahl zur Verfügung, die man bei Bedarf schnell an eigene Klangvorstellungen anpassen kann.

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ABL Bassline 3

Wer den Sound von Rolands legendärer TB-303 im Computer möchte, kommt an Audiorealism (ABL) Bassline 3 nicht vorbei. Bassline 3 ist eine authentische virtuelle Version, bei der selbst an das leichte Rauschen am Anfang von stark gefilterten Sounds gedacht wurde. Und ja, dieses PlugIn klingt schon gut, bevor im Mix keiner mehr den Unterschied hört.

Zwar hat Behringer mit der TD-3 einen recht guten Hardware-Clone zum PlugIn-Preis vorgelegt. Audiorealism ist mit 95 € incl. MwSt. immer noch etwas günstiger und kann beliebig oft in der DAW geöffnet werden.

Mehr Infos: https://www.audiorealism.se/audiorealism-bass-line-3.html

fabfilter Twin 3

fabfilter Twin 3 simuliert keine bestehenden Synthesizer, sondern kombiniert hervorragenden Sound mit moderner GUI. Vier Oszillatoren, ebenso viele Filter, eine umfangreiche Modulationsmatrix und nichtzuletzt die klangliche Flexibilität machen fabfilter Twin 3 zu einem echten Geheimtipp für elektronische Musik.

Die Bedienung von Twin 3 geht extrem schnell von der Hand und sebst komplexe Modulationsroutings sind hier dank Drag & Drop immer nur wenige Klicks entfernt. Abgerundet wird die Ausstattung durch eine perfekt abgestimmte Effektsektion.

▶▶▶ fabfilter Twin 3 Test
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Native Instruments Komplete

Zu Native Instruments Komplete muss man eigentlich nicht viel sagen. Das umfangreiche Software-Paket zählt zur Standardausstattung in vielen virtuellen Studios und darf bei einer Liste mit Synthesizer Plugins für elektronische Musik nicht fehlen. Und das aus gutem Grund: Die Soundqualität ist am oberen Ende angesiedelt, die Vielseitigkeit des Inhalts dürfte Produzenten auf Jahre hinweg kreativ beschäftigen.

Von Drum-Libraries über alle möglichen Syntheseformen und Nachbildungen legendärer Synths und Signalprozessoren bis hin zu einer guten Auswahl an akustischen Instrumenten ist alles an Bord, was man am Anfang benötigt. Bei der Fülle ist leider auch sehr viel Ausschuss dabei, viele Sounds klingen mittlerweile etwas betagt. Kompletten Neueinsteigern kann beim Durchgehen der riesigen Soundlibrary daher manchmal etwas die Lust vergehen. Für diejenigen, die primär auf vorhandene Sounds zugreifen möchten, gibt es mittlerweile bessere Alternativen, wie etwa die Produkte von Output. In Kombination mit einigen ausgewählten Produkten von Native fährt man da besser.

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Output Suite

Output sind seit einigen Jahren immer präsenter auf dem Software-Markt geworden. Die Libraries des US-Unternehmens sind klanglich ausgezeichnet und liegen für mich sogar noch einmal ein gutes Stück über den bereits guten Produkten von Native Instruments. In der Suite finden sich sämtliche derzeit erhältlichen Titel plus allen erhältlichen Expansions.

Die Stärken liegen in der kreativen Kombination von akustischen und synthetischen Samples. Je nach Library liegt der Fokus mal auf Strings, mal auf Vocal-Sounds oder Brass-Wind-Sounds etc. Der Synth „Rev“ erzeugt seine Patches aus rückwärts abspielten Samples, Signal ist ein Allrounder, der von Pianos über Synthbässe bis hin zu Flächen eine gute Grundausstattung liefert.

Trotz der exzellenten Klangeigenschaften der Produktpalette würde ich Outputs Suite nicht als alleinstehende Lösung für elektronische Musik empfehlen. Dazu fehlt der Library einfach noch eine umfangreiche Sammlung an Drum- und Percussion-Sounds, sowie klassisch aufgebaute Synthesizer, seien es subtraktive, FM-Synths oder andere. Eher ist es eine ideale Ergänzung für ein Studio, in dem bereits der ein oder andere virtuelle Klangerzeuger steht und das noch nach hochwertigen, inspirierenden Hybridsounds sucht.

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Die hier vorgestellte Liste von Synthesizer PlugIns für elektronische Musik ist natürlich nicht vollständig. Sicherlich könnte man noch Klassiker wie xfer Serum, NI Massive X oder die Arturia V-Collection nennen.

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