Moog Muse – Das Analogschlachtschiff

Der Moog Muse wurde 2024 erstmals vorgestellt und bietet acht weitgehend analog aufgebaute Stimmen, Bi-Timbralität, eine ausgezeichnete Effektsektion und eine sehr durchdachte Bedienoberfläche.

MUSE ist eines der besten Instrumente, die MOOG herausgebracht hat, ja sogar einer der besten analogen Polysynths, die ich bislang testen durfte. Allerdings hört man Puristen auch immer wieder sagen, der MUSE klänge nicht vintage genug.

Möglicherweise ist das der Faktor, der mich beim MUSE im Kontext elektronischer Musik am meisten überzeugt: Der Synth klingt absolut zeitgemäß, bietet aber auch authentische Retrosounds, sofern man nicht auf das letzte Quäntchen 70er-Moog-Sound Wert legt.

Auch für komplexes Sounddesign hat der MUSE eine Vielzahl spannender Features an Bord. Für mich ist der Muse ganz klar ein Gewinn für die Synthesizerlandschaft.

Hier geht es zum MOOG Muse Test.

Waldorf Iridium II – Das Synthesemonster

Waldorf hat mit dem Iridium ein echtes Schlachtschiff im Programm, das für Sounddesigner, Ambient-Performer und Technoproduzenten etliche Möglichkeiten bereithält. Als etwas abgespeckte Version des Quantum bietet der Iridium alle Syntheseformen des großen Bruders. Verzichten muss man hierbei nur auf die analogen Filter des Quantums und natürlich die Tastatur.

Wer das nicht vermisst oder schlicht nicht genug Platz im Studio hat, kann bedenkenlos zu der günstigeren kleineren Version greifen. Denn auch die digitalen Waldorf-Filter klingen ganz hervorragend.

Unter der Oberfläche des Iridiums stecken pro Oszillator fünf Synthesemodelle, die sich miteinander kombinieren lassen:

• Wavetable
• Waveform (Virtuell analog)
• Particle (Sampling und Granularsampling)
• Resonator
• Kernels (FM)
• Seeds

Während sich die anderen vier Syntheseformen selbst erklären, ist Kernel auf den ersten Blick nicht ganz so schnell begreifbar. Kernel verwandelt – vereinfacht gesagt – einen Oszillator in sechs Suboszillatoren, die sich wiederum per FM völlig frei miteinander verschalten lassen.

Egal welche Syntheseform man wählt: Anschließend kann man den Sound mit drei Filtern pro Stimme weiter formen. Entweder man macht das manuell über die vielen Bedienelemente auf der Oberfläche. Oder man nutzt dafür die Modulationsquellen wie LFOs, Hüllkurven etc. um das ganze zu automatisieren. Als ob das nicht genug wäre, bringen Arpeggiator und Sequencer zusätzlich Bewegung in die Performances.

Twisted Electrons TWISTfm: Hybrider FM Synth

Ebenfalls 2024 vorgestellt und zur Jahreswende auf den Markt gebracht, ist der TWISTfm von Twisted Electrons definitiv ein Synth mit Charakter. Ich mochte ja den MEGAfm schon sehr, nun ist mit dem TWISTfm ein Hybridsynthesizer erschienen, der Old-School-FM-Synthese mit einem hervorragend klingenden analogen Multimode-Filter verbindet.

Das Ergebnis dieser Liaison ist ein Synthesizer, der sich nicht nur angenehm von den vielen anderen Synths auf dem Markt unterscheidet. Der Klang ist geradezu perfekt auf elektronische Musik wie Dub Techno zugeschnitten.

Zahlreiche Bedienelemente sorgen für einen direkten Zugriff und machen die manchmal nicht ganz so intuitive FM-Synthese sprichwörtlich begreifbar. Eigener Charakter, gute Bedienung und ein Preis, der such für so einen kleinen Hersteller noch im Rahmen bewegt, machen den TWISTfm zu einem der besten Synthesizer auf dem Markt.

Dreadbox Typhon – Analoges Herz und digitale Effekte

Ein weiterer Kandidat dieser Best-of-Liste ist der Typhon von Dreadbox. Zwar hat der Typhon schon einige Jahre auf dem Buckel. Aber der Typhon überzeugt immer noch durch seinen hervorragenden Klang, intuitive Oberfläche und Speicherplätze. Und nicht nur das: Im Inneren des Monosynthesizers findet sich eine ausgezeichnete Effektsektion von Sinevibes.

Der Preis eines Effektpedals mit dieser Qualität liegt in ähnlichen Regionen wie das, was der Dreadbox kostet. Nur dass man hier noch einen kompletten Synth dazu bekommt.

Hier geht es zum Dreadbox Typhon Test

Korg modwave MKII – Viel mehr als nur Wavetable-Synthese

Mit dem modwave hat Korg einen hervorragend klingenden Allrounder im Portfolio. Der modwave ist ein recht komplex aufgebauter Synthesizer, der seine Klänge mit Wavetables, Filtern und umfangreichen Modulationsquellen formt. Insofern eignet sich der modwave besonders gut für bewegte Pads, Soundscapes und Leads.

Roland AIRA S-1 Tweak Synth

Eventuell wurde der Roland S-1 aufgrund seiner winzigen Größe bei Markteinführung etwas unterschätzt. Mittlerweile scheint sich das Konzept aus gut klingendem Synth, günstigem Preis und überraschend flexibler Soundengine durchzusetzen.

Klanglich orientiert sich der Roland AIRA S-1 am SH-101 aus gleichem Hause. Der Techno-Klassiker wurde dabei um vierfache Polyfonie, Effektsektion und ein paar spannenende Features auf Oszillatorenebene erweitert. Der S-1 zwar nicht mehr analog, überzeugt aber dennoch durch seine breite Soundpalette. Mit einem breiten Sweetspot dürften auch Einsteiger schnell Erfolgserlebnisse erzielen. Lediglich die stark geschrumpfte Oberfläche mit ihren Minipotis ist anfangs gewöhnungsbedürftig.

Hier geht es zum Roland S-1 Test.

Oberheim TEO-5: Flexibler Synth mit SEM-Filtern

Der TEO-5 liefert den klassischen, warmen und breiten Oberheim-Sound, klingt im Vergleich zum OB-6 aber insgesamt etwas moderner/HiFi . Eine vielseitige Modulationsmatrix, die nicht nur leicht zugänglich ist, sondern viele Modulationsquellen und -ziele bietet.

Die Filter und Oszillatoren klingen hervorragend und mit FM, sowie zwei verschiedenen Möglichkeiten, das Signal zu übersteuern (analog und digital), betritt man auch aggressive Klanggebiete, die mit dem OB-6 (und noch weniger mit dem OB-X8) nicht möglich sind.

Behringer Kobol – Semimodularer Analogsynth für geringes Budget

Mit dem Kobol Expander hat sich Behringer einer echten Legende gewidmet. Dabei handelt es sich um den Kobol Expander von RSF. Dieser semimodulare Synthesizer war aufgrund seiner französischen Herkunft international nicht ganz so verbreitet wie die MOOGs und Rolands, überzeugt aber durch seinen fett-knurrigen Analogsound auch heute noch.

Für mich ist der komplett analog aufgebaute Kobol bisher einer der besten Synthesizer von Behringer. Neben einem sensationellen Preis-Leitungsverhältnis bietet der Kobol eine gute Verarbeitung, großartigen Sound und genug Möglichkeiten, um auch auf lange Sicht nicht langweilig zu werden. Für mich eine klare Kaufempfehlung!

Hier geht es zum Test des Behringer Kobol Expander.

Intellijel Cascadia: Die Modularempfehlung

Wer auf der Suche nach einem analogen Modularsystem ist, sich aber noch nicht an die ganz großen Schiffe heranwagt, sollte sich den Cascadia von Intellijel Designs einmal ansehen.

Auf kompakten Raum hat es das kanadische Unternehmen geschafft, eine beindruckende Funktionsdichte unterzubringen, die sich dennoch intuitiv bedienen lässt. So eine Komplexität will natürlich erforscht und verstanden werden. Insofern würde ich den Cascadia nicht unbedingt kompletten Einsteigern empfehlen, es sei denn, man hat Spaß am Erforschen.

Fortgeschrittene User können sich aber über eine gelungene Kombination aus vielschichtiger subtraktiver Synthese, Thru-Zero-FM, LPG und durchdachtem Signalverlauf freuen. Vieles ist hier bereits logisch intern vorverdrahtet und man begegnet ständig sinnvollen Erweiterungen. Für einen ähnlichen Funktionsumfang muss man sich normalerweise ein dreimal so großes und mindestens ebenso teures Modularsystem ins Studio stellen. In der Kategorie (semi-)modular ist der intellijel Cascadia definitiv einer der besten Vertreter zurzeit.

Moog Subsequent 37 – Der Klassiker für elektronische Musik?

Moogs Subsequent 37 (Sub 37) hat sich nicht zuletzt dank des inflationären Einsatzes im Melodic Techno zu einem Standard für verträumte Leads und fette Bässe entwickelt. Der Synthesizer klingt hervorragend und liefert den typischen Moog-Sound, wenngleich dieser hier im Vergleich zu anderen Moog Synths noch etwas frischer, moderner daherkommt.

Der Subsequent 37 reißt mit rund 2000 € Anschaffungspreis aber auch ein ziemliches Loch ins Budget. Wer also nicht über das nötige Budget verfügt, erhält mit dem Studio Electronics / Roland SE-02 eine gute Alternative. Zwar lässt sich dieser Synth nicht so komfortabel bedienen wie der Moog Subsequent 37. Er liefert dennoch ein kräftiges Bassfundament und geschmeidige Leads, die ganz klar den Moog-Charakter aufweisen. Insgesamt tendiert der SE-02 zu einem etwas härteren Sound und man muss hier u.a. auf Duophonie und unterschiedliche Flitertypen verzichten.

Möchte man noch etwas näher am Subsequent-37-Sound sein, bleibt bei weniger Budget eigentlich nur noch der Subsequent 25. Eine leicht abgespeckte Soundengine des Subsequent 37, etwas weniger Tasten, aber trotzdem essentielle Features wie Filtersättigung, Duophonie und den hervorragenden Klang. Und das Ganze dann für rund 40 % unter dem Preis des größeren Bruders.

Groove Synthesis 3rd Wave

Ebenso wie zum Teil der Waldorf Iridium setzt auch Groove Synthesis beim 3rd Wave auf Wavetable-Synthese. Der Hybridsynthesizer kombiniert digitale Klangerzeugung mit analogen (und digitalen SVF) Filtern und sieht sich in der historischen Linie des legendären PPG Wave.

Der Anschaffungspreis ist hier definitiv die absolute Spitzenklasse. Aber wer es sich leisten kann und möchte, wird mit einer flexiblen Soundengine und edlem Sound belohnt, der ein breites Spektrum von Retrodigital bis hin zu modern abdeckt. Hinzu kommen vierfache Multitimbralität, bis zu 24 Stimmen und ein einfach zu bedienender Sequencer für eigene Ideenskizzen.

Vielleicht auch spannend: Welches sind die besten Pad Synthesizer? Welche Synths eignen sich gut für Bässe?

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Die Roland TB-303 Bassline ist ohne Zweifel einer der wichtigsten Synthesizer in der elektronischen Musik. Beim Acid war sie stilprägend, aber auch an etlichen anderen Genres wie Techno, Trance oder Ambient war sie maßgeblich beteiligt. Und die TB-303 hat nichts an Popularität eingebüßt. Im Gegenteil: Denn heute sind die Preise für gebrauchte Units höher denn je. Umso wichtiger ist es, Alternativen aufzuzeigen. In diesem Artikel geht es um die besten TB-303 Clones in Hardware-Form, sowie die besten TB-303 VST vor.

TB-303 VSTs: Das sind die besten 303-PlugIns

ABL Bass Line 3

Der TB-303 VST Clone ABL Bass Line 3 ist schon seit Jahren eine Bank in DAW-basierten Studios. Und das aus gutem Grund. Denn der abl3 liefert nicht nur einen sehr authentischen Klang, sondern lässt sich auch hervorragend bedienen. Mit anderen Worten: Die Unzulänglichkeiten des ursprünglichen TB-303-Sequencers wurden hier gezähmt und um intelligente Zufallsfunktionen erweitert. Diese findet man etwas versteckt in Ausklappmenüs. Dort finden sich auch weitere Anpassungen für das Übersteuerungsverhalten, Tuning und Filtersettings.

Im Vergleich zum D16 Group Phoscyon 2 gehen die Sounddeisgn-Möglichkeiten hier zwar nicht so weit. Dafür findet man auch hier Details wie das charakteristische Klicken/Rauschen des BA-662 VCAs, was sogar deaktiviert werden kann. Manchmal möchte man aber auch ganz schnörkellos und schnell zum Ziel kommen. Audiorealism abl3 liefert genau das: Guten TB-303-Sound und schnelle Ergebnisse.

Arturia Acid V

Arturia hat im Zuge ihrer V-Collection einen weiteren TB-303-Clone ins Rennen geschickt, der in dem Bundle natürlich nicht fehlen durfte, aber auch einzeln erhältlich ist. Der Acid V ist eine sehr gut klingende Emulation der 303, die zudem eine ausgezeichnete Effektsektion bereithält.

Einzigartig ist hier die Polymetrik-Funktion des Sequencers, bei dem Accent, Slide und Vibrato polymetrisch vorrücken und so spannende Groovemuster erzeugen. Gut gefallen haben mir auch die Trimming-Optionen, durch die man die virtuelle 303 näher an den Originalsound seiner Wahl – jede TB 303 klingt leicht anders – rücken kann.

Per Suboszillator kann man dem Acid V noch etwas mehr Tiefenschub mitgeben und hat hier die Wahl aus drei unterschiedlichen Schwingungsformen. Im Vergleich mit dem Phoscyon bietet letzterer aber noch ein wenig mehr Möglichkeiten fürs Sounddesign.

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D16 Group: Phoscyon 2

Über Jahre hinweg haben sich Phoscyon und die ABL Bassline ein Kopf-an-Kopf-Rennen um den Titel des besten TB-303 VST geliefert. Wenngleich die ABL Bassline 3 klanglich für mich immer einen leichten Vorsprung hatte, konnte die D16 Group mit der zweiten Auflage nun aufholen.

Beide Plugins liefern einen authentischen Sound und der Sequencer von Phosycon 2 bringt den herrlich treibenden Groove der Roland TB-303 in die DAW. Im direkten Vergleich überzeugt Phosycon 2 durch die im Vergleich noch einmal aufgebohrten Möglichkeiten. Diese reichen von zusätzlichen Syntheseparametern wie Envelope-Attack oder Accent Decay, bis hin zu einem intuitiven Sequencer mit gut umgesetzten Zufallsgeneratoren. Eine gut ausgestattete Effektsektion mit vernünftig klingender Overdrive-Sektion rundet die Ausstattung ab.

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Wenn der TB-303 Clone Hardware sein soll

Wem Software nicht so liegt, der aber nicht auf den TB-303-Sound verzichten möchte, findet in der Hardware-Welt mittlerweile ebenfalls etliche gute Alternativen zu einem Original. Die folgenden Vorschläge beschränken sich auf Modelle mit internem Sequencer, da dieser meiner Meinung nach ein wesentlicher Bestandteil einer 303 ist.

Behringer TD-3

Behringer liefert mit der TD-3 eine budgetfreundliche und sehr gut klingende Alternative. Lässt man mal die weniger gelungene Distortion-Einheit weg, liefert der Behringer TD-3 einen ausreichend authentischen Sound. Die Resonanz reicht hier fast bis zur Selbstoszillation (das war bei verschiedenen TB-303s auch unterschiedlich stark ausgeprägt), die Pulswelle klingt schön hohl und auch die Verarbeitung steht dem Plastikfeel des Original in nichts nach.

Zwar hat man bei Behringer auch den recht eigenwilligen Sequencer geklont. Das kann aber für all diejenigen ein Vorteil sein, die das Original-Feeling suchen. Immerhin kann man hier auch alternativ die Editor-Software nutzen, mit der sich der Sequencer gut einstellen lässt. Und für rund 120 € (je nach Modellfarbe) ist die TD-3 so oder so ein No-Brainer.

Behringer TD-3 MO: TB-303 Clone auf Steroiden

Ebenfalls aus dem Hause Behringer kommt die TD-3 MO (Modded Out). Hierbei wurde die originale Klangerzeugung aufgebohrt und um Erweiterungen ergänzt, die der bekannten Devilfish-Modifikation entsprechen. So besitzt der TD-3 MO unter anderem einen erweiterten Filterweg, Sub-Oszillator, Resonanzboost, Overdrive und FM. Auch die CV-Anschlusssektion ist hier noch einmal erweitert worden.

Durch die Modifikationen wird der limitierte Sound noch einmal ordentlich erweitert. Allerdings muss man hierbei beachten, dass man sich auch recht schnell vom Originalsound entfernt. Auch die Sweetspots verlässt man bei der TD-3 MO recht schnell, wenn man die Unit noch nicht auswendig kennt. Trotzdem ist die TD-3 MO für alle eine Empfehlung, die einen TB-303 Clone suchen, der auch mal abseits der ausgetretenen Pfade groovt.

Cyclone TT-303 MK2

Der Cyclone TT-303 war lange Zeit einer der wenigen erschwinglichen TB-303-Clones mit gutem Sequencer. Und auch wenn Behringers TD-3 dem französischen Unternehmen Cyclone wahrscheinlich einiges an Umsatz gekostet hat, ist der TT-303 MK2 immer noch eine echte Empfehlung.

Einerseits ist hier der Sound nicht ganz so spitz resonierend wie bei Behringers TD-3. Das setzt auch im Verbund mit einer TD-3 eine interessante andere klangliche Nuance. Andererseits bietet der Sequencer des Cyclone TT-303 MK2 einige spannende Features, die man bei Behringer vergeblich sucht. Dazu gehören zum Beispiel unterschiedliche Gate- und Slide-Längen, manueller Accent, verschiedene Shuffle-Settings, oder schlaue Random-Funktionen.

Mit überschaubarem Aufwand lässt sich auch die Resonanz bei der TT-303 modden und aggressiver einstellen. Und mit einer ProCo Rat dahinter, fängt sowieso jeder Clone an zu bellen und kreischen.

DIN Sync RE-303

„It’s not a Clone, it’s a replica“ – So wird der DIN Sync RE-303 auf der Webseite des DIY-Projekts vorgestellt. Entsprechend akkurat sind auch die klanglichen Ergebnisse, die dem Original am nächsten kommen. Auch wenn man jetzt streiten kann, wo ein Clone aufhört und eine Replika anfängt. Rein theoretisch müsste ein Clone ja noch einmal deutlich näher dran sein, da dieser genetisch zu 100% identisch ist. Aber lassen wir das – Marketing muss auch sein ;).

Allerdings ist man hier für ein aufgebautes Exemplar (es gibt diverse Anbieter im Netz) auch schnell bei rund 1000 €. Inwiefern einem das letzte Quäntchen Sound den Aufpreis wert ist, muss jeder für sich entscheiden. Als spannendes Lötprojekt für Fortgeschrittene ist die DIN Sync RE-303 auf jeden Fall eine Empfehlung.

Roland TB-03 Boutique

Da auch Roland mit der TB-03 einen TB-303-Clone im Portfolio hat, soll dieser hier ebenso Erwähnung finden. Grundsätzlich bin ich ein Freund von Rolands Boutique-Serie. Besonders der SH-01a ist eine gelungene Alternative zum Original.

Wenn ich die Roland TB-03 Boutique aber mit den anderen TB-303 Clones hier in der Liste vergleiche, muss ich sagen, dass Roland mit Abstand den schlechtesten Job in der Umsetzung gemacht hat. Da ist zum einen die recht digital klingende Resonanz. Zum anderen wurde auf das charaktervoll rauschende Attack des BA662 VCAs völlig verzichtet. Auch der Overdrive tönt eher blechern und nervig, als dass er hier eine gute Erweiterung der Soundpalette liefern würde.

Daher gibt es hier nur die Anstandserwähnung. Als echte 303-Alternative kann ich die TB-03 Boutique bei dem Angebot der Mitbewerber nicht mit gutem Gewissen empfehlen. Dafür liegen die anderen einfach zu weit davor, inklusive der TB-303 VST Varianten.

Abstrakt Instruments Avalon: Der nahezu unerreichbare TB-303 Clone

Die Avalon orientiert sich klanglich und technisch an der TB-303, bietet aber noch einmal deutlich mehr Features wie Filter Tracking und eine ADSR-Hüllkurve für den Amp. Zusätzlich kann man die Avalon Bassline mit optional erhältlichen Filter-Cartridges (SEM, Moog, Arp) erweitern und findet auf der Rückseite eine gute Auswahl an CV/Gate-Anschlüssen.

Allerdings gibt es die Avalon mittlerweile nur noch gebraucht und Modelle erreichen häufig Preise von rund 2000 €. Das können Liebhaber sicherlich rechtfertigen. Wer sich eine Anschaffung überlegt, sollte sich aber im Klaren darüber sein, dass der Support von Abstrakt Instruments schlicht unterirdisch ist. Mails werden nicht beantwortet und auch auf anderen Kommunikationswegen lässt sich der Entwickler nicht blicken. Man bezahlt also einen recht hohen Preis. Wer darauf keine Lust hat, bekommt mit dem Behringer TD-3 MO oder einer erweiterten X0XB0X , gute Alternativen zu einem deutlich geringeren Kurs.

TB-303 Clone: Fazit

Bassline-Freunde leben echt in guten Zeiten. Mittlerweile gibt es so viele gute TB-303 Clones, dass es schwieriger ist, eine Entscheidung zu treffen, als ein geeignetes Modell zu finden.

Klanglich liefern die meisten ab. Also wäre meine Empfehlung, neben dem Preis, die Entscheidung vom Sequencer-Konzept und den gewünschten Zusatz-Features abhängig zu machen.

Die Frage könnte dann lauten: Will ich mir das originale Sequencer-Feeling geben (Behringer TD-3-Serie), oder suche ich hier einen intuitiveren Ansatz wie etwa beim Cyclone TT-303 MK2 oder den TB-303 VSTs? Möchte ich die pure Klangerzeugung (ABL 3, TD-3, RE-303), oder will ich das volle Modding-Paket (Phoscyon 2, TD-3 MO)? Es spricht natürlich auch nichts dagegen, sich mehrere Clones ins Haus zu holen. Schließlich haben nicht nur Hardfloor gezeigt, dass man auch gut mit einer ganzen Herde von 303s arbeiten kann.

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Bevor du deinen Einkaufswagen volllädst, solltest du dir bei deinem ersten Hardware-Synth über ein paar Dinge klarwerden: Möchtest du Live damit performen oder wirst du ihn nur im Studio einsetzen? Ist eine Soundkarte bereits vorhanden? Bist du eher Klangschrauber und programmierst jeden Sound von Grund auf oder siehst du dich eher als Performer, der schnell eine Vielzahl unterschiedlicher Presets abrufen muss? Und natürlich muss dir der Synth auch klanglich zusagen.

Vorweg: Bei letzterem Punkt kann ich nicht helfen, da guter Klang immer höchst subjektiv wahrgenommen wird. Selbst die krasseste Noisekiste wird ihre Liebhaber finden. Bei den anderen Fragen kann ich hoffentlich helfen. Im Anschluss findest du eine Top-5-Liste der besten Synthesizer für Einsteiger.

Was muss ein Synthesizer für Einsteiger mitbringen?

Um in diese Liste aufgenommen zu werden, mussten die Synths folgende Kriterien erfüllen:

• Intuitive Bedienung
• Breites klangliches Spektrum
• Nicht zu teuer in der Anschaffung
• Platz sparend und leicht ins Studio integrierbar
• Optional: Presets, die bei den ersten Schritten helfen

Mono- oder polyphoner Synth?

Im Studioalltag ist es dank Mehrspuraufnahmen fast schon egal, ob der Synth über eine oder mehrere Stimmen verfügt. Bei Bedarf nimmt man den gleichen Track immer wieder in einer anderen Tonhöhe auf und kreiert so polyphone Melodien.

Wichtiger sind da klangliche Aspekte und eine umfangreiche Ausstattung, die den Synth nicht schnell langweilig werden lässt. Umgekehrt bieten die meisten polyphonen (mehrstimmigen) Synthesizer die Möglichkeit, Sounds solo oder unisono (mehrere Stimmen spielen gleichzeitig den gleichen Ton auf der selben Note) wiederzugeben.

Einzig in Live-Situationen sind monophone Synths dahingehend limitiert, dass sie eben nur eine Note gleichzeitig erzeugen können; mal von der Möglichkeit abgesehen, Akkordklänge durch gezieltes Verstimmen der Oszillatoren zu simulieren. Wenn das für dich kein Ausschlusskriterium ist, bist du in der glücklichen Lage, aus einem riesigen Pott deinen Traumsynth herauszufischen. Früher war es häufig so, dass viele monophone Synths ihre eingeschränkte Stimmenzahl mit klanglichen Optionen gutmachten. Für experimentelle Sounds waren sie also öfter das Mittel der Wahl. Die Zeiten haben sich zum Glück geändert, denn der Markt ist seit einigen Jahren voll mit guten Synths mit hervorragendem Preis-/Leistungsverhältnis.

Die besten Synthesizer für Einsteiger – Top 7

Für einen guten Start findest du nachfolgend eine kleine Auswahl von Synthesizern, die nicht nur für Anfänger eine gute Empfehlung sind.

Behringer Pro-1

Behringer hat mit dem Nachbau von Sequential Circuits Pro One einen echten Volltreffer gelandet. Für unter 200 € bekommt man einen sehr gut klingenden Analogsynth, der auch noch solide verarbeitet ist. Bei einem Synthesizer für Einsteiger besonders gut: Jede Funktion am Synth hat einen eigenen Regler. So kann man stets den Signalfluss auch optisch nachvollziehen, was einem gerade in der Lernphase hilft. Einzig die Modulationsmatrix auf der linken Seite könnte anfangs eine kleine Verständnishürde sein.

Klanglich ist der Pro-1 sehr nah an seinem Vorbild: Brettharte Basslines, verträumte Leads aber auch experimentelle Sounds liegen dem Synth. Nicht umsonst findet sich der Pro One / Pro-1 in so vielen unterschiedlichen Stilen elektronischer Musik wieder. Wie viel einem die hundertprozentige Patina eines Originals auf dem Gebrauchtmarkt Wert ist, muss man letztlich für sich selbst entscheiden. Der Duo-Mode und das Nichtvorhandensein der anfälligen Tastatur sind neben dem Preis aber handfeste Argumente, zumindest mal einen Testlauf mit dem Behringer Pro-1 zu absolvieren.

Wer mit dem etwas härteren Klang vom Pro-1 nicht so viel anfangen kann, sollte sich noch den Minimoog-Clone von Behringer ansehen. Mit dem Behringer Model D erhält man für wenig Geld einen Synthesizer, der nicht nur ausgezeichnet klingt, sondern für den Kurs erstaunlich gut verarbeitet ist. Wenn es die finanzielle Situation zulässt, kann man über eine Anschaffung beider Synthesizer nachdenken, da sie sich klanglich sehr gut ergänzen.

Elektron Digitone II

Ein FM-Synthesizer für Einsteiger? Absolut, wenn es sich dabei um den Digitone von Elektron handelt! FM Synthese hat (leider) den Ruf, vergleichsweise kompliziert zu sein. Obwohl das echt keine Raketenwissenschaft ist, kann ich verstehen, dass ein DX7 erstmal komplexer wirkt, als beispielsweise ein Minimoog. Hat man sich die Basics der FM-Synthese aber erst einmal raufgeschafft, ist Frequenzmodulation eine großartige Quelle für viele authentische Sounds.

Das ist auch einer der Gründe, warum sich in unzähligen Techno- und Ambienttracks Klänge finden, die irgendeinem DX-Synth entsprungen sind. Von weichen Pads über trocken hölzernen Leads bis hin zu eiskalt harschen Texturen liefert diese Syntheseform eine breite Farbpalette, die man woanders vergeblich sucht.

Hinzu kommt, dass Elektron einem den Einstieg in die FM extrem einfach macht. Eine Limitierung auf die wichtigsten Parameter, eine schlaue Menüführung und nicht zuletzt der gelungene Sequencer sorgen für ausreichend Spaß. Zusätzlich erleichtert Elektron den Zugang, indem sie nicht nur FM Synthese eingebaut, sondern das Ganze um einen subtraktiven Filter erweitert haben. Selbst wenn einem die FM-Synthese anfangs noch zu schwer ist, kann man mit den Presets ausprobieren und gezielt mit dem Filter erste Gehversuche starten.

Da der Digitone II über ein gutes internes Audiointerface verfügt, gleichzeitig die eigenen Sounds via Overbridge per USB an den Rechner überträgt, benötigt man anfangs keine zusätzliche Peripherie. Mittlerweile ist auch der Overbridge-Editor ausreichend entbuggt, um damit komfortabel auf alle Parameter zugreifen zu können

Novation Bass Station 2

Speicherbare Presets, gute Verarbeitung, etliche Features und ein ausgezeichneter Klang: Novation hat mit Bass Station 2 einen analogen Synth auf den Markt gebracht, der es in sich hat. Hinzu kommt eine nahezu beispiellose Produktpflege. So spendierte Novation der Bass Station II noch sechs Jahre nach Erscheinen ein umfangreiches Firmware-Update, das den Synthesizer unter anderem mit Duophonie und Retrigger der Hüllkurven ausstattete.

Klanglich ist der Synthesizer sehr ergiebig, was zum einen an der umfangreichen Filtersektion, zum anderen an den flexiblen Oszillatoren liegt. Bei anderen Synths muss man für das Dazuschlagen von Noise schon einmal einen Oszillator opfern. Nicht so bei deBass Station II: Im Mixer werden die Signale nach Bedarf hinzugemischt, was auch für den Ringmodulator und die Suboszillatoren gilt. Da zudem die LFO-Frequenzen bis hin den hörbaren Bereich gehen, sind selbst glockige und harsche FM-Sounds möglich. Bass Station 2 ist also nicht nur ein guter Lieferant für Bässe, sondern liefert eine umfangreiche Klangpalette für nahezu alle Sounds.

Bass Station 2 oder Circuit Mono Station? Die feinen Unterschiede erklärt.

Da beide Synths klanglich recht nah beieinander sind, sollte man sich für die Entscheidung drei Aspekte klarmachen: Wer seine Melodien lieber mit einer Klaviatur spielt, sollte zur Bass Station 2 greifen. Ist das nicht so wichtig, erhält man mit dem Sequencer der Circuit Mono Station ein extrem mächtiges Tool, das nicht nur live eine gute Figur macht. Über die Pads lässt sich die Circuit Mono Station auch recht gut spielen, das Spielgefühl ist aber anders.

Möchte man sich am Preis orientieren, lohnt es sich unter Umständen zu warten. Die Circuit Mono Station gab es mehrmals im Angebot für etwa 280 €, wodurch sie rund 100 € günstiger als die Bass Station 2 ist. Dadurch dürften immer wieder auch günstige Geräte auf dem Gebrauchtmarkt erscheinen.

Zuletzt bleibt der Vergleich der Features: Die Bass Station 2 bietet bessere Suboszillatoren, zwei vollwertige LFOs und Hüllkurven, bei der Circuit Mono Station muss man sich jeweils mit einer begnügen. Dafür gibt es hier den ausgefuchsten Modulations-Sequencer mit dem man etliche Parameter automatisieren kann. Zusätzlich ist es möglich, einzelne Elemente der Klangerzeuger am Filter vorbei in den Mix zu leiten, was wiederum spannende Klänge ermöglicht, die so mit der Bass Station 2 nicht möglich sind.

Novation Circuit Tracks

Zwei ausgewachsene Synthesizer plus vier Sample-Spuren, sowie eine flexible Klangerzeugung. Und das ganze zu einem Preis von rund 300 €. Novations Groovebox „Circuit“ ist seit Jahren schon fester Bestandteil in vielen Live-Setups und Studios.

Klanglich spielt der Circuit Tracks seine Stärken eher bei digitalen Sounds aus, also bei komplexen Leads, Glocken, sowie Flächen und Texturen. Analoge Bässe gelingen ihm zwar, im Vergleich zu vielen analogen Spezialisten fehlt ihm dann aber doch der letzte Schub.

Dafür lässt er sich mit Batterie betreiben um unterwegs schnell mal eine Idee festzuhalten. Und mit geschickter Pattern-Programmierung ist man mit dem Circuit in der Lage, ein komplettes Live-Set zu spielen. Selbst als MIDI-Controller macht der platzsparende Synth eine gute Figur. Die 32 Pads reagieren auf Anschlagdynamik und zur Noteneingabe lassen sich eigene Skalen festlegen und abspeichern.

Roland SH-01a

Rolands SH-01a ist eine digitale Emulation des legendären SH-101 mit sinnvollen Extras. Eines der wichtigsten Upgrades gegenüber dem analogen Vorgänger ist die vierfache Polyfonie. Dadurch lassen sich auch wunderbare Flächen mit der typischen SH-Soundästhetik spielen. Dass der interne Sequencer in der Lage ist, Melodien polyphon aufzuzeichnen und wiederzugeben rundet dieses Feature noch ab.

Klanglich spielt der SH-01a ganz vorne mit, wenngleich ihm im Vergleich zum Original ein Quäntchen „weiche Melancholie“ fehlt. Wir reden hier aber über Nuancen, die an anderer Stelle durch den erweiterten Funktionsumfang wieder aufgefangen werden.

Ein weiterer Punkt warum dieser Synth Einzug in diese Liste fand, ist die Möglichkeit, den SH-01a als Audio Interface zu betreiben. Nicht nur wird das eigene Audiosignal per USB direkt an den Computer übertragen, man kann über den Audio-Eingang (Mix In) ein externes Signal einschleifen. Die Latenzen sind ausreichend niedrig, wenngleich spezialisierte Audio Interfaces nach wie vor die Nase vorn haben. Anfänger können sich mit dem SH-01a also anfangs ein Audio-Interface sparen und direkt loslegen.

Roland S-1

Falls ihr nur die SH-inspirierte Klangerzeugung sucht und auf ein Audiointerface verzichten könnt, ist auch der Roland S-1 eine gute Alternative. Noch einmal günstiger bietet er einen überraschend guten Sound im ultrakompakten Format. Dazu lässt er sich sogar per internem Akku betreiben und bringt interne Effekte gleich mit.

Die besten Synthesizer für Einsteiger – Fazit

Für welchen Synthesizer du dich entscheidest, ist eine Frage des Geschmacks und nicht zuletzt des Budgets. Gut klingende Synthesizer für Einsteiger gibt es aber reichlich. Natürlich kannst du auch nur mit den Computer und Plug-In Synthesizern richtig gute Ergebnisse erzielen und so langsam das Geld für deinen Traumsynth zusammensparen.

Und selbst wenn du dir mal einen Fehlkauf leisten solltest: Dank 30 Tage Money Back im Onlinehandel und gut funktionierendem Gebrauchtmarkt ist das Risiko sehr überschaubar, auf dem Synth sitzen zu bleiben.

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• Audiointerfaces für elektronische Musik: Die besten Soundkarten von 100 bis 2000 €
• MIDI Controller für Ableton Live: Welchen soll ich mir kaufen?
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Vorabüberlegung

Vorweg aber noch der Hinweis, dass jedes Modularsystem individuell ist. Die Zusammenstellung der Module folgt also immer dem geplanten Einsatzzweck des Musikers. Wenn man aber noch ganz am Anfang steht und in erster Linie Musik mit dem Modularsystem machen möchte, gibt es ein paar Module, die nicht fehlen dürfen. Dazu in diesem Artikel mehr.

Jetzt gibt es natürlich auch Anwendungsfälle, für die man sich ein Modularsystem als flexibles Effektgerät anschafft. Oder als reine Drum-Machine. Oder als Drone-Synthesizer, der fröhlich vor sich hin oszilliert, aber nicht tonal gespielt werden soll. Diese spezielleren Anwendungen werde ich sicherlich noch einmal in einem anderen Artikel behandeln. Gehen wir jetzt aber ins Detail – mit welchen Modulen fängt man an? Und was benötigt man unbedingt in einem Basissystem?

Was sind die wichtigsten Komponenten in einem Modularsystem für Einsteiger?

• Oszillatoren
• Filter
• Modulationsquellen
• Amp- und Output
• Utility-Module
• MIDI-CV/Gate-Interface

1. Oszillatoren

Die Oszillatoren sind der Grundbaustein eines Klanges. In klassischen Systemen generieren sie die Schwingungsformen Sägezahn, Rechteck, Dreieck und häufig auch Sinus. Mittlerweile beschränkt sich die Auswahl nicht nur auf diese Schwingungsformen, denn viele Anbieter haben etliche Mischformen oder digitale Oszillatoren im Angebot, die weit über das hinausgehen, was die Klassiker bereithielten.

Welche Features sollte ein Oszillator mitbringen?

Wollt ihr ganz klassisch anfangen, könnt ihr euer Modularsystem erstmal mit zwei Oszillatoren ausstatten, die neben den oben genannten Grundschwingungen zusätzlich mindestens noch einen Sync-Input und einen zweiten Eingang für analoge Frequenzmodulation bereitstellen sollten. Das wird spätestens dann entscheidend, wenn ihr atonale Klänge erstellen wollt. Gerade FM erweitert das Klangspektrum noch einmal immens, insofern solltet ihr nicht darauf verzichten. Ebenfalls ist es wichtig, dass die Pulsbreite modulierbar ist. Dadurch entstehen wunderbar breit klingende Schwebungen, von denen nicht nur Pads, sondern vor allem auch fette Bässe profitieren.

Bei einem Modularsystem für Einsteiger empfehle ich, erstmal mit klassischen Modulen zu starten. Ohne Zweifel gibt es in den digital aufgebauten Oszillatoren etliche spannende Features wie Wavetable, Sampling, FM und mehr. Aber meiner Erfahrung nach sollte man sich gerade am Anfang nicht von zu vielen Möglichkeiten überfordern lassen.

Klang und Oktavreinheit

Wie bei anderen Komponenten auch, unterscheiden sich die Oszillatoren mitunter immens im Grundsound voneinander. Während das eine Modul mit dominanten Obertönen knarzt, liefert ein anderes Modell eher einen samtig weichen Grundsound, wohingegen ein dritter Kandidat erhebliches Pfund im Bass mitliefert. Die vorgestellten drei Module zeichnen sich durch einen guten Kompromiss aus Funktionsumfang und gutem Klang aus. Zudem erfüllen sie noch ein letztes Kriterium: Die Oktavreinheit. Anders als bei digital gesteuerten Oszillatoren kann es gerne mal vorkommen, dass ein Oszillator nur sauber über drei Oktaven trackt. Das bedeutet, wenn ihr Melodielinien mit großem Notenabstand spielt, klingen weit auseinander liegende Töne ziemlich verstimmt. Die hier vorgestellten Modelle lassen sich nach einer Aufwärmphase von rund 10-15 Minuten ohne weiters über fünf Oktaven spielen.

2. Filter

Filter setzt man ein, um die rohe Gewalt der Oszillatoren zu zähmen. Als klangformendes Element im Modularsystem nehmen Filter dem Audiosignal Höhen, Tiefen und andere Frequenzen weg. Die Resonanz betont dabei die Eckfrequenz, also die Frequenz, ab der das Signal beschnitten wird.

Es gibt etliche unterschiedliche Filtertypen, deren Charakter von schmutzig-zerstörerisch bis hin zu butterweich reicht. Ebenso vielfältig wie der Sound sind die technischen Ausführungen. Für den Einstieg reicht es, sich erstmal mit den Varianten Tiefpass (LP), Bandpass (BP) und Highpass (HP) zu beschäftigen. Von diesen wiederum ist das Tiefpassfilter das ergiebigste.

Zusätzlich unterscheidet man der Einfachheit halber oft zwischen historischen Filtermodellen. Mal ist von der klassischen Moog-Kaskade die Rede, mal ist es der gefällige Sound von Roland oder das weiche Oberheim-SEM-Filter, und natürlich darf man auch das rotzige MS-20-Filter nicht vergessen. Darüber hinaus gibt es viele Kombinationen aus den genannten, Nachbauten von Exoten, oder komplett neu entwickelte Filter-Designs. Da dieser Artikel aber Modularsysteme für Einsteiger behandelt, werde ich den Pfad nicht weiter verfolgen und beschränke mich auf vier Empfehlungen.

Verschiedene Filtermodelle: Empfehlungen für ein Modularsystem für Einsteiger

Roland-Filter

Zugegeben, Roland änderte sein Filterdesign im Laufe der Zeit immer wieder und setzte auf verschiedene Komponenten. Meistens werden jedoch die Filter aus den späten 70er und 80er-Jahren in die modulare Form gegossen, darunter SH-Varianten oder angelehnt an die Juno- oder Jupiter-Reihe. Roland liefert mit seinen Filtern immer einen großen Sweetspot der, anders als etwa Moog, das Beste aus allen Welten kombiniert: Nicht zu roh, nicht zu fett, nicht zu dünn, aber immer mit viel Charakter. Daher sind Roland-Filter auch perfekt für den Einstieg geeignet.

Die beiden hier empfohlenen Filter gehen genau in diese Richtung. Während das Behringer 121 Dual VCF ein Clone des System 100 Filters ist, basiert das noch etwas günstigere Surges auf dem Mutable Instruments Ripples, was sich wiederum den Sound der Roland-Klassiker SH/Jupiter der 80er-Jahre widmete. Klanglich sind beide Filter super. Beim 121 Dual VCF gibt es allerdings gleich zwei Filter auf einmal.

Moog-Kaskade

Moogs 24dB Tiefpassfilter liefert die Blaupause für etliche Filterdesigns, sei es analog oder digital. Das Filter packt ordentlich zu und klingt dabei immer musikalisch. Sein Sound wird mitunter gerne als cremig beschrieben, verliert aber auch an Bass, sobald man die Resonanz recht stark aufdreht. Besonders gut reagiert das Filter auf laute Pegel, die es mit einer angenehmen Sättigung quittiert.

MS-20-Filter (Korg-35)

Streng genommen kamen in dem originalen MS-20 von Korg im Laufe der Zeit zwei Filter-Designs zum Einsatz. Dabei handelt es sich um eine Kombination aus 6dB HP- und 12 dB Tiefpassfilter. In den meisten Modular-Clones findet man allerdings die erste Variante Korg-35. Diese Variante zeichnet sich durch einen noch roheren, kreischenden Sound aus. Demnach eignet sich das MS-20-Filter besonders gut für knarzige Bässe oder aggressive Leads. Nicht umsonst sieht man den MS-20 so häufig im Industrial, EBM oder Techno.

SEM-Filter

Der letzte Kandidat dieser Truppe ist ein echter Weichmacher. Das 12dB-Multimodefilter schleift auch den härtesten Klang und formt ihn zu einer schönen Skulptur um. Es ist gleichzeitig auch eines der wenigen Filter, das in nahezu jeder Einstellung gut klingt. Selbst bei hohen Resonanzwerten gelang es Oberheim, einen angenehmen Klang zu erzeugen, der sich eher um die Frequenzen schmiegt. Da es sich beim SEM-Filter zudem um ein Multimode-Filter handelt, bekommt ihr hier neben Tief-und Hochpass noch alternativ Bandpass und Notch.

Wie bei allen Komponenten in einem Euroracksystem könnt ihr natürlich auch mehrere Filter einbauen. Ich nutze in meinem System gerne Kombinationen aus Roland-Filter, SEM-Filter und einer MS-20 Variante. Damit decke ich von klinisch sauber, über retro bis hin zu brutal alles ab.

3. Modulationsquellen

Um den Klang über die Zeit hinweg automatisiert zu formen, benötigt man Modulationsquellen. Die wichtigsten Module dafür sind Hüllkurven (Envelopes) und LFOs.

Hüllkurven

Hüllkurven sollten in der Lage sein, schnell zuzupacken. Erst dadurch sind fette Bass-Sounds oder perkussive Klänge möglich. Zum anderen sollten sie aber auch ausreichend lange Zeiten für Pads oder Drones bereitstellen. Im Idealfall bietet das Modul die Wahl zwischen unterschiedlich langen Zeiten. Wenn es dann noch möglich ist zwischen exponentieller und linearer Charakterstik zu wechseln, ist die Hüllkurve für fast alle Klänge gewappnet.

Die klassische Modularhüllkurve ist als ADSR-Variante ausgeführt. Attack ist die Zeit bis die Hüllkurve ihren Maximalpunkt erreicht. Der Decay-Wert wiederum beschreibt die Zeit, bis die Hüllkurve bei gehaltener Note den dritten Wert Sustain erreicht. Mit Release bestimmt man am Ende wie lange die Hüllkurve noch „ausklingt“ wenn man die Taste loslässt.

Zusätzlich gibt es noch mehrstufige Hüllkurven, die weitere Segmente besitzen und andere Varianten, sie sich auf Attack und Decay oder sogar nur Decay beschränken. Für ein günstiges Modularsystem für Einsteiger würde ich auf eine Kombination aus AD- und ADSR-Hüllkurve setzen. Wenn man diese loopen kann, ersetzt man damit unter Umständen sogar noch einen LFO.

LFOs

Vorweg: LFOs sind zwar eine gute Modulationsquelle. Wenn ich aber ein sehr günstiges Modularsystem für Einsteiger zusammenstellen müsste, wäre das der erste Teil, den ich wegstreichen würde.

Stattdessen sollte man lieber in einen zweiten VCO oder eine besser ausgestattete Hüllkurve investieren. Warum? Nun, im Prinzip ist ein LFO erstmal nichts anderes als ein sehr langsam schwingender VCO mit meistens weniger Möglichkeiten. Habt ihr euer System also mit zwei guten VCOs ausgestattet, kann man durch extremes Herunterpitchen einer der beiden VCOs einen LFO vorerst prima ersetzen. Alternativ könnte man eine loopbare Hüllkurve auch als LFO verwenden.

Trotzdem ist es ab einer gewissen Größe sinnvoll, einen LFO im Modularsystem zu haben. Dabei solltet ihr auf folgende Dinge achten:

• Der LFO sollte schnell genug sein, etwa für FM oder um ihn als VCO einsetzen zu können.
• Er sollte über einen Reset-Eingang verfügen, um ihn rhythmisch besser einbinden zu können.
• Er sollte seine Schwingungsformen gleichzeitig an mehrere Ausgängen ausgeben.
• Wenn sich die Frequenz dann noch sauber über CV steuern lässt, sind eigentlich keine Wünsche mehr offen.

Sowohl Behringer 150 als auch die Dual-Hüllkurve Behringer 140 verfügen über einen LFO, der nahezu alle oben genannten Kriterien erfüllt. Man muss lediglich darauf verzichten, alle LFO-Schwingungsformen gleichzeitig nutzen zu können. Für ein kleines Modularsystem sind sie dennoch meine Preis-Leistungsempfehlung. So einen Funktionsumfang für den Kurs bekommt man woanders nicht.

Wer es deutlich flexibler mag, sollte sich unbedingt mal das Mutable Instruments Tides ansehen. Das Modul ist ein echtes Chamäleon und gleichermaßen als LFO, VCO, Hüllkurve und mehr einsetzbar. Wer etwas mehr Budget hat, kann hier bedenkenlos zugreifen.

4. Amps und Output

Als letztes Modul der Signalkette kommt fast immer ein Amp oder spezialisiertes Ausgangsmodul zum Einsatz. Amp-Module können ein Signal verstärken oder abschwächen und sind demnach sogar in der Lage, einen Mixer in kleineren Systemen zu ersetzen. Grundsätzlich spricht aber auch nichts dagegen, direkt aus einem Filtermodul in einen externen Mixer oder in eine Soundkarte zu gehen und dort den Pegel einzustellen.

Da es sich hierbei um ein Modul handelt, das ein wesentliches Element im Signalfluss darstellt, sollte man an dieser Stelle nicht sparen. Auch wenn das Modul im Vergleich mit VCOs oder Filtern langweilig erscheint.

Amps übernehmen aber noch weitere Funktionen:

• Sie erhöhen den Pegel von Oszillatoren, um Filter stärker in die Sättigung zu fahren.
• Als Gates sorgen Amps dafür, Audiosignale passieren zu lassen oder nicht.
• Mit Amps lässt sich die Modulationsintensität von LFOs oder Hüllkurven gezielter einstellen.

Output-Module

Spezielle Outputmodule bieten teilweise noch Kopfhöreranschlüsse, Stereo-Ausgänge oder direkt Anschlüsse für 6,35 mm Klinkenkabel. Bei kleineren und günstigen Modularsystemen würde ich aber erstmal ein normales Ampmodul verwenden und das Signal mit einem Adapterkabel 3,5 mm auf 6,35 m Klinke herausführen. Gut sind hier Module, die über hochwertige Vorverstärker verfügen. Eine umfangreiche Funktionsausstattung wie z.B. Panning ist ein weiterer Pluspunkt.

Für VCA-Anwendungen kann ich den Behringer 130 Dual VCA empfehlen. Hier gibt es 2 x 3 Audioeingänge, jeder mit CV-Eingang, sowie zwei große Lautstärkeregler. Letztere sind praktisch, wenn man schnell mal den Gesamtpegel anpassen muss.

Theoretisch könntet ihr mit dem 130 Dual VCA Modul direkt in den Mixer oder die Soundkarte gehen. Ich finde es praktischer, dafür noch ein spezielles Modul im System zu haben, wie das A-138s oder das Intellijel Outs. Das Doepfer A-138s ermöglicht es, die vier Kanäle einzeln im Stereopanorama zu verteilen, während das Outs von Intellijel stattdessen einen Kopfhörerausgang bereitstellt. Ob ihr so ein Modul anfangs überhaupt benötigt und ob euch Panning oder Kopfhörerausgang wichtiger ist, liegt bei euch.

5. Utility-Module

Der letzte essentielle Part im Modularsystem für Einsteiger ist wahrscheinlich auf dem ersten Blick auch der unspektakulärste. Trotzdem sollten die sogenannten Utility-Module bereits bei der Grundanschaffung mit einkalkuliert werden.

Allen voran ist hier das Multiple-Modul zu nennen. Davon kann man in einem Modularsystem fast nie genug haben. Denn mit Multiple-Modulen, der Name verrät es schon, multipliziert ihr Eingangssignale. Das ist zum Beispiel dann wichtig, wenn ihr eine Steuerspannung für die Tonhöhe gleichzeitig an mehrere Ziele schicken wollt. Nur so könnt ihr überhaupt Patches mit mehr als einem Oszillator sinnvoll aufbauen.

Multiples gibt es sowohl als aktive als auch passive Variante. Die aktive Variante hat den Vorteil, dass auch bei längeren Verbindungswegen oder kritischen Steuersignalen wie Clock oder eben genannte Pitch-CV die Spannung stabil bleibt. Ich empfehle für ein kleineres Modularsystem eine Mischung aus einem oder zwei aktiven 2 x 4 Multiple(s), sowie zwei bis drei passiven Multiples.

6. MIDI zu CV/GATE – Interface

Wenn ihr euer Modularsystem per CV-Gate steuert oder hauptsächlich für Drones oder Effektsounds einsetzt, könnt ihr auf dieses Modul verzichten. Sobald ihr aber das System im Verbund mit anderen MIDI-Geräten oder über einen Computer ansteuern wollt, benötigt ihr noch ein MIDI Interface. Dieses wandelt die eingehenden digitalen MIDI-Signale in analoge Steuerspannungen um.

Bei einem MIDI-zu-CV/Gate-Interface empfehle ich, gleich in eine Nummer größer zu investieren. Achtet am besten darauf, dass neben mehreren CV / Gate-Ausgängen auch ein weiterer Anschluss für Clock-Signale vorhanden ist. Damit könnt ihr eure LFOs rhythmisch besser einbinden und später auch Sequencer ansteuern. Ein guter Kompromiss aus Preis und Features ist das hier empfohlene Doepfer A-190-4.

Günstiges Modularsystem für Einsteiger: Ein paar Tipps zum Schluss

Nachdem ihr jetzt wisst, womit man den Einstieg in die modulare Synthese gut findet, noch ein paar Tipps von mir.

Nicht zu viel auf einmal

Als erstes empfehle ich, nicht zu viele Module auf einmal zu kaufen. Besonders dann nicht, wenn ein Modul sehr viele Funktionen bereitstellt, wie es etwa bei Mutable Instruments häufig der Fall ist. Setzt euch mit den Komponenten auseinander und lernt erstmal, mit den vorhandenen Features auszukommen. Gerade in Modularsystem kann man nämlich durch Kreativität viele Module durch andere ersetzen.

Plant Reserven im Gehäuse ein

Da sich ein Modularsystem mit der Zeit an eure Ansprüche anpasst, solltet ihr gleich zu Beginn eine großzügigere Reserve von 20-30 % einkalkulieren. Habt ihr euch etwa auf zehn Module festgelegt, fügt ihr im Geiste noch einmal den Platz für drei durchschnittlich große Module (10-16 TE) hinzu. Darauf basierend kalkuliert ihr dann den Platzbedarf für euer Modular Case.

Spart nicht beim Netzteil

Diesen Punkt habe ich schon in meinem Artikel Modularsystem zusammenstellen ausführlich behandelt. Das Netzteil ist die Lebensader jedes Modularsystems. Wird hier gespart, kommt es gerne mal zu einer Unterversorgung oder im schlimmsten Fall zu Spannungsschwankungen. Das führt dazu, dass einige Module eventuell gar nicht versorgt werden, oder das Tuning wie verrückt driftet. Also: Spart nicht beim Netzteil.

Günstiges Modularsystem für Einsteiger: Beispielkonfiguration

Ich habe euch exemplarisch auf Modular Grid ein günstiges Modularsystem für Einsteiger vorkonfiguriert. Denkt aber immer daran: Solange es sich um Eurorack-Module handelt, könnt ihr die Komponenten jederzeit frei austauschen und miteinander kombinieren. Das macht letztlich den Reiz aus.

Weitere Links

• Modular System zusammenstellen: Das richtige Case finden, die korrekte Spannungsversorgung und mehr
• Eurorack Sequencer: Die besten Sequencer für Eurorack Modular Systeme
• Behringer System 100 Test
• Modularsystem anschließen – Tutorial
• Behringer MonoPoly Tutorial: Patches für Techno und Ambient

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Was ist ein Theremin und wie funktioniert es?

Doch bevor wir konkret werden, gibt es zuerst etwas Geschichte und Hintergrundinfos. Das Theremin ist ein elektronisches Musikinstrument, das man komplett ohne direkten physischen Kontakt spielt. Es wurde 1920 von Lev Termen erfunden und ist nach ihm benannt.

Ein Theremin besteht neben dem Gehäuse, das die elektronischen Komponenten zur Klangerzeugung enthält, in der Regel aus zwei Antennen: Einer vertikalen Antenne für die Tonhöhe, und einer horizontalen Antenne für die Lautstärke. Bewegt man nun die Hand in die Nähe der Tonhöhen-Antenne, steigt die Tonhöhe je stärker man sich der Antenne nähert. Und je näher man die Hand an die Lautstärke-Antenne bewegt, umso lauter wird der gespielte Ton.

Um die Position der Hand des Künstlers im Raum zu messen nutzt das Theremin die Eigenschaften von elektrischen Feldern. Eine elektronische Schaltung misst kontinuierlich die Kapazität zwischen den Antennen und wandelt diese Änderungen in elektrische Signale um. Diese Signale werden dann verstärkt und an einen Lautsprecher gesendet, der den Ton erzeugt.

Wie einfach ist es, ein Theremin zu spielen?

Was auf den ersten Blick spielerisch aussieht, erfordert in der Praxis sehr viel Übung und Kontrolle, da das Instrument sehr empfindlich auf kleinste Bewegungen der Hand reagiert.

Ein gutes Gespür für Musik und Tonhöhen helfen auf jeden Fall. Denn bei einem Theremin gibt es im Gegensatz zu Klaviertasten oder den Bünden einer Gitarre keine Referenzpunkte für die Tonhöhe. Aber wenn man es richtig beherrscht, kann man damit eine Vielzahl von Klängen erzeugen und sogar ganze Melodien spielen. Manche Modelle besitzen sogar Ausgänge zur Steuerung von anderen Instrumenten, wodurch man zum Beispiel ein Modularsystem oder einen Synthesizer über das Theremin spielen kann.

Theremin kaufen: Worauf sollte man achten?

Je nachdem, was man für einen Anspruch ans eigene Spiel und ans Instrument hat, wird der preisliche Rahmen bestimmt. Professionelle Geräte ermöglichen ein möglichst präzises Spiel, sind leider nicht günstig zu haben. Meine Empfehlung ist auch, ein Theremin vorher einmal vor Ort auszuprobieren. Denn der Zauber verfliegt oft recht schnell, wenn man merkt, wie viel Arbeit und gutes Gehör erforderlich sind, dieses faszinierende Instrument einigermaßen zu beherrschen.

Wer allerdings primär auf den Show-Effekt wert legt, ein paar Effektsounds abfeuern möchte, oder das Theremin hauptsächlich zur ungenauen Steuerung von Klangfarben nutzen möchte, kann auch problemlos auf günstigere Modelle ausweichen.

Falls das Theremin ganz klassisch als Instrument genutzt wird, sollte es eine eigene Klangerzeugung mitbringen. Auch sollte es über zwei Antennen verfügen: eine für die Tonhöhe, eine weitere für die Lautstärke. Ich erwähne das nur, weil es auch sehr günstige Modelle gibt. Diese werden zwar als Theremin verkauft, bringen außer einer Tonhöhensteuerung aber nichts mit und rödeln so die ganze Zeit nervig vor sich her.

Wollt ihr das Theremin auch oder ausschließlich zur Steuerung anderer Geräte wie Synthesizer nutzen, müssen MIDI-Out – oder besser noch CV-Ausgänge vorhanden sein. CV hat hier ganz klar den Vorteil, dass die Steuersignale stufenlos übertragen werden, ihr also keine Wertesprünge habt.

Theremin kaufen: Die besten Modelle

Moog Etherwave

Den Auftakt bei den Empfehlungen macht, wie soll es auch anders sein, Moog mit dem Etherwave Theremin. Denn Moog hat seit Jahrzehnten unterschiedliche Varianten des Instruments im Portfolio. Damit richtet sich das Unternehmen gleichermaßen an ambitionierte Einsteiger und professionelle Musiker.

Nachdem es das Spitzenmodell Moog Claravox Centennial Theremin mittlerweile nur noch gebraucht gibt, ist das Etherwave die professionellste Variante, die man derzeit kaufen kann. Einerseits wurde die Ausstattung beim Etherwave auf die relevanten Parameter reduziert. So stehen hier mit Timbre und Wahl der Schwingungsform zwei Drehregler zur Verfügung, die direkten Zugriff auf den Klangcharakter ermöglichen. Zusätzlich kann man die Sensibilität der Antennen justieren und ans eigene Spiel anpassen.

Andererseits verfügt das Etherwave über die höchste Präzision beim Spielen, weshalb gerade Profis auf diese Variante setzen. Was wohl den meisten Einsteigern nicht auffällt, ist für professionelle Thereminspieler essentiell: Die Interpretation der Bewegung im elektrischen Feld sollte möglichst konstant sein, um Tonhöhen und Lautstärken exakt zu steuern. Hier liefert das Etherwave am besten ab, allerdings fehlen hier auch Hilfsfunktionen wie Quantisierung, die das kleinere Modell „Theremini“ mitbringt.

Moog Theremini

Und damit kommen wir direkt zur nächsten Empfehlung, ebenfalls von Moog. Das Theremini ist im Gegensatz zum Etherwave digital aufgebaut. Es bietet aber ein paar Funktionen, die vor allem Einsteigern den Erstkontakt mit dem Instrument erleichtern.

Allen voran ist hier die Quantisierungsfunktion zu nennen. Mit dieser werden falsch gespielte Noten automatisch in die richtige Skala gebracht. Statt die Noten also akribisch genau in der Luft zu treffen, reicht es hier, in die Nähe zu kommen. Die Quantisierung schubst daneben liegende Noten also direkt in die richtige Tonhöhe. Das Moog Theremini bringt 22 unterschiedliche Skalen mit, für die man zudem noch den Grundton festlegen kann. Das sollte die meisten Anwendungen abdecken und schnell erste Erfolgserlebnisse liefern.

Zusätzlich bietet das Theremini 32 unterschiedlich klingende Presets und damit ab Werk die größte Klangvielfalt. Mit einer speziellen App hat man darüber hinaus Zugriff auf zahlreiche Parameter und kann die Presets weiter anpassen. Da das Theremini zudem noch ein Stereo-Delay, einen Lautsprecher und andere sinnvolle Funktionen wie USB/MIDI an Bord hat, ist es für mich die perfekte Empfehlung für ambitionierte Einsteiger und Fortgeschrittene.

Doepfer Theremin

Eher für die Frickler-Fraktion ist das Doepfer-Theremin gedacht. Konkret handelt es sich um eine Mindestkonfiguration aus Einzelmodulen, die in ihrer Gesamtheit ein Theremin ergeben. Diese Zusammenstellung erzeugt für sich schon authentisches Feeling und den typischen Sound. Seine Stärken spielt es aber im Verbund mit anderen Synthesizern oder Modularsystemen aus, welche man hierüber direkt ansteuern und erweitern kann.

Es spricht natürlich nichts dagegen, ein größeres Modular-Case zu kaufen und gleich weitere Oszillatoren oder Filter zu ergänzen. Damit steht einem ein deutlich erweiterter Spielraum für Klangexperimente zur Verfügung. Diese Variante ist aber eher fortgeschrittenen Usern empfohlen. Denn neben der ohnehin komplexen Spielweise eines Theremins muss man hier noch Grundwissen in Klangsynthese, Modularsynths und Patching mitbringen, damit man brauchbare Ergebnisse erzielt.

Dübreq Stylophone Theremin

Eine preiswerte Alternative könnte das Dübreq Stylophone Theremin sein. Auf dem relativ kleinen Desktopgehäuse gibt es eine gute Auswahl an Reglern, um die erweiterten Funktionen des Theremins live zu verändern. Dazu gehört auch ein Fader zur präzisen Tonsteuerung, wenn die Theremin-Performance über die Antenne noch nicht so richtig überzeugen mag.

Zusätzlich bietet das Stylophone einen Trigger-Taster, interne Effekte wie Delay, Chorus und Vibrato, sowie einen internen Lautsprecher. Insgesamt also ein recht komplettes Paket für die ersten Schritte am Theremin, dem aber die zweite Ebene für die parallele Steuerung der Lautstärke fehlt. Hier muss man für sich entscheiden, wie „professionell“ man gleich zu Beginn einsteigen möchte.

Widara Distant Voices Theremin

Der Vollständigkeit halber sei hier noch das Distant Voices Theremin von Widara genannt. Um es vorweg zu sagen: Wer ernsthafte Ambitionen hat, sollte hierum einen Bogen machen. Denn abgesehen von etwas effektvoller Tonhöhenmodulation bietet dieses Modell nichts, was man für einen gezielten Einsatz benötigt. Vielleicht schafft es ein Bastler, wenigstens die Steuerspannung nach außen zu führen.

Falls ihr aber ein Effektsoundmodul für die Bühne sucht, das mit etwas Handwischen mehr oder weniger atonalen Krach macht, sind die knapp 100 € möglicherweise gut angelegt. Allen anderen sei wärmstens ans Herz gelegt, noch ein paar Sparrunden zu drehen und gleich zum Theremini zu greifen.

Berühmte Kompositionen und Tracks mit Theremin-Einsatz

Am Ende des Artikels möchte ich noch ein paar Videos mitgeben, in denen intensiv ein Theremin genutzt wurde.

Carolina Eyck – Midnight Theremin

Den Auftakt dieser Empfehlungen macht Midnight Theremin von Carolina Eyck. Der Track ist exemplarisch für ihr Werk, denn die Künstlerin ist eine der besten kontemporären Theremin-Spieler. Kaum jemand beherrscht dieses komplexe Instrument mit so einer Perfektion. Wer sich für das Theremin interessiert, sollte sich auf jeden Fall ihren musikalischen Katalog anhören.

Clara Rockmore – The Swan

Am Ende noch ein historischer Tipp. Clara Rockmore wird zurecht als eine Koryphäe am Theremin bezeichnet. Sie war eine der ersten, die das Theremin einem größeren Publikum näherbrachte und das Instrument in Perfektion beherrschte. Wer sich für das Theremin im klassischen Kontext interessiert, ist hier richtig.

Bildquellen: Moog, Doepfer

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Checkliste: Was sollte eine Groovebox für elektronische Musik mitbringen?

Zunächst einmal sollte eine Groovebox alles mitbringen, um komplette Tracks ohne zusätzliches Equipment zu produzieren. Also Drums, Synthesizer, Sequencer und vielleicht sogar noch Sampling. Das ist nicht nur wichtig, wenn man einfach mal ohne Computer Musik machen möchte, sondern auch dann, wenn man sich ohne großen Equipmentfuhrpark auf seine Ideen konzentrieren möchte. Ebenso kann man mit einer gut ausgestatteten Groovebox komplette Live-Performances bestreiten.

1. Eigene Klangerzeugung
2. Drum-Sektion
3. Ausreichend Polyphonie
4. Sampling
5. Viele Anschlüsse
6. Einzelausgänge
7. Sequencer mit Step- und Live-Programmierung
8. Viele Regler

1. Groovebox mit eigener Klangerzeugung

Ganz am Anfang mag man sich noch über eine Menge guter Factory-Presets freuen. Spätestens aber wenn man eigene Tracks performen möchte, sollte eine flexible Klangerzeugung fürs Sounddesign zur Verfügung stehen. Denn das hilft sehr, um seinen Tracks eine persönliche Note mitzugeben. Ob die Sound-Engine der Groovebox nun analog oder digital aufgebaut ist, spielt erstmal keine Rolle: Gut klingen muss sie und der Workflow muss inspirierend sein. Klang ist dabei oftmals subjektiv und so kann sich der eine für einen Digitone oder Circuit begeistern, während ein anderer auf den analog-melancholischen Sound eines Analog Four schwört.

2. Eine Drum-Sektion

Wer elektronische Musik macht, kommt an guten Drum- und Percussion-Sounds kaum vorbei. Umso wichtiger ist es, dass die Groovebox in der Lage ist, diese zu liefern. Idealerweise bietet das Gerät einen speziellen Bereich, in dem mehrere Drum-Tracks zur Verfügung stehen. Ebenso funktionieren Parameter Locks wie bei Elektrons Digitone, bei dem man pro Step einen Sound auswählen und abspielen kann.

3. Ausreichend Polyphonie

Je mehr Stimmen die Groovebox gleichzeitig wiedergeben kann desto besser! Wer komplexere Arrangements fahren möchte, benötigt unbedingt Reserven bei der Polyphonie. Ansonsten werden Pads abgeschnitten oder Drum-Sounds einfach verschluckt.

4. Sampling

Zusätzlich zur Drum-Sektion kann Sampling oder zumindest das Importieren eigener Samples eine echte Bereicherung sein. Schnell mal eine optimierte Kick aus dem Rechner importieren ist so problemlos möglich.

5. Vielseitige Anschlussmöglichkeiten

USB, MIDI und Audio über USB: Je mehr Anschlussmöglichkeiten eine Groovebox bietet, umso einfacher ist es, diese später einmal in bestehende Setups zu integrieren. Besonders das klassische MIDI-Interface mit Ein- und Ausgang ist spätestens dann essentiell, wenn man komplett ohne Computer mit mehr als einem Gerät performen möchte.

6. Einzelausgänge

Falls eine Groovebox über eine gute Mixing-Sektion verfügt, ist es nicht so tragisch, wenn keine separaten Ausgänge für jede einzelne Spur vorhanden sind. Trotzdem können Einzelausgänge in Verbindung mit einem externen Mischpult sehr hilfreich sein, wenn man bei einer hektischen Performance nicht immer zwischen Menüs hin- und herspringen möchte. Zusätzlich ermöglichen separate Outs die Bearbeitung einzelner Instrumente mit externen Effekten.

7. Pattern-basierter Sequencer mit Step-Programmierung

Natürlich muss eine Groovebox über einen Sequencer verfügen, ansonsten wird es schwer, komplexere Tracks damit zu produzieren. Nicht selbstverständlich ist allerdings die Möglichkeit, Melodien und Drums per Step-Eingabe zu programmieren. Das erhöht zusätzlich den Spaßfaktor und gemeinsam mit Lauflicht gibt diese Programmierung auch ein nützliches visuelles Feedback. Wichtig ist nur, dass die Groovebox sich nicht auf starres Step-Sequencing beschränkt, sondern außerdem in der Lage ist, in Echtzeit aufzunehmen. Schließlich sorgen nicht 100 % akkurat sitzende Noten erst für den nötigen Groove.

8. Regler zur spontanen Klangbearbeitung

Elektronische Musik lebt vom Sounddesign. Und um das sowohl beim Produzieren als auch bei Live Performances gut umzusetzen, benötigt man Drehregler, Fader oder andere Eingabemöglichkeiten.

Dabei ist es gar nicht mal so wichtig, wie viele Regler zur Verfügung stehen. Vielmehr muss die Auswahl Sinn ergeben. Also entweder auf häufig genutzte Parameter wie Cutoff abzielen oder – was noch besser ist – frei konfigurierbar sein. Mit einem intelligent zusammengestellten Set aus acht Drehreglern eines Novation Circuit oder eines Elektron Analog Four lassen sich Sounds beeindruckend verbiegen.

Nachdem jetzt die wichtigsten Features herausgestellt wurden, können wir uns jetzt die besten Grooveboxen ansehen. Nicht alle davon bieten immer die komplette Ausstattung. Trotzdem ist jede auf ihre Art perfekt auf elektronische Musik zugeschnitten. Welche Groovebox es letztlich werden soll, entscheiden persönliche Präferenzen und nicht zuletzt auch immer das verfügbare Budget. Abschließend hierzu noch ein Tipp: Solltest du dich schwer in ein Modell verliebt haben das oberhalb deines finanziellen Rahmens liegt: Versuche lieber, noch ein paar Monate länger zu sparen, als mit einem Kompromiss zu leben.

Novation Circuit – Die perfekte Groovebox für Einsteiger

Novations Circuit Tracks – bzw. die Circuit-Serie – erfreut sich seit Jahren großer Beliebtheit. Das liegt vor allem am direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter, der Reduktion auf das Wichtigste, sein geringes Gewicht und dem verhältnismäßig günstigen Preis von rund 350 €.

Circuit Tracks ist eine ideale Groovebox, um schnell mal Ideen festzuhalten oder komplette Tracks darauf zu programmieren. Falls man vorhat unterwegs zu produzieren, kann man das Dank interner Spannungsversorgung über den Akku über Stunden ohne Steckdose tun.

Richtig spannend wird es allerdings, wenn man die vorgefertigten Presets beiseite lässt, und sich mit dem Editor an die Erstellung eigener Patches macht. Denn unter der intuitiven Oberfläche verstecken sich zwei vollwertige digitale Synthesizer, deren Engine auf der Nova-Reihe basiert. Daher klingt der Novation Circuit Tracks auch immer eher digital, das aber im positiven Sinne.

Überblick Novation Circuit Tracks

Abgerundet wird die Ausstattung des Circuit durch die Möglichkeit, eigene Samples zu importieren. Diese lassen sich in insgesamt vier Spuren programmieren, was erstmal nicht nach besonders viel klingt.

Seit dem letzten Betriebsystem-Update bietet der Circuit aber Sample Switch, was die Möglichkeiten noch einmal erheblich erweitert. Denn dabei werden genau die Samples aufgezeichnet, die man live über die Pads einspielt, sodass auch komplexere Drum-Arrangements möglich sind. Falls man allerdings viel mit Sampling arbeiten möchte, sollte man eher zu einem Elektron Digitakt oder Polyend Tracker greifen.

Synthstrom Deluge

Synthstrom Audio Deluge ist eine flexible Kombination aus Sequencer, Sampler, subtraktivem Synthesizer und einer zusätzlichem FM-Klangerzeugung. Das kompakte Kraftpaket ist also perfekt für elektronische Musik jeder Art geeignet. Allein der umfangreich ausgestattete Sequencer bietet nahezu unbegrenzt lange Tracks, Polyrhythmik, sowie eine schlaue Auswahl an Features für Live-Performances. Darunter finden sich Track Mutes, Note Repeat, Nudge und vieles mehr.

Die Klangerzeugung besteht aus klassischer subtraktiver Synthese inklusive spezielleren Features wie Ring Modulation und Sync, sowie Frequenzmodulation. Zudem ist wohl geplant, dass der Deluge in Zukunft noch Waveshaping beherrscht. Darüber hinaus ist es möglich, eigene Samples einzubinden.

Die Samples lassen sich dabei direkt von der SD-Karte abspielen und das ist leider keine Selbstverständlichkeit. Schließlich haben es selbst Industriegiganten wie Akai Pro oder Native Instruments immer noch nicht geschafft, dieses wichtige Feature in ihre Geräte (MPC-Serie, Maschine+) zu implementieren.

Abgerundet wird die Ausstattung des Deluge noch durch eine umfangreiche Effekt-Engine, die neben den Standards sogar exotischere Algorithmen wie Live Stutter und Bit Crusher bereithält. Das ist besonders erfreulich, zumal man auch externe Instrumente anschließen und durch die Effekte jagen kann.

Den Synthstrom Deluge kann man für rund 800 € inklusive Transportkosten – aber ohne Zoll und Einfuhrsteuer – im Onlineshop von Synthstrom bestellen. Wer sich eine Groovebox für elektronische Musik zulegen möchte, sollte sich den Deluge auf jeden Fall mal näher ansehen.

Überblick Synthstrom Deluge

Elektron Digitone – Ein FM Synthesizer als Groovebox?

Elektron Digitone ist doch keine Groovebox! Grundsätzlich würde ich diesem Statement zustimmen, schließlich handelt es sich beim Digitone um einen waschechten FM-Synth mit angedocktem Sequencer. Dennoch ist der Digitone durchaus in der Lage, ein komplettes Live-Set abzufeuern.

Denn dank Parameter-Locks, Track Mute-Funktionen und subtraktiver Filter-Sektion geht mit dem Digitone extrem viel. Von komplexen Drum-Arrangements für IDM bis hin zu sphärischen Melodic Techno Tracks bietet der Digitone alles, was man für eine Performance benötigt.

Überblick Elektron Digitone

Elektron Model:Samples

Wer überhaupt nichts mit FM-Synthese anfangen kann, sollte sich den Model:Samples aus gleichem Hause ansehen. Denn Elektron hat es geschafft, eine immer noch recht flexible Sampling-basierte Soundengine in ein Format zu gießen, das auch in hektischen Live-Performances noch ausgezeichnet bedienbar bleibt.

Anstatt viele Funktionen in Untermenüs zu verstecken hat beim Model:Samples nahezu jeder Parameter einen dazugehörigen Drehregler. Dazu gibt es eine Kombination aus Tief- und Hochpassfilter, eine gut klingende Effektsektion mit Delay und Reverb, sowie eine Verzerrungsstufe.

Überblick Elektron Model:Samples

Keine Frage: Der Model:Samples ist eine perfekte Groovebox, wenn man schnell auf den Punkt kommen möchte. Falls man sich doch eine umfangreichere Klangerzeugung wünscht, hat Elektron mit dem umfangreicher ausgestatteten Digitakt eine wunderbare Alternative am Start. Zwar sind hier einige Funktionen in Menüs versteckt. Wenn man sich aber einmal in den Workflow eingearbeitet hat, wird man mit einer mächtigen Sampling-Groovebox belohnt, die zudem als zentrales Element in einem größeren Setup eine gute Figur macht.

Roland SH-4d – Groovebox von Roland

Roland lieferte Mitte der 90er Jahre mit der MC-303 den Prototypen für diese Gerätegattung. In dieser Tradition sind immer wieder Nachfolger auf den Markt gekommen, die meistens am Kürzel „MC“ zu erkennen sind. Aber auch der Roland SH-4d steht in dieser Groovebx-Linie, vereint er doch eine ausgewachsene Synthengine mit einer gut klingenden Drumsektion und Sequencer.

Der SH-4d lädt mit zahlreichen Bedienelementen zum Soundschrauben ein. Aus elf unterschiedlichen Synthesizermodellen lässt sich in vier Parts jeweils ein Modell auswählen und vom internen 64-Step-Sequencer oder live gespielt ansteuern. Hinzu kommt eine umfangreiche und gute Effektabteilung, mit der man seinem Sound eine gute Politur verpasst.

Überblick Roland SH-4d

Polyend Tracker Mini – Die etwas andere Groovebox

Polyend verfolgt mit dem Tracker Mini ein etwas anderes Konzept als die Lauflicht-basierten Sequencer der bereits vorgestellten Modell. Trotzdem gehört er in diese Liste, denn die Andersartigkeit eines Trackers kann einem beim Produzieren völlig neue Wege eröffnen.

Im Gegensatz zur Lauflichtprogrammierung durchläuft der Sequencer seine Positionen von oben nach unten. Dabei kann pro Step nicht nur Note, Anschlagdynamik etc. bestimmt werden, sondern auch, welches Sample er gerade an dieser Position abspielt. Der klassische Ansatz, jedem Track ein Instrument zuzuweisen, würde hier zwar funktionieren. Richtig spannend wird es aber dann, wenn man zum Beispiel einen Drumloop zerschneidet und ihn in einer Spur komplett neu zusammensetzt. Daher verwundert es nicht, dass das originale Tracker-Konzept bereits in den 90er Jahren sehr stark im Drum and Bass oder Jungle genutzt wurde.

Aber auch im Ambient, Techno oder anderen Spielarten elektronischer Musik macht der Polyend Tracker Mini eine gute Figur. Schließlich bestimmt der User, welche Samples im internen Speicher landen und weiterbearbeitet werden. Dazu stehen im Tracker übrigens mehrere Möglichkeiten zur Verfügung. Die Samples lassen sich durch subtraktive Synthese mit Filtern etc. verarbeiten oder mit Granularsynthese verändern. Dazu sieht der Tracker Mini einfach nur schick aus und passt mit wenig Gewicht und Umfang gut ins Reisegepäck.

Überblick Polyend Tracker Mini

Die besten Grooveboxen für elektronische Musik – Fazit

Falls du dich entscheiden solltest, elektronische Tracks nur mit einer Groovebox zu produzieren aber noch ganz am Anfang stehst, sind Novations Circuit Tracks, Elektron Model:Samples oder der MC-707 von Roland ein guter Einstieg. Für das aufgerufene Budget bieten sie genügend Möglichkeiten selbst für komplexeres Sounddesign und abwechslungsreiche Tracks. Trotzdem – und das ist fast noch wichtiger – machen alle drei Kandidaten direkt Spaß, ohne sich erst lange in die Materie einarbeiten zu müssen.

Wenn du schon etwas länger dabei bist und einfach mal komplett ohne den Computer produzieren möchtest, wären meine Favoriten der Elektron Digitone, sowie der Synthstrom Deluge. Beide besitzen eine vielseitige Klangerzeugung und ausreichend Spuren um weiteres Equipment anzusteuern.

Der Polyend Tracker Mini mag auf den ersten Blick nicht ganz so flexibel wie etwa ein Deluge erscheinen. Trotzdem sind sein außergewöhnlicher Ansatz als Tracker, sein kompaktes Format und nicht zuletzt seine Limitierungen eine ideale Inspirationsquelle, wenn man ausgetretene Pfade verlassen möchte. Eine Liebe zum Sampling sollte in diesem Fall natürlich vorhanden sein.

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Nach dem nicht ganz unumstrittenen Flaggschiff „One“ schickt Moog nach einigen Jahren wieder einen speicherbaren Polysynth ins Rennen. Der Moog Muse ist achtfach polyfon, bi-timbral, weitgehend analog und – für einen polyfonen Moog überraschend – deutlich unterhalb der 4000 € Marke angesiedelt. Wie gut das Konzept aufgeht, erfahrt ihr im MOOG MUSE Test. Doch zunächst gibt es erstmal ein Demovideo zur Einstimmung.

MOOG Muse: Auf einen Blick

• 8-fach polyfoner Analogsynth mit Bi-Timbralität und Stack-Modus
• 61 gewichtete Tasten mit Aftertouch
• 64-Step-Sequencer und Arpeggiator mit eigenen Mustern
• Analoge Oszillatoren, Filter und Amps
• 3 digitale LFOs, 2 digitale Hüllkurven mit umfangreichen Möglichkeiten zur Detailbearbeitung

9.0 TOTAL SCORE

MOOG Muse Test

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Features 8

Sound 10

Bedienung 10

Preis/Leistung 8

PROS

• Flexibler Sound, der von Retro bis modern reicht
• Durchdachte Bedienung für Live und Studio

CONS

• Factory-Presets wenig auf elektronische Musik ausgerichtet
• Poly-Aftertouch wäre super gewesen

Erster Eindruck

Der MUSE kommt im Karton samt Umverpackung, die mich einiges an (Angst-)Schweiß gekostet haben. Zum einen ist da das Gewicht von knapp 15 kg, das man bei den recht großen Ausmaßen eines ausladenden 5-Oktaven-Synths erst einmal auf den Studiotisch wuchten muss. Natürlich ist das nichts im Vergleich zu alten analogen Schlachtschiffen, dennoch war ich etwas überrascht.

Womöglich hatte ich meine Mühen aber auch dadurch, dass beide Kartons ultraeng geschnitten sind. Keine Angst, das wird keine lange Unboxing-Erfahrung. Aber wer Kartons aufbewahren will oder muss, sollte wissen, dass sich der Muse im Umkarton sprichwörtlich festsaugt. Anschließend durfte ich mit dem zweiten Karton ähnlich kämpfen. Dieser wird aufgeklappt, dessen Klappradius ist aber derart knapp bemessen, dass insgesamt rund 5 Minuten vergingen, bevor ich den MUSE erstmalig in seiner ganzen Pracht vor mir hatte.

Die Wheels erinnern an den Prodigy, die kleinen Faderkappen aus der Mixersektion an den MG1, und gemeinsam mit modernen Elementen aus MOOG One und Subsequent 37 entsteht eine interessante Mischung, die rein optisch vielleicht nicht jedermanns Sache ist. Design ist aber immer eine Frage des Geschmacks und rein von der haptischen Erfahrung gibt es beim MUSE nichts zu beanstanden. Alles reagiert schnell, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand ohne zu sperrig zu wirken.

MOOG Muse Tastatur

Bei der Tastatur handelt es um eine 61 Tasten-Variante inklusive monofonem Aftertouch und Anschlagdynamik. Polyfoner Aftertouch hätte bei dieser tollen Klangerzeugung sicherlich Sinn ergeben, aber auch so spielt sich die leicht gewichtete Tastatur hervorragend. Gut finde ich, dass man bei Moog an unterschiedliche Velocity-Kurven und – was ebenso wichtig ist und häufig übersehen wird – an Slew für den Aftertouch gedacht hat. Das kann über die Modulationsmatrix pro gesteuertem Modulationsziel frei eingestellt werden und verhindert abrupte Klangänderungen.

Anschlüsse

Auf der Rückseite finden sich neben USB-Anschlüssen, zwei Pedal-Eingängen und einem 5-POL-MIDI-Trio noch sechs CV-Buchsen (2xIn, 2xOut, Clock I/O), sowie das obligatorische Stereo-Ausgangspaar. Hier hätte ich mir in dieser Preisklasse noch zwei weitere Einzelausgangsänge gewünscht, weil der MOOG Muse bi-timbral ist.

Der Kopfhöreranschluss befindet sich vorne am Synth und lässt sich über einen dedizierten Lautstärkeregler auf der Oberseite separat einpegeln.

Factory-Presets

Beim Durchgehen der Werkspresets sprang der Funke zumindest bei mir noch nicht über. Das liegt hier jedoch nicht an der Qualität der Sounds, sondern vielmehr an der Genreausrichtung. So hatte ich das Gefühl, dass ein zentraler Fokus auf „echten“ Musikern (also keine Sound-Frickler wie mich) liegt.

Dementsprechend finden sich in den knapp 220 der insgesamt 256 Soundspeicher vor allem Presets für Top40, Rock und Pop. Also viele Orgeln, String-Sounds, Funk-Leads und Moog-Klassiker. Wer sich so einen Synth ins Haus stellt, wird aber sicherlich auch gerne selbst ins Sounddesign einsteigen. Und das ist genau der Punkt, an dem es richtig spannend wird.

Die Stimmenverteilung

Die achtfache Polyfonie lässt sich frei auf die beiden Layer aufteilen, oder im ultrafetten Unisono-Modus spielen. Bei Bedarf könnte man im Splitmodus etwa einen Dual-Unisono-Bass mit einem 6-fach polyfonen String-Sound kombinieren.

Per Spreadregler wird bestimmt, wie stark die einzelnen Voices im Stereopanorama verteilt sind. Das führt zu herrlich breiten Klängen, von denen gerade atmosphärische Sounds profitieren.

MOOG Muse Oszillatoren

Die Oszillatoren basieren laut Moog (bzw. des MUSE-Produktspezialisten, mit dem ich im Austausch war) auf der MOOG Voyager-Serie und bieten einen großartigen Klang. Die Schwingungsformen lassen sich fließend zwischen Sägezahn und Rechteck überblenden. Zusätzlich kann man die Schwingungsform von Dreieck zu Sägezahn formen und hat zudem noch die Möglichkeit, die Pulsbreite des Rechtecks zu bestimmen.

Und da das alles auch als Modulationsziel zur Verfügung steht, ist bereits auf Oszillatorenebene einiges an Klangformung möglich. Dabei habe ich noch nicht einmal erwähnt, dass zusätzlich noch analoge Sync, FM und Ringmodulation vorhanden sind. Falls das immer noch nicht reicht, kann man darüber hinaus noch den analogen Modulation Oscillator auf hörbare Frequenz umschalten und diesen (optional) an die Tonhöhe koppeln.

Zwar verzichtet man beim Mod Oszillator auf Sync, PWM oder Ring Modulation. Die Nutzung als FM-Quelle ist aber möglich, indem man den Modulationsozillator auf die anderen Oszillatoren routet. Zudem stehen hier auch Filter Cutoff (1/2), PWM, VCA, Pan und PWM als Modulationsziele im direkten Zugriff. AM und PWM im hörbaren Bereich sind dadurch schnell umgesetzt und ermöglichen ein breites Spektrum an disharmonischen, metallischen und obertonreichen Sounds.

Zusammengefasst werden die einzelnen Signale anschließend im Mixer, wo man neben den drei Oszillatoren auch das Signal des Ringmodulators, sowie Rauschen einspeisen kann. Am Ende kann man mit Overload das Mixersignal noch vor der Filterstufe sättigen, was zu noch brachialeren Sounds mit kräftigem Tiefenschub führt.

Die Filtersektion

MOOG Muse besitzt zwei resonanzfähige Filter, die sich parallel, in Serie oder Stereo betreiben lassen. Das erste Filter bietet alternativ Hochpass als Betriebsart, sodass beide in Serie geschaltet auch einen Bandpass-Filter ergeben.

Im direkten Zugriff hat man hier neben der Modulationsintensität der Hüllkurven noch das Keytracking pro Filter. Per Wahlschalter wird bestimmt, ob es deaktiviert, oder bei 50 % bzw. 100 % liegt. Wer Zwischenwerte benötigt, kann das problemlos über die Modmatrix realisieren.

Über den MOOG-Filterklang muss man glaube ich kaum noch ein Wort verlieren. Es packt kräftig zu und verliert auch bei höherer Resonanz nicht allzusehr an Bass. Wer trotzdem noch kompensieren möchte, kann mit der bereits erwähnten Sättigunsstufe im Mixer das Bassfundament aufpumpen.

Umgekehrt – und das finde ich ziemlich praktisch – steht ganz am Ende der Signalkette ein weiteres Hochpassfilter (ohne Resonanz) bereit, um den sehr fetten Grundsound des MOOG Muse zu zähmen. Nicht nur für Live-Musiker dürfte das ein sinnvolles Feature sein, um den Muse schneller in den Mix zu integrieren.

Modulationsebe: Bewegung in die Sounds bringen

LFOs

Neben dem eben erwähnten Modulationsoszillator gibt es beim MOOG Muse drei weitere LFOs, die ebenfalls bis in den hörbaren Bereich reichen. Diese sind digital aufgebaut, was Puristen unter Umständen kritisieren, in der Praxis allerdings einige Vorteile mit sich bringt.

Man bekommt drei digitale LFOs mit verschiedenen Wellenformen, die sich an die Tonhöhe koppeln lassen und bei Bedarf bis in den Audiobereich reichen. Natürlich sind sie BPM-synchronisierbar und verfügen über Retrigger per Tastenanschlag.

Rein auf das Layout bezogen sind die ersten beiden LFOs konzeptionell „frei“ zuweisbar, während LFO 3 erstmal auf die Tonhöhe wirkt. Wie bei den anderen Funktionsgruppen auch, ist das aber nur eine theoretische Ausrichtung. Man kann LFO 3 problemlos anderen Dingen zuweisen, hat hier aber weniger Möglichkeiten als bei den anderen LFOs.

Diese überzeugen durch eine Vielzahl unterschiedlicher Schwingungsformen, die abseits von den Standards auch eine Auswahl an User-Modellen beinhalten. Importieren oder Zeichnen eigener Schwingungsformen wie beim MD 900 oder Waldorf Iridium sind zwar (noch?) nicht möglich. Trotzdem sind gerade die rhythmischen Muster bei den User-Schwingungsformen perfekt für elektronische Musik.

Die Hüllkurven

Moog Muse bietet zwei ADSR-Hüllkurven mit aktivierbarem Loop, eine davon ist per default dem Filter, die andere dem VCA zugewiesen. Wer dieses Routing auflösen möchte, um etwa die Tonhöhe eines Oszillators zu steuern, kann das fix über den Assign-Taster erledigen.

Mit dem Taster in der rechten Ecke der Sektion gelangt man wieder in Submenüs, in denen sich weitere Funktionen verstecken. Allen voran die Möglichkeit, den Verlauf einzelner Segmente zu beeinflussen, dürfte die Herzen vieler Sounddesigner schneller schlagen lassen. Im Standardmodus liefern die Hüllkurve diesen herrlich bauchigen Punch, den man von Moog kennt. Wer es noch knackiger oder gemächlicher möchte, bastelt sich hier seinen Traumverlauf zusammen.

Natürlich kann man nie genügend Modulationsquellen haben und auf den ersten Blick mag eine dedizierte Modulationshüllkurve fehlen. Aber man kann diese Funktion in den meisten Anwendungen auch durch geschickte Routings oder One-Shot-Modi bei den LFOs ersetzen.

Zuweisung der Spielhilfen

Besonders gut gelöst ist die schnelle Zuweisung der Controller Aftertouch, Modwheel etc. Wie bereits bei den LFOs reicht hier ein Druck auf den Assign-Taster, gefolgt vom Drehen des Zielparameters bis zur gewünschten Modulationsintensität, und abschließendes Bestätigen im Menü.

Modulationsmatrix des MOOG Muse

Wer noch weiter gehen möchte, etwa um Metamodulationen hinzuzufügen bei der eine dritte Modulationsquelle die Modulationsintensität bestimmt, kann dafür in die Modulationsmatrix abtauchen.

In insgesamt 16 Slots können jeweils Quellen einer Vielzahl an Zielen zugewiesen werden. In jeweils zwei weiteren Slots bestimmt man dann optional, ob weitere Modulationsquellen diese Intensität beeinflussen.

Hat man sich an die finale Bestätigung im Modulationsmenü gewöhnt, geht das Arbeiten mit der Matrix fließend von der Hand. Dieser zusätzliche Schritt verwirrte mich manchmal, da ich direkt vor dem MUSE ein Soundpack für den TEO-5 erstellte, bei dem auf diesen letzten Schritt verzichtet wird. Welche Lösung man bevorzugt, ist vermutlich Geschmackssache. Beide Varianten haben ihre Vor- und Nachteile.

Bei den Quellen fehlen mir zum Zeitpunkt dieses Tests noch ein paar Optionen, allen voran Random, Voice und Noise. Vieles kann man allerdings schon über die LFOs oder den Mod-Oszillator realisieren. Laut Moog ist das Potential auch noch nicht ausgeschöpft. So können wir in einem zukünftigen Update sicherlich noch weitere Quellen erwarten.

Arp und Sequencer

Ebenfalls recht prominent neben dem Hauptmenü platziert sind der Arpeggiator und Sequencer. Der Arpeggiator ermöglicht neben den obligatorischen Standards auch die Erstellung eigener Rhythmuspatterns.

Der 64-Step-Sequencer lässt sich live und in einzelnen Steps programmieren, oder er springt – wie etwa bei einem SH-101 – immer zum nächsten Step weiter, sobald eine Note (oder ein Akkord) gespielt wurde.

Anschließend stehen umfangreiche Modulationsmöglichkeiten zur Verfügung, um die Sequenzen abwechslungsreich zu gestalten. Wer gezielt in den Verlauf eingreifen will, kann im Menü die einzelnen Noten gezielt bearbeiten (z.B. Velocity oder Gate-Länge).

Sobald ihr mit dem Ergebnis zufrieden seid, könnt ihr die Sequenz in einem der 256 Sequence-Speicherplätzen verewigen oder mit anderen Sequenzen per Pattern-Chain verknüpfen.

Ein Feature, das ich auch bei anderen (multitimbralen) Synths schätze ist, dass man für den Arpeggiator und Sequencer bei beiden Timbres unterschiedliche Taktarten auswählen kann.

Delay-Effekt

Bevor wir zum Fazit kommen, möchte ich noch kurz den Delay-Effekt erwähnen. Moog hat hier einen hervorragend klingenden Algorithmus implementiert, der sich dank Diffusion auch in Richtung Reverb verschieben lässt.

Dank des integrierten Filters, Ping-Pong-Modi und BPM-Synchronität liefert das Delay ein breites Klangspektrum; von schnellen Slapback-Echos bis hin zu treibenden Dub-Delays.

MOOG Muse Test: Fazit

Zumindest für mich ist der MUSE eines der besten Instrumente, die MOOG bisher herausgebracht hat, ja sogar einer der besten analogen Polysynths, die ich bislang testen durfte. Bisher hatte ich aber immer auch eine gewisse Hassliebe mit den Moog-Klassikern. Denn nach einer anfänglichen Euphoriephase stellte sich meistens recht schnell Ernüchterung ein. Und zwar spätestens dann, wenn ich den dominanten Sound in den Mix integrieren wollte. Das liegt aber an mir und kann definitiv nicht Moog angelastet werden, die echt gute Instrumente bauen.

Und genau aus diesem Grund sollte man mein positives Feedback am Ende dieses Moog Muse Tests mit einer großen Portion Skepsis sehen. Vielleicht ist der Muse für die Enthusiasten des klassischen MOOG-Sounds eine herbe Enttäuschung? Kollegen von mir ziehen zum Beispiel den Matriarch-Sound dem des MOOG Muse jederzeit vor. Am besten ist es also, ihr probiert den Synth selbst aus.

Am Ende steht für mich der Sound, der mich total abholt: gewaltige Bässe, breite Pads, komplexe Leads, experimentelles Zeug. Gleichzeitig bietet der MUSE eine gut gemachte Benutzeroberfläche, die diese Vielseitigkeit ausgezeichnet beherrschbar macht. Auch für komplexes Sounddesign hat der MUSE eine Vielzahl spannender Features an Bord. Für mich ist der Muse ganz klar ein Gewinn für die Synthesizerlandschaft.

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Worauf sollte man bei einem Synthesizer für Dub Techno achten?

Bevor wir zu ein paar konkreten Produktempfehlungen komme, sehen wir uns ein paar Eigenschaften an, die ein Synthesizer für Dub Techno mitbringen sollte. Wie immer ist das nicht dogmatisch zu verstehen, sondern sollte eine grobe Orientierung liefern.

Grundsound

Der Grundsound ist wie so häufig Geschmacksache. Für mich teilt sich dieses Genre vor allem in warme Analogchords und etwas metallischer klingende FM-Chords auf. Damit seid ihr also sowohl mit den meisten Analogsynths also auch digitalen Klangerzeugern auf der richtigen Seite. Wichtig ist dabei, dass der Synth über mindestens dreistimmige Polyphonie verfügt, damit ihr Chords auch ausreichend flexibel variieren könnt. Ja, es geht auch mit monophonen Synths, sofern sie über drei Oszillatoren verfügen. Aber so richtig Spaß macht das nicht.

In den meisten Fällen kommt es allerdings weniger darauf an, dass die Synthesizer ohne Ende fett sind. Das Bassfundament liefert im Dub Techno gerne die Kick oder ein spezieller Bass-Synth, der sich dem Low End widmet.

Alternativ könnte sich auch der Einsatz eines Samplers lohnen. Selbst Gesamplete E-Pianos oder Orgel-Akkorde können bei entsprechender Nachbearbeitung eine sehr gute Ausgangsbasis für dubbige Chords bilden.

Eine gute Effektsektion

Dub Techno lebt von spannenden Effekten. Umso wichtiger ist es, auf eine gut ausgestattete Effektsektion zu achten, wenn man nicht vorhat, mit externen Effekten zu arbeiten, oder diese in der DAW hinzuzufügen. Allerdings kann man hier auch am ehesten Kompromisse eingehen, denn es ist recht einfach, nicht vorhandene Effekte zu ersetzen – im Gegensatz zu einem guten Grundsound.

Falls man aber den Ansatz verfolgt, alles in einem Gerät zu haben, sollten mindestens diese drei Effekte vorhanden sein: (Tape- oder Analog-) Delay, Reverb und ein Modulationseffekte wie Phaser oder Flanger. Dabei ist darauf zu achten, dass man mehrere Effekte gleichzeitig einsetzen kann.

Flexible Soundengine mit ausreichend Modulationsmöglichkeiten

War ich beim Thema Grundsound noch etwas schwammig, wird es jetzt konkreter: Dub Techno erzeugt seine Varianz über stark modulierte Klänge. Hierfür muss natürlich erst einmal eine ausreichend flexible Soundengine zur Verfügung stehen: Mehrere Hüllkurven und LFOs, verschiedene Oszillatoren, ein Multimodefilter (Bandpass wird im Dub Techno sehr häufig eingesetzt) und nicht zuletzt eine gut ausgestattete Modulationsmatrix bringen ordentlich Lebendigkeit in den Sound.

Die meisten FM Synthesizer bringen konzeptionell schon deutlich mehr Modulationsmöglichkeiten mit als viele Analogsynths. Denn hier werden die Lautstärken der einzelnen LFO jeweils mit eigenen Hüllkurven gesteuert. Nahezu immer gibt es dann noch LFOs und vielseitige FM-Algorithmen, um den Sound intensiv zu formen. Abstriche muss man hier häufig bei der Flexibilität der Oszillatoren machen. Gerade älteren Vertretern fehlt darüber hinaus noch ein Filter, um den Klang zusätzlich zu formen.

Die besten Synthesizer für Dub Techno

Und damit kommen wir jetzt zu ein paar Kaufempfehlungen, die ich selbst seit einiger Zeit einsetze und bedenkenlos (nicht nur) für dieses Genre empfehlen kann.

Twisted Electrons MEGAfm

Diese Liste eröffnet der MEGAfm von Twisted Electrons (zum MEGAfm Test). Der 4-Operatoren FM Synthesizer ist nicht nur aufgrund seiner einladenden Bedienung ein echter Geheimtipp für Dub Techno. Denn durch den charaktervollen Sound mit all seinen Nebengeräuschen, bitreduzierten Eigenheiten und Übersteuerungen, erzeugt der MEGAfm perfekt den organischen Vibe von Dub Techno. Um diesen organischen Schmutz in die Produktion zu bekommen, müsste man andernorts schon einiges an Nachbearbeitung mit einplanen. Der MEGAfm liefert das bereits ab Werk.

Nun sollte man sich beim MEGAfm aber zwei Dinge bewusst machen: Erstens besitzt der Synthesizer keine interne Effektsektion und die ist für Dub Techno zwingend nötig. Hier muss man also noch externe Effekte mit einkalkulieren, wenn man den Synth ohne DAW nutzt. Zweitens benötigt man etwas Zeit, bis man den Sound des MEGAfm in all seinen Nuancen erfasst hat und gezielt ins Sounddesign einsteigen kann. Vor allem die schnelle Übersteuerung, wenn man den Lautstärkeregler über fünzig Prozent zieht, ist für einige Nutzer erstmal ungewohnt. Hat man sich aber erst einmal darauf eingestimmt, ist der MEGAfm die perfekte Basis für Dub Techno.

Korg opsix MKII

Der opsix MKII von Korg ist ein umfangreich ausgestatteter 6 OP FM Synthesizer mit zusätzlicher subtraktiven Synthese und einer komplexen Oszillatorsektion mit eigenen Filtern und Waveshaping. Kein Wunder also, warum der Synth im Korg opsix Test so gut abgeschnitten hat. Hinzu kommt noch eine recht intuitive Bedienung, die den opsix auch für den Live-Einsatz als Synthesizer für Dub Techno prädestiniert.

Der Soundcharakter des opsix reicht von sphärisch weich bis hin zu körnig und metallisch. Im Prinzip liefert der opsix also die komplette Farbpalette an typischen Dub Techno Sounds. Im direkten Vergleich mit dem MEGAfm fehlt ihm manchmal allerdings das letzte Quäntchen an Charakter. Dafür bietet der opsix eine umfangreich ausgestattete Effektsektion, wodurch man sich im Live-Einsatz ein paar Effekte sparen kann.

Waldorf Iridium

Apropos Flexibilität: Mit dem Iridium kommen wir jetzt zum absoluten Soundchamäleon. Eigentlich ist es alleine schon aufgrund des Preisunterschieds nicht ganz fair, dieses Schlachtschiff mit in die Liste aufzunehmen. Da sich der Iridium aber aufgrund einer extrem flexiblen Soundengine inklusive FM, VA, Granularsynthese, Physical Modelling und Wavetables perfekt für alle (Dub) Techno Spielarten eignet, durfte er in dieser Liste nicht fehlen.

Der Grundsound ist typisch für neuere Waldorf-Synths, also eher im HiFi-Bereich. Mit der gezielten Kombination von Sampling und anderen Synthesen sind aber auch verrauschte Pads und deepe Chords überhaupt kein Problem. Vor allem, wenn man sich mal vor Augen führt, dass der Iridium pro Oszillator (!) einen kompletten Yamaha DX7 Synth mit sechs Operatoren nachbilden kann. Nutzt man den Iridium dann bitimbral, wären das bis zu sechs DX7 gleichzeitig. Oder eben eine wilde Kombination aus unterschiedlichen Syntheseformen.

Lediglich die Effektsektion ist mir hier etwas zu hochpoliert. Hier würde ich mir etwas mehr Flexibilität wünschen. Denn Dub Techno lebt gerade Live vom lebendigen Effekteinsatz und da sind die gebotenen Hall- und Delayalgorithmen eher hochwertig klingende Standardkost.

Elektron Digitone 2

Mit dem Elektron Digitone schaffte es neben dem MEGAfm ein zweiter 4 OP FM Synthesizer in dieser Liste. Zusätzlich zur FM Klangerzeugung bietet der Digitone allerdings noch einen recht umfangreichen Sequencer, subtraktive Synthese und ein übersichtliches Display.

Klanglich würde ich dem Digitone eher eine gewisse Melancholie zuschreiben, oder mit anderen Worten, der Digitone klingt im Vergleich zum MEGAfm deutlich cleaner und mittiger. Dub Chords sind hiermit problemlos möglich, allerdings muss man schon etwas tricksen, um dem kompakten Synth das Rauschen beizubringen, was ein essentieller Bestandteil im Dub Techno ist. Dafür bietet der Digitone allerdings eine extrem gute Effektsektion. Das Delay erzeugt mit wenigen Tricks echt gute Tape Echo Sounds (zum Elektron Digitone Sounddesign Tutorial), das Reverb besitzt genau die atmosphärische Dichte, um sphärische Pads zu erzeugen.

Novation Peak

Der achtstimmig polyphone Hybridsynthesizer Peak von Novation ist ebenfalls ein sehr guter Kandidat für Dub Techno, wenngleich hier der Fokus eher auf den warmen Analogchords liegt. Auch wenn der Peak über rudimentäre FM-Fähigkeiten verfügt, sind scheppernde Metallsounds nicht so leicht umsetzbar. Dafür punktet er mit einem guten analogen Multimodefilter, einer umfangreichen Modmatrix und einer flexiblen Oszillatorsektion.

Die internen Effekte klingen ausgezeichnet, wodurch man sich externe Effekte für den Live-Einsatz sparen könnte. Ein gutes Effektpedal für Dub-Delays würde ich aufgrund des spontaneren Eingriffs zwar mitnehmen, aber wenn man leicht reisen muss, geht es auch ohne. Der Vorteil des Peaks gegenüber den anderen Vertretern in dieser Liste liegt in der übersichtlichen Bedienung, die sich selbst Einsteigern schnell erschließt.

Fazit: Die besten Synthesizer für Dub Techno

Ich hätte diese Liste noch um weitere Modelle ergänzen können, aber als Startpunkt sollte das erstmal ausreichen. Meine zwei Favoriten sind zum einen der MEGAfm von Twisted Electrons. Dieser FM-Synth bietet einen organischen Klang, der allerdings auch mit Effekten gezähmt werden möchte. Wer auf frühere Rhythm & Sound oder Basic Channel Produktionen steht, wird die kleine Dreckschleuder schnell ins Herz schließen. Wem das Konzept zu puristisch ist, findet mit dem opsix von Korg einen würdigen Ersatz, der nicht nur gut klingt, sondern auch ziemlich flexibel ist.

Quasi als Gegenpol zu den beiden ist der Iridium mein zweiter Favorit, der aber eher auf der cleanen Seite des Klangspektrums steht. Die komplexe Klangsynthese ist im Hardware-Bereich derzeit fast alternativlos. Die Vielseitigkeit bezahlt man wiederum mit einer recht anspruchsvollen Lernphase. Denn um das volle Potential des Iridiums auszuschöpfen, muss man tief in die Kernel-Ebene einsteigen. Das lohnt sich zwar, allerdings sollte man davon etwas Abstand nehmen, wenn man keinen Spaß am Lesen von Bedienungsanleitungen hat.

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Donner L1 Essential auf einen Blick

• Monofoner Analogsynth, basierend auf dem Roland SH-101
• Kompaktes Format mit authentischem Sound
• Autoglide und Retrigger-Verhalten der Hüllkurve sind noch nicht optimal
• Lohnt sich für SH-101-Fans, als gut klingender Monosynth, oder als kompaktes Gerät für den Live-Einsatz
• KB-32m-Erweiterung nicht zwingend notwendig, aber praktisch

8.0 TOTAL SCORE

Donner L1 Essential

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Sound 9

Features 7

Bedienung 9

Preis/Leistung 7

PROS

• Authentischer SH-101 Sound
• Intuitiver Workflow
• Leicht und kompakt

CONS

• Sequencer hat noch ein paar Bugs

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Erster Eindruck: Verarbeitung und Haptik

Beim Auspacken der beiden Komponenten Donner L1 Essentials (der Synthpart) und dem KB-32m (das Keyboard) bin ich erst einmal vom geringen Gewicht überrascht. So bringt der Donner L1 Essentials gerade mal 900 g auf die Waage.

Zusammen mit der flachen Bauweise lässt sich der L1 bequem transportieren, vermittelt aber auch nicht ganz den wertigeren Eindruck eines Roland SH-01a oder Behringer MS-1. Bei beiden laufen die Fader noch etwas gleichmäßiger und auch die Drehregler lassen sich bei beiden Alternativen noch etwas geschmeidiger bedienen. Trotzdem denke ich, dass der L1 einem ruppigeren Einsatz trotzen kann.

VCO-Sektion

Der VCO des Donner L1 Essentials basiert auf einem 3340 Chip (vermutlich der Cool Audio Nachbau). Er bietet Puls mit variabler Pulsbreite, Sägezahn, Noise, Dreieck, sowie Suboszillator. Wie beim Original kann dieser eine oder zwei Oktaven unter der VCO Frequenz liegen, in letzterem Fall steht neben Rechteck auch ein schmalerer Puls zur Verfügung.

Klanglich legt der VCO schon ein gutes Fundament für die typischen SH-101 Sounds. Das hohl klindende Rechteck weckt sofort Erinnerungen an zahlreiche Acid und IDM-Produktionen, mithilfe des Suboszillators gelingen auch klassische Electronica-Basslines im Handumdrehen. Ein wenig Pitch-und VCF-Modulation dazu, und schon steht der Boards of Canada Roygbiv Bass.

Das Dreieck ist ebenso wie die Pitchmodulation durch die Hüllkurve eine sinnvolle Erweiterung des originalen Feature-Sets. Wenn man die beiden kombiniert sind auch druckvolle Jungle-Pitchbässe problemlos machbar – ein Vorteil gegenüber dem Original und auch in Zeiten der SH-101-Clones ein Alleinstellungsmerkmal.

Filter

Die weitere Klangformung übernimmt beim Donner L1 Essentials ein klassisches (Clone) 3109 Roland-Tiefpassfilter, wie es auch im SH-101 zum Einsatz kam. Mit 24 dB Flankensteilheit und einer hervorragend klingenden Resonanz ist die Nachbildung des Filters beim L1 sehr gut gelungen. Natürlich reicht die Resonanz hier auch bis in die Selbstoszillation. Für noch mehr Authentizität sorgt auch die Nachbildung des originalen VCAs, der auf einem BA 662 basiert.

Hüllkurven und LFO

Zur automatischen Steuerung von Filter, PWM, Amp und Pitch stehen ein LFO mit den Schwingungsformen Dreieck, Rechteck, Random und Noise, sowei zwei ADSR-Hüllkurven bereit. Oldschool-SH-101-User werden aufhorchen, denn hier verlässt Donner mit dem L1 den 101-Standard.

Der LFO lässt sich zum Tempo synchronisieren und bei Bedarf in den hörbaren Bereich fahren. Leider kann man die Frequenz nicht an die Tonhöhe koppeln, aber auch so ist der erweiterte Paket sinnvoll für zeitgenössische elektronische Musik. Durch die hohe Frequenz sind auch FM-artige Effektsounds schnell umgesetzt und über den Sinn BPM-synchroner Modulationen braucht man wohl nicht lange diskutieren.

Ein weiteres Highlight sind die beiden ADSR-Hüllkurven, die nicht nur (optional) anschlagdynamisch sind, sondern sich auch koppeln lassen. Dadurch steuert – wie beim Original – ADSR 2 sowohl VCF als auch VCA gleichzeitig. Ebenfalls neu ist der Drone-Mode, bei dem Gate einfach offen bleibt, sowie die Möglichkeit, die VCO-Frequenz neben dem LFO auch per Hüllkurve zu steuern. Dadurch sind auch aggressivere Drum-Sounds oder Sägezahn-Zaps drin.

Sequencer und Arpeggiator

Ein SH-101 wäre wahrscheinlich ohne den Sequencer und Arpeggiator niemals so erfolgreich gewesen. Die intuitive Programmierung der 100 Steps, inklusive Pausen und Legato-Noten (Tie) ist auch heute noch Vorlage für viele Hardware-Sequencer.

Donner bleibt beim L1 Essentials mit maximal 64 Steps leider ein gutes Stück unter der Maximalanzahl des Originals, bietet aber einen ähnlich schnellen Zugang. Zum Zeitpunkt des Tests hatte der Sequencer allerdings noch ein paar Bugs, die sicherlich mit einem zukünftigen Update gefixt werden.

So ist z.B. der erste Step bei Programmierung einer neuen Sequenz gerne mal per default auf „Rest“ gesetzt. Diese stille Note kann man nur fixen, wenn man die Sequenz speichert und das Gerät neu startet. Kurioserweise tritt das erst nach einiger Zeit auf und auch nicht immer. Ebenso fehlt noch die Sequenz-Transponierungsfunktion, was laut Donner aber spätestens im Herbst nachgereicht werden soll.

Der Arpeggiator liefert die Standards Up/Down/U&D/D&U/Random über bis zu drei Oktaven, wurde aber noch um ein praktisches Feature ergänzt: Über die sechzehn beleuchteten Taster lassen sich einzelne Steps deaktivieren, wodurch man mit dem Arpeggiator auch gut rhythmische Phrasen programmieren kann.

Donner KB-32: Braucht man das Keyboard-Bundle?

Bei Donner hat man beim Kauf des L1 Essential die Wahl, sich gleich das KB-32 zu einem gümstigeren Preis als Bundle dazuzukaufen. Beim KB-32 handelt es sich um einen MIDI-Controller mit 32 Minitasten, der per Magnetanschluss auf der Rückseite direkt mit dem L1 Synth verbunden wird. Sowohl Strom als auch MIDI-Informationen werden hier über die S2C-Schnittstelle übertragen.

Auch wenn der Klickmechanismus praktisch ist, hätte ich mir gewünscht, dass die Verbindung insgesamt noch etwas robuster ist. So hätte man über einen zusätzlichen Arretierungsmechanismus die Einheiten fest miteinander verbinden können, damit man das Bundle auch problemlos transportieren kann.

In der Praxis vermittelt die Tastatur leider auch einen durchwachsenen Eindruck., trotz vier unterschiedlicher Velocitykurven und schickem Display. Wenn man also auf die optisch sehr gelungene Einheit verzichten kann, würde ich eher zu einem Arturia Keystep greifen. Der ist ähnlich teuer, bietet ein besseres Spielgefühl und neben Velocity auch Aftertouch, das sich per CV-Ausgang auch zur Steuerung des L1 einsetzen ließe. Gut, dass man die Wahl hat.

Donner L1 Essential – Alternativen

Neben zahlreichen Roland SH-101 VST Plugins gibt es seit einigen Jahren auch im Hardware-Sektor einige gute Roland SH-101 Clones.

Roland SH-01a vs. Donner L1 Essential

Als stärksten Mitbewerber sehe ich hier den Roland SH-01a. Zwar ist das kompakte Boutique-Gerät digital aufgebaut, überzeugt aber durch einen Sound, der nicht nur sehr nah am Original ist, sondern bis zu vierfach polyfon ist. Zudem hat man 64 Presets für eigene Soundkreationen und Batteriebetrieb.

Roland S-1 vs. Donner L1 Essential

Noch eine Nummer kleiner, günstiger, flexibler, und mit ebenso gutem Sound, ist der Roland S-1 Aira Compact. Wer keine Probleme mit Kleinstgeräten hat, findet hier eine überzeugende Lösung. Der S-1 besitzt alle Features des SH-01a und erweitert dessen Klangerzeugung auf Oszillatorebene.

Zusätzlich gibt es interne Effekte – also eine ideale Packung für den Live-Einsatz. Allerdings fehlen hier die praktischen Fader, die für mich persönlich einen wesentlichen Teil des SH-101-Workflows ausmachen.

Behringer MS-1 mkII vs. Donner L1 Essential

Als dritte Alternative sei natürlich auch noch auf den Behringer MS-1 MKII hingewiesen. Hierbei handelt es sich ebenso wie beim Donner L1 Essential um einen analogen Clone des SH-101. Klanglich liefert Behringer ebenso ab, wobei mein Modell damals leichte Übersteuerungen bei hohen Resonanzwerten hatte, welche ich in dieser Form weder vom Original noch von den Clones her kenne.

Ein großes Manko beim MS-1 ist für mich die Limitierung auf 32 Steps, also deutlich weniger als beim SH-101 mit seinen 100 Steps. Der Donner L1 Essentials bietet hier immerhin 64 Steps und ist damit etwas näher am Original dran. Auch ist die Programmierung beim Donner L-1 etwas intuitiver gelöst. Behringer setzt beim MS-1 leider weiterhin auf den unnötig umständlichen Behringer Crave-Sequencer.

Die FM-Mod des Filters ist beim Behringer MS-1 eine sinnvolle klangliche Erweiterung und einzigartig. Dafür muss man beim MS-1 wiederum auf die zweite Hüllkurve des Donner L1 Essential verzichten. Ich hatte beide Synths hier und mich am Ende für den Donner L1 entschieden. Gerade die Resonanz fand ich beim L1 noch etwas musikalischer, und die zweite Hüllkurve, sowie Pitch-Mod waren für mich am Ende ausschlaggebend. Ich finde die FM-Mod des MS-1 zwar spannend, kann diese Klangästhetik aber auch mit anderen Synths einfach umsetzen.

Donner L1 Essential Test: Fazit

Klanglich weiß der Donner L1 Essential zu überzeugen: Mit dem bauchigen Rechteck gelingen schnell typische Acidlines, Sägezahn und Suboszillator erzeugen mit etwas Pitch-Modulation sofort BoC-Vibes, und dank Dreieck sind auch schiebende Subbässe schnell umgesetzt.

Das Filter klingt auch bei hohen Resonanz-Werten gut und die 64 Steps lassen sich intuitiv programmieren. Beides sind Punkte, die ich etwa beim Behringer MS-1 im Vergleich nicht vollends überzeugend fand. Auch die zweite Hüllkurve, sowie zusätzliche Pitchmod über die Hüllkurve sind eine willkommene Ergänzung.

Für das gleiche Geld des Donner L1 Essential bekommt man allerdings auch einen Roland SH-01a oder die noch kleinere Variante Roland S-1. Beide bieten Polyfonie und Speicher, sind aber nicht analog und man macht bei der Größe Workflow-Abstriche.

Am Ende bleibt es also eine Frage des Geschmacks und der Prioritäten. Donner hat mit dem L1 Essential jedenfalls das Feld der Roland SH-101 Clones um einen würdigen Kandidaten ergänzt.

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Denn trotz des kompakten Formfaktors bietet er einen voll analogen Signalweg mit VCOs, VCF und VCA. Das Konzept richtet sich klar an Einsteiger und Producer, die klassischen Analogsound im tragbaren Format zu einem günstigen Preis suchen.

Behringer JTmini: alles Wichtige in Kürze

• Analoger parafoner Synth, inspiriert vom Roland Jupiter 8
• Drei VCOs mit Dreieck, Pulse, Rechteck und Sägezahn
• 12 / 24 dB Tiefpassfilter
• Geeignet für Einsteiger oder als kleiner Monosynth für Live-Einsätze

Behringer JTmini Test: Erster Eindruck

Der kleine JTmini wiegt mit gerade mal 380 Gramm nicht viel und hinterlässt mit seinen Minipotis und Plastikcharme eher einen Billigeindruck. Trotzdem würde ich ihn nicht sofort zu einem Spielzeug degradieren, denn rein von der Ausstattung bringt der JTmini eine gute Basis für druckvolle Sounds mit.

Mit Abmessungen von 193 × 123,7 × 43,2 mm passt das Gerät in nahezu jede Tasche. Der Formfaktor macht ihn ideal für mobile Setups oder spontane Jam-Sessions unterwegs. In Sachen Mobilität ist der JT Mini kaum zu schlagen. Allerdings muss man auf Batterie-/Akkubetrieb verzichten, was ihn im Gegensatz zu Geräten wie der Korg Volca -, oder Rolands Aira-Serie auf eine externe Stromquelle angewiesen macht.

Das integrierte Keyboard besteht aus 27 kapazitiven Touch-Keys, die nicht auf Druck, sondern auf Berührung reagieren. Das macht sie platzsparend, allerdings fehlt das Feedback klassischer Tasten. Wer also auf Ausdruck beim Spielen Wert legt, sollte den JT Mini über ein externes MIDI-Keyboard ansteuern – was problemlos funktioniert.

Anschlüsse & Stromversorgung

Wie schon beim ProVS mini oder dem JT4000 micro platzierte Behringer auch beim JT Mini alle Anschlüsse auf der Gehäuseoberseite. Und wieder komme ich zum Schluss, dass das für die Praxis ziemlich unelegant gelöst ist. Denn solange man keine Winkelstecker nutzt, entsteht durch die Stecker eine unnötige Hebelwirkung, die zu Kontaktproblemen führen können. Unabhängig davon sitzt das leichte Gerät dann noch etwas wackeliger auf dem Tisch.

Über den USB-C-Anschluss werden sowohl MIDI-Daten als auch Strom übertragen – etwa von einem Laptop, Netzteil oder einer Powerbank. Zusätzlich stehen ein klassischer MIDI-Eingang (5-polig), ein Kopfhörerausgang im 3,5-mm-Format sowie Clock-Sync In und Out zur Verfügung. Einen separaten Line-Out gibt es hier nicht.

Was überrascht – Der JTmini besitzt zwar keine Speicherplätze, die meisten Parameter lassen sich aber via MIDI (CC) steuern. Dadurch wird die Integration in DAWs oder Hardware-Setups erleichtert.

Aufbau und Oszillatoren

Der JT Mini arbeitet mit drei Stimmen, ist dabei jedoch paraphon aufgebaut – das bedeutet, dass sich alle Stimmen ein gemeinsames Filter und einen VCA teilen. Das unterscheidet ihn von echter Polyphonie, wo jede Stimme einen kompletten Signalweg besitzt. Trotzdem lassen sich einfache Akkorde spielen, was in dieser Preisklasse keinesfalls selbstverständlich ist.

Die drei Oszillatoren bieten jeweils vier wählbare Wellenformen: Sägezahn, Dreieck, Rechteck und Pulswelle. Klanglich liefern diese eine solide Basis – besonders die Pulswelle sorgt für den charakteristischen, hohlen Roland-Sound. Allerdings lassen sich die Wellenformen nicht individuell pro Stimme einstellen, sondern nur global für alle drei Oszillatoren.

Die drei analogen VCOs klingen kräftig und liefern je nach Wellenform eine breite Palette klassischer Sounds. Besonders im Bereich Leads und Bässe überzeugt der JT Mini durch ein rundes, warmes Timbre.

Filter & Hüllkurve

Das Filter des JT Mini ist ein analoger Tiefpass, das sich zwischen 12 dB und 24 dB Flankensteilheit umschalten lässt. Es klingt organisch und druckvoll, wobei Cutoff und Resonanz in einem erfreulich breiten Bereich steuerbar sind. Die Resonanz geht bei Bedarf auch in die Selbstoszillation über, was kreative Einsatzmöglichkeiten eröffnet. Modulationsoptionen stehen für Cutoff via LFO und Hüllkurve zur Verfügung.

Letztere ist eine klassische ADSR-Hüllkurve (Attack, Decay, Sustain, Release), die sowohl auf das Filter als auch den Verstärker (VCA) wirkt – ebenfalls parafon, also nur einmalig für alle Stimmen. In der Praxis bietet das genug Kontrolle für lebendige Bass- und Lead-Sounds, aber bei Flächensounds stößt man an Grenzen.

Behringer JT mini: LFO, Motion-Sequenzer & Arpeggiator

Die Modulationssektion ist recht einfach gehalten. Der LFO lässt sich auf Pitch oder Filter-Cutoff routen, und durch die Delay-Funktion lässt sich eine subtile oder gezielte Modulation aufbauen. Für andere Modulationsziele muss man den internen Motion-Sequencer nutzen.

Der LFO des JT Mini bietet vier Wellenformen: Sinus, Sägezahn, Rechteck und Zufall (Random). Das Tempo-Sync-Feature fehlt, was bei rhythmischen Spielweisen Einschränkungen bringt – man muss manuell feinjustieren. Da der LFO nicht bis in den hörbaren Bereich geht, bleiben auch FM-artige Experimentalsounds außen vor.

Zusätzlich verfügt der JT Mini über einen 16-Step Motion-Sequenzer, mit dem man in bis zu acht Slots Parameterbewegungen aufzeichnen kann. Das eröffnet gerade in Echtzeit-Performances oder bei komplexeren Soundscapes kreative Möglichkeiten.

Ergänzt wird das Setup durch einen rudimentären Arpeggiator mit verschiedenen Standard-Modi: Up, Down, Up+Down und Random.

Alternativen zum Behringer JTmini

Mit knapp 110 € ist der Behringer JTmini zwar immer noch sehr günstig. Allerdings ist der Analogsynth hier schon sehr nah an einem Preissegment, in dem es auch gute Alternativen gibt.

Zunächst seien der ProVSmini und der Kobol Expander, ebenfalls von Behringer, genannt. Der Pro-VS mini ist wie der JTmini parafon, noch etwas günstiger und klanglich deutlich flexibler als dieser. Dafür handelt es sich hierbei um einen Hybridsynth, der sich strukturell am Sequential Prophet VS orientiert. Der Kobol Expander ist für gerade mal 50 € mehr zu haben und meiner Meinung nach den Aufpreis definitiv Wert. Vor allem dann, wenn man einen vollwertigen Synth zum intensiven Sounddesign sucht. Verzichten muss man hier auf die Parafonie, die jetzt beim JTmini aber auch nicht für Ekstase sorgt.

Als dritte Alternative möchte ich noch den Roland AIRA S-1 nennen. Trotz seines digitalen Aufbaus liefert er nicht nur einen grundsoliden Roland-Sound, sondern auch echte 4-fache Polyphonie, Speicherplätze, einen internen Akku, sowie Anschlüsse auf der Rückseite. Für mich ganz klar die bessere Lösung, wenn man guten und flexiblen Sound zum Budget-Preis sucht.

Behringer JTmini Test: Fazit

Zu einem relativ günstigen Preis bietet der Behringer JTmini einen guten und vielseitigen Sound. Durch das kompakte Format lässt er sich bequem unterwegs einsetzen, wobei man hier noch eine externe Spannungsquelle wie eine Powerbank einplanen muss.

Im Vergleich mit anderen Synths steht der JTmini allerdings nicht alleine da. Guten (simulierten) Roland-Analogsound gibt es für nicht viel mehr Geld mit dem Roland AIRA S-1. Dort aber 4-fach polyfon, mit Effekten und Speicherplätzen, sowie einem besseren Sequencer.

Wenn es unbedingt analog sein muss, hält auch Behringer selbst etliche Alternativen parat, darunter der deutlich flexiblere ProVSmini, oder die ausgewachsenen Synths Kobol Expander und Pro-1. Am Ende entscheidet also wie so häufig der Geschmack.

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Auf einen Blick: Korg multi/poly Highlights und Negatives

• Extrem vielseitige Klangerzeugung mit solidem Sound
• Durchdachte Bedienung für Liveperformer
• Gut klingende Effektsektion
• Modulations-Routings sind bei anderen Herstellern intuitiver umgesetzt
• Für intensives Sounddesign ist die (gute) Editorsoftware notwendig

9.0 TOTAL SCORE

Korg multi/poly

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Features 10

Sound 9

Bedienung 8

Preis/Leistung 9

PROS

• Flexible Sound-Engine
• Guter Sound
• Bis zu 4-fach multitimbral

CONS

• Arpeggiator nur auf alle Layer gleichzeitig anwendbar
• Tastatur eher unterdurchschnittlich (Key-Variante)

Korg multi/poly Test: Erster Eindruck

In den letzten Monaten hatte ich alle drei Varianten vor mir, das Korg multi/poly Modul, die VST Variante, und die Keyboardversion. Letztere kommt mit einer 37-Tasten-Klaviatur, die zwar anschlagdynamisch ist, sich aber vom (nicht überragenden) Spielgefühl nicht großartig von den anderen Modellen der Reihe unterscheidet. Das war für mich etwas überraschend, denn Korg bewirbt die Tastatur im multi/poly als halbgewichtet. Im Direktvergleich mit anderen halbgewichteten Varianten hätte ich das im multi/poly echt nicht gemerkt.

Am Ende blieb entschied ich mich für die Modulversion, die immer noch einen sehr guten Zugriff ermöglicht und ebenfalls das – für Performances nützliche – KAOSS-Pad bietet.

Beide Hardware-Varianten versprühen einen gewissen Plastik-Charme, sind aber dennoch robust genug, dass ich sie auch auf längere Reisen mitnehmen würde. Die Potis zeichnen sich durch einen angenehmen Widerstand aus und auch die Plastiktaster gehen klar. Schön ist auch, dass man die Modulvariante bei Bedarf in ein 19″-Rack einbauen und für den Desktopbetrieb die Rackwinkel abbauen kann.

An Anschlüssen bieten die multi/polys neben zwei Line-Outs und Kopfhörerausgang noch Anschlüsse für ein Pedal, USB-B, sowie ein MIDI-Duo.

Korg multi/poly: Aufbau einer Performance

Der Korg multi/poly ist von Grund auf als Multilayer-Synthesizer konzipiert – das zeigt sich besonders deutlich im Performance-Aufbau. Eine „Performance“ besteht aus bis zu vier unabhängigen Layern, die sich einzeln programmieren, ansteuern und modulieren lassen. Jeder dieser Layer ist ein vollwertiger, in sich abgeschlossener Synthesizer mit eigener Klangarchitektur, eigenem Modulationssystem und MIDI-Zuweisung. So erhält man mit geschickter Programmierung einen vierfach multitimbralen Synth, der gleichzeitig Bässe, Leads und Flächen liefert.

Eine Ebene tiefer: Pro Layer gibt es vier Oszillatoren

Jeder Layer im Korg multi/poly bietet vier frei konfigurierbare Oszillatoren, die unabhängig voneinander gesteuert werden können. Dabei hat man die Wahl zwischen drei Synthesearten: virtuell-analog, Wavetable und Waveshaping (West Coast). Diese lassen sich beliebig kombinieren, was eine enorme Klangvielfalt ermöglicht.

Alle Oszillatoren verfügen über individuelle Parameter wie Pitch, Panorama, Routing und Modulationstiefe. Sie lassen sich gezielt per LFOs, Hüllkurven oder Motion-Sequencer ansteuern und auch im Stereofeld verteilen. So entstehen bereits auf Layer-Ebene extrem dichte, modulierte und räumliche Sounds, ohne externe Effekte zu benötigen. Und wem das immer noch nicht reicht, hat zudem noch die Möglichkeit, mit Ringmodulation oder Sync die Obertonstruktur zu verändern.

Dadurch liefert der multi/poly eine extrem flexible Klangpalette, die von kräftigen Bässen, Melodic Techno Leads und Trance-Plucks bis hin zu komplexen digitalen Texturen, Dub Chords und warmen analogen Pads reicht. Im folgenden Video erhält man einen Eindruck dieser Flexibilität.

Die Filtersektion: Dual-Filter mit Multifiltern

Insgesamt bietet der multi/poly pro Layer zwei unabhängige Filter, die 14 verschiedene Filtertypen beherbergen, darunter klassische Lowpass-, Highpass-, Bandpass- und Notch-Filter. Viele orientieren sich dabei an analogen Vorbildern – darunter Filtermodelle im Stil des MS-20, Polysix oder Moog.

Auch wenn man deutliche Unterschiede zwischen den Modellen hört, so muss ich an dieser Stelle sagen, dass man hier eher von Tendenzen sprechen sollte, was die Authentizität betrifft. Ein multi/poly ersetzt nicht den knurrigen Charme eines MS20 oder die Oberheim-SEM-Breitseite. Trotzdem liefert der multi/poly einen hervorragenden Sound, der auch bei hohen Resonanzwerten oder Filter FM nicht in die Knie geht.

Jedes Filter verfügt über seine eigene Hüllkurve sowie Modulationsmöglichkeiten über LFOs, Envelopes oder die Oszillatoren. Die Filterresonanz reicht dabei bis zur Eigenoszillation – ideal für druckvolle Acid-Lines oder experimentelle Klangverläufe.

Arpeggiator

Der Arpeggiator im Korg multi/poly ist, verglichen mit der restlichen Klangerzeugung, der Schwachpunkt des Synths. Dabei stört noch nicht einmal die eher rudimentäre Ausstattung mit den Standardmustern. Sondern es ist vielmehr die Tatsache, dass man Performances nicht so aufbauen kann, dass der Arpeggiator lediglich auf ein oder zwei Layer wirkt, während man z.B. mit den anderen Layern Pads dazu spielt.

Lediglich der Round Robin Mode ist hier erwähnenswert, bei dem die Layer mit jeder neuen Note nacheinander angespielt werden. Das kennt manch einer vielleicht noch aus dem Korg monopoly. Mit geschickter Programmierung sind hier subtile Nuancen ebenso möglich, wie stimmige Phrasen, bestehend aus komplett unterschiedlichen Einzelsounds.

Envelopes. LFOs, Motion-Sequencer und mehr: Die Modulationsmöglichkeiten des Korg multi/poly

Von bis zu 5500 Modulationsverknüpfungen ist auf der Webseite von Korg die Rede. Auch wenn ich die im einzelnen nicht nachgezählt habe – Die Modulationssektion des multipoly gehört zu den umfangreichsten, die es derzeit auf dem Markt gibt. Dass es Korg dabei schafft, das Ganze über die Hardware noch einigermaßen bedienbar zum machen, ist bestimmt auch der langjährigen Erfahrung geschuldet. Allerdings muss man auch erwähnen, dass andere Hersteller wie etwa Sequential mit dem Take 5 die Messlatte noch etwas höher gehängt haben, was gezielte Verknüpfung von Modulationen betrifft.

Auf der anderen Seite punktet Korg mit dem kostenlosen Editor/Librarian. Häufig erstelle ich das klangliche Fundament direkt am multi/poly und switche ab einer bestimmten Stelle zum Editor. Dort erledige ich dann das klangliche Finetuning oder tief gehendes Sounddesign. Und das ist beim multi/poly zweifelfrei möglich.

Pro Layer gibt es vier loopbare DAHDSR-Hüllkurven, fünf LFOs sowie sechs Modulations-Prozessoren. Die Hüllkurven lassen sich zudem in ihrem Charakter anpassen, wofür auch Modelle von Klassikern zur Verfügung stehen, darunter ARP, Moog, oder Sequential. Wie wichtig der Einfluss einer Hüllkurve auf den Sound ist, wird gerne mal unterschätzt. Wenn es aber z.B. um Nuancen eines knackigen Bass geht, ist gerade der Hüllkurvenverlauf ein entscheidender Faktor.

Abgerundet wird das Ganze durch Motion Sequencing 2.0, bei dem sich Timing, Pitch, Shape und andere Parameter unabhängig sequenzieren lassen. Der Sequencer ist allerdings in erster Linie zur Modulation gedacht. Zwar kann auch die Oszillator-Frequenz ein Ziel sein, klassische Sequencer-Melodien lassen sich mit dem multi/poly aber eher umständlich programmieren.

Effektsektion des multi/poly

In insgesamt vier Effektslots hat man im Signalweg von links nach rechts die Wahl aus 1. Distortion / Lofi / Kompressor, 2. Modulations-Effekte, 3. Delay, und 4. Reverb / Master-EQ. Im Gegensatz etwa zu einem opsix ist die Reihenfolge beim Korg multi/poly fest vorgegeben, was ich etwas schade finde.

Pro Effektslot gibt es zahlreiche Varianten inklusive spezielleren Modellen, sowie Effektpresets, um direkt loszulegen. Gut gelöst finde ich, dass man auch eigene Effekt-Presets abspeichern kann.

Die meisten Effekte klingen ordentlich und sind eine gute Ergänzung zur internen Klangerzeugung. In der Produktion würde ich sie wahrscheinlich gegen spezialisierte Plugins oder Effektgeräte austauschen, aber für Live-Anwendungen kann man sich zusätzliche Peripherie gut sparen.

Korg multi/poly Test: Welche Alternativen gibt es?

Wer auf die Hardware-Erfahrung verzichten kann, bekommt den Sound des Korg Multipoly ebenso gut als Software mit dem Korg multi/poly native. Ich habe mich dennoch für die Desktopversion entschieden, mit der das Soundschrauben einfach intuitiver von der Hand geht.

Ob einem ein direkter Bezug ein vierfaches des Anschaffungspreis Wert ist, muss jeder für sich entscheiden. Bezieht aber in die Kalkulation immer mit ein, dass auch ein Rechner Geld kostet, ebenso das Interface, die DAW etc. Und dass all diese Sachen nach ein paar Jahren so gut wie wertlos sind. Wenn ihr DAW-less arbeitet, stellt sich die Frage natürlich erst gar nicht.

Als Hardware-Alternative zum Korg multi/poly sehe ich tatsächlich den Modwave von Korg als heißesten Kandidaten. Zwar handelt es sich hierbei in erster Linie um einen Wavetable-Synth, aber für die traditionelle Nutzung als VA-Synth gibt es auch hier die klassischen Wellenformen und eine gute Auswahl an Filtern.

Hätte ich den modwave damals behalten, wäre dieser wohl ersetzt worden, oder der multi/poly nicht eingezogen. Der größte Unterschied zwischen beiden ist der Sample-Import im modwave, durch den auch hybride „ROMpler“-Sounds möglich sind. Dafür punktet der multi/poly mit Westcoast-Synthese (Waveshaping), die dem modwave vorenthalten sind.

Korg multi/poly Test: Fazit

Ich dachte eigentlich, dass zum Thema VA schon fast alles gesagt wurde, weshalb mich die Produktankündigung erstmal kalt ließ. Doch bereits nach wenigen Minuten in der Praxis war klar, dass Korg mit dem multi/poly einen ausgezeichneten Synth entwickelt hat. Für mich definitiv ein Highlight.

Denn nicht nur klanglich weiß der multi/poly zu überzeugen. Auch das Feature-Set geht weit über Standards hinaus und hält lange Nächte für Soundforscher und Produzenten bereit. Wer auf die Hardware verzichten kann, bekommt mit dem Korg multi/poly Native Plugin eine ebenso gut klingende Alternative. Man verzichtet hier aber auf das gut durchdachte Bedienkonzept.

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Tastatur & Hardware

Die verbaute Tastatur bietet 25 Tasten mit fein einstellbarem polyphonem Aftertouch – ein echtes Alleinstellungsmerkmal in dieser Preisklasse. Die Anschlagdynamik benötigt etwas Eingewöhnungszeit, und auch an den Aftertouch muss man sich aufgrund des sehr kurzen Hubs erst einmal gewöhnen. Dafür lässt sich sich das Verhalten über den Expertenmodus im kostenlosen Editor individuell anpassen – sehr schön.

Zusätzlich gibt es Pitch-Bend- und Modulations“räder“. Beide sind beim ESI XSynth als druckempfindliche Gummitaster auf der linken Seite der Tastatur ausgeführt. Was sich erstmal suboptimal anhört, lässt sich mit etwas Übung überraschend präzise steuern.

Anschlüsse & Audio-Interface-Funktion

Der XSynth kann über USB-C auch als 2-in/2-out Audio Interface fungieren – mit 24-bit/96 kHz Auflösung. Praktisch: Die interne Synth-Engine lässt sich direkt über den USB-Audioausgang aufnehmen, was ihn für einfache Produktions-Setups interessant macht.

Auf der Rückseite des XSynth finden sich die folgenden Anschlüsse:

• 1x 3,5  mm Stereo-Line-Out (Miniklinke)
• 1x 3,5 mm Kopfhörerausgang (Miniklinke)
• 1 x 3,5 mm Stereo-Line-In
• MIDI In/Out über 3,5 mm Miniklinke (Adapter wird mitgeliefert)
• USB-C Port für Stromversorgung, MIDI und Audio

Verwendung als MIDI-Controller

In DAWs oder modularen Setups funktioniert der XSynth problemlos als Class-Compliant USB-MIDI-Controller. Besonders erwähnenswert: Er sendet polyphonen Aftertouch, was ihn ideal für PolyAT-fähige Software oder Hardwaremodule macht.

Oszillatoren & Klangerzeugung

Der XSynth nutzt drei samplebasierte Oszillatoren mit einer festen Auswahl an Wellenformen – darunter klassische VA-Wellen (Sägezahn, Rechteck, Dreieck), digitale Formen und einige perkussive oder experimentelle Sounds. Leider sind die Wellenformen teilweise schlecht normiert – manche sind eine Oktave zueinander versetzt, was das Layern etwas erschwert.

PWM ist vorhanden, jedoch grobstufig umgesetzt, was sich besonders bei langsam modulierten Sounds negativ bemerkbar macht. Hier hört man die einzelnen Stufen statt wie üblich einen fließenden Übergang. Einige Wellenformen verändern zudem ihre spektrale Zusammensetzung über verschiedene Oktaven hinweg. So kann etwa ein „F“ mitunter mal deutlich mehr Obertöne besitzen, als das direkt daneben liegende „G“. Ich kenne das Verhalten, wenn ich – um Speicherplatz zu sparen – nicht jede einzelne Note sample, sondern z.B. nur jede Oktave. Oder wenn man beim Sampling nicht ganz sauber arbeitet.

Hard Sync und FM sind implementiert, aber derzeit noch ziemlich verbuggt. So erzeugen Sync und FM in manchen Einstellungen starkes digitales Aliasing – besonders bei höheren Tonhöhen oder Modulationen – was sich in einem aggressiven digitalen Rauschen äußert.

Zwar kann man per FM auch Noise zur Modulation des Oszillatoren einsetzen. Ebenso wie beim LFO basiert die Noise-Quelle aber leider auf einem Sample. Das mag zwar für einfache Effekte brauchbar sein, liefert aber keine lebendige oder „echte“ Textur wie man es vom klassischen weißen oder rosa Rauschen kennt.

Filter

Das digitale Multimode-Filter bietet Tief-, Hoch- und Bandpass-Modi mit umschaltbarer Flankensteilheit (12 dB und 24 dB/Okt). Klanglich ist es solide für einfache Filterungen, stößt aber bei höheren Resonanzwerten schnell an seine Grenzen: Das Signal wird rau und „digital“, mit hörbaren Artefakten und Aliasing. Für experimentelles / extremes Sounddesign oder komplexe Filtermodulationen ist es also eher ungeeignet. Möglicherweise kann hier ein Firmware-Update Abhilfe schaffen.

Modulation & Makros im ESI Xsynth

Die Modulationssektion umfasst drei LFOs mit unterschiedlichen Wellenformen, deren Geschwindigkeiten aber leider nicht langsam genug für subtile Modulationen ist, und wiederum nicht schnell genug für umfangreiche Audio-Rate-Modulation. Damit ist z. B. FM oder AM über die LFOs nur sehr eingeschränkt möglich. Envelopes sind ADSR-typisch, aber relativ grob aufgelöst, was sich besonders bei perkussiven Sounds bemerkbar macht.

Die Makrosteuerung ist ein gut gemeinter Ansatz, aber viele relevante Parameter sind derzeit (noch?) nicht zuweisbar – darunter wichtige FX-Funktionen, oder die Möglichkeit, die Attack-und Releasezeit gleichzeitig für alle Hüllkurven zu steuern. Schade, denn hier verschenkt ESI Potenzial für den Live-Einsatz.

Effektsektion

Die interne FX-Engine bietet einfache Effekte wie Chorus, Delay, Reverb, Overdrive und einen LoFi-Prozessor. Während Chorus und Delay durchaus musikalisch einsetzbar sind, wirken Reverb und Overdrive zu metallisch und digital. Der LoFi-Effekt hingegen ist gelungen – er verleiht dem Klang Schmutz ohne übertrieben aggressiv zu werden.

ESI Xsynth Test -Fazit

Der ESI XSynth ist ein ungewöhnlicher Hybride aus polyphonem Aftertouch-Controller, einfacher samplebasierter Synth-Engine und USB-Audiointerface. Sein Konzept ist ambitioniert, aber nicht in allen Bereichen überzeugend umgesetzt. Zudem sind in der derzeitigen Version noch einige Bugs enthalten, wegen der ich den Xsynth live nicht einsetzen würde. Über die stufige Pulsbreitenmodulation kann man eventuell noch hinwegsehen, und auch die gelegentlich auftretenden Audio-Dropouts dürften auch nicht zu hart ins Gewicht fallen, wenn man den Synth vor allem als Zweitgerät nutzt. Das aggressive Aliasing in manchen Sync- und Reso-Settings sind hingegen nicht akzeptabel. Hoffentlich wird ESI hier mit einem Firmware-Update reagieren.

Solange diese nicht gefixt sind, würde ich einen Kauf nur eingeschränkt empfehlen. Es sei denn, für euch zählt in erster Linie das solide Gesamtpaket aus Audiointerface, Controller und Synth. Vom Sound her versprüht der Xsynth definitiv 90er-Rompler-Charme. Und dass er Charakter hat, sei hier bitte nicht als Euphemismus zu verstehen, sondern ist ernst gemeint.

Wer also in erster Linie nach einem polyphonen Aftertouch-Controller mit Bonus-Synth sucht – und mit einigen Eigenheiten leben kann – könnte hier fündig werden. Besonders als Poly-AT-Controller oder zur DAW-Steuerung im kleinen Studio bietet er einen interessanten Einstieg. Wenn der Xsynth primär als gut klingender Synth fürs Studio oder für komplexes Sounddesign angeschafft werden soll, gibt es stärkere Alternativen. Wenn es ESI schafft, die angesprochenenen Mängel zu beseitigen, hat der XSynth aber durchaus Potenzial.

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Behringer 2-XM auf einen Blick

• Zwei unabhängige Synth Voices, inspiriert vom Oberheim SEM
• Voll analoger Signalweg mit insgesamt vier (2 x 2) VCOs, und 2 Multimode-Filtern
• Rudimentär ausgestattete Patch-Sektion
• Unisono und Duo-Mode, Möglichkeit zum Poly-Chaining
• Keine internen Effekte oder Sequencer
• Interessante Stereo-Effekte durch Panning

Behringer 2-XM Test: Erster Eindruck

Wie schon viele andere Behringer-Synths, kommt auch der 2-XM im kompakten Desktopformat. Bei Bedarf lässt sich der 2-XM in ein Eurorack-System einbauen, wobei der Umzug nur als Kompletteinheit möglich ist. Besser wäre gewesen, wenn man die beiden Synths-Voices einzeln ausbauen könnte.

Bei der Verarbeitungsqualität gibt es nicht viel zu meckern. Die Potis haben einen angenehmen Widerstand, wenngleich sie für gezieltes Sounddesign manchmal etwas zu klein geraten sind. Das macht sich vor allem dann bemerkbar, wenn man versucht, beide Synthvoices gezielt aufeinander abzustimmen. Etwas Abhilfe könnten größere Potikappen schaffen, wodurch der Regelweg größer wird.

Auch fiel auf, dass beide Module ab Werk nicht wirklich aufeinander bezogen kalibriert wurden. Das ist nicht weiter tragisch, wenn man die Feineinstellungen per Gehör vornimmt. Wer sich beim Sounddesign aber gerne auf reine Wertangaben verlässt, wird sich beim 2-XM erst einmal umgewöhnen müssen. Hier sei aber erwähnt, dass das bei sehr vielen analogen Geräten der Fall ist, und gerade auch im Vintage-Bereich eher die Regel ist.

Die Oszillatoren des Behringer 2-XM

Pro Synthesizer-Modul stehen insgesamt zwei Oszillatoren und Rauschen am Anfang der Signalkette. Die VCOs erzeugen jeweils Sägezahn und Puls (mit variabler Pulsbreite). Das Mit einem Potentiometer stellt man wie beim Original die jeweilige Lautstärke ein. Ganz nach links ist der Sägezahn auf Maximum, bei 12 Uhr hört man nichts, und bei Rechtsanschlag ist der Puls voll zu hören.

Zum Sägezahn gibt es eigentlich nicht viel zu sagen: Mit Obertönen und kräftigem Bass erzeugt er genug Schub, um sich im Mix gut durchzusetzen. Das weiße Rauschen lässt sich alternativ zu externen Signalen hinzumischen, steht aber leider nicht als Quelle in der Patchbay zur Verfügung. Trotzdem könnte man hier etwas improvisieren, indem man für diesen Zweck das zweite Modul als reine Noise-Quelle opfert.

Die Pulswelle erzeugt mit etwas Fingerspitzengefühl ein herrlich bauchiges Rechteck, das klanglich etwas zwischen Roland-esquer Perfektion und dem Moog-Pulse liegt. Geht man den Regelbereich weiter, oder moduliert den Puls per LFO, erreicht man auch extrem spitze Werte, perfekt für drahtige Bässe oder percussive Leads. Hier geht der 2-XM sogar etwas weiter als das Oberheim-Original.

Zwei Multimode-Filter im SEM-Stil

Beide Module bieten ein SEM-Multimode-Filter. Dabei handelt es sich um ein 12dB State-Variable-Filter mit Tiefpass-, Hochpass-, Bandpass- und Notch-Modi. Während sich der Tiefpass stufenlos über Notch hin zu, Hochpass morphen lässt, wird der Bandpass-Modus per Schalter aktiviert. Das ist beim SEM-Filter normal und sorgt für eine breite Klangpalette. Vermisst habe ich hier ganz klar die Möglichkeit, den Status zu modulieren. Das ist beispielsweise beim Sequential OB-6 möglich und hätte hier über die Patch-Bay realisiert werden können.

Das Filter greift mittelmäßig stark in den Sound ein. Ich hatte manchmal auch das Gefühl, dass das Filter hier nicht ganz so heiß angefahren wird, wie beim Oberheim SEM und dadurch weniger satt klingt. Eventuell finden sich hier noch Modder, die sich dem Thema annehmen.

Die Resonanz reicht nicht ganz so weit wie beim SEM, auch neigt der 2-XM bei höheren Werten eher zu einem Pfeifen. Andere SEM-Filter (OB-6, TEO-5, Doepfer SEM) fügen bei hohen Resonanzwerten dem Signal einen Glanz hinzu, was klanglich an einen Exciter erinnert und zumindest für mich ein wesentliches Argument für das SEM-Multimode-Filter ist. Trotzdem klingt das Filter keinesfalls schlecht, aber da es sich hier um einen essentiellen Baustein des SEM-Sound handelt, wird hier etwas kritischer hingeschaut. Wer in erster Linie vorhat, sein Studio um eine weitere Filter-Nuance zu erweitern, macht mit dem 2XM nichts verkehrt.

Hüllkurven und LFOs: Bewegung in den Klang bringen

Hüllkurven

Beide Module verfügen pro Stimme jeweils über zwei ADS-Hüllkurven, eine per Default aufs Filter bzw. die Tonhöhe von VCO2, die andere auf den VCA, bzw. die Frequenz von VCO1 geroutet. Die Hüllkurvenintensität wird in den entsprechenden Sektionen festgelegt und per Kippschalter alternativ zum LFO aktiviert. Das geht in der Praxis schnell, nur hätte ich mir hier wieder eine parallele Nutzung gewünscht. Immerhin lässt sich die Envelope-Intensität bei Bedarf per Anschlagdynamik steuern.

LFO

Um zyklische Bewegung in den Klang zu bringen, bietet der Behringer 2-XM pro Voice einen LFO. Wie beim Original ist dieser sehr rudimentär ausgestattet und bringt lediglich einen Sinus hervor.

Für leichte Filtermodulationen und Vibratos mag das ausreichend sein, aber hier hätte ich mir nicht nur mehr Schwingungsformen gewünscht, sondern hätte mich auch über eine größere Range gefreut, die es auch weit in den hörbaren Bereich schafft. Dadurch wäre das Klangspektrum noch einmal stark erweitert worden; so muss man sich mit der Patchbay behelfen.

Die Patchbay bringt (etwas) Modular-Vibes

Ganz auf der rechten Seite des Panels gibt es für beide Synthvoices getrennt eine kleine Patchbay. Jeweils 16 Anschlüsse laden zum Experimentieren ein und erweitern das klangliche Spektrum des 2-XM. Hierüber sind Dinge wie Filter FM, Crossmodulation, oder AM möglich, wodurch auch experimentelle Sounds schnell von der Hand gehen. Für gezieltes Ssounddesign wird man allerdings häufig eine der beiden Stimmen als „Modulationsgenerator“ zweckentfremden müssen, was an der mitunter eigenartigen Auswahl der Anschlüsse liegt.

Gefehlt hat mir am meisten ein CV-Eingang für die LFO-Rate, sowie dedizierte Ausgänge für den Rauschgenerator, oder die einzelnen Schwingungsformen der VCOs. Weitere Abschwächer oder ein kleiner Mixer wären ebenfalls hilfreich, um die Patchbay sinnvoll zu erweitern. All das hätte aber auch ein größeres Gehäuse zur Folge, welches dem Desktop-Standard von Behringer nicht entspricht. Durch so eine Entwicklung würden wieder Mehrkosten entstehen, die am Ende der User zahlt. So muss man mit den Kompromissen leben, oder sich eben ein größeres System um den 2-XM herum aufbauen.

Behringer 2-XM Alternativen

Gebrauchte Oberheim SEM steigen seit ein paar Jahren konstant im Preis und liegen jetzt schon bei rund 2000 € für eine Unit, vom Two-Voice ganz zu schweigen. Mit etwas Glück kann man noch einen SEMtex oder Tinysizer ergattern, die ebenfalls auf dem SEM aufbauen. Aber die sind mitunter noch seltener zu finden, als das Original. Insofern ist die Auswahl verfügbarer Alternativen begrenzt.

Für etwas mehr Geld gibt es heute noch TEO-5 und Sequential OB-6, die ebenfalls auf der SEM-Struktur aufbauen. Wer Polyfonie anstrebt, hat gerade mit dem TEO-5 eine flexiblere Alternative, die zudem noch über Preset-Speicher verfügt. Verzichten muss man auf die organischen Feinheiten die entstehen, wenn man die Module einzeln einstellt. Bei mehreren Stimmen muss man das Fein-Gekurbel aber auch echt wollen.

Behringer 2-XM Test: Fazit

An manchen Stellen zeigt der Behringer 2-XM Schwächen, vor allem bei hoher Filterresonanz, der mitunter starken Abweichungen zwischen den beiden Einheiten, oder der nicht immer ganz durchdachten Ausstattung der Patch-Matrix.

Für viele Dinge gibt es zum Glück bereits Lösungen, etwa größere Potikappen, um den Regelweg zu erweitern. Auch bin ich mir sicher, dass viele Modder nur darauf warten, den Synth weiter zu optimieren.

Darauf bin ich gespannt und kann bis dahin allen empfehlen, sich das Dual-Voice-System mit SEM-Flair einmal näher anzusehen. Vielleicht lohnt es sich aber auch zu warten, bis der Preis wieder etwas sinkt. Denn auch wenn der 2-XM preiswert ist, handelt es sich bei den derzeit aufgerufenen rund 350 € nicht mehr unbedingt um ein Schnäppchen.

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dreadbox Artemis Test auf einen Blick

• Analoger Polysynth mit 6 Stimmen
• Hervorragender Sound mit dreadbox-Charakter
• Umfangreiche Effektsektion von Sinevibes
• Robustes Desktopgehäuse mit direktem Zugriff auf alle relevanten Parameter
• MPE-fähig

Erster Eindruck – dreadbox Artemis

Gut verarbeitet im soliden Metallgehäuse – man kennt es bereits von dreadbox und auch der Artemis steht anderen Geräten in dieser Hinsicht in nichts nach. Die Potis haben ebenso wie die Fader einen angenehmen Widerstand, der sich wertig anfühlt, und auch nach Jahren sollten die Bedienelemente noch zuverlässig arbeiten. Das Display lässt sich auch bei starkem Lichteinfall gut ablesen. Allerdings wird die unterste Zeile gerne mal vom Gehäuse verdeckt, wenn man nicht direkt von oben auf den Synth guckt.

Neben dem Stereo-Ausgang auf der Rückseite gibt es noch einen Kopfhöreranschluss, sowie MIDI-Duo und eine USB-Buchse. Auf einen Audio-Eingang hat dreadbox beim Artemis verzichtet. Das ist schade, denn von den guten Effekten und Filtern hätten auch andere Geräte im Studio profitiert.

Oszillatoren

Der Artemis verfügt über zwei Oszillatoren, plus Suboszillator und Noise. Falls ihr schon einmal einen Typhon oder Murmux vor euch hattet, kennt ihr das Prinzip der überblendbaren Schwingungsformen. Beim Artemis ist es so gelöst, dass ihr in einem recht großzügigen Drehkreis für beide Oszillatoren gleichzeitig die Schwingungsform bestimmt.

Das ist in der Praxis zwar intuitiv gelöst, bringt aber auch ein paar Nachteile mit sich. VCO1 auf Sägezahn und VCO2 auf Pulse zu stellen ist so zum Beispiel nicht möglich. Umgekehrt wiederum geht es, allerdings spielt das spätestens dann eine Rolle, wenn ihr Sync oder FM fürs Sounddesign nutzen wollt.

Andererseits wird bei der VCO-FM auch das Signal des Suboszillators (oder Noise) berücksichtigt, wodurch ihr hier etwas mehr Spielraum habt. Aber auch hier hätte ich mir gewünscht, Noise und Suboszillator gleichzeitig abgreifen zu können und nicht alternativ hinzuzumischen. Das gleiche gilt auch für die Lautstärke der Oszillatoren, die über einen Regler (links = VCO 1 100%, Mitte = 50/50, rechts = VCO 2 100%) bestimmt wird.

Dadurch fehlt die Möglichkeit, die VCOs komplett zu deaktivieren. Wenn man also nur das Rauschen filtern möchte, oder Sinusleads mit der Selbstoszillation des Filters kreieren will, muss man die Pulswelle wählen und die Pulsweite extrem schmal setzen. Das wiederum wirkt sich aber auf die Möglichkeiten der Filter-FM aus.

Klanglich können die VCOs des Artemis hingegen voll überzeugen: Ein bauchiges Rechteck, das durchaus Roland-esque Züge annimmt, kräftige Sägezähne und eine fette PWM bilden hier eine ausgezeichnete Basis für die weitere Bearbeitung durch die Filter.

Filter

Artemis verfügt über ein Hochpass- und ein Tiefpassfilter, die seriell arbeiten. Die Flankensteilheit des Tiefpassfilters lässt sich zwischen 12 und 24dB umschalten, die Eckfrequenz in drei Stufen an die Tonhöhe koppeln (inaktiv, 50% und 100%). Damit ist es auch möglich, das Tiefpassfilter bei Selbstoszillation als Sinusoszillator zu nutzen.

Wie schon bei den anderen dreadbox-Synths zeichnet sich das Filter im Artemis durch einen cremigen Vintage-Sound aus und kann dabei trotzdem kräftig genug zupacken. Wer es etwas heftiger möchte, kann das Filter in mehreren Stufen in die Sättigung fahren. Hier hätte ich mir zwar gewünscht, die Dosierung feiner über eine dedizierte Lautstärkereglung der VCOs vorzunehmen. Aber auch so ist das ein akzeptabler Kompromiss – die Ergebnisse können sich hören lassen.

Modulationsmöglichkeiten

Für Automatisierungen gibt es im Artemis zwei LFOs und zwei Envelopes, sowie übers Menü die meisten gängigen MIDI-Controller wie Aftertouch, Velocity, Modwheel etc. Erwähnenswert ist der vorhandene MPE-Support, was sich glücklicherweise bei immer mehr Synths durchsetzt. Auf speziellere Modulationsquellen wie Rauschen, Komparatoren, oder eine freie Nutzung der ADSR-Hüllkurven muss man zu diesem Zeitpunkt noch verzichten.

Die Geschwindigkeiten der beiden LFOs lassen sich zwar an die MIDI-Clock koppeln, reichen im Freilauf aber nicht bis in den hörbaren Bereich. An Wellenformen gibt es hier alle Standards aber auch einen Envelope-Modus. Mit diesem lässt sich die Beschränkung der negativen Hüllkurven beim Lowpass umgehen. Allerdings ist man momentan noch auf die vorgegebenen Routings limitiert. Die sind aber bei genauer Betrachtung schon sehr umfangreich und decken viele Anwedungsszenarien ab, wenn man um die Ecke denkt.

Die beiden Hüllkurven folgen dem ADSR-Standard und sind ausreichend schnell für Bässe und Percussion, sowie langsam genug für Pads. Ich bin ein großer Fan von loopbaren Envelopes und würde mir diese Funktion auch in einem zukünftigen Update wünschen. Vielleicht geht da noch etwas.

Derzeit fehlt mir zudem noch die Möglichkeit, die Filter umfangreicher mit Modulationsquellen zu steuern. Vor allem vermisse ich, die Eckfrequenz des Hochpassfilters oder die LFO-Rate an die Tonhöhe zu koppeln, sowie eine negative Hüllkurvensteuerung der Filter. Viele der Funktionen werden auf Nachfrage bei dreadbox wohl aber in zukünftigen Updates nachgereicht.

Sinevibes-Effekte: Ein echtes Highlight des dreadbox Artemis

Integrierte Effekte bei Analogsynths sind immer wieder eine Glaubensfrage. Ich gehöre ganz klar zum Team „Pro-Effekte“. Denn wenn die Effekte gut sind – und evtl. noch moduliert werden können – bilden sie einen integralen Bestandteil der Klangerzeugung. Bei zeitgenössischer elektronischer Musik kommen ohnehin Effekte zum Einsatz, warum diese also nicht gleich perfekt auf den Synth abgestimmt mitliefern?

Für die Effektabteilung im dreadbox Artemis wurde wieder der Deveolper „Sinevibes“ an Bord geholt. Er steuerte bereits die guten Effekte im Typhon bei und hat auch beim Artemis wieder abgeliefert.

Insgesamt vier Effektslots stehen hier bereit: Overdrive (mit Shapern, Lofi etc), Modulation (Chorus, Flanger, Phaser), Delay (Tape, BBD, digital), und Reverb (Small, Large, Grain, Shimmer). Die Effekte klingen durch die Bank gut bis sehr gut, sollten aber vorsichtig dosiert sein, weil sie sonst den guten Grundsound stark überlagern. Bei richtigen Levels fügen sich die Effekte aber zu einer perfekten Melange mit dem Grundklang zusammen. So eine Harmonie sieht man selten bei internen Effekten.

Bei der großen Auswahl waren für mich lediglich ein paar der Shaper-Algorithmen nicht auf Höhe der restlichen Qualität, da mir die Ergebnisse etwas zu harsch bzw. fuzzy klangen. Auch das Shimmer-Reverb fand ich bei manchen externen Units etwas überzeugender, aber das ist sicherlich Geschmackssache. Schlecht klingt es definitiv nicht.

Alternativen zum dreadbox Artemis

Wer polyphonen dreadbox-Sound sucht, könnte mit dem dreadbox Nymphes Geld sparen, verzichtet dabei aber auch auf den deutlich direkteren Zugang, die guten Effekte und erweiterten Modulationsmöglichkeiten. Für mich kommt daher zurzeit vor allem eine Alternative infrage.

Novation Peak vs. dreadbox Artemis

Der Novation Peak kostet zwar knapp 200 € mehr, besitzt aber eine deutlich umfangreichere Modulationsabteilung und ebenfalls sehr gute Effekte. So eine Flexibilität will aber auch bedient werden und die Möglichkeiten im Peak könnten einige User auch überfordern.

Die Oszillatoren sind im Peak zudem digital ausgeführt und der Gesamtsound etwas cleaner. Beide Synths ergänzen sich vom Charakter aber und letztlich entscheidet hier der persönliche Geschmack.

dreadbox Artemis Test: Fazit

Mit dem dreadbox Artemis erscheint ein weiterer Polysynth auf dem Markt, der soliden Analogsound mit hervorragenden Effekten kombiniert. Und trotz des mittlerweilen stark umworbenen Markts liefert dreadbox, mit genug Eigenständigkeit im Sound und vor allem mit einer hervorragenden Bedienung, genügend Argumente, bestehendes Equipment zu ersetzen, oder den Fuhrpark entsprechend zu erweitern.

Zwar fehlen dem Artemis zu diesem Zeitpunkt noch umfangreiche Modulationsroutings. Aber ich bin mir sicher, dass dreadbox hier einerseits nachliefert, und die meisten User andererseits mit dem schon umfangreichen Angebot an Optionen sehr gut zurecht kommen dürften.

8.8 TOTAL SCORE

dreadbox Artemis

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Sound 10

Features 8

Bedienung 10

Preis/Leistung 7

PROS

• Analogsound mit Charakter und Sweetspots
• Hervorragende Effektabteilung
• Intuitive Bedienung

CONS

• Modulationsmatrix könnte flexibler sein

Weitere Artikel

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Behringer Grind auf einen Blick

• Hybride Klangerzeugung mit digitalen Oszillatormodellen
• Analoges Filter plus Lowpass-Gate
• Semimodularer Aufbau mit 34 Patchbuchsen
• 32-Step-Sequencer mit Speicher und Arpeggiator
• Klanglich flexibel, mit leichter Neigung zum LoFi-Spektrum

Behringer Grind: Erster Eindruck

Wer schon einmal mit einem Crave, Edge oder Spice gearbeitet hat, wird sich auch beim Grind schnell zurechtfinden. Der kompakte Desktopsynth bietet etliche Drehregler mit angenehmem Widerstand, zahlreiche Patchbuchsen auf der Oberseite für eigene Modulations-Routings, sowie eine rudimentäre „Klaviatur“, über die auch der Sequencer programmiert wird.

Die digitalen Oszillatoren: Das Herz des Grind

Zunächst sollte man an dieser Stelle noch einmal erwähnen, dass ein Großteil der 24 spannenden Algorithmen der Entwicklung von Mutable Instruments geschuldet sind. Denn ursprünglich wurden 15 der Oszillator-Modelle für das Plaits-Modul entwickelt, einem flexiblen Oszillator-Modul für Eurorack-Systeme.

Da Mutable Instruments aber die Open Source Ideologie immer schon radikal verfolgt hat, handelt es sich hier nicht um eine möglicherweise umstrittener Aneignung fremder Technologie. Und selbst für Besitzer eines Plaits oder eines Microfreak von Arturia kann ein Behringer Grind eine sinnvolle Anschaffung sein. Denn die zusätzlichen Oszillator-Algorithmen werten das ohnehin schon gute Angebot noch einmal auf. Man sollte den Sound dann aber schon sehr lieb haben, ansonsten wird es schnell redundant.

Die Klangpalette der 24 Modelle ist sehr umfangreich und reicht von klassischen VA-Modellen über additive und granulare Synthese, zahlreiche Percussion-Algorithmen, bis hin zu Effektsounds. Es gibt sogar Importmöglichkeiten für DX-7 Sounds und eine komplette 303-Emulation. Das meiste davon ist mehr als nur brauchbar, wenngleich ich dem Grind insgesamt eher einen Hang zum LoFi-Sound attestieren würde. Die beiden Timbre- und Harmonics-Regler steuern mehrere Parameter gleichzeitig und ermöglichen so mit wenig Aufwand komplexes Sounddesign.

Durch die vielen Optionen handelt es sich bei der Oszillatorsektion eigentlich schon um einen kleinen Synth im Synth. Die zusätzlichen Möglichkeiten des Grind erweitern das Angebot aber sinnvoll.

Besonders haben mir die Chord-Algorithmen gefallen, mit denen man sehr schnell zu typischen House-Stabs und Detroit-Techno-Sounds kommt. Selbst Pads gelingen mit dem eigentlich monofonen Synthesizer recht gut, wobei man hier logischerweise auf echte Polyfonie verzichtet. Wer eher auf der Suche nach Bässen und Leads ist, wird ebenfalls nicht enttäuscht.

Filtersektion

Wer seine Sounds ganz klassisch formen möchte, kann dafür ein 24 dB Ladder-Filter nutzen, das mancher vielleicht schon vom Crave kennt. Das Filter packt ordentlich zu und kann bei Bedarf auch in einen Hochpass-Modus umgeschaltet werden. Die Resonanz reicht bis in die Selbstoszillation, lässt sich per Keytracking aber maximal über drei Oktaven sauber spielen.

Zusätzlich gibt es noch ein Lowpass-Gate in der VCA-Sektion. Ist das LPG aktiv, erhöht sich auch der Rauschpegel mitunter recht stark. Trotzdem ist es eine gute Erweiterung für fette Bässe und Kicks.

Modulationsmöglichkeiten: LFO und Hüllkurve

Der analoge LFO bietet Rechteck und Dreieck. Bei Bedarf lässt er sich bis in den Audiobereich jagen, per CV steuern und somit neben FM-Experimenten auch als zweiter Oszillator nutzen.

Die ADS-Hüllkurve reicht von knackigen Einstellungen bis langsam genug für Pads, auch wenn ich mir etwas längere Decay-Zeiten gewünscht hätte. Wer sich den Grind primär für Drones zulegen will, kann den VCA auf „on“ stellen, wodurch das Signal immer durchgeschickt wird, auch wenn kein Gate-On-Befehl über ein angeschlossenes Keyboard erfolgt.

Ein echtes Highlight beim Grind ist die Patchmatrix mit insgesamt 34 Buchsen. Hiermit kann man das klangliche Repertoire des Desktop-Synths umfangreich erforschen. Der Bereich ergänzt die vorhandenen Anschlüsse eines Plaits sinnvoll. Es lassen sich beispielsweie beide LFO Schwingungen gleichzeitig abgreifen und mischen, Rauschen hinzufügen, oder einzelne Komponenten des Sequencers extern steuern.

Der Sequencer des Behringer Grind – es bleibt kompliziert

Der Sequencer ist ein nettes Extra, bleibt aber mühsam zu programmieren und zu bearbeiten. Jedenfalls muss ich jedes Mal, wenn ich längere Zeit nicht mit diesen Geräten gearbeitet habe, wieder den Artikel „Behringer Crave Sequencer programmieren“ hervorholen. Ich vermute, wenn man regelmäßig damit arbeitet, gewöhnt man sich irgendwann daran.

Das sind die Alternativen zum Behringer Grind

Wer auf der Suche nach einer Alternative zum Behringer Grind ist, hat eine recht große Auswahl. Neben dem originalen Plaits-Modul, das es nur noch gebraucht gibt, haben etliche Eurorack-Anbieter ebenfalls gute Alternativen im Angebot. Hier sind u.a. Behringer Brains und After Later Audio Pixie zu nennen. Diese Module muss man aber im Eurorack-Kontext sehen, wo man sich die fehlenden Komponenten eines Behringer Grind hinzukauft, oder eben anderweitig kombiniert.

Der stärkste Mitbewerber ist für mich dann auch der Microfreak von Arturia, bzw. dessen großer Bruder Minifreak. Beide setzen teilweise auf Mutable Instruments Algorithmen und erweitern diese mit eigenen Kreationen und Modellen von Noise Engineering, darunter auch einem Vocoder und anderen spezielleren Modellen. Der größte Vorteil gegenüber dem Grind dürften das flexiblere Multimode-Filter und der deutlich umfangreichere Sequencer sein. Ausprobieren und vergleichen lohnt sich hier definitiv.

Behringer Grind Test: Fazit

Behringer Grind bietet eine flexible Sound-Engine und ist fast schon ein No-Brainer für alle, die sich ein budgetfreundliches Setup zusammenstellen wollen. Der Synthesizer kann problemlos als Herzstück eines kleinen semi-modularen Rigs oder als Spielwiese für Klangforscher dienen. Zu dem Preis gibt’s wirklich kaum etwas zu meckern. Wem der Sequencer des Grind auf Dauer zu umständlich oder uninsprierend ist, findet mit dem Arturia Microfreak eine starke Alternative.

8.5 TOTAL SCORE

Behringer Grind Test

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Sound 8

Features 10

Bedienung 7

Preis/Leistung 9

PROS

• Flexible Oszillator-Sektion
• Kompaktes Format
• DX-Sound-Import

CONS

• Sequencer umständlich zu programmieren
• LPG rauscht

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Der Beitrag Behringer Grind Test: Flexibler Desktop-Synth erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Welche Eigenschaften sollte ein Synthesizer für Pads mitbringen?

• mindestens 4 Stimmen (gerne mehr)
• mindestens zwei Oszillatoren (oder einer plus Suboszillator)
• ausreichend Modulationsmöglichkeiten, um Pads über längere Zeit spannend zu halten

Welche sind also die besten Synths für Flächen, die man zurzeit kaufen kann?

Die besten Synthesizer für Pads: Übersicht

Novation Peak / Summit: Hybridsynth mit exzellenten Pads

Novation hat mit dem Peak einen richtig guten Polysynthesizer kreiert, der sich neben vielen anderen Dingen ideal für Flächen eignet. Mit acht Stimmen, hervorragend klingenden Oszillatoren, analogen Filtern und einer mächtigen Modulationsmatrix erzeugt er Pads, Texturen und Drones in nahezu allen Facetten. Von granular bis analog, von gläsern digital bis hin zu experimentellen Sounds ist damit nahezu alles machbar. Eine ausgezeichnete Effektsektion, rudimentäre Frequenzmodulation und sinnvolle Features wie loopbare Hüllkurven runden die Ausstattung ab.

Summit verfügt als Tastaturvariante des Peak neben der doppelten Stimmenanzahl noch über einen zweifachen Multimode, sowie ein zweites Filter, von dem gerade Flächensounds noch einmal enorm profitieren.

Korg Minilogue XD: flexibler als man denkt

Mit dem Vorgänger Minilogue (ohne „XD“) landete Korg bereits einen Hit: Vier voll analoge Stimmen inklusive Tastatur und tollem Design. Und das Ganze für deutlich unter 1000 €. Knapp zwei Jahre später setzten sie mit dem „Minilogue XD“ noch einen drauf. Dabei ist der XD ein eigenständiger Synthesizer, der nicht nur anders klingt, sondern sinnvolle Erweiterungen mitbringt. Ein dritter digitaler Oszillator erweitert die Klangerzeugung um etliche Schwingungs- und Syntheseformen.

Die Effekt-Engine wurde aufgebohrt und liefert jetzt gute Reverb- und Delay-Algorithmen, die sich bei Bedarf – ebenso wie der digitale Oszillator – sogar noch um eigene Modelle erweitern lassen. Mittlerweile hat sich darum eine eigene Community gebildet, die spannende Oszillator- und Effektmodelle teils kostenlos, teils kommerziell anbieten. Ein smarter Zug von Korg – denn durch die Öffnung der Technik für Drittanbieter dürfte die Zukunft des XD gesichert sein.

Durch seine einfache Bedienung, ausreichend Möglichkeiten fürs Sounddesign und dem runden Grundsound sind gute Flächen schnell erstellt. Für den aufgerufenen Preis von rund 580 € ist das Teil eine ganz klare Kaufempfehlung.

Roland JU-06a: ideal für Old-School-Ambient-Pads

Wenn es retro klingen soll, ist der JU-06a von Roland eine gute Wahl. Der Synthesizer im Kleinformat emuliert sehr ordentlich die legendären Juno 6 und Juno 60, die seit den 80ern auf unzähligen Tracks zu hören sind. Von Retrowave bis hin zu Ambient deckt er trotz limitierter Möglichkeiten eine große klangliche Palette ab. Die Synths der Juno-Reihe sind eher Schönklinger – das machen sie dafür aber richtig gut.

Wer die Flächen und Arpeggios bei Niels Frahm, Boards of Canada usw. mag, wird mit dem JU-06 glücklich. Einziges Manko ist hier die Limitierung auf vier Stimmen. Dafür bekommt man mit dem JU-06a noch ein Audiointerface on top, wodurch sich der kleine Synth perfekt für unterwegs eignet. Eine direkte Alternative hierzu wären Behringer Deepmind 6 / 12. Klanglich sind die Behringer-Synths näher am Juno 106 als am 6 bzw. 60 dran. Der Sound ist dadurch als etwas verwaschener zu beschreiben, was durchaus auch seine Fans findet.

Sequential OB-6: Oberheim-Pads mit großartigem Filter

Was wäre eine Synthesizer-für-Pads-Liste ohne einen Oberheim? Die legendären Oberheim-Filter genießen nicht ohne Grund einen guten Ruf, wenn es um Flächen geht. Die Resonanz betont hier sehr musikalisch die Eckfrequenz, wodurch selbst extreme Einstellungen eher glänzen als stören. Und so darf auch der sensationelle Sequential OB-6 (Test) nicht in dieser Liste fehlen.

Eigentlich haben alle Oberheim-Synthesizer eins gemeinsam: Trotz ihrer Vielseitigkeit klingen sie in fast allen Einstellungen immer gut. Umfangreiche Modulationsmöglichkeiten lassen experimentelle Klänge ebenso zu wie klassische Analogsounds. 3000 Euro für die Tastaturversion bzw. 2400 € für die Desktop-Ausführung sind sicherlich nicht gerade wenig. Auf der anderen Seite erwirbt man ein solides Instrument, das auch nach Jahren noch Freude macht.

Elektron Digitone II: Digitale Texturen und analoge Pads

Elektron hat mit Digitone II einen FM Synthesizer im Angebot, der sich auch ausgezeichnet zur Erzeugung von Pads eignet. Intuitive FM mit vier Operatoren, Zugriff auf die Obertonverteilung bei den Oszillatoren und vor allem die Integration verschiedener Filtermodelle ermöglichen es selbst Einsteigern, schnell gut klingende Patches zu erstellen.

Mit einer geschickten Stimmzuweisung sind zudem sehr komplexe Layer-Sounds möglich. Selbst Drones und Texturen, die über Minuten hinweg spannend bleiben stellen Digitone vor keine große Herausforderung. Schade nur, dass sich die Hüllkurven noch nicht loopen lassen und die LFOs im Gegensatz zu den größeren Elektron-Modellen nur ein Modulationsziel besitzen.

Unabhängig vom Einsatz als Flächenlieferant ist der Digitone eine ideale Ergänzung zu bestehenden Studio-Setups. Mit seinem vielseitigen Sequencer und Funktionen wie Sound- und Parameter-Locks könnte man ein komplettes Live Set nur mit diesem Synthesizer durchziehen. Ach ja: Ein Audiointerface und komplette Einbindung in Computer-Setups sind dank Overbridge ebenfalls mit an Bord. Für rund 950 € ist Digitone eine ganz klare Kaufempfehlung, wenn es nicht unbedingt analog sein muss.

ASM Hydrasynth: Die Modulationsmaschine

Das chinesische Unternehmen ASM hat mit dem Hydrasynth ganz überraschend einen polyphonen Wavetable-Synthesizer auf den Markt gebracht. Nachdem die Schwächen der ersten Version ausgeräumt wurden – hier ist besonders der anfangs unterdimensionierte Bassanteil zu nennen – ist der Hydrasynth längst kein Geheimtipp mehr unter Synthesizer-Freaks.

Und das aus gutem Grund: Neben einem ausgewogenen Grundsound und gut klingenden Filtermodellen spricht für den Hydrasynth eine sehr umfangreiche Modulationsmatrix mit fünf DAHDSR Hüllkurven und ebenso vielen LFOs.

Wo man sich bei anderen Herstellern gerne mal in Untermenüs verheddert, ist beim Hydrasynth nahezu alles schnell miteinander verknüpft. So werden die komplexen Möglichkeiten gezähmt und aus dem Synth ein echtes Flächenmonster. Nicht zuletzt durch seine solide Verarbeitung (die Keyboard-Variante ist überraschend schwer) ist der Hydrasynth eine klare Empfehlung als Synthesizer für Pads und natürlich auch andere Sounds.

Trotz der umfangreichen Möglichkeiten erschließt sich der Hydrasynth durch seine intuitive Oberfläche auch Einsteigern recht schnell. Allerdings würd ich neben dem Hydrasynth immer noch einen weiteren Synthesizer dazustellen, wenn es mal schnell gehen soll. Hier haben Synths mit weniger Features teilweise die Nase vorn.

Korg modwave II

Und noch einmal Korg, dieses Mal mit dem Wavetable Synthesizer Korg modwave II. Dieser Synthesizer kombiniert einerseits Wavetable-Synthese mit klassischer subtraktiver Synthese. Andererseits findet sich noch ein umfangreicher Vorrat an Samples, mit denen man sich abwechslungsreiche Pads zusammenbauen kann.

Für die Kombination eines Presets stehen hier insgesamt vier Layer zur Verfügung, die sich jeweils völlig frei voneinander aufbauen lassen. Mit umfangreichen Modulationsroutings und intelligenten Echtzeitzugriffen ist der modwave auch ideal für Live-Performances. Ein sehr solider Klang, der eher in Richtung HiFi geht plus vielseitige Sounddesignmöglichkeiten machen den modwave zu einem perfekten Flächenleger. Hier geht es zum Korg modwave Test.

Korg Multi/Poly

Mit dem Multi/Poly schafft es Korg ein weiteres Mal in diese Liste. Und das aus gutem Grund, denn der VA/Wavetable-Hybride bietet nicht nur einen hervorragenden Sound, sondern auch wahnsinnig gute Möglichkeiten, die ihn als Synthesizer für Pads geradezu prädestinieren.

Zum einen ist da die flexible Klangerzeugung die Westcoast- und Eastcoast-Ansätze vereint und mit Wavetable-Synthese kombiniert. Bis zu vier Layer und davon jeder einzelne mit vier Oszillatoren – teilweise mehr, wenn auf Kombimodelle gesetzt wird – erzeugen breite Klangteppiche.

Etliche gut klingende Filtermodelle helfen dabei, den Sound in die gewünschte Richtung zu formen. Hinzu kommen gut klingende Effekte und eine enorm flexible Modulationsmatrix.

Expressive E Osmose: Wenn es richtig außergewöhnlich werden soll

Abgerundet wird diese Liste durch einen Exoten. Die bis zu 24-fach polyfone Klangerzeugung im Expressive E Osmose basiert auf Haken Audios EaganMatrix; einer Mischung aus subtraktiver Synthese, Physical Modelling (also der Nachbildung akustischer Instrumente), FM und allem was dazwischen liegt.

Das verspricht völlig neuartige Sounds, die durch die einzigartigen Controller-Fähigkeiten des Keyboards erst richtig zum Leben erweckt werden. Hybride Flächen, die von Streichern zu Analogpads mutieren, metallene Texturen oder granulare Drones sind für Osmose kein Problem. Wenn man Klänge von Grund auf neu programmieren möchte, muss man sich allerdings erst instensiv in die nicht wirklich zugängliche EaganMatrix-Software einarbeiten.

Das Keyboard ermöglicht neben Anschlagdynamik auch polyphonen Aftertouch und reagiert sehr exakt auf Wertveränderungen. Dadurch ist ein ausdrucksstarkes Spiel möglich, wie es nur bei einer Handvoll elektronischer Instrumente der Fall ist.
Und sollten die internen Soundmöglichkeiten mal nicht mehr ausreichen: Mit entsprechend kompatibler Software lässt sich Osmose auch als High-End-Controller für den Computer verwenden.

Zur Webseite von Expressive É Osmose

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Ein semi-modularer Synthesizer ist ein perfekter Einstieg in die Klangsynthese. Aber auch in umfangreichen Studiosetups kann die Kombination aus Flexibilität bei gleichzeitig teilweise vorab definiertem Signalfluss eine echte Bereicherung sein. Worauf man bei einem semimodularen Synth achten sollte und welche Modelle zurzeit empfehlenswert sind, zeigt dieser Artikel.

Was ist ein semimodularer Synthesizer überhaupt?

Ein semimodular Synthesizer bewegt sich konzeptionell zwischen einem geschlossenen Konzept wie etwa einem Minimoog und einem komplett offenen Modularsystem, bei dem man erst Patchkabel ziehen muss, um überhaupt einen Klang zu erhalten.

Ein semimodularer Synth hat den Vorteil, dass man direkt Töne aus dem Instrument bekommt, ohne ein Patchkabel zu ziehen. Dadurch eignen sich diese besonders für Einsteiger, die vor ihren ersten modularen Gehversuchen stehen. Demgegenüber hat das Modularsystem wiederum den klaren Vorteil, dass man einzelne Elemente wie Filter, Oszillatoren etc. völlig frei zusammenstellen kann.

Die besten semimodularen Synthesizer

Wer nun vor der Anschaffung eines semimodularen Synths steht, sollte darauf achten, dass dieser über ausreichend Patchbuchsen verfügt. Sind lediglich ein paar CV Ein- und Ausgänge für Pitch, Gate oder Filter vorhanden, kann man noch nicht von einem semimodularen Konzept sprechen.

Ebenfalls sollte die Klangerzeugung nicht zu spartanisch ausgestattet sein. Ansonsten stößt man schnell an die Grenzen. Die folgenden Empfehlungen sind nach dem Anschaffungspreis sortiert und liefern genug Features für einen spannenden Einstieg. Wie immer handelt es sich hierbei um meine persönlichen Favoriten der letzten Jahre. Der Markt wächst ständig und ebenso wird auch dieser Artikel laufend aktualisiert. Wenn ihr noch spannende Empfehlungen habt, hinterlasst gerne einen Kommentar.

Behringer Crave: Semimodularer Synthesizer zum Budgetkurs

Perfekt für Einsteiger mit geringem Budget: Der Behringer Crave vereint guten Klang mit einer flexiblen Klangerzeugung bei überschaubaren Kosten. Der gut verarbeitete semimodulare Synthesizer verfügt über 32 Patchbuchsen, die sich über 18 Eingänge und 14 Ausgänge verteilen. Damit dürften die ersten Gehversuche mit modularen Konzepte gut gelingen.

Falls ihr vorhabt, den Crave live einzusetzen, hilft die Möglichkeit eigene Sequenzen mit bis zu 32 Steps vorzubereiten und im Speicher abzulegen. Zwar gestaltet sich die Programmierung des Behringer Crave Sequencers anfangs etwas sperrig. Aber Funktionen wie Accent, Slide und Ratcheting entschädigen schnell für den umständlichen Workflow.

Für die Klangerzeugung im Crave steht ein CEM3340 VCO zur Verfügung, dessen SAW oder Pulse-Schwingung (letzterer mit PWM) durch ein kräftig zupackendes 24dB-Ladder-Filter geschickt wird. Oder bei Bedarf am Filter vorbei, denn schließlich handelt es sich hierbei ja um einen semimodularen Synth!

Dreadbox Erebus Reissue: der Kompakte

Etwas weniger Patchbuchsen als der Crave, dafür aber mehr Komponenten bei der Klanggestaltung bietet der Dreadbox Erebus Reissue. Der semimodulare Synthesizer hat zwar nur zehn CV-Eingänge und sechs Ausgänge, bringt mit seinen zwei Oszillatoren und dem sehr musikalisch klingenden Filter ordentlich Schub mit für Bass-Sounds, Leads und experimentelle Klänge.

Fortgeschrittenes Sounddesign ist mit dem Erebus Reissue ebenfalls möglich. Denn nicht nur lassen sich die VCOs synchronisieren, die LFO-Frequenz reicht bis weit in den hörbaren Bereich, sodass damit auch Vocal-artige Patches, Percussion und FM-Texturen drin sind.

Bei Bedarf kann man zudem einen Duo-Mode aktivieren und den Erebus Reissue ohne zusätzliches Patchen 2-fach parafon spielen. Abgerundet wird die Ausstattung noch durch ein analoges BBD-Delay, dessen Frequenz sich zudem per CV-In steuern lässt.

Arturia Minibrute 2 und 2S: Semimodularer Synth mit eigenständigem Sound

Die Minibrute-2-Serie von Arturia ist nach wie vor ein geniales Gesamtpaket, wenn man einen semimodularen Synthesizer sucht, der sich auch ohne externes Equipment steuern lässt. Für eigene Melodien oder Automationen hält der Synth eine (Minibrute 2) bzw. drei (Minibrute 2S) Sequencerspuren bereit.

Ein flexibler Brute-Oszillator mit frei mischbaren Schwingungsformen und Suboszillatoren, dazu noch ein zweiter VCO und ein flexibles Multimodefilter bilden hier die Basis. Hinzu kommen noch Noise, Sync und Ringmodulation. Herausragend sind auch die loopbaren Hüllkurven, die mit den zwei LFOs ein ideales Paket für rhythmische Sounds aller Art bilden.

Zwar ist der eigenwillig aggressive Sound der Mischung aus Brute-Oszillator und Steiner-Parker-Filter nicht jedermanns Sache. Das liegt aber auch daran, dass viele User das VCO-Signal immer zu laut in die Filtersektion schicken. (Deutlich) Weniger ist hier mehr und dann gelingen auch weiche Sounds auf einmal problemlos.

Durch diese klangliche Varianz sind in Verbindung mit der gut ausgestatteten Patch-Matrix aber auch eine Vielzahl an Klängen möglich; von knallharten Bässen und Leads bis hin zu experimentellen Texturen und Drones.

Behringer 2600: Inspiriert vom ARP 2600

Auf den Spuren eines Klassikers der 1970er Jahre wandelt der 2600 von Behringer. Wie seine historische Vorlage von ARP, ist der Behringer 2600 ein semimodularer Synth. Der bedienfreundliche Synth bietet etliche Fader, ganze 83 Patchbuchsen zur kreativen Klangfindung und in der grauen und blauen Spezialeditionen sogar einen echten Federhall.

Insgesamt 3 VCOs mit Sync und RM, sowie Noise können hier von einem Lowpass weiter geformt werden. Dessen Charakteristik lässt sich zwischen Transistor(Moog)-Filter und Arp-Variante umschalten.

Zwar gibt es hier weder Arpeggiator noch Sequencer, dafür aber zahlreiche Modulationsquellen und Funktionsgeneratoren. Auch der Klang weiß zu überzeugen und so ist der Behringer 2600 ein solider Allrounder für professionelle Anwendungen und ambitionierte Einsteiger.

neutral labs Elmyra 2: semimodularer Synthesizer für Drones und mehr

Mit seinem Fokus auf Drones weicht der Neutral Labs Elmyra 2 zwar ein gutes Stück von den anderen Synths dieser Liste ab. Trotzdem ist er hier aufgeführt, denn das außergewöhnliche Konzept mit dem LoFi-Sound ist vielleicht genau das fehlende Teil im Studio.

Beim Elmyra 2 wird der Sound von bis zu vier digitalen Oszillatoren erzeugt, die in unterschiedlichen Modi verschaltet werden können. Gespielt wird der Synth entweder über die vier Touch-Plates auf der Oberfläche oder bis zu vierfach paraphon per CV/Gate.

Für die weitere Klangbearbeitung verfügt Elmyra 2 über vier unterschiedliche Filter, ein Reverb, sowie ein Delay. Ein böse klingender „Ouch-Effekt“ kombiniert Distortion, Waveshaper und Filter. Die Effektreihenfolge kann mit kleinen Steckkarten variiert werden.

Elmyra 2 ist ein großartiger semimodularer Synth mit viel LoFi-Charakter, der sich übrigens auch problemlos in ein Eurorack-Modularsystem einbauen lässt.

Neutral Labs Elmyra 2 gibt es hier.

intellijel Cascadia: Eigentlich schon ein Modularsystem

Den Abschluss dieser Liste macht der semimodulare Cascadia von intellijel. Abgesehen davon, dass man hier die Module nicht austauschen kann, handelt es sich hierbei fast schon um ein kleines bis mittelgroßes Modularsystem.

Trotz kompakter Größe beherbergt Cascadia etliche Komponenten fürs Sounddesign und vereint dabei Elemente der klassischen subtraktiven Synthese, dazu LPG und Waveshaper und analoge FM (TZFM, exponential und linear). Was mich neben dem beeindruckenden Funktionsumfang aber am meisten überzeugt, ist der durchdachte Workflow.

Die interne Vorverdrahtung ist hier sehr logisch aufgebaut und spart dadurch etliche Patchkabel. So lassen sich selbst bei minimalem Kabeleinsatz extrem komplexe Patches bauen.

Auch Funktionen wie Tap-In für die interne Clock oder Insert-Wege für externe Effekte zeigen, dass sich hier jemand wirklich Gedanken gemacht hat. Intellijel Cascadia ist nicht günstig, aber sein Geld auf jeden Fall wert. Für eine ähnliche Ausstattung müsste man anderswo deutlich drauflegen.

Fazit: Die besten semimodularen Synths

In der mittlerweile riesigen Auswahl an guten semimodularen Synths den richtigen Kandidaten für sich zu finden, ist nicht einfach. Wenn es das Budget zulässt, rate ich zum Cascadia, dessen riesiger Funktionsumfang sich durch einen klaren Workflow schnell begreifen lässt. Etliche Möglichkeiten zum Sounddesign versprechen langfristig Spaß auf kompaktem Raum.

Einsteigern empfehle ich entweder den Behringer Crave, oder den Erebus V3 Reissue. Letzterer klingt eigentlich immer gut, selbst in extremen Einstellungen, wodurch sich hier schnell ein Erfolgsfaktor einstellt. Der Behringer Crave ist im Vergleich zwar nicht ganz so ein Sweet-Spot-Synth, bietet aber zum attraktiven Preis einen guten Einsteig ins Thema semimodulare Synthesizer. Damit ist er ideal, um einfach mal zu gucken, ob euch das Strippenziehen überhaupt Spaß macht.

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Mit dem semimodularen Synth Model 15 orientiert sich Behringer an dem legendären Moog Model 15 Modularsynth und dem aktuell noch erhältlichen Grandmother. Zwar hatte ich nie die Gelegenheit, den raren Moogthusalem zu probieren, die Grandmother kenne ich aber. Model 15 verfügt über 2 VCOs im Moog-Stil, ein MOOG-Ladder-Filter, und eine nützliche Modulationsmatrix. Wie gut sich der Synth schlägt, erfahrt ihr im Behringer Model 15 Test. Zuerst gibt es aber wie immer ein Demovideo mit Patches für elektronische Musik.

Behringer Model 15 in Kürze

• Semianaloger Synth, inspiriert von Moog Model 15 / Grandmother
• Überzeugender Vintage-Analogsound
• Flexible Patchmatrix für Klangexperimente
• Interner 256-Step-Sequencer und Arp

Behringer Model 15: Erster Eindruck

Der Model 15 kommt im typischen Behringer-Desktop-Gehäuse und bietet auf der Vorderseite – neben der Patchbay – einen MIDI-In, während der MIDI-Out/Thru-Ausgang auf der Rückseite sitzt. Dort finden sich auch ein USB-MIDI-Anschluss, ein 6,3mm-Mono-Line-Out und ein Kopfhörer-Anschluss mit regelbarer Lautstärke.

Wie bereits bei den anderen Desktopvarianten geht auch beim Model 15 die Verarbeitung absolut in Ordnung. Die insgesamt 28 Potis weisen einen angenehmen Drehwiderstand auf, die Kipp-Schalter erscheinen auch solide. Einzig die wabbligen Gummittaster erscheinen in dem ansonsten robusten Kontext etwas deplaziert.

Die Oberfläche ist logisch aufgebaut, allerdings gehören die Credits hierfür dann doch Moog zugesprochen. Denn wenn man Grandmother und Model 15 miteinander vergleicht, scheint es recht offensichtlich, woran sich Behringer hier orientiert hat. Aber ich verspreche, dieses Türchen nicht weiter zu öffnen. Im Behringer Model 15 Test geht es in erster Linie um den Synth.

Oszillatoren

Am Anfang der Signalkette stehen zwei Oszillatoren mit jeweils vier Schwingungsformen, jeweils mit Dreieck, Sägezahn und Rechteck mit variabler Pulsbreite.

Der zweite VCO lässt sich bei Bedarf als flexibler Suboszillator betreiben, für den ebenfalls vier verschiedene Schwingungsformen zur Verfügung stehen. Zusätzlich finden sich noch Hard Sync und Rauschen (weiß / rosa), etwa um dem Klang etwas Schmutz mitzugeben, Perkussives, oder für experimentelle Sounds.

Die VCOs sind komplett analog aufgebaut und überzeugen durch ihren runden, satten Sound. Moog-typisch tendiert dieser eher zu dominanten Mitten und Bässen, die man erst einmal im Mix zähmen muss.

Die Filtersektion mit der typischen Moog-Kaskade

Eine erste Möglichkeit, die Klanggewalt der VCOs unter Kontrolle zu bringen, bietet die Filtersektion. Neben der typischen 24dB Moogkaskade findet man hier auch ein Hochpassfilter ohne Resonanz, mit dem man das Signal bei Bedarf ausdünnt.

Das Ladder-Filter packt kräftig zu und klingt auch bei hoher Resonanz ausgezeichnet. Die Resonanz lässt sich zwar bis zur Selbstoszillation fahren. Allerdings steht dem Einsatz als Sinusoszillator das nicht ganz saubere Tracking entgegen, das den sinnvollen tonalen Bereich bei meinem Modell auf 2,5 bis 3 Oktaven begrenzte.

Modulationsquellen: LFOs und Hüllkurven

Die Hüllkurve ist beim Model 15 als klassische ADSR-Variante ausgeführt. Standarmäßig ist sie auf das Filter und den VCA geroutet. Beim Filter kann die Intensität positiv oder negativ variabel eingestellt werden.

Im linken Bereich befindet sich der überraschend flexibel ausgestattete LFO mit den Schwingungsformen Sinus, Saw, Ramp und Rechteck mit variabler Pulsbreite. Vorverdrahtet und im direkten Zugriff sind die Modulationsziele Pitch und Filter, über die Modulationsmatrix ist aber noch mehr drin.

Die Frequenz des LFOs kann bis in den hörbaren Bereich aufgedreht werden, was sich hervorragend für FM-Experimente eignet. Dasselbe gilt für die Cross-Modulation, wenn zwei VCOs (oder LFOs) über die Matrix auf der rechten Seite gepatcht werden.

Digitaler Federhall

Zur Klang“veredelung“ besitzt der Model-15 noch einen echt digitalen Federhall, dessen Klang mich allerdings nicht abholen konnte. Häufig ist ein Federhall technisch bedingt sehr dominant in den Mitten und das ist auch bei dieser Simulation nicht anders. Da aber auch der Model-15 sehr präsente (untere) Mitten hat, werden diese durch den Federhall noch zusätzlich betont. Ein echt simuliertes BBD-Delay hätte ich an dieser Stelle ergiebiger empfunden, aber vielleicht kommt das ja noch mit einem Update.

Behringer Model 15 bietet Sequencer und Arp

Der Sequenzer ist einfach zu bedienen und kann daher eine schöne Inspirationsquelle sein. In drei Speicherplätzen können Sequenzen mit bis zu 256 Steps abgelegt werden. Die Programmierung ist deutlich intuitiver gelöst, als bei anderen Behringer-Synths wie z.B. Crave oder Poly-D.

Man schaltet einfach auf Rec, gibt über eine angeschlossene MIDI-Tastatur die Noten ein und fügt per Gummitaster auf der Oberfläche gehaltene Noten, Accent und Pausen ein. Zusätzlich kann man hier noch die Abspielrichtung variieren.

Der Arpeggiator kommt vergleichsweise rudimentär daher, ist aber dennoch eine nützliche Dreingabe. Hier kann man ebenfalls die Art der Wiedergabe ändern und den Umfang auf bis zu drei Oktaven festlegen.

Die Modmatrix – ein Highlight im Behringer Model 15

Mit insgesamt 48 Patch-Punkten lädt die Modulaationsmatrix auf der rechten Seite zum Experimentieren ein. Zwar wird es bei komplexen Patches in dem Bereich schnell etwas eng. Dafür hat man beim Performen keine Patchkabel im Bedienfeld, was in der Praxis für mich einen guten Kompromiss ergibt. Auf all die Möglichkeiten explizit einzugehen, würde den Rahmen des Tests sprengen. Aber gerade für diejenigen, die erste Schritte an einem günstigen semimodularen Synth machen wollen, ist der Model 15 eine ideale Option.

Ich habe es bei meinem Testexemplar nicht geschafft, den S&H so zum Laufen zu bringen, wie ich es von dieser Mod-Quelle erwartet hätte. Es scheint sich eher wie rosa Rauschen zu verhalten, das direkt auf das Mod-Ziel geroutet wird, ohne Sample und Hold. Keine große Sache, aber dennoch erwähnenswert für all diejenigen, die getaktete randomisierte Texturen lieben.

Anm.: Mittlerweile hat sich Behringer diesem Problem angenommen und bietet eine Modifikation an. Solltet ihr aber auf dem Gebrauchtmarkt nach einem günstigen Model 15 suchen, wäre das der erste Punkt, den ich checken würde.

Behringer Model 15 Alternativen

Da sich Behringer bereits am Moog Grandmother orientierte, wäre die nächste Alternative natürlich das Original. Zwar liegt hier der Anschaffungspreis um einiges drüber. Man hat aber einen recht stabilen Wiederverkaufswert und einen Analogsynth mit Tastatur, der auf der ganzen Linie Retrocharme versprüht.

Als zweite Alternative kommt mir der Behringer D in den Sinn. Denn wenn man auf die Patchpunkte verzichten kann, liefert dieser auch einen recht eindrucksvollen Moog-Sound. Wenig überraschend, da der D auf Spuren des Model D wandert.

Falls ihr eine flexible Soundengine mit Moogcharakter sucht, aber nicht auf Presets verzichten könnt, sei euch abschließend noch der Roland SE-02 ans Herz gelegt. Dieser Synth klingt ebenfalls hervorragend, seine (austauschbaren) kleinen Potis schrecken aber viele ab. Lasst euch davon bitte nicht täuschen! Der SE-02 klingt fantastisch und geht von der Soundpalette noch etwas in die aggressivere / modernere Richtung.

Behringer Model 15 Test: Fazit

Eine umfangreich ausgestattete Modulationsmatrix, guter Analogsound und ein intuitiver Sequencer für deutlich unter 300 €: (nicht nur) für den geforderten Preis ist das Model-15 ein großartiger Synthesizer. Zudem ist der Model 15 gut verarbeitet. Man sollte nur aufpassen, nicht eines der Modelle mit dem S&H-Fehler zu erwischen.

Ich finde den Model 15 besser als Behringers Model D, wenn man den Vintage MOOG-Sound anstrebt UND eine flexible Sound-Engine sucht. Das ist natürlich immer Geschmackssache und andere wiederum bevorzugen den direkten Zugriff und die Reduktion auf das Wesentliche eines Behringer D.

9.3 TOTAL SCORE

Behringer Model 15 Test

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Sound 9

Features 10

Bedienung 8

Preis/Leistung 10

PROS

• Flexible Sound-Engine
• Kräftiger Analogsound
• Intuitiver Sequencer

CONS

• Modulationsmatrix mitunter etwas fummelig
• Federhall-Emulation klanglich nicht überzeugend

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1. Eurorack Sequencer: Welcher ist der richtige für mich?

Bevor wir zur Auswahl der besten Eurorack Sequencer kommen, sehen wir uns erstmal an, welche Sequencer-Typen es gibt und für wen diese am besten geeignet sind. Ebenso wie die konkreten Vorschläge, hat diese Liste keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Dazu gibt es einfach zu viele (spannende) Konzepte. Für eine gute Starthilfe sollte es aber reichen.

Step Sequencer

Traditionelle Step Sequencer gehören mit zu den ältesten Steuereinheiten im Modularsystem. Hierbei werden einzelne Tonhöhen und aktive Noten pro Step programmiert und dann nacheinander abgefeuert. Zur Visualisierung an welcher Stelle sich die Sequenz befindet, durchläuft meistens ein Lauftlicht die einzelnen Schritte. Die Programmierung erfolgt je nach Modell über Fader, Drehregler oder per Taster, wobei letztere für kreative Zufälle eher nicht geeignet sind. Und damit habe ich schon einen wesentlichen Vorteil des Step Sequencers angesprochen.

Durch die auf den ersten Blick etwas umständliche Programmierung entstehen interessante Notenabfolgen, die man so wahrscheinlich nicht bei einer klassischen Aufnahme per Keyboard-Eingabe erhält. Hinzu kommt, dass man bei Step Sequencern, die rein auf Steuerspannung basieren und auf Skalen verzichten, schnell spannende mikrotonale Verschiebungen erhält. Oder mit anderen Worten: Die Melodien klingen leicht verstimmt und dadurch gerne mal sehr organisch.

Der größte Nachteil bei klassischen Step-Sequencern ist häufig die Begrenzung auf 8, 16 oder selten mal 64 Steps. Intelligente Abspielmodi wie vorwärts / rückwärts, Zufall oder Trigger-Wahrscheinlichkeiten wirken gegen die Starrheit, mit krummen Sequencer-Längen wie 5, 7 oder 14 Steps kann man klassische 4/4-Loops zudem erheblich spannender gestalten.

Aufnahme-Sequencer

Bei einem Aufnahmesequencer seid ihr in der Lage, eure eingespielten Ideen festzuhalten und anschließend wiederzugeben. Dieser Sequencer-Typ bietet häufig keine Lauflichtprogrammierung, dafür aber auch deutlich längere Pattern, Chordfunktionen, unterschiedliche Quantisierungen bis hin zu Songmodi. Das Angebot reicht hier von simplen Kopien im SH-101-Stil bis hin zu kleinen DAWs fürs Eurorack-System.

Dieser Sequencertyp richtet sich vor allem an Musiker, die das Bandmaschinenprinzip ins Eurorack übertragen möchten, gleichzeitig aber nicht auf die Bearbeitungs-Flexibilität eines MIDI-Sequencers verzichten wollen.

Drum-Sequencer vs. Melodiesequencer

Wie bereits geschildert, sind Melodiesequencer in der Lage, Klangparameter wie Tonhöhen oder Filter Cutoff zu steuern. Demgegenüber steht eine andere Sequencer-Klasse, die auf eine flexible CV-Steuerung verzichtet.

Drum-Sequencer, auch Trigger Sequencer genannt, werden vor allem zur Steuerung von Drum-Spuren genutzt. Hier stehen häufig mehrere Ausgänge und Spuren zur Verfügung. Allerdings beschränken sich Drum-Sequencer häufig auf die Erzeugung von Trigger- oder Gate-Impulsen. Wer mit einem Trigger-Sequencer Melodien erzeugen will, muss also entweder tricksen (indem man unterschiedliche Trigger-Ausgänge per Mixer auf den Pitch-CV-Eingang desselben Oszillators routet). Oder man benötigt ein weiteres Modul, das Steuerspannungen erzeugt.

Solltet ihr euch also eine Modulare Drummachine zusammenstellen wollen, könnte dafür ein reiner Drum-Sequencer ausreichen. Ich würde dennoch immer empfehlen, zumindest einen weiteren Sequencer zu nutzen, der auch CV-Werte ausgibt. Denn auch Drum-Sounds profitieren von dynamischen Parameterveränderungen.

Algorithmische Sequencer und Zufallssequencer

Die letzte große Kategorie bilden Sequencer, die auf mathematischen Modellen und Zufall basieren. Grundsätzlich gibt es diese Sequencer als reine Trigger-Ausführung, zur Erzeugung von Steuerspannungen, oder als Kombination. Der Unterschied zu den eingangs erwähnten Melodie- und Drumsequencern liegt nun in erster Linie in der Art der Wiedergabe.

Bei algorithmischen Sequencern erfolgt die Wiedergabe anhand von mathematischen Mustern. Die programmierten Sequenzen werden also nicht wie üblich von links nach rechts (bzw. rückwärts oder alternierend) durchlaufen. Vielmehr folgt die Wiedergabe einer vorgegebenen mathematischen Logik. Eine prominte Ausführung basiert etwa auf dem euklidischen Algorithmus. Ohne zu sehr auf die mathematische Grundlage einzugehen, eignen sich diese Sequencer in erster Linie zur Erzeugung spannender Rhythmen, die das klassische 4/4-Schema durchbrechen.

Ergänzt man diese Sequencer noch um dosierbare Zufallselemente, kann man sich schnell ein rhythmisches Perpetuum Mobile zusammenstellen. Und so überzeugen diese Sequencer häufig durch eine enorme Flexibilität auf kleinem Raum. Allerdings muss man sich diesen Mehrwert oft auch durch eine deutlich weniger intuitive Bedienung erkaufen. Möchte man hier gezielt Loops programmieren, sollte man auf jeden Fall konzentriert bei der Sache sein.

2. Worauf sollte man beim Kauf eines Euorack Sequencer achten?

Nachdem wir uns unterschiedliche Sequencer-Typen angesehen haben, kommen nun zu den Eigenschaften, auf die man bei der Anschaffung eines Eurorack Sequencers achten sollte. Dabei gibt es wie so oft kein richtig oder falsch. Vielmehr muss der Sequencer zu eurem System und eurem Workflow passen.

Patternlänge

Wenn ihr mit dem ganz klassischen Moog- oder Roland-Ansatz mit acht, zwölf oder sechzehn Steps zufrieden seid, ist die Patternlänge nahezu egal. Denn die meisten auf dem Markt erhältlichen Sequenzer fürs Modularsystem bieten mindestens acht Steps.

Sobald ihr aber komplexere Themen umsetzen wollt, solltet ihr unbedingt auch auf die maximale Patternlänge achten. 64 Steps scheint hier ein recht verbreitetes und meiner Meinung nach sinnvolles Format zu sein. Besonders dann, wenn man die Taktrate (Subdivisions) pro Spur noch frei bestimmen kann. Wichtig wäre hier nur, dass einzelne Sequencer-Tracks in unterschiedlichen Subdivisions (Taktauflösungen) laufen können. Denn nur so könnt ihr Pads oder Bass-Progressionen über weitere Takte hinweg erstellen.

Es gibt auch Sequenzer, deren Pattern eine nahezu unbegrenzte Länge haben können. In diesem Fall werdet ihr aber immer damit leben müssen, dass mit zunehmender Patternlänge auch die Übersichtlichkeit verloren geht. Und eben dieser Aspekt ist für viele User ein wesentlicher Grund, sich ein teures Modularsystem anzuschaffen.

Speicher

Solange der Sequenzer nicht über einen Speicher verfügt, müssen sämtliche Melodien oder Rhythmen direkt eingegeben werden. Das kann in puristischen Ambient und Techno Sessions durchaus seinen Reiz haben. Zumal in diesem Fall die Regler und Taster immer exakt das anzeigen, was ihr einprogrammiert habt.

Sobald ihr aber komplexe Live-Acts mit starken Variationen plant, oder im Studio an mehreren Tracks arbeitet, ist eine Speicherfunktionen ziemlich hilfreich. Alternativ könntet ihr auch mehrere Sequencermodule ohne Speicher verbauen und pro Track dann eben den anderen Sequencer verwenden, während ihr am nächsten bereits die nächste Melodie eingebt. Aber ganz ehrlich: Das ist am Ende nicht nur deutlich teurer, sondern belegt euch auch wertvollen Platz im Eurorack-Gehäuse. Meine Empfehlung lautet daher, gleich auf einen Sequenzer zu setzen, der Speicherplätze für eigene Kreationen bietet.

Swing (Shuffle)

Sollen eure Tracks grooven oder reicht auch ein starres Beatmuster? Falls ihr etwas Swing in die Tracks bringen wollt, sollte euer Sequencer „Shuffle“ anbieten. Gute Varianten bieten einen recht großen Umfang, der einzelne Noten nicht nur nach hinten versetzen, sondern auch nach vorne ziehen kann. So steht euch zwischen treibend und laid-back ein breites Spektrum zur Verfügung.

Anzahl der Spuren

Ein wesentlicher Aspekt bei der Suche nach dem perfekten Sequenzer ist auch die Anzahl der Spuren. Das Angebot reicht hier von simplen Modellen mit lediglich einem CV-Ausgang und Eingängen für Clock und Reset, bis hin zu komplexen Modular-Workstation, die etliche CV/Gate-Spuren mitbringen und zudem noch zahlreiche CV-Eingänge bieten.

Stellt euch hier einfach die Frage, ob der Sequencer eine allumfassende Rolle im System einnehmen soll? Oder sucht ihr eher eine alternative Ideenquelle für kleine Melodien, Klangmanipulationen oder rhythmische Loops, die euch spontanten Zugriff bietet?

Sonderfunktionen (Ratcheting, Quantisierung Trigger-Wahrscheinlichkeit und co)

Neben den eben aufgeführten Features spielen natürlich auch Sonderfunktionen eine Rolle für die Entscheidung, welchen Sequencer man sich zulegt. Die meisten davon lassen sich zwar mit Hilfsmodulen kompensieren. Aber es ist schon praktisch, alle direkten Sequencer-Funktionen in einem Modul zu haben.

Quantisierung

Allen voran steht für mich die Quantisierung. Denn vor allem analoge Eurorack-Sequencer, bei denen die Steuerspannung exakt der Reglerstellung entspricht, können schon mal leicht oder stark verstimmt sein.

Je nachdem, wie gut der davor sitzende Performer die Tonhöhe nach Gehör justieren kann. Und genau hier hilft eine Quantisierungsfunktion. Diese hilft euch dabei, die ausgehenden Steuerspannung auf eine vorgegebene Skala zu bringen, wodurch die Tonhöhen perfekt wiedergegeben werden. Hier würde ich einserseits darauf achten, dass mehrere und vor allem auch eigene Skalen möglich sind. Andereseits ist es praktisch, wenn man die Quantisierung deaktivieren kann, um auch mikrotonale Melodien oder fein dosierte Steuerspannungen auszugeben.

Ratcheting

Ratcheting dürfte vor allem die Traditionalisten der Berliner EM-Schule und PsyTrance-Producer interessieren. Hier werden einzelne Noten wiederholt und in definierbaren Abständen schnell hintereinander abgespielt. Dadurch werden die typischen Rrrrrt-Sounds erzeugt, die man häufig auf Produktionen dieser Genres hört.

Trigger-Wahrscheinlichkeit

Trigger-Wahrscheinlichkeiten wiederum sind besonders dann spannend, wenn man mehr Lebendigkeit und Abwechslung in starre Sequenzen bringen will. Hier werden einzelne Noten nach vorgegebener Wahrscheinlichkeit abgespielt (oder eben nicht).

3. Die besten Eurorack Sequencer für Modularsysteme: Top 5

Nach der ganzen Theorie kommen wir nun zu ein paar konkreten Produktempfehlungen. Wie eingangs bereits erwähnt, hat diese Liste keinen Anspruch auf Vollständigkeit, denn jeder Workflow ist anders. Bei der Zusammenstellung ging es mir vor allem darum, einerseits den Low-Budget-Bereich abzudecken. Andererseits auch Module aufzuführen, die zwar auf den ersten Blick teuer erscheinen, die aber ein hervorragendes Preis-Leistungsverhältnis aufweisen. Somit sind diese Lösungen bei näherer Betrachtung in der Lage, mehrere Zusatzmodule zu ersetzen.

Falls ihr euch anfangs für eine LowBudget-Lösung entscheidet, um erstmal Erfahrungen mit dem Konzept „Modular Sequencer“ zu machen, ist das auch eine gute Strategie. Denn nicht jedem liegt das mitunter etwas starre Konzept eines Sequencers. Gerade in elektronischer Musik sind hypnotisch treibende Sequencer-Lines aber ein wesentliches Element. Und dabei sind diese Module eine ziemliche Hilfe.

Intellijel Metropolix

Mit dem Metropolix hat Intellijel einen intuitiv bedienbaren Sequencer im Programm, der einige spannende Features mitbringt. Auf 34 TE werden zwei CV/Gate-Spuren über insgesamt 16 Schalter und acht Fader programmiert. Während die Aufgabe der CV-Fader als Pitch-Steuerung auf den ersten Blick erkennbar ist, muss man sich die Funktionsweise der Schalter erstmal verinnerlichen.

Kurz gesagt bestimmt man mit der ersten Reihe die Anzahl der Wiederholungen pro Step und mit der darunter liegenden Tasterreihe die Dauer des einzelnen Wiederholungsimpuls. Das kann von kurzen Triggern bis hin zu gehaltenen Noten über die gesamten acht Wiederholungen reichen.

Zwar ist der Metropolix nur in der Lage, acht Notenwerte einzugeben, wodurch vielleicht der Eindruck entstehen könnte, er verfüge nur über acht Steps. Gerade aber in Kombination mit den flexiblen Gate- und Wiederholungswerten sind Pattern mit bis zu 64 Steps möglich. Durch den direkten Zugriff entstehen hierbei auch schnell Melodien und Rhythmusmuster, auf die man höchstwahrscheinlich nicht von alleine gekommen wäre.

Speicherplätze für bis zu 64 Presets, Quantisierung, sowie Shuffle und Modulationstracks runden die Ausstattung ab. Ohne in eine akademische Parameterschlacht auszuarten, bleibt der Intellijel Metropolix dabei immer gut bedienbar. Dadurch ist der Metropolix für mich auch eine klare Empfehlung für alle, die einen intuitiven Sequencer suchen, dabei aber nicht auf Flexibilität verzichten wollen.

Winter Modular Eloquencer

Das spanische Unternehmen Winter Modular hat mit dem Eloquencer einen der leistungsfähigsten Sequencer fürs Eurorack entwickelt. Durch zahlreiche Funktionen, Songmodus, Pattern mit bis zu 64 Steps und individueller Länge, sowie komplexe CV-Modulationen ist der Eloquencer eine kleine DAW fürs Eurorack-System. Unterstrichen wird das durch jeweils acht CV und Gate-Tracks, die unabhängig voneinander Spannungen ausgeben. So könntet ihr einige Gate-Ausgänge nutzen, um Drums abzufeuern, während die CV-Spuren Filterfahrten steuern.

Im Gegensatz zu einem Intellijel Metropolix, oder den WYSIWYG-Sequencern von Behringer oder Doepfer, muss man sich beim Winter Modular aber auch auf eine recht umfangreiche Lernphase einlassen. Zwar ist das Konzept durchdacht und schlüssig, aber der Funktionsumfang ist schlicht zu groß, als dass man das Modul nach ein paar Tagen vollumfänglich begreift.

Zur Webseite von Winter Modular

Squarp Instruments Hermod+

Neben dem Winter Modular Eloquencer ist auch der Squarp Instruments Hermod eine hervorragende Sequencer-Zentrale fürs Euroracksystem. Mit zahlreichen Anschlüssen ausgestattet und insgesamt sehr benutzerfreundlicher Bedienung überzeugt das Modul des französischen Herstellers durch eine enorme Funktionsvielfalt auf geringem Raum.

Und genau hier liegt für mich auch die Stärke des Hermods: Mir ist kein Sequencer bekannt, der bei so wenig Platzbedarf so viel Funktionen bietet. In der neuen Variante Hermod+ gibt es nun auch 16 Pads, über die sich einzelne Steps programmieren lassen. Alternativ kann man seine Ideen auch direkt einspielen. Dafür bietet Hermod+ Eingänge für MIDI, CV/Gate und sogar einen USB Host. Zusätzlich punktet das Modul durch etliche MIDI-(Mod)-Effekte wie LFO, Arpeggiator, Delay uvm.

Wer möchte, kann man den Squarp Hermod auch als umfangreich ausgestattetes 8-fach MIDI/CV-Gate Interface verwenden, die Ausgänge als Modulations-Tracks nutzen, oder Clock-Signale ausgeben. Praktisch: Da das Modul über einen USB Host verfügt, kann man hier direkt einen Controller anschließen und diesen auch gleich mit Spannung versorgen. Nebenbei ist der Sequencer auch in der Lage, einzelne Spuren polyphon über MIDI (USB und MIDI) auszugeben. Oder man nutzt den MIDI-Ausgang einfach, um eine externe Drum-Machine zu syncen.

Falls ihr mittelfristig weitere Spuren benötigt, gibt es mit dem xp32 zudem ein Erweiterungsmodul. Dieses erweitert den ohnehin schon umfangreichen Sequencer noch um satte 32 frei zuweisbare (CV/Gate/Mod/Clock) Ausgänge. Insgesamt hat man dann 16 Tracks im direkten Zugriff, plus MIDI Tracks und etliche Modulationsmöglickeiten.

Erica Synths Black Sequencer

Zwar bietet der Black Sequencer von Erica Synths nicht ganz so viele Spuren wie Hermod+ oder der Eloquencer. Dafür ist der Black Sequencer ein exzellenter Kompromiss aus Funktionsvielfalt und intuitiver Bedienung.

Die Eingabe der CV- und Gate-Werte erfolgt bei diesem Eurorack-Sequencer über die 16 Drehregler auf der rechten Seite. Gleichzeitig programmiert man hierüber auch die Gate-Befehle, indem man per Druck die einzelnen Steps (de-)aktiviert.

Jede der vier Gate- / CV-Spuren kann eine Länge von bis zu 64 Steps haben. Polymetrik ist natürlich ebenso möglich wie Quantisierung nach vorgegebenen Skalen, Ratcheting und unterschiedliche Gate-Längen pro Step. Desweiteren stehen vier separate Modulationsspuren zur Verfügung, um Lebendigkeit in eure Pattern zu bringen.

Der Black Sequencer ist mit rund 600 € zwar das teuerste Modul in dieser Liste. Allerdings bieten hier der kompromisslose Ansatz und die intuitive Bedienung ein solides Preis- /Leistungsverhältnis.

Behringer 182 und 960

Wer es ganz klassisch haben möchte, sollte sich die beiden Eurorack Sequencer von Behringer einmal ansehen. Behringer 182 basiert auf Rolands Sequencer aus dem System 100m, während der 960 Sequential Controller den gleichnamigen Sequencer aus dem Moog Modular als Vorbild hatte.

Beide Sequencer sind als Step-Sequencer ausgeführt, wobei der 960 insgesamt noch mehr Funktionen bei deutlich höherem Platzbedarf bereitstellt. In je drei unabhängigen Spuren können beim 960 Sequential Controller CV-Werte für bis zu acht Steps eingestellt werden. Die einzelnen Schritte lassen sich alternativ muten oder überspringen, und bieten darüber hinaus pro Step einen eigenen Trigger-Ausgang, um Modulationsziele im Euroracksystem zu steuern. Die dritte Reihe kann im 960 übrigens auch dafür verwendet werden, um das Timing der einzelnen Steps zu steuern. Dadurch sind auch exotischere Funktionen wie Ratcheting möglich.

4. Fazit: Die besten Eurorack Sequencer für Modularsysteme

So unterschiedlich die Sequencer-Konzepte sind, so individuell verschieden sind auch die Ansprüche der User. Eine klare Empfehlung auszusprechen, kann also nicht funktionieren.

Falls ich einen kreativen Performance-Sequencer suchen würde, wäre sehr wahrscheinlich der Intellijel Metropolix meine erste Wahl. Außergewöhnliches Konzept und intuitive Bedienung ergeben eine perfekte Live-Einheit. Wenn es etwas konventioneller, aber dennoch Live-orientiert sein soll, wäre der Black Sequencer von Erica Synths mein Favorit. Beide sind in ihrem Funktionsumfang wiederum etwas limitiert, wenn eine Steuerzentrale gesucht wird.

Als umfangreich ausgestatten DAW-Ersatz sehe ich den Squarp Hermod+ ganz weit vorne. Hier stimmt das Verhältnis von Funktionsumfang, Spuren und intuitiver Bedienung einfach. Die Flexibilität des Hermod+ steht hier ganz vorne, vor allem, wenn es über klassische CV/Gate-Anwendungen hinausgeht, oder auch exotischere Steuerspannungen benötigt werden.

Für kleine Systeme reichen aber auch die Budget-freundlichen Sequencer von Behringer. Vor allem, wenn es darum geht, sich erstmal überhaupt mit dem Sequencer-Konzept vertraut zu machen.

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Behringer MS-5 Test

Angelehnt an den Roland SH-5 bietet der Behringer MS-5 einen Sweetspot-Sound mit umfangreichen Möglichkeiten zum Sounddesign. Dazu zählen zwei analoge VCOs mit Sync und Ringmodulation, Rauschen (weiß/rosa), 2 LFOs mit unterschiedlichen Wellenformen, sowie S&H. Richtig spannend wird es dann in der Filterabteilung, wo ein Multimodefilter mit Resonanz auf ein zusätzliches Bandpassfilter, ebenfalls mit Resonanz, trifft.

Erster Eindruck

Beim Auspacken fällt als erstes das Gewicht des MS-5 auf. Wie bereits andere Synthesizer dieser Serie, etwa der MonoPoly oder der Poly D, bringt auch der MS-5 rund 10 kg auf die Waage und gehört damit wahrscheinlich nicht zu den Synths, die man mal eben mitnimmt. Insgesamt 71 Bedienelemente ermöglichen einen direkten Zugriff auf alle relevanten Parameter.

Wer es sich zutraut, kann auf der Rückseite des klappbaren Panels noch zahlreiche Feinjustierungen per Trim-Potis vornehmen. Das empfehle ich nur versierten Usern, weil man hier schnell kaputt optimieren kann. Aber grundsätzlich ist es gut, dass man bei Behringer diese Möglichkeit geschaffen hat.

Die Verarbeitungsqualität geht in Ordnung, war aber bei Behringer schon einmal besser. Möglicherweise hatte ich auch eine Montags-Unit erwischt, aber der Pitchbender funktionierte nicht zuverlässig und auch die Oktavumschalter bei den Oszillatoren reagierten erst, als eine Note neu angeschlagen wurde. Auch die Tastatur fühlte sich etwas labbrig an – insgesamt nicht schlecht, aber auch nicht überragend. Trotzdem: Für einen Straßenpreis von knapp 500 € kann man nicht meckern.

Anschlüsse

Auf der Rückseite wartet eine erfreulich flexible Auswahl an Anschlüssen. Die Standards wie MIDI Trio, USB MIDI, Kopförer- und Line-Out, sind hier natürlich vorhanden. Darüber hinaus finden sich aber auch CV/Gate-Schnittstellen in beide Richtungen, ein Audioeingang, sowie vier weitere 6,3 mm Klinkeneingänge für Expression-Pedale.

Oszillatoren

Die zwei Oszillatoren des MS-5 bieten jeweils Dreieck, abfallender Sägezahn, Rechteck und Pulse mit variabler Pulsbreite. Die Oktavlagen reichen jeweils von 32′ bis hin zu 2′, bei Bedarf entkoppelt ein Kippschalter den zweiten Oszillator vom Keyboard-Tracking.

Im Detail unterscheiden sich die beiden Oszillatoren in der Wahl der Modulationsquellen für Pitch und PWM. Während sich die Pulsbreite beim ersten Oszillator etwa entweder durch den LFO (Puls / Dreieck) oder manuell bestimmen lässt, erfolgt die PWM des zweiten Oszillators über die ADSR-Hüllkurve oder manuell. Das ist ein guter Kompromiss, der in der Praxis genügend Flexibilität ermöglicht.

Die Oszillatoren klingen kraftvoll und auch die Rechteckschwingung liefert denn herrlich bauchigen Plastiksound, den man von vielen Rolandgeräten kennt. Wem das nicht reicht, kann darüber hinaus die Schwingungen mit Ringmodulation und Sync (hard und soft) weiter verbiegen. Gut gelöst ist, dass man beim Ringmodulator auch externe Signale einspeisen, oder die LFOs statt des zweiten Oszillators reinrouten kann.

Abschließend erhält man mit Rauschen (weiß/rosa) noch eine Signalquelle für geräuschhaftes oder Schmutz. Gerade in Verbindung mit den zwei Filtern hilft das zusätzliche Rauschen bei der Erstellung von Vokal-artigen Effektsounds.

Die Mixersektion: Ein echtes Highlight im Behringer MS-5

In der üppig ausgestatteten Mixersektion nimmt man schließlich das Filterrouting für die einzelnen Signalquellen vor. Und diese ist ein echtes Highlight. Denn im Mixer hat man nicht nur Zugriff auf die Lautstärke aller Klangbausteine, man kann zudem noch jedes Signalelement entweder nur einem der beiden Filter zuweisen, parallel in beide Filter, oder ganz am Filter vorbei routen.

Mittlerweile bieten immer mehr Hersteller dieses Feature an und ich würde mir sehr wünschen, dass es ein zukünftiger Standard wird. Denn auf diese Weise eröffnen sich noch einmal ganz andere Möglichkeiten fürs Sounddesign, indem man bis zu drei unterschiedliche Sounds kombinieren kann.

Der Behringer MS-5 bietet zwei unabhängige Filter

Weiter geht es ins Filter, oder besser gesagt, in eines der Filter. Denn der Behringer MS-5 kommt mit zwei unabhängigen Filtern, von denen eines eine vollwertige Multimode-Variante mit Lowpass, Bandpass und Hochpass ist. Dieses ist in allen drei Varianten zur Selbstoszillation fähig, der Tiefpass arbeitet mit 24dB, das Hochpass kommt als 1-Pol-Variante mit 6dB Flankensteilheit.

Gerade das Tiefpassfilter packt ordentlich zu, der klangliche Gesamteindruck verliert aber durch die etwas zu trägen Hüllkurven etwas an Punch. Das muss nicht unbedingt schlecht sein, denn generell ist der MS-5 eher ein Sweetspot-Synth, der nie so richtig aggressiv oder zackig wird.

Das zweite Filter ist ein resonanzfähiger Bandpass, allerdings im Gegensatz zum Multimode-Filter ohne Möglichkeit, die Frequenz per Hüllkurve oder LFO zu automatisieren.

Dennoch ist es eine willkommene Ergänzung, die bei höheren Resonanzwerten die Welt für vokale Effektklänge und Bandpass-Leads eröffnet. Spannend ist auch der parallele Einsatz beider Filter, bei denen man die Oszillatoren und Rauschen in unterschiedliche Filter routet.

Behringer MS-5 Modulationsmöglichkeiten

Zur automatischen Klangmanipulation finden sich im MS-5 zwei LFOs, eine S&H-Einheit, sowie zwei Hüllkurven. Die Zuweisung der Modulationsquellen erfolgt immer in der jeweiligen Sektion der Klangerzeugung und ist fest vorgegeben. Das klingt auf den ersten Moment vielleicht etwas einschränkend, ist aber so flexibel gelöst, dass es die meisten Standardanwendungen locker abdeckt. Metamodulationen oder andere komplexe Routings sind zwar nicht möglich. Das hätte ich aber von einem Synth auch nicht erwartet, der sich von einem Gerät aus den 70er-Jahren inspiriert zeigt.

LFOs

Die beiden LFOs unterscheiden sich komplett voneinander. Handelt es sich beim ersten um eine Sägezahn- / Ramp-Variante, kann man beim zweiten LFO zwischen Dreieck, Puls und Sinus wählen. LFO 2 verfügt darüber hinaus noch über eine Verzögerungsstufe.

Die Frequenz der LFOs reicht von ultralangsamen 0,1 Hz bis 20 Hz und damit ganz leicht in den hörbaren Bereich. Schade ist, dass sie bei jedem Tastenanschlag neu getriggert werden. Das mag Vorteile haben, wenn man die LFOs als zusätzliche Minimalhüllkurve nutzen will. Spätestens aber, wenn man subtile, langsame Modulationen auf einen Arpeggio-Sound legen will, stößt man schaltungsbedingt an die Grenzen des MS-5. Hier hätte ich mir einen Kippschalter gewünscht, mit dem man schnell den LFO-Reset von der Tastatur entkoppeln kann.

S&H

Ausgestattet mit eigener Clock (LFO) und Lag, ist die S&H-Einheit des MS-5 in der Lage, sowohl die Tonhöhe des ersten VCOs als auch die Filterfrequenz zu modulieren. Zusätzlich kann man die S&H-eigene Clock zum Triggern der Hüllkurve verwenden. Als Sampling-Quelle kann man zwischen Noise (für Zufallsspannungen) und den beiden LFOs frei wählen.

Hüllkurven

Der Behringer MS-5 bietet zwei Hüllkurven, einmal als klassische ADSR- und einmal als AR-Variante ausgeführt. Zwar sind die Hüllkurven des MS-5 nicht von der schnellsten Sorte – das gilt vor allem für die AR-Variante. Trotzdem ist der MS-5 in der Lage, kräftige Bässe und Leads zu erzeugen. Wer es klickend möchte, muss sich jedoch woanders umsehen oder mit einem Kompromiss leben.

Beide Hüllkurven lassen sich auf verschiedene Weisen retriggern, unter anderem auch über die LFOs. Damit lassen sie sich schnell zu einem LFO mit alternativer Schwingungsform umfunktionieren. In dieser Betriebsart kann man mit der ADSR-Hüllkurve bei kurz eingestellter A/D-Zeit durchaus auch Klickendes erzeugen.

Behringer MS-5 Test: Fazit

Der Behringer MS-5 ist ein vielseitiger Synth mit sehr rundem Klang und tollem Bassfundament. Gerade die Kombination der zwei Filter ist spannend für vocal-artige Psytrance-Sounds. Das freie Filterrouting ist ein weiterer Pluspunkt. Falls man auf der Suche nach extremeren Experimentalsounds ist, sollte man sich aber woanders umsehen.

Und noch etwas am Ende: Die hier verwendete Unit hatte ein Problem mit der Umschaltung der Oktavlage der VCOs. Hin und wieder kam es vor, dass die Klangänderung erst bei einem neuen Notenanschlag erfolgte. Nicht dramatisch, aber auch nicht optimal. Möglicherweise kann man das via Software-Update beheben.

7.8 TOTAL SCORE

Behringer MS-5 Synthesizer

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Sound 7

Features 8

Bedienung 9

Preis/Leistung 7

PROS

• Flexible Routing-Möglichkeiten
• Zwei gut klingende Filter
• Vielseitige Möglichkeiten fürs Sounddesign

CONS

• Träge Hüllkurven
• Re-Trigger der LFOs nicht abstellbar

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Der Beitrag Behringer MS-5 Test: monofoner Analogsynth im Stil des SH-5 erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Neben dem opsix, multi/poly und dem Wavestate ist der Korg modwave die vierte Synthesizervariation des Herstellers im 37-Tasten-Format. Dieses Mal widmet sich Korg der Wavetable-Synthese, wobei man nicht den Fehler machen sollte, den modwave hierauf zu reduzieren. Denn unter der Haube versteckt sich eine flexible Soundengine, wodurch sich der Synthesizer perfekt für Ambient, Techno und andere elektronische Musik eignet. Mehr dazu gibt es gleich im Korg modwave Test. Doch starten wir zuerst mit einem Video, das den Racker in Aktion zeigt.

Korg modwave Test: Erster Eindruck und Verarbeitung

Wie schon beim Korg opsix überraschte mich beim Auspacken das extrem geringe Gewicht des Synthesizers. Jetzt könnte man schnell den Fehler machen und höheres Gewicht mit Qualität gleichzusetzen. Und sicherlich ist ein Metallgehäuse in vielen Fällen einer Plastikvariante überlegen.

Andererseits wirkt der modwave auch trotz der Plastikummantelung auch für den Bühneneinsatz noch robust genug. Falls das Teil mal herunterfallen sollte, fällt es schließlich auch mit weniger Gewicht. Aber mal im Ernst: Wenn man häufiger mit Equipment unterwegs ist, sei es für Studiojams oder auf Tour, wird man sich über jedes gesparte Kilo freuen.

Die Potentiometer und Taster des Korg modwave bewegen sich in der Mittelklasse. Der Drehwiderstand ist ein Stück höher als beispielsweise beim Modal ARGON8, aber immer noch weit entfernt von einem Sequential OB-6 oder einem Nord Lead. Die Tastatur hingegen ist wie schon beim opsix nicht so gelungen, wobei ich hier am ehesten noch Aftertouch vermisse. Denn so eine grandiose Soundengine schreit förmlich danach, mit Aftertouch geformt zu werden. Immerhin kann man das als Modulationsquelle hinzufügen, aber es fühlt sich schon sehr nach subotpimalem Kompromiss an.

Auf der Rückseite verstecken sich leicht versenkt die Anschlüsse, von denen es hier die Durchschnittsausstattung gibt: USB (MIDI und Datenübertragung) und MIDI Duo, ein Fußpedalschalter, sowie Stereo- und Kopfhörerausgang. Das ist kein Luxus, reicht aber für die meisten Anwendungen.

Struktureller Aufbau des modwave

Solange man sich durch die Werks-Performances (die meiner Meiung nach für elektronische Musik eher unterdurchschnittlich sind) hangelt, ist noch alles in Ordnung. Sobald man allerdings eigene Presets erstellen möchte, kann einen der Aufbau des modwave erstmal etwas verwirren. Daher gehe ich erstmal auf die Struktur ein.

Performances und Layer

Der größte Unterschied gegenüber den meisten Synths liegt in der fundamentalen Aufteilung von Performances und Layern. Eine Performance besteht aus zwei Layern, wobei man die Layer einzeln deaktivieren kann, wenn man möchte.

Ein Layer wiederum ist das, was man bei den meisten Synths wohl als Preset wiederfindet. Das Sounddesign erfolgt dann auch so gut wie ausschließlich auf Layer-Ebene. Im Performance-Modus werden die einzelnen Layer dann Tastaturbereichen zugeordnet, Lautstärken und Panoramawerte festgelegt, oder Performance-Controller zugewiesen.

Wavetable-Oszillatoren

Pro Layer gibt es beim Korg modwave zwei Oszillatoren plus zusätzlichem Suboszillator, der alternativ auch Noise bereitstellt. Die Oszillatoren greifen entweder auf eine Wavetable-Bank hinzu, oder ermöglichen alternativ im A/B-Betrieb die stufenlose Überblendung von zwei unterschiedlichen Wavetables. Dadurch entstehen wiederum etliche neue hybride Schwingungsformen, die sich je nach gewähltem Algorithmus noch weiter verformen lassen. Über dreißig Algorithmen stehen dafür bereit, die mal die Bitrate der Schwingungsformen reduzieren, Harmonische oder Unharmonische entfernen und vieles mehr. Zusätzlich gibt es noch dreizehn Morphing-Algorithmen, die das Klanggeschehen in Echtzeit manipulieren und eine spannende Quelle für Modulatoren darstellen.

Ab Werk finden sich bereits 200 Wavetables, von denen jede bis zu 64 einzelne Schwingungsformen enthält. Als wäre das nicht schon ein üppig ausgestattes Angebot, hat man darüberhinaus noch die Möglichkeit, eigene Wavetables in den modwave zu laden.

Spätestens an dieser Stelle ist man in der Lage, etliche neue Sounds zu kreieren und hätte dabei noch nicht einmal die Filter- oder Effektebene bemüht. Das Klangpotential des Korg modwave ist bereits auf Oszillatorebene immens! Natürlich sind mit den Standardschwingungsformen Sägezahn, Pulse etc. auch klassische Analogsounds möglich. Meiner Meinung nach würde man hier aber lediglich an der Oberfläche kratzen. Und wenngleich der modwave in der Lage ist, kräftigen Tiefenschub zu erzeugen, würde ich für klassische Analogsounds dann auch eher entsprechende Synthesizer bevorzugen.

Samples

Alternativ kann man die Wavetable-Oszillatoren des Korg modwave auch in einen Sample-Wiedergabe-Modus umstellen. Zwar steht in dieser Betriebsart ein Großteil der Synthesefunktionen auf Oszillatorebene nicht mehr zur Verfügung und man muss sich auf Ring-und AM-Modulation beschränken.

Nichtsdestotrotz ist die Möglichkeit, Samples in die Klangerzeugung einzubinden ein echter Gewinn. Denn Korg hat einerseits bereits eine umfangreiche Sammlung an gut klingender Samples mitgeliefert. Andererseits ist es sogar möglich, eigene Samples per Sample-Editor über den Computer zu importieren.

Besonders gut gefallen haben mir die Streicher- und Pad-Samples, wobei man dem Sample-Vorrat insgesamt eine Tendenz in Richtung 90s Rompler attestieren darf. Das ist definitiv nichts schlechtes, nur sollte man vom modwave eben keine HiEnd-Akustiksamples erwarten, wie man sie von einigen Software-Libraries kennt. Und besonders bei der kreativen Nutzung der Sample-Library, wie etwa bei extremen Tunings, kommen hier sehr spannende, granulare Artefakte zum Vorschein, die man hervorragend für Ambient-Texturen nutzen kann.

Korg modwave Filter

Ein weiteres Highlight des Korg modwave ist die umfangreiche Filtersektion, die neben der Rekreation der Filter aus dem Polysix und MS-20 auch diverse Kombinationen bereitstellt. Jetzt muss ich als Korg MS-20 Fan sagen, dass die verbauten Filter nur recht wenig mit dem Vorbild gemeinsam haben. Man erkennt wohl eine Tendenz, das aggressiv knurrende Filter des MS-20 ist hier aber insgesamt eher etwas zahm und eindimensional gehalten. Für die meisten Bässe und Leads geht der Sound dennoch mehr als in Ordnung, sofern man keine super authentische Nachbildung erwartet.

Insgesamt neigen die Filter im modwave auch eher zu einem wohlklingenden HiFi-Sound. Wer aggressive Klänge sucht, sollte hierfür also eher in der Oszillatorebene beginnen und in der Effektebene abrunden. Denn aggressivere Sounds sind definitiv möglich, nur eben nicht so schnell über die Filter.

Modulationsmatrix

Um nun ordentlich Bewegung in den Sound zu bringen, verfügt der Korg modwave über eine Modulationsmatrix. Hier werden Modulationsquellen mit ihren -zielen verknüpft. Dazu stehen insgesamt 5 Envelopes, vier LFOs, umfangreiche Mod-Sequencer und zahlreiche Performance-Controller zur Verfügung. Und das pro Layer!

Zusätzlich lässt sich ein weiterer Controller – wie etwa Modwheel, Kaoss Pad oder Velocity – zuweisen, der die Modulationsintensität regelt. Ich bin im Verlauf der Soundkreation nicht einmal an die Grenzen der Zuweisungen gestoßen und das, obwohl ich mitunter sehr komplexe Zuweisungen in meinen Patches vornehme. Hier hat Korg vorbildlich abgeliefert. Wenn nicht die anfangs etwas unintuitive Bedienung wäre. Doch auch dafür gibt es einen wichtigen Trick, den man sich gleich am Anfang fest merken sollte.

Tipp: Modulationen weist man im Korg modwave ganz einfach zu, indem man zuerst die MOD-Taste hält und dann die Taste „PAGE+“ drückt. Nun wählt man bequem das Modulations-Ziel aus, indem man den korrespondierenden Regler bewegt. Versteckt sich das Ziel hinter einer Shift-Taste, sollte diese natürlich vorher gedrückt werden. Im nächsten Schritt wählt man dann auf gleiche Weise die Modulationsquelle aus und bestätigt mit „Enter“. Nun ist die Verknüpfung hergestellt und man kann bei Bedarf noch einen weiteren Controller zuweisen, der die Mod-Intensität steuert.

Kaoss Pad

Eines der Highlights im Korg modwave ist das Kaoss Pad, das recht auffällig im oberen linken Teil der Oberfläche sitzt. Hierbei handelt es sich um ein X-/Y-Touchpad, dem man über die Modulationsmatrix Parameter frei zuweisen kann. Mit dem Finger bewegt man nun einen Punkt, bzw. „Ball“ durch das Feld und steuert je nach Zuweisung mehrere Parameter gleichzeitig.

Soweit ist das schon ganz cool. Richtig spannend wird es aber, wenn man tiefer in die Kaoss Pad „Physics“-Algorithmen einsteigt. Denn hiermit legt man fest, wieviel „Schwerkraft“ das frei verschiebbare Zentrum besitzt, wie stark der „Ball“ von den vier Seiten abprallt – und das lässt sich sogar pro Seite festlegen – und vieles mehr. Einmal angeschubst, kann der Ball dann theoretisch ewig zirkulieren, beschleunigen, abbremsen etc.

In der Praxis funktioniert das auch gut und bringt ordentlich Bewegung in den Sound. Mitunter ist das recht chaotisch, lässt sich mit etwas Übung und Fine-Tuning der Physics aber auch gezielt zum Takt bewegen. Unterm Strich macht das Kaoss Pad wahnsinnig viel Spaß und ist eine echte Bereicherung. Ich hoffe, wir sehen diesen Controller zukünftiger häufiger in Synths.

Effektebene des Korg modwave

Auch bei der Effektausstattung hat Korg ordentlich abgeliefert. Grundsätzlich gibt es pro Layer drei Effektslots und einen weiteren Mastereffekt mit Reverb und EQ, der per Send anteilig einer Perfromance zugewiesen wird.

Die drei Effektslots teilen sich auf in PreFX, Modulations-Effekte und Delay. PreFX deckt dabei vom Kompressor über BitCrusher bis hin zu Amp-Simulationen eine gute Auswahl ab. Im Modulationsbereich stehen Chorus, Ensemble, Phaser- und Flanger-Effekte bereit, während die Delay-Sektion von komplexen Multitap-Delays bis hin zur Bandsimulation nahezu alle relevanten Varianten abdecken dürfte.

Klanglich geht die Effektabteilung des Korg modwave absolut in Ordnung und ist vergleichbar mit Effektgeräten im mittleren Preissegment. An die hochwertigen Reverbalgorithmen etwa eines Empress Reverb reicht es nicht heran, aber für eine interne Effektsektion ist das Gebotene mehr als ausreichend.

Sequencer und Arpeggiator

Anders als im opsix oder dem Minilogue XD handelt es sich beim Sequencer im Korg modwave um einen reinen Modulationssequenzer, der es allerdings echt in sich hat. Alle Funktionen aufzuzählen würde die Länge dieses Tests wahrscheinlich verdoppeln. Daher beschränke ichmich auf das wesentliche:

Vier Sequenzen, dazu weitere mit Timing-Informationen, Tonhöhe und Step Shaping (quasi Mini-Hüllkurven pro Step) können in ihrer Länge frei bestimmt und unabhängig voneinander geloopt werden.

Den vier Sequenzen wiederum lassen sich etliche Klangparameter frei zuweisen. Dadurch sind wahnsinnig komplexe Klangverläufe und Rhythmusmuster möglich, die sich einerseits Off-Beat bewegen können, letztlich bei Bedarf aber immer zum Takt des Tracks zurückfinden. Das ist gleichermaßen für bewegte Ambient-Texturen spannend, wie für subtile Veränderungen bei Melodic Techno Leads oder expermientelle Drones. Selbst Drum-Arrangements ließen sich erstellen. Allerdings wäre mir der Aufwand dafür dann doch etwas zu hoch.

Dem hochkomplexen Sequencer steht ein unterkomplexer Arpeggiator gegenüber, der wirklich nur Standardkost abliefert. Hier hätte ich mir eigene Pattern gewünscht oder zumindest ausgefallenere Werkspresets gewünscht. Aber unterm Strich ist das auch nichts, was den positiven Gesamteindruck trüben würde.

Der Editor

Um seine Performances zu verwalten oder Patches bequem am Computer zu editieren, bietet Korg einen kostenlosen Editor für den modwave an. Einmal gestartet, muss der Korg modwave nur mit dem Computer verbunden werden und das Gerät wird automatisch erkannt.

Die Arbeit mit dem Editor macht Spaß, wenngleich ich hier ein frei skalierbares Fenster vermisst habe. Auch empfand ich kurioserweise die Zuweisung von Modulationen mit der oben genannten Kombination am Gerät intuitiver als über den Editor. An andere Stelle war ich wiederum froh, Parameter wie Note Random, die sich recht tief in Untermenüs verstecken, direkt im Zugriff zu haben.

Vor allem aber für die tiefgehende Programmierung des Mod Sequencers oder der Effekte ist der Editor sinnvoll. Auf einige Parameter hat man zudem auch ausschließlich über den Editor Zugriff, was ich vor allem beim Feintuning der Effekte als störend empfand. Denn so musste man den Korg modwave immer wieder mit dem Rechner verbinden, um etwa EQ-Einstellungen im Delay vorzunehmen.

Korg modwave: Mitbewerber?

Neben dem Korg modwave kamen gerade in den letzten Jahren einige andere spannende Wavetablesynths auf den Markt. Neben dem ASM Hydrasynth sind vor allem der MODAL ARGON8 und der jüngst vorgestellte Waldorf M zu nennen.

Während der Grundsound des MODAL ARGON8 insgesamt deutlich softer daherkommt und ihm eigentlich nichts wirklich Brutales gelingen möchte, deckt Waldorf mit dem M die andere Seite des Spektrums ab. Hier ist der originale Microwave Pate, weshalb sein ungeschliffener Grundsound nicht überrascht.

Am ehesten könnte also noch der ASM Hydrasynth im gleichen Becken mitschwimmen. Preislich liegen beide Synthesizer in der gleichen Region, wobei der modwave hinsichtlich der Ausstattung noch mehr auf die Waage bringt. Der Hydrasynth hingegen überzeugt durch seine insgesamt wertigere Verarbeitung und – in der Keyboardvariante – deutlich bessere Tastatur inklusive polyphonem(!) Aftertouch.

Einen klaren Gewinner kann ich nicht nennen, dafür sind die persönlichen Geschmäcker einfach zu verschieden. Wer auf Flexibilität wert legt, sollte sich mal Hydrasynth und Korg modwave ansehen. Analoge Filter und einen rohen Grundsound gibt es nur mit dem Waldorf M. Wer einen flexiblen Wavetablesynth im kompakten Format sucht, der eher zahm klingt, ist mit dem ARGON8M gut versorgt.

Korg modwave Test: Fazit

Als der Korg modwave vorgestellt wurde, erzeugte das bei mir maximal ein müdes Achselzucken. Wie falsch ich mit dieser Einschätzung lag! Dieser Synth ist für mich eines DER Highlights der letzten Jahre. Ein wahnsinnig umfangreiches Klangpotential, eine durchdachte Bedienung – wenn man sich erst einmal eingearbeitet hat – und nichtzuletzt etliche Performance-Features: Der modwave dürfte sich gleichermaßen im Studio wie auf der Bühne wohlfühlen.

Klanglich ist er eher auf der HiFi-Seite, wobei auch dunkle Ambient-Texturen und aggressive Techno-Sounds möglich sind. Durch die Kombination aus Wavetable- und subtraktiver Synthese kann ich diesen Synth selbst Einsteigern ans Herz legen, sofern man bereit ist, sich etwas mit der Architektur auseinander zu setzen. Für den Preis von knapp 700 € hat Korg mit dem modwave echt abgeliefert.

9.0 TOTAL SCORE

Korg modwave II Test

Buy Now

Sound 9

Features 10

Bedienung 9

Preis/Leistung 8

PROS

• Umfangreiche Ausstattung
• Flexible Klangerzeugung
• Editor inklusive

CONS

• Tastatur nicht optimal

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Korg microKORG 2 auf einen Blick

• VA-Synthesizer mit 37 anschlagdynamischen Minitasten
• Bis zu 256 Presets in 4 Bänken
• Step-Arpeggiator und Loop Recorder
• Umfangreiche Effektsektion inklusive Vocoder, Autotuner und Harmonizer
• Perfekt für: Einsteiger und Live-Performer
• Batteriebetrieb möglich

microKORG 2 Test: Erster Eindruck

Rein optisch erinnert der microKORG 2 mit seinen abgerundeten Elementen auf dem Panel an Korg-Modelle der späten 90er und frühen 2000er. Damit steht sein Design in der Tradition der Trinity-Ära, was ich ansprechend finde, was aber letztlich immer Geschmacksache ist.

Trotz des geringen Gewichts vermittelt der Synth einen soliden Eindruck. Ähnlich wie schon beim Vorgänger traue ich dem Synth durchaus zu, auch nach jahrelanger Benutzung unterwegs noch zuverlässig zu arbeiten. Die Potis sitzen fest und bieten einen angenehmen Drehwiderstand, die Taster reagieren zuverlässig mit einem leichten „Klick“.

Tastenvirtuosen werden bei den 37 anschlagdynamischen Minitasten die Nase rümpfen, aber für das schnelle Einspielen von Ideen reicht das Spielgefühl allemal. Das große Farbdisplay in der Mitte des microKORG 2 ist optisch einer der größten Unterschiede zum Vorgänger. Es hilft dabei, alle wesentlichen Informationen auf einen Blick darzustellen, farbliche Codierung und Icons helfen bei der Navigation. Bei Bedarf lassen sich sogar eigene Grafiken hochladen und das Display damit teilweise personalisieren.

Anschlüsse

Auf der Gehäuserückseite finden sich neben zwei 6,3mm Stereoausgängen noch die Kopfhörerbuchse, Pedal-Anschluss, ein Eingang für das mitgelieferte Kondensatormikrofon, sowie ein alternativer Eingang für dynamische Mikrofone und ein Aux-Eingang zum Durchschleifen externer Signale. In den MIDI-Verbund wird der microKORG 2 entweder per 5-Pol MIDI-Duo oder eine USB-C-Buchse integriert.

Preset-Library

Die maximal 256 Presets verteilen sich über vier Bänke mit jeweils acht Kategorien. Ab Werk wurden die ersten drei Bänke bereits mit vorprogrammierten Sounds belegt, die aber ersetzt werden können. Falls ihr die Factory-Presets komplett erhalten wollt, könnt ihr eigene Sounds direkt in der User Bank 4 sichern.

Die Factory-Presets sind okay, dürften aber gerade bei Produzenten elektronischer Musik erstmal keine Freudenschreie verursachen. Dazu ist die Auswahl etwas zu konservativ geraten, was aber bei der Zielgruppe des microKorg verständlich ist. Etwas verstörend hingegen empfand ich die Kategorisierung in Genres, die man über den großen Wahlknopf erreicht. Statt auf Begriffe wie Pop/Rock, Funk/Soul usw. (wie bei einem Entertainer-Keyboard), hätte man hier besser auf Soundkategorien setzen können, etwa Pads, Motions, Bass, Lead usw.

Der microKORG 2 ist bi-timbral, das bedeutet, dass ein Preset beim microKORG 2 aus bis zu zwei Sounds besteht. Per MIDI lassen sich beide Kanäle auch unabhängig ansteuern. Ein Program beherbergt dabei die komplette Soundengine, allerdings . Die Effekte werden allerdings per Send angesteuert und wirken auf beide Bestandteile identisch.

Die Oszillatoren des microKORG 2

Der microKORG 2 bietet pro Sound jeweils drei Oszillatoren plus umfangreich ausgestattetes Rauschen. Pro Oszillator kann entweder aus einem Vorrat an Standardschwingungsformen, 64 „Digital-Waveforms“, oder kurzen Impuls-Samples ausgewählt werden. Letztere sind vor allem dann spannend, wenn man sich gelayerte Sounds oder Percussions zusammenstellen möchte. Bei den Samples sollte man keinen hochwertigen HiFi-Sound erwarten. Stattdessen gibt es schönes Retro-Flair, das besonders dann zur Geltung kommt, wenn man die Samples aus ihrer tonalen Komfortzone herauspitched.

Auch die Standardschwingungen überzeugen, besonders dann, wenn man microtonale Verschiebungen den Klang schweben lassen, oder noch Ringmodulation, Sync oder Phasenmodulation (VPM) aktiviert. Sync und Ringmodulation gehen bem microKORG 2 eher subtil zur Sache, wer es roh will, sollte VPM nutzen.

Filter-Sektion

Anschließend gelangt das Signal in ein variables Multimodefilter. Das resonanzfähige digitale Filter lässt sich fließend durch verschiedene Modi und Flankensteilheiten durch-sweepen. Man startet beim 24dB LP, geht über Bandpass und endet beim 24dB Hochpass.

Drive simuliert das analoge Sättigungsverhalten, klingt aber in der Praxis eher digital. Überhaupt ist das Filter klanglich eher im soliden Bereich, als ein echtes Highlight zu sein. Man kann gut damit arbeiten, aber es gibt mittlerweile einfach überzeugendere digitale Varianten. Das gilt besonders dann, wenn mehr Resonanz ins Spiel kommt.

Hüllkurven und LFOs

Bei den zwei Hüllkurven für AMP und Filter handelt es sich um die klassische ADSR-Ausführung, deren Geschwindigkeit zwar von recht schnell bis langsam reicht, aufgrund des Verlaufs aber nicht zu den punchigsten Vertretern ihrer Art gehören. Beim Preis des microKORG 2 muss man aber auch fair bleiben: Ein Eingriff in die Charakteristik ist in der Regel teureren Synths vorbehalten.

Die beiden LFOs bieten neben den Standardschwingungen noch ein paar nützliche Treppenverläufe und lassen sich zur Clock syncen. Leider liegt die langsamste Frequenz in diesem Modus bei 1/1 Takt. Wer also subtil-langsame Veränderungen seiner Pads oder Bassläufe sucht, muss auf Taktsynchronität verzichten.

Modulationsmatrix des Korg microKORG 2

Um die Klänge expressiv zu spielen und Automationen hinzuzufügen bietet der microKORG 2 eine Modulationsmatrix mit insgesamt sechs Verknüpfungen. Jeder Modulationsslot hat zwei Quellen, die auf ein gemeinsames Ziel geroutet werden können.

Da viele Verknüpfungen bereits voreingestellt sind, können Einsteiger mit einem simplen Klick etwa die Filterhüllkurve oder das Modulationsrad aktivieren. Für die meisten Anwendungen reichen die sechs Slots auch aus. Wer aber tiefgreifendes Sounddesign mit dem microkorg 2 vorhat, stößt hier relativ schnell an die Grenzen.

Gut gelöst ist, dass die einzelnen Modulationsslots wiederum als Modulationsziel zur Verfügung stehen. Dadurch sind auch Metamodulationen möglich, bei der z.B. zwei LFOs das Filter steuern, die Intensität wiederum aber mit dem Modulationsrad und einer weiteren Envelope bestimmt wird.

Loop Recorder und Arpeggiator

Wie schon bei der V1 ist auch der Arpeggiator des microKORG 2 ein (kleines) Highlight. Bis zu zehn Varianten stehen hier bereit, die mit Swing, Gate-Länge und Oktavierungen zwar die meisten Standards abdecken. Spannend wird es aber dann, wenn man mit den acht Programmwahltastern noch die einzelnen Steps aktiviert. So erstellt man mit wenig Aufwand rhythmische Muster. Die frei wählbare Step-Anzahl ermöglicht dabei auch ungerade Werte wie 5 oder 7 Steps.

Komplett neu hinzugekommen ist der Loop-Recorder. Mit diesem entstehen durch Loopen und Overdubbing schnell Backing-Tracks, was bei Live-Performances hilfreich sein kann. Mit den drei dedizierten Transporttastern geht das auch sehr intuitiv vonstatten, wenngleich man auch betonen muss, dass es sich hierbei um einen reinen Audiolooper handelt. Nachträgliches Bearbeiten einzelner Noten oder Hinzufügen von Motion-Recording ist nicht möglich.

Die Effekt-Engine des microKorg 2

Wie man es mittlerweile ovn Korg gewohnt ist, bietet auch der microKorg 2 eine flexibel ausgestattete Effektsektion mit gut klingenden Modulations, – Delay, und Reverb-Algorithmen. Auch ein Kompressor, sowie eine Auswahl an Distortion-Algorithmen sind vorhanden. Im Vergleich mit spezialisierten Studioeffekten sind diese qualitativ zwar nicht gleichauf, reichen aber für die meisten Anwendungs-Szenarien. Bis zu drei Effektslots (Mod, Delay, Reverb) können hinzugeschaltet und können optional für einen oder beide Timbres aktiviert werden.

Für Experimente mit Gesang hält der microKORG 2 ebenfalls ein paar spannende Effekte wie Autotune, Harmonizer und Vocoder bereit. Allesamt gut für Experimente, aber neben einer deutlichen Reduzierung der Polyphonie konnten diese mich auch klanglich nicht komplett überzeugen.

Als Vocoder empfinde ich den microKORG 2 nett, aber im Vergleich zu spezialisierten Units ist mir hier die Sprachverständlichkeit zu gering. Auch muss man beim mitgelieferten Kondensatormikro entweder auf Tuchfühlung gehen, oder sehr laut sprechen, damit das Signal einigermaßen sinnvoll ankommt. Das ist schade, denn durch die frei verschaltbaren Bänder und Formant-Shifting ist definitiv Potential vorhanden. Um das voll auszuschöpfen, sollte man das Analyse-Signal aber vorher entsprechend aufbereiten.

Korg microKORG 2 Alternativen

Korg multi/poly

Wer den Korg-Sound sucht, dabei aber nicht zu viel Platz hat und gleichzeitig deutlich mehr Features wünscht, hat mit dem multi/poly eine großartige Alternative. Es ist nur eine Frage der Zeit, bis dieser im Preis fällt und in ähnlichen Regionen landet wie der Korg opsix oder Korg modwave. Sobald das passiert, wäre dieser für mich die stärkste Alternative, wenngleich sich Einsteiger hier durch den Funktionsumfang anfangs schwer tun könnten.

ASM Hydrasynth Explorer

Die zweite Alternative ist vor allem dem kompakten Format geschuldet. Auch der Hydrasynth Explorer kommt im platzsparenden Gehäuse. Dabei bietet der Hydrasynth Explorer eine komplexe Soundengine die FM, Wavetable-Synthese und VA umfasst. Den Klang muss man sicherlich möglich, denn die Hydrasynth-Serie will erforscht werden. Ein Sweetspot-Synth ist auch der Explorer nicht, kann aber eine Menge abdecken, wenn man sich auf ihn einlässt.

Fazit: Korg MicroKORG 2 Test

Wie schon der Vorgänger vereint der microKorg 2 eine Menge guter Features auf engem Raum und bleibt dabei erfrischend intuitiv bedienbar. Dadurch eignet er sich hervorragend für kleine Studios, Einsteiger oder Live-Performer, die sich ein Zweitgerät auf die Bühne stellen wollen.

Klanglich liefert der microKorg 2 ab, wenngleich hier noch Luft nach oben ist. So legt der nächstgoße VA-Synth aus dem Hause Korg – der multi/poly – qualitativ noch ein paar Schippen drauf. Soundforscher werden mit dem microKorg 2 auch relativ schnell an die Grenzen stoßen. Dieser Zielgruppe würde ich daher eher den Hydrasynth Explorer ans Herz legen, der einfach mehr von allem bietet.

Unterm Strich hat der microKorg 2 das Zeug, wieder zu einem Topseller für Korg zu werden. Allerdings hat sich in den letzten 20 Jahren einiges getan und es sind etliche gute Alternativen vorhanden.

8.0 TOTAL SCORE

Korg microKorg 2 Test

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Sound 7

Features 9

Bedienung 9

Preis/Leistung 7

PROS

• Flexible Klangerzeugung mit intuitiver Bedienung
• Batteriebetrieb möglich

CONS

• Sprachverständlichkeit des Vocoders nicht optimal
• Filter klingen recht digital (Geschmacksache)

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• Korg modwave Test: Wavetablesynthesizer für Performances
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Mit dem Syncussion SY-1 knöpft sich Behringer einen Klassiker der elektronischen Musik vor. Im Original vom Drum-Hersteller Pearl im Jahr 1979 auf den Markt gebracht, bietet der Drum Synthesizer zwei unabhängige Klangerzeugungs-Stränge. Dank durchsetzungsfähigem Sound und Flexibilität wurde der SY-1 in den 90ern viel im IDM und Techno eingesetzt. Mittlerweile haben einige Hersteller das Potential erkannt und ihrerseits Clones im Portfolio, darunter nun auch Behringer. Wie gut der Behringer Syncussion SY-1 ist, erfahrt ihr in diesem Test.

Behringer Syncussion SY-1: Auf einen Blick

• Analoger Drum Synthesizer mit zwei unabhängigen Kanälen
• Trotz weniger Parameter überraschend flexible Klangerzeugung
• Tonal über MIDI spielbar
• Hervorragend für experimentelle IDM-Sounds, aber auch harte Techno-Percussion
• Eurorack-fähig

Erster Eindruck

Der Behringer Syncussion SY-1 kommt im typischen Behringer-Desktop-Gehäuse. Das erhält auch mehrere Jahre nach Markteinführung sicherlich keinen Preis für schickes Design, senkt aber aufgrund von Redundanzen in der Fertigung gleichzeitig den Preis. Wer es schicker mag, kann den Syncussion SY-1 schließlich auch aus dem Desktop herausnehmen und in ein Eurorack-Gehäuse seiner Wahl schrauben.

Die Schalter und Fader des Syncussion SY-1 lassen sich mit einem angenehmen Widerstand bewegen und auch die Anschlussbuchsen haben sich bei anderen Modellen in dem Format bewährt. Auf der Oberfläche findet man zudem für jeden Drum-Kanal einen eigenen kleinen Trigger-Taster, um schnell Sounds vorzuhören.

Schade ist nur, dass sich der MIDI-Eingang ebenfalls auf der Oberfläche befindet. Allerdings ist das wiederum verständlich, wenn man sich die optionale Integration in ein Modularsystem vor Augen führt.

Die Klangerzeugung des Behringer Syncussion SY-1

Im Behringer Syncussion SY-1 gibt es zwei identisch aufgebaute Kanäle. Jeder davon bietet sechs unterschiedliche (Dreieck-)Oszillatormodi (Single-Oszillator, FM, Dual-Oszillator-Mix, Dynamic-Oszillator-Mix, FM/ Noise-Mix und Pure Noise). Hinzu kommen jeweils Regler für Tune, Decay (Ausklingzeit) und Cutoff, sowie weitere zum Einstellen der Pitchhüllkurve (Intensität und Decay-Zeit), und des LFOs (Intensität und Frequenz). Letzterer lässt sich zwischen Puls und Dreieck umschalten.

Die Pitchhüllkurve packt gut zu, sodass typische Zap-Sounds ebenso schnell erstellt sind, wie langsame Electro-Kicks mit viel Bassfundament. Dabei ermöglicht sie sowohl positiven als auch negative Steuerung, um die Tonhöhe entweder von tief nach hoch einzufaden, oder ganz klassisch von hoher Frequenz auf den Nullwert fallen zu lassen, der über den Tune-Regler bestimmt wird.

Hier gibt es gleich einen kleinen Kritikpunkt: Spielt man den Syncussion SY-1 über MIDI an, funktioniert der Tune-Regler im Moment, wenn man ihn bewegt. Sobald man den Regler aber wieder loslässt, überschreibt die gespielte MIDI-Note diesen Wert. Das ist nicht weiter tragisch, wenn man sich erst einmal daran gewöhnt hat, am Anfang aber eventuell eine Überraschung.

Der LFO wirkt immer auf die Oszillator-Frequenz und schwingt dabei bis in den hörbaren Bereich, was ideal für Vocal-artige FM-Sounds ist. Wer dem Klang am Ende noch etwas Chaos hinzufügen möchte, kann hierfür zusätzlich noch S&H aktivieren.

Die unterschiedlichen Oszillator-Modi

Den größten Effekt auf das klangliche Ergebnisse haben beim Syncussion die unterschiedlichen Oszillatoren-Modi (A-F). Bei den ersten fünf (A-E) handelt es sich um unterschiedliche Verschaltungen von bis zu zwei Oszillatoren, Modus „F“ widmet sich ganz dem Rauschen und erzeugt von Snares bis künstliche HiHats ein breites Spektrum an Krach.

Wer Bassdrums der härteren Gangart sucht, wird am ehesten zum Modus „A“ greifen. Das kann klanglich zwar in Richtung TR-909-Kick gehen, hier dann aber eher in Richtung 90er Jahre Rotterdam-Processing.

Noch drastischer geht es weiter mit Variante „B“, bei der ein Oszillator die Frequenz des anderen VCOs moduliert. Dieser Modus eignet sich hervorragend für metallische und experimentelle Percussion und Effektsounds, wie sie auf gerne auf vielen IDM-Alben der 90er (und heute) zu finden sind.

Variante C wiederum kombiniert einen hoch und einen tief gestimmten Oszillator miteinander, was häufig meine favorisiere Variante für bauchige 808 Kicks ist.

Modus D ist wiederum ein 2-VCO-Mix bei dem die Intensität der Pitchhüllkurve über die Trigger-Intensität statt des Sweep-Parameters gesteuert wird.

Modus E bietet wie Modus B Frequenzmodulation, ergänzt diese aber zusätzlich mit Rauschen. Auch hier liegt der Fokus auf experimentellen Sounds, HiHats und Percussion, die sich dank MIDI-Implementierung auch gut für Melodien eignen.

Alternativen zum Behringer Syncussion SY-1

Eine originale Pearl Syncussion SY-1 wechselt auf dem Gebrauchtmarkt nur noch für gesalzene Preise den Besitzer. Daher stand hier auch keine Unit zum direkten Vergleich. Tatsächlich wurde der Syncussion SY-1 aber schon ein paar mal nachgebaut und einige dieser Varianten sind immer noch neu erhältlich.

So bietet Michigan Synth Works eine Replika des Syncussion SY-1 an, die aber in der vergleichbaren Variante mit MIDI dann auch das vierfache kostet und sich somit eher an die Puristen richtet. Michigan Synth Works hat aber noch eine weitere Variante im Portfolio, die ich vor allem Modularsynth-Usern ans Herz lege: Das Michigan Works SY0.5-Modul ist sozusagen eine halbe Syncussion SY-1, weil hier lediglich ein Drum-Kanal vorhanden ist. Dafür kommt diese Variante bei gerade mal 10-TE deutlich platzsparender daher und bietet zudem vier CV-Eingänge, von denen einer sogar den den Modus steuert!

In der Plugin-Welt seien hier noch der SY-4X von Aly James Lab und Synthcussion von Soft Computing erwähnt, wobei es sich beim SY-4X wohl um die umfangreichste virtuelle Nachbildung dieses Drumsynths handelt.

Behringer Syncussion SY-1: Fazit

Mit einem Preis von unter 200 € und einer überraschend flexiblen Klangerzeugung ist der Behringer Syncussion SY-1 eine tolle Ergänzung im elektronischen Musikhaushalt. Die Frage, inwiefern man so ein spezialisiertes Gerät nun benötigt, oder man das nicht ausreichend mit Software-Alternativen umsetzen kann, überlasse ich dem User.

Mir hat das Arbeiten mit dem Syncussion SY-1 jedenfalls sehr viel Spaß gemacht und ich kann mir vorstellen, dass genau aus diesem Grund der Drumsynth einen festen Platz im Studio einnimmt. Für die Live-Nutzung bei schmalem Reisegepäck empfinde ich das Gerät als zu groß dimensioniert und würde da wohl auf Samples oder die genannte Alternative von Michigan Sound Works ausweichen.

Gewünscht hätte ich mir weitere CV-Anschlüsse, um noch mehr mit den unterschiedlichen VCO-Modi zu experimentieren. Die beiden Kanäle zusätzlich interagieren zu lassen, hätte die ohnehin schon breite Klangpalette noch einmal erweitert. Mein Fazit lautet daher: Spannender Drumsynth – unbedingt einmal ausprobieren!

9.3 TOTAL SCORE

Behringer Syncussion SY-1

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Sound 10

Features 8

Bedienung 10

Preis/Leistung 9

PROS

• Kräftiger Sound
• Flexible Klangerzeugung
• Intuitive Bedienung

CONS

• -

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Das japanische Unternehmen Sonicware dürfte spätestens mit dem MEGA Synthesis und dem Texture Lab Bekanntheit erlangt haben. Nach sieben Modellen bekommt die LIVEN-Reihe weitere Verstärkung: Ambient Ø, wie der Name schon andeutet, ist ein Synth/Groovebox, der für Ambient-Musik in verschiedensten Variationen entwickelt wurde. Es überrascht nicht, dass der Ambient Ø gut klingende Pads liefert. Aber selbst rudimentäre Bässe und Leads können überzeugen. In einer vierten Spur können zusätzlich Samples importiert werden: Ob dieser LIVEN hält was er verspricht, erfahrt ihr im Sonicware LIVEN Ambient Ø Test.

Eingangs gibt es noch einen Disclaimer: Ich war Teil des Sounddesign-Teams für den Ambient Ø. Daher kenne ich den Synth zwar ziemlich gut, bin womöglich aber auch zu involviert, um ein komplett objektives Feedback zu geben.

Auf einen Blick: Was ist der Sonicware LIVEN Ambient Ø?

• Synthesizer und Groovebox mit Fokus auf Pads
• Drei Synthesizerspuren, plus ein weiterer Track für Sample-Wiedergabe
• Wavetable-basierte Klangerzeugung mit unterschiedlichen Synthesealgorithmen zur weiteren Bearbeitung
• Interner Sequencer mit bis zu 64 Steps, Parameter-Lock und Zufallsfunktionen
• Arpeggiator
• Batteriebetrieb möglich

Sonicware LIVEN Ambient Ø Test: erster Eindruck

Wer bereits mit anderen Modellen der LIVEN-Serie vertraut ist, wird beim Ambient Ø keine Überraschung erleben: Die Verarbeitungsqualität ist in Ordnung, aber das Gerät ist eben aus Plastik. Auch ist es insgesamt recht leicht, was vielleicht wenig Vertrauen schafft.

Da ich nun schon seit einiger Zeit mehrere Sonicware-Geräte besitze, kann ich aber sagen, dass diese deutlich robuster sind, als man auf den ersten Blick erwartet. Praktisch ist der Betrieb mit sechs AA-Batterien, wodurch man den LIVEN Ambient Ø gut mehrere Stunden lang nutzen kann.

Alternativ lässt sich der Synth auch mit einem externen Netzteil betreiben, was man allerdings zusätzlich kaufen muss. Zudem hat man durch die Platzierung der Buchse auf der Oberfläche wieder das Problem der Hebelwirkung auf die Verbindungen im Inneren. Bisher hat das bei mir zwar keine Probleme ausgelöst, ich war aber auch vorsichtig.

LIVEN Ambient Ø: Anschlüsse

Bleiben wir gleich bei den Anschlüssen. Neben der eben erwähnten Netzteilbuchse finden sich noch Stereo-Miniklinken-Anschlüsse für ein- und ausgehende Signale, ein 5-Pol-MIDI-Duo, sowie Sync-Ein- und Ausgänge. Auch hier bereitet mir die oberseitige Platzierung Sorgen. Allerdings kann man für diese Kabel recht gut gewinkelte Stecker bekommen, was das Problem deutlich abmildert.

Wie bei den anderen LIVEN-Modellen hätte ich individuelle Ausgänge oder zumindest einen EQ für jede Spur geschätzt – aber ich denke, das ist der Preis für einen budgetfreundlichen Synth.

Erweiterte Wavetable-Synthese: Klangerzeugung des LIVEN Ambient Ø

Beim Ambient Ø kann man in den drei Wavetable-Synthesizer-Tracks aus verschiedenen Algorithmen wie Ringmodulation, FM, Wavetable und subtraktiver Synthese wählen. Es ist hauptsächlich ein Wavetable-Synth, bietet jedoch auch eine vierte Spur für weißes Rauschen, sowie den Import von Samples, um Field-Recordings einzubeziehen.

Die Wavetables bilden den Ausgangspunkt

Grundlage jedes Sounds bildet eine der insgesamt 32 Wavetables. Die meisten davon sind klar auf Pads hin optimiert und stehen damit auf der eher soften Seite des Wavetable-Spektrums. Eigene Wavetables lassen sich Stand heute leider nicht importieren. Das hätte die klanglichen Möglichkeiten noch einmal erheblich aufgebohrt.

Die Algorithmen zur weiteren Bearbeitung

Im direkten Zusammenhang mit den Wavetables steht der Algorithmus, mit dem die Wavetable weiter geformt wird. Dieser ist mit der Wahl der Wavetable das Kernelement jedes Sounds, denn der Charakter ändert sich mitunter drastisch.

Zur Auswahl stehen sechs verschiedene Algorithmen, hier unter den Labels Drone 1/2, Pad 1/2, sowie Atmosphäre 1/2 zusammengefasst. Von den Bezeichnungen sollte man sich aber nicht beeinflussen lassen. Natürlich kann man mit allen Algorithmen gute Drones, Pads, Atmos uvm. erstellen.

Im Endeffekt verstecken sich dahinter vielmehr Ringmodulation (Atmos 1), FM (Atmos 2), unterschiedliche Möglichkeiten die Wavetables zu durchfahren, oder schlicht Pitch-Modulationen.

Zwar wird man einige Zeit brauchen, um die verschiedenen Wavetables auswendig zu lernen und wie sie mit den verschiedenen Synthesealgorithmen interagieren. Hat man diese aber erstmal verinnerlicht, ist zielgerichtetes Arbeiten mit dem Ambient Ø gut möglich.

Spur 4 ist für Samples

Wer Ambient sagt, muss auch Field Recording sagen. Und so hat Sonicware dem Ambient Ø eine vierte Spur für Sample-Wiedergabe spendiert. In dieser kann man aus acht Samples auswählen. Bis zu 8 Sekunden lang kann so ein Sample sein, per Sysex importiert, oder via Live-Recoding aufgenommen und mit variablem Cross-Fading geloopt werden.

Parallel steht in dieser Spur noch weißes Rauschen bereit, das sich mit dem jeweiligen Sample überblenden lässt. Dieses Mischen kann auch automatisch per LFO passieren, sodass man hier schöne rhythmische Noisestrukturen bauen kann: perfekt für Dub Techno.

Multimode-Filter

Zur weiteren Bearbeitung des Sounds gibt es ein Multimodefilter mit Resonanz, das sich zwischen Tiefpass, Bandpass und Hochpass umschalten lässt. Weitere Charakteristika wie Notch oder unterschiedliche EQ-Settings bleiben dem Sonicware-„Flaggschiff“ elz_1 Play vorbehalten.

Klanglich ist das Filter ok für Anpassungen, aber wie schon bei den anderen LIVEN-Modellen holt mich der Sound nicht so richtig ab. Für charaktervolles Einfärben des Sounds – wie etwa bei MOOG, Oberheim SEM, oder MS-20 – würde ich die Filter der LIVEN-Serie eher nicht nutzen. Um die Höhen abzusenken oder das Bassfundament aufzuräumen reicht es aber durchaus.

Modulationsmatrix? Wie bekommt man Bewegung in die Sounds?

Der Ambient Ø bietet eine Amp-Hüllkurve, 2 LFOs plus einen zusätzlichen Modulations-LFO für den jeweiligen Algorithmus, und damit bereits eine sehr solide Basis für bewegte Sounds. Gewünscht hätte ich mir vor allem noch eine weitere Hüllkurve für das Filter, sowie umfangreichere Modulationsmöglichkeiten.

Die zwei LFOs kann man flexibel einer breiten Auswahl an Zielen zuweisen. Und auch die Auswahl an LFO-Wellenformen und Triggermodi (zwischen One-Shot und unendlich kann man bis zu zehn Wiederholungen einstellen) finde ich praktisch.

Gutes Reverb und durchschnittlich klingende Standards: Die Effektsektion des Ambient Ø

Die Effektsektion teilt sich einerseits auf in einen gut klingenden Reverb-Effekt mit neun verschiedenen Varianten und zusätzlichem Shimmer. Andererseits findet sich ein weiterer Effektslot bei der man aus insgesamt sechs weiteren Algorithmen wählt. Dazu gehören Tape Delay, Distortion oder Chorus.

Die Effekte wirken auf alle vier Spuren gleichzeitig. Beim Reverb handelt es sich um einen Sendeffekt, der pro Track eingestellt wird. Ebenso ist die Intensität des Shimmers pro Spur einstellbar. Das funktioniert in der Praxis gut und verhindert einen zugematschten Mix. Die neun Reverbalgorithmen klingen sehr ordentlich, der Shimmer arbeitet aber eher dezent, wenn man es mit anderen Reverbpedalen vergleicht. Hier und da hätte ich mir neben der Ausklingphase und Send umfangreichere Bearbeitungsmöglichkeiten des Reverbs gewünscht, vor allem einen EQ.

Der zweite Effekt lässt sich leider nur global einstellen, was ich bedauerlich finde. Denn gerade hier hätte ich mir gewünscht, etwa Distortion, Delay oder den Tilt-EQ nur auf einzelne Spuren anzuwenden, da es sonst schnell zu viel wird. Die Effektqualität ist ok, bei spezialisierten externen Geräten geht aber noch deutlich mehr. In Anbetracht des guten Reverbs wäre meine Empfehlung also – neben einem externen Mixer / EQ -, sich ein kleines Delaypedal daneben zu stellen. Und weil wir gerade beim Mixing sind: Um die konzeptionell bedingte Dominanz der Mitten etwas zu zähmen, empfehle ich grundsätzlich eine leichte EQ-Absenkung bei 300-500 Hz.

Der Sequencer des LIVEN Ambient Ø

Auch beim Sequencer setzt Sonicware auf bewährtes. Hier findet sich die gleiche Variante, die man schon aus vielen anderen LIVEN-Modellen kennt: Bis zu 64 Steps in unterschiedlichen Taktarten, Echtzeitaufnahme und Step-Programming, sowie (leider) eine feste Quantisierung bilden hier das Fundament. Fein dosierbare Zufallswiedergaben, Swing, Trigger-Wahrscheinlichkeiten, sowie Parameter-Locks und Motion-Recording runden das Paket ab.

Und wie bei den anderen LIVEN-Modellen hätte ich mir auch beim Ambient Ø Sequencer Microshift oder Aufnahmen ohne Quantisierung gewünscht. Allerdings kommt das hier durch den Fokus auf langsame Sounds nicht ganz so stark zum Tragen, als es bei Grooveboxen der Fall ist, die primär zur Beatproduktion eingesetzt werden.

Alternativen zum Sonicware LIVEN Ambient Ø

Wer nur einen Synthesizer für Pads sucht, hat etliche Alternativen. Und auch wenn ich ein Freund von „Kauf-nur-was-du-wirklich-brauchst“ bin, greift die Reduzierung des Ambient Ø auf einen Pad-Lieferant zu kurz.

Kern des Konzepts ist vielmehr, alles in einer transportablen Unit zu haben, mit der man nahezu autark Ambientproduktionen fahren kann. Und diese Aufgabe erledigt der Ambient Ø mit Bravour. Natürlich geht es auch anders: Ein Polyend Play+, eine MPC One, ein Roland SH4d und etliche andere Klangerzeuger sind ebenso in der Lage, viele Bereiche des Ambient Ø abzudecken.

Allerdings sind diese Alternativen nicht nur teurer, sondern konzeptionell viel breiter aufgestellt. Dadurch können sie schnell vom eigentlichen Ziel wegführen, denn manchmal ist es die Essenz, die man sucht. Und mit drei Spuren plus Sample-Playback gelingt mit dem Ambient Ø genau das.

Sonicware LIVEN Ambient Ø Test: Fazit

Der Sonicware LIVEN Ambient Ø ist ein solides Gerät und eine klare Empfehlung für DAW-less Ambient-Producer mit wenig Budget. Oder für diejenigen, die leicht reisen und performen möchten. Kritikpunkte wie die etwas begrenzte Auswahl an Modulationsmöglichkeiten oder fehlende Einzelausgänge muss man immer dem günstigen Preis gegenüberstellen.

Und dafür bietet der Ambient Ø ein Gesamtpaket, das weitgehend konkurrenzlos ist. Mein abschließender Rat wäre, zusätzlich in ein gutes externes Effektpedal zu investieren, um verschiedene Hall-oder Delay-Algorithmen zu schichten.

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Doch zuerst gibt es noch einen Disclaimer. Da ich Teil des Sounddesign-Teams für den Lofi-12 XT sein durfte, ist meine Einschätzung eventuell etwas vorbelastet. Trotzdem versuche ich, diesen Erfahrungsbericht sachlich anzugehen. Die mitgelieferte Soundlibrary werde ich allerdings nicht beurteilen.

Sonicware Lofi-12 XT auf einen Blick

• 12-Bit Retro-Sampler mit wählbarer Sample-Rate (24 kHz oder 12 kHz)
• Sequencer mit bis zu 128 Steps
• Anschlagdynamische Pads
• Kompaktes Format mit integriertem Mikro und optionalem Batteriebetrieb

Sonicware Lofi-12 XT Test: Erster Eindruck

Trotz des kompakten Gehäuses ist der Sonicware Lofi-XT kein Leichtgewicht und hinterlässt einen soliden Eindruck. Zwar vermittelt das Design – hier vor allem das Display – einen gewissen Spät-90er-Charme. Über die anschlagdynamischen Mini-Pads werden nicht nur Sequenzen einprogrammiert, sondern auch ein Großteil der Menüfunktionen direkt angesteuert.

Einmal ausgewählt, kommen die meisten Menü-Sektionen mit zwei Unterseiten aus. In diesen werden dann mit den vier gerasterten Minipotis neben dem Display dann die Parameter eingestellt. Ich bin weder ein Freund von Minipotis, noch lösen gerasterte Bedienelemente bei mir Begeisterungssprünge aus. Hier erscheint mir der Kompromiss aus Kompaktheit und gezielter Auswahl von Werten aber sinnvoll.

Das Display ist durch seine Größe schon eine Herausforderung für User mit einer Sehschwäche im Nahbereich, löst aber dennoch ordentlich auf. Hier und da hat die Unit aber noch mit Bugs zu kämpfen. So gibt die vergrößerte Anzeige im Finetuning eines Loops zum Beispiel gerne mal leicht abweichende Daten aus von dem, was man eigentlich hört. Nicht schlimm, aber etwas, was man hoffentlich noch durch ein Update löst.

Anschlüsse

Besonders gefreut hat mich zum einen, dass fast sämtliche Anschlüsse auf der Rückseite des Geräts zu finden sind. Zum anderen setzt Sonicware beim Lofi-12 XT auf das 5-Pol-MIDI-Duo und 6,3 mm Klinkenanschlüsse für die Ein- als auch Ausgänge. Lediglich der Kopfhörerausgang befindet sich als 3,5 mm Stereoklinke auf der Vorderseite des Gerätes.

Gewünscht hätte ich mir hier mindestens ein weiteres Ausgangspaar, um einzelne Tracks an der Summe vorbei zu routen. Aber anscheinend scheint das in dieser Preisklasse generell aus der Mode gekommen (oder schlicht nicht möglich) zu sein.

Am Anfang steht das Projekt

Startpunkt sämtlicher Aktionen ist beim Sonicware Lofi-12 XT ein Projekt. Dieses enthält neben 128 Pattern und 16 Songs, auch 256 Sample-Slots, die insgesamt maximal 64 MB Speicher belegen können.

Diskstreaming ist zwar nicht möglich, das steht meiner Meinung nach dem LoFi-Konzept aber auch eher entgegen. Und was sich im ersten Moment als überschaubar anhört, relativiert, wenn man die Samples ins geeignete Format von 24 kHz bringt. Wer noch mehr längere Samples benötigt und körnigen Sound liebt, kann während des Imports auch gleich auf die 12 kHz-Sample-Rate setzen. Kann man dann noch mit Mono-Samples leben, sollte das auch für riesige Ambientpads ausreichen.

Im Alltag jedenfalls war ich überrascht, dass am Ende des Auftragprojekts mit unterschiedlichen Stilistiken und längeren Samples gerade mal die Hälfte des Speicherplatz belegt war. Und das obwohl ich alle Samples in 24 kHz und einen Großteil davon in Stereo importiert hatte.

Pattern programmieren

Ein Pattern im Lofi-12 XT besteht aus bis zu acht Tracks, die grundsätzlich jeweils ein Instrument beherbergen. Um die Möglichkeiten noch weiter auszuschöpfen, kann man mittels Sample-Lock innerhalb eines Tracks auch weitere Samples aus dem Projekt-Pool abfeuern.

Zusätzlich legt man für das Instrument fest, ob es monophon, polyphon oder gescliced wiedergegeben wird. In der monophonen Spielweise sind auch legato und Portamento machbar, Akkorde und Pads spielt man am besten im Modus polyphon. Slice wiederum ist praktisch um Remixe zu erstellen, oder sich ganze Drumkits zu bauen, die dann wiederum live im Padmode eingespielt werden können.

Sampling mit dem Lofi-12 XT

Die meisten, die sich einen Sampler holen, wollen damit vermutlich auch samplen. Das geht beim Lofi-12 XT einerseits mit dem Import vorgefertigter WAV-Files, die man erst auf die SD-Karte zieht, dann am Gerät einmal kurz konvertieren und im Anschluss wieder am Rechner noch einmal in die gewünschten Ordner einsortieren muss. Hier hätte ich mir gewünscht, dass man schon beim Konvertiertungsvorgang den Zielordner festlegen kann, um sich den letzten Schritt zu sparen.

Der klassische Weg geht hier natürlich auch. Und zwar einerseits über die beiden Line-Eingänge auf der Rückseite, von denen einer auch den Anschluss einer Gitarre ermöglicht. Oder man nutzt das eingebaute Mikrofon auf der Vorderseite, das zwar keine überragenden Ergebnisse im Sinne eines professionellen Studiomikrofons liefert. Zur schnellen Erfassung von Fieldrecordings oder experimentellen Schnipseln ist die Qualität aber in Ordnung.

Der Samplingvorgang ist ebenfalls komfortabel gelöst: Eingangsquelle auswählen, einpegeln und aufnehmen. Um den Aufnahmevorgang automatisch zu starten, könnt ihr einfach einen Threshold-Wert festlegen. Dann startet die Aufnahme, sobald das Eingangssignal einen Minimalpegel erreicht. Die Samples müssen dann noch einem Slot in der User-Library zugewiesen werden und stehen dann unmittelbar für den weiteren Einsatz bereit.

Soundengine des Lofi-12 XT

Auch fürs weiter gehende Sounddesign bietet der Sampler eine gute Auswahl an Features.

Sample-Bearbeitung

Zum einen ist da natürlich die Sample-Bearbeitung, bei der man Start- und Endpunkt des Samples, sowie die Looppunkte auswählt. Mit einer AHR-Hüllkurve bestimmt man zudem, wie und wie lange das Sample abgespielt wird. Eine smoothe Überblendung beim Loop vermisst man allerdings ebenso, wie die Möglichkeit, Samples auch rückwärts abspielen zu können. Zumindest letzteres Feature soll aber in einem zukünftigen Update nachgereicht werden.

Zusätzlich kann man festlegen, ob man die Samples per One-Shot oder Loop, mono- oder polyfon abspielen möchte. Alternativ kann man die Audiodatei slicen und über die anschlag- und druckdynamischen Pads auch als Drumkit spielen. So umgeht man auch die Limitierung auf acht Tracks und könnte sein Pattern in Gruppen vorsortieren. Track 1 enthält dann die Kick, Track 2 Snare und Clap, Track 3 die Percussion-Sektion, usw.

Filter

Pro Track gibt es ein Filter mit den Modi Lowpass, Bandpass und Hi-Pass. Auf Notch oder PeakEQ wie bei den elz_1-Modellen wurde hier leider verzichtet. Zwar kann man zusätzlich pro Track noch in der Effektsektion weitere EQs oder Filter hinzuschalten. Aber bei keiner Variante hat man die Möglichkeit gezielt einen Frequenzbereich in den Mitten abzusenken.

Das ist insofern schade, denn dadurch entfällt die Möglichkeit, zu dominante Mitten für einen ausgewogenen Mix zu eliminieren. Da auch keine Einzelausgänge für einen externen Mix vorhanden sind, empfiehlt es sich, das gesamplete Material bestmöglich im Rechner vorzubereiten.

Effekte

Ebenfalls pro Track kann man jeweils einen von 22 Effekten aktivieren, darunter Modulationseffekte, Overdrive, Delay, sowie Kompressoren. Die Qualität ist durchwachsen. Gut fand ich Delay, Modulationen und spezielle Sounddesigntools wie Ringmodulation, Bitcrusher oder Tape-Emulation.

Weniger brauchbar waren für mich hingegen die Kompressoren oder das sehr digital klingende Overdrive. Das ist aber letztlich auch Geschmackssache und ich bin mir sicher, dass andere User unterschiedlichen Nutzen daraus ziehen.

Zusätzlich gibt es global noch Delay und Reverb, die beide per Send angesteuert werden. Auch hier geht der Klang in Ordnung, kann aber nicht mit externen Spezialisten mithalten. Besonders beim Delay hätte ich mir noch einen EQ im Feedbackweg gewünscht.

Gelungen fand ich den Masterkompressor, der über einen frei definierbaren Sidechain-Eingang verfügt. Ebenfalls lässt sich bestimmen, welche Spuren tatsächlich vom Kompressor bearbeitet werden. Vom subtilen Glueing bis hin zum aggressiven Pumpen ist hier einiges möglich.

Modulationsmöglichkeiten

Neben der bereits erwähnten ASR(AR)-Hüllkurve beim Amp gibt es pro Track eine weitere für die Filterfrequenz, sowie zwei LFOs. Die Frequenzsspanne der LFOs reicht von relativ langsam bis leicht in den Audiobereich.

Die LFOs lassen sich zum Tempo synchronisieren, frei laufen oder per Note triggern, und können frei auf jeweils ein Modulationsziel geroutet werden. Damit sind jetzt keine Modulationsorgien möglich und als Sounddesigner hätte ich mir hier und da noch etwas mehr Optionen bei den Zielen gewünscht. Dennoch geht hiermit schon einiges und wer extremes Sounddesign sucht, kann immer noch mit aufgezeichneten Modulationen über den Sequencer Bewegung in die Tracks bringen.

Sequencer

Womit wir direkt zur letzten Abteilung kommen: dem internen Sequencer des Lofi-12 XT. Pro Track lassen sich Sequenzen mit flexibler Länge bis zu 128 Steps programmieren. Dabei stehen auch unterschiedliche Taktarten (Subdividions) bereit, wodurch auch triolische Muster möglich sind. Die Sequenzen können per Step oder Live eingespielt werden.

Für einzelne Steps können darüber hinaus auch Rolls eingegeben werden, was für Genres wie Psytrance, IDM und groovende Techno-Pattern ein essentielles Feature ist. Zusätzlich gibt es die Möglichkeit, per Parameter-Locks Soundveränderungen einzuprogrammieren, oder in einer Spur mehrere Instrumente aus dem Pool abzufeuern. Das ist etwa dann praktisch, wenn man als Fingerdrummer seine Beats lieber direkt über die Pads im Kit-Modus einspielt. Oder wenn man vorhat, nur mit dem Lofi 12-XT komplette Tracks zu produzieren.

Mix-Tape-Modus

Noch ein kurzes Wort zu einem versteckten Goodie im Lofi-12 XT: Wer möchte, kann im Hintergrund den Mixtape-Modus aktivieren. Wie bei einem Lauschangriff wird hier die ganze Zeit mitgeschnitten, was ihr bei euren Performances anstellt. Bis zu drei Stunden Audiomaterial landen dann auf der SD-Card und stehen euch zur weiteren Bearbeitung oder direkt als fertiger Track zur Verfügung. Das ist ein Feature, das ich sehr gerne in allen Grooveboxen sehe würde. Denn nicht selten hat man vor sich hingejammed nur um sich im Anschluss zu denken: „Hätte ich bloß auf Aufnahme gedrückt“

Alternativen zum Lofi-12 XT

Wenn man es speziell auf den LoFi-Sound abgesehen hat, gibt es zum Lofi-12 XT derzeit keine wirkliche Alternative, außer den LIVEN-Lofi-Modellen aus eigenem Haus. Hier muss man dann aber auf sehr viele sinnvolle Dinge wie etwa längere Samples, mehr Tracks, oder Polyfonie verzichten. Daher sehe ich den LIVEN Lofi 12 (oder 6) eher als Zweitgerät, während man mit dem Lofi-12 XT durchaus in der Lage ist, komplette Tracks zu produzieren.

Elektron Model:Samples verfügt über eine größere Oberfläche, bietet aber von allem ebenfalls deutlich weniger: Monosamples, nur 6 Tracks usw. Im Live-Einsatz finde ich die größeren Bedienelemente zwar praktischer, würde aber aufgrund der Feature-Dichte dann doch eher zum Lofi-12 XT greifen.

Bleibt noch der Teenage Engineering EP-133, den ich auch als stärksten Mitbewerber sehe. Die Taschenrechner-Groovebox mag vielleicht nicht so robust daherkommen wie der Lofi-12 XT, bietet zu einem etwas günstigeren Preis aber ebenfalls eine sehr solide Ausstattung mit sechs Stereospuren (oder 12 Mono-Tracks), (Master-)Effekten, sowie einen umfangreichen Sequencer.

Sonicware Lofi-12 XT Test: Fazit

Solide Verarbeitungsqualität, ein praktisches Handheld-Format und Pads mit Velocity, die gut reagieren; Ich hatte viel Spaß mit dem Lofi-12 XT, und für mich war das Gesamtverhältnis von Funktionen gegenüber intuitivem Workflow genau richtig. Lediglich die Sample-Organisation ist am Anfang etwas verwirrend.

Was für mich jedoch wirklich hervorstach, war der ausgewogene Klang. Natürlich ist er etwas LoFi (was natürlich das zugrunde liegende Konzept ist), aber die Sample-Raten-Reduktion in Kombination mit dem Master-Kompressor erzeugt einen schönen Glue-Effekt.

Vermisst habe ich vor allem Einzelausgänge oder zumindest EQs auf den einzelnen Spuren fürs Mixing. Als Workaround könnte man den Filter oder den EQ als Effekt pro Spur verwenden, aber das bleibt ein Kompromiss.

Auf dem Markt gibt es bereits einige Sampler, und selbst in dieser Preisklasse ist die Konkurrenz stark. Aber wenn ihr nach einem Sampler mit Charakter sucht, der zudem ein starkes Feature-Set bietet, solltet ihr euch den Lofi-12 XT einmal ansehen.

8.0 TOTAL SCORE

Sonicware Lofi-12 XT Test

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Features 8

Sound 9

Bedienung 7

Preis/Leistung 8

PROS

• Ausgewogener Gesamtsound mit Glueing-Effekt
• Intuitiver Workflow
• Mix-Tape-Modus

CONS

• Keine Einzelausgänge
• Keine EQs in den Einzelspuren / Mixer

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Doch bevor wir in die Details gehen noch ein Disclaimer: Dieses Mal handelt es sich eher um einen Erfahrungsbericht. Denn da ich im Sounddesign-Team für diesen Synth sein durfte, kenne ich den Racker recht gut. Womöglich bin ich aber zu nah am Projekt dran um einen komplett objektiven Test zu liefern.

Auf einen Blick: Was ist der LIVEN MEGA Synthesis von Sonicware?

• Groovebox mit Emulation der SEGA Mega Drive Soundengine
• sechs Spuren mit 128-Step-Sequencer
• 512 Speicherplätze für Presets, 128 Patterns
• 3 FM Synths mit vier Operatoren
• zusätzliche Sample-Engine und 8-Bit PSG-Chip-Emulation
• ein Effekt pro Pattern mit zehn Algorithmen
• perfekt für Chiptunes aber auch gut für LoFi, Ambient und andere elektronische Musik

Liven MEGA Synthesis: Erster Eindruck

Der MEGA Synthesis kommt im ähnlichen Plastikgehäuse wie auch die anderen Liven-Varianten; inklusive identischer Taster, kleinen Potis mit angenehmem Drehwiderstand und optionalem Batteriebetrieb. Einen hochwertig verarbeiteten Eindruck hinterlassen die Vertreter der Serie nicht. Trotzdem kann ich ihnen aus der Praxis eine gewisse Robustheit attestieren, die man auch dem MEGA Synthesis bei einem Gewicht von knapp 750g nicht unbedingt zutraut.

Rein optisch sind die LIVEN-Modelle Geschmacksache. Aber im Gegensatz zu anderen schick durchdesignten Kisten, die bereits nach 133 Sekunden KO in der zweiten Runde gehen, überstanden die Liven-Modelle hier problemlos den ein oder anderen ungewollt harten Sparring.

Anschlüsse

Zur Studio-Integration besitzt der MEGA Synthesis ein MIDI Duo, Stereo-Line-Out, Sync, Stereo-Input, sowie einen Kopfhörer-Ausgang. Wie bei den anderen Modellen befinden sich alle Anschlüsse auf der Gehäuseoberseite. Besser wäre die Rückseite gewesen. Denn dadurch ragen die Anschlussstecker – abhängig vom Kabel – gefährlich weit nach oben heraus und warten nur darauf, durch einen unbeabsichtigten Stoß eine kalte Lötstelle zu hinterlassen. Hier empfehle ich direkt, gewinkelte MIDI- und Audiokabel mit einzuplanen. Fürs Netzteil habe ich noch keine gute Lösung gefunden.

Die drei FM-Synthesizer

Die ersten drei der insgesamt sechs Tracks sind dem Herzstück des Liven Mega Synthesis zugewiesen, dem YM2612 Soundchip. Oder besser gesagt, der Emulation des legendären FM-Chips, welcher unter anderem auch im SEGA Megadrive Verwendung fand. Dahinter verbirgt sich ein FM-Synthesizer mit vier Operatoren und acht unterschiedlichen Algoritghmen.

Die drei Tracks mit der FM Synthese können zwar unterschiedliche Presets laden, teilen sich aber die maximal sechsfache Polyphonie. Während zum Beispiel Track 1 einen vierstimmigen Chord-Sound spielt, verbleibt noch jeweils eine Stimme für die anderen beiden Tracks. Sechs Stimmen klingt auf den Blick etwas wenig, kann aber mit einer effektiven Planung recht gut durch die PSG-Engine oder Samples kompensiert werden.

FM Synth: Die Hüllkurven

Als Hüllkurven kommen hier ADSR-Hüllkurven zum Einsatz, die manch einer bereits von anderen FM Synths kennt. Anders als bei vielen subtraktiven Synthesizern gibt es hier zwei wesentliche Unterschiede:

1. Je weiter man die Regler nach rechts dreht, umso kürzer werden die Zeiten
2. Sustain hat neben dem fixen Level noch einen Rate-Parameter. Dieser legt fest wie lange es dauert, bis nach Ende der Decayphase und bei gehaltener Note der finale Sustain-Wert erreicht wird.

Alternativ zu den ADSR-Hüllkurven können pro Operator auch sogenannte SSG-Envelopes aktiviert werden. Hierbei handelt es sich um verschiedene Envelope-Grundkonfigurationen, die zum Teil geloopt werden. Über die ADSR-Regler nimmt man dann Einstellungen an den jeweiligen Segmenten vor. Die Ergebnisse reichen von atonalen Effektsounds mit extrem kurzen Loopzyklen bis hin zu polyrhythmischen Flächen.

Sonstiges

Zur weiteren Klangmanipulation lassen sich pro FM Sound noch zwei globale LFOs aktivieren, beide jeweils zur Clock synchronisierbar und mit unterschiedlichen Schwingungsformen.

Ein LFO davon ist fest der Lautstärke zugewiesen und kann für jeden Operator einzeln aktiviert werden. LFO Nummer zwei geht auf die Tonhöhe und beinflusst alle Operatoren gleichzeitig – gut für Tape-Emulationen oder leiernde Retroleads.

Mithilfe des Legacy-Modes kann man pro Track den Klang zusätzlich noch ein gutes Stück schmutziger werden lassen, etwa durch die Simulation des 9-bit DACs im FM-Synth oder durch Umschaltung auf 4 Bit-Wiedergabe der Samples.

PSG-Engine

Mit dem „Programmable Sound Generator (PSG)“ steht ein weiterer Klangerzeuger in den Spuren 4 und 5 zur Verfügung. Der PSG ist sehr einfach aufgebaut und bietet lediglich unterschiedliche Basis-Schwingungsformen, justierbare Attack-und Releasezeiten, sowie eine Höhenreduzierung im Legacy-Mode. Wie der FM-Synth auch, kann der PSG mono, legato, per Arpeggiator oder bis zu vierfach polyfon gespielt werden.

Der Sound der Schwingungsformen ist ganz klar LoFi und damit perfekt für die typischen Rechteck-Leads oder bitreduzierten Noise-Percussions geeignet. Hiermit lässt sich an der ein oder anderen Stelle auch die Polyfonie der anderen Sektionen entlasten, indem man etwa simple Leads, Snares oder Hihats mit dem PSG erzeugt.

Samples (und Sampler)

Als spannende Dreingabe gibt es noch einen charaktervollen 8-Bit-Mono-Sampler mit einer Samplerate von 12, 24 oder 48kHz. Je nach gewählter Auflösung beträgt die maximale Samplingzeit 2, 4 oder 8 Sekunden. Das klangliche Ergebnis ist herrlich LoFi und eine willkommene Ergänzung zur übrigen Soundengine.

Man hat die Wahl entweder ein langes Sample zu nutzen, oder sich per Autoslice ein kleines Kit aus sechs Abschnitten zu erstellen. Für eigene Samples gibt es insgesamt 96 Slots in 16 x 6 Bänken.

Der Clou dabei ist, dass man per Sample-Lock auch Sounds aus anderen Kits in einem Pattern nutzen kann. Dadurch umgeht man die Limitierung auf sechs Samples in einem Kit und muss nur noch auf die 3-fache Polyphonie der PCM-Spur achten.

Auch der Sample-Vorgang ist dank Auto-Start und Grid-Slice recht intuitiv gelöst. Die anschließende Normalisierung erfolgt automatisch. Nur der Sample-Transfer an einen Computer gestaltet sich durch das SysEx-Protokoll mitunter etwas langwierig.

Sequencer

Jede der sechs Spuren hat einen eigenen Sequencer mit bis zu 128 Steps, Motion-Recording / Parameter-Lock und der Möglichkeit, pro Spur unterschiedliche Subdivisions einzustellen. Dadurch sind auch sehr lange und abwechslungsreiche Pattern möglich. Wenn man möchte, kann man mit Live-Retrigger, Wahrscheinlichkeiten und Zufallsfunktionen noch mehr Abwechslung in die programmierten Pattern bringen.

Neben Step-Programming zeichnet der Sequencer auch in Echtzeit auf, quantisiert die Aufnahmen dann aber hart zum eingestellten Grid. Mit fein dosierbarem Swing kann man dem etwas entgegenwirken und trotzdem etwas Groove reinbringen.

Effekte des LIVEN MEGA Synthesis

Pro Pattern kann man einen von elf Effekten auswählen. Dieser Effekt kann jedem Track per Send hinzugefügt werden. Das ist ok, aber da es weder Einzelausgänge noch verschiedene Effekte gleichzeitig pro Spur gibt, kommt man sehr schnell an die Grenzen der weiteren Klangbearbeitung. Nutzt man etwa das Highpass-Filter um einzelne Spuren für den Mix auszudünnen, fehlt einem dann das Delay.

Die Effekte sind eher durchschnittlich und können nicht mit dem guten Shimmer-Reverb des LIVEN Texture-Lab mithalten. Als kreatives Sounddesign-Tool sind sie aber brauchbar. Neben den bereits erwähnten Delay und Filter (LP/HP/Isolator) gibt es noch Reverb, Distortion, Crusher und einen Remix-Performance-Effekt.

Welche Alternativen gibt es zum MEGA Synthesis?

Bei dem Namen und der Emulation des legendären YM2612 denkt mancher wohl sofort an den MEGAfm von Twisted Electrons. Dieser setzte in der MKI-Version originale YM2612 Chips ein, welche aufgrund von Knappheit bei der MEGAfm MKII-Version durch den YM3438 ersetzt wurde, den man auch in späteren SEGA-Megadrive-Konsolen findet.

Soviel zu den Gemeinsamkeiten. Denn beide Synthesizer klingen tatsächlich erstaunlich unterschiedlich – zumindest in der MEGAfm MKI-Version, die ich gut kenne und hier als Vergleich habe.

Um es kurz zu fassen: Der MEGAfm klingt noch einmal deutlich schmutziger, wirkt aber gleichzeitig durch die Verarbeitung und professionellen Anschlüsse etwas Studiotauglicher. Das liegt auch an der recht eigenwilligen VCA-Sektion des MEGAfm, die starke Artefakte und Overdrive hinzufügt, was man wiederum auch mögen muss.

In Genres gesprochen würde ich den MEGAfm für (Dub-) Techno, IDM und Ambient meistens dem MEGA Synthesis vorziehen. Wenn ich Chiptunes produziere, liegt der MEGA Synthesis bei mir vorne. Beide können sich aber auch ganz hervorragend ergänzen. Aber da sich die meisten so einen speziellen Chip-Sound wohl nur einmal ins Studio holen werden, hilft die Genre-Einteilung vielleicht als Indikator.

Sonicware LIVEN MEGA Synthesis Test: Fazit

Attraktiver Preis, FM-Synthese, LoFi-Sampling und Chiptunes-Charme: Der LIVEN Mega Synthesis bietet Freunden des Konsolensounds ein interessantes Komplettpaket. So könnte man nur mit einem Mega Synthesis ein komplettes Chiptune-Liveset bestreiten. Im Studioalltag abseits dieses Genres sehe ich den MEGA Synthesis aber in erster Linie als komplementäres Gerät für andere Klangnuancen.

Gewünscht hätte ich mir vor allem weitere Einzelausgänge um zumindest die Drumgruppen und PSG-Synthesizer separat mit Effekten zu bearbeiten. Aber das ist wohl – wie bei den anderen LIVEN-Modellen – dem Budget-freundlichen Konzept zum Opfer gefallen. Trotzdem eine runde Sache, die man mal ausprobieren sollte.

7.5 TOTAL SCORE

Sonicware LIVEN Mega Synthesis Test

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Features 8

Sound 7

Bedienung 7

Preis/Leistung 8

PROS

• Chiptunes-Paket zum Niedrigpreis
• Kompletter 4-OP-FM Synth
• Sample-Import

CONS

• Keine Einzelausgänge
• Anschlüsse auf der Oberseite

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Behringer JT 4000 Micro: Erster Eindruck

Der winzige JT-4000 ist federleicht und kommt mit seinen drei Drehreglern, sechs Tasten und einem kleinen OLED-Display recht spartanisch daher. Trotzdem ist die Bedienung durchdacht und dürfte sich auch Einsteigern schnell erschließen.

Anschlüsse und Folientastatur

Zur Kommunikation mit der Außenwelt besitz der JT-4000 Micro neben einem Kopfhörerausgang lediglich einen USB-C-Anschluss, der den Synth gleichzeitig mit Spannung versorgt. Kein separater Audioausgang, aber auch kein MIDI-In. Das ist vor allem aus einem Grund echt schade:

Denn um den Synth vernünftig zu integrieren, sollte man ihn auch ohne dessen Folientastatur spielen können. Diese reicht aus um mal Presets anzutesten, ist aber nichts, was man wirklich zum Produzieren heranzieht. Hätte aber auch niemand erwartet, denke ich. Daher bleibt einem DAW-less-Produzenten dann nur ein USB-Host, der als Hardware teuer ist. Für alle anderen ist der DAW-Verbund mit einem Computer eine Lösung für das Dilemma.

Allerdings: Wenn man den Rechner ohnehin wieder im Hardware-Setup haben muss, kann man sich stattdessen auch gleich ein gutes Plugin kaufen oder auf Freeware setzen. Denn – um das an dieser Stelle mal vorwegzunehmen – so überragend klingt der JT-4000 mit seinen langsamen Hüllkurven und anderen Einschränkungen nicht, um in diesem Kontext die Software-Alternativen hinter sich zu lassen. Doch dazu später mehr.

Zwei erstaunlich flexible Oszillatoren

Zunächst kommen wir erstmal zu den Oszillatoren. Der JT-4000 Micro verfügt über zwei digitale Oszillatoren, die neben Dreieck, Sägezahn, Pulse, rudimentärer FM und Noise auch die beliebte Supersaw umfassen. Diese Betriebsart steht allerdings nur exklusiv im Oszillator 1 zur Verfügung und beansprucht dann sämtliche Rechenpower, sodass man auf Oszillator 2 verzichten muss. Das ist aber nicht weiter tragisch, denn auch ohne zweiten Oszillator erzeugt der Supersaw schön breite Flächen oder Trance-Leads.

Bei allen anderen Schwingungsformen kann bei Bedarf noch ein Ringmodulator hinzugeschaltet werden, der das Signal aber ziemlich absenkt und in den meisten Einstellungen eher wenig brauchbare Ergebnisse hervorbringt. Auch sind in manchen Einstellungen hässliche Artefakte (Aliasing?) zu hören, vor allem bei längeren Release-Zeiten in Kombination mit der Dreieck-Schwingung.

Analoges 12db Filter

Beim Filter handelt es sich um ein analoges 12dB Tiefpassfilter mit Resonanz. Für Acid-Leads oder kräftige Bässe fehlt es ihm in letzter Instanz häufig an Biss. Bei Flächen, smoothen Trance-Hooks oder moderaten EQ-Aufgaben hinterlässt es aber einen ordentlichen Eindruck.

Hüllkurven und LFOs des JT-4000 Micro

Der JT 4000 Micro besitzt jeweils zwei LFOs und zwei ADSR-Hüllkurven. LFO 1 kann wahlweise auf die Schwingungsform (Pulsbreite, Supersaw-Detune etc.) oder das Filter geroutet werden. LFO 2 ist dem Pitch zugewiesen. Als Schwingungsformen stehen Dreieck, aufsteigender Sägezahn und ein sehr abgerundetes Rechteck (Pulse) zur Verfügung. Die Flanken der Pulse-Schwingung sind tatsächlich so abgerundet, dass die klanglichen Ergebnisse eher an ein Dreieck erinnern, als das zackige Auf-und-Zu wie man es von anderen Synths kennt.

Ähnlich soft geht es bei den Hüllkurven zur Sache. Wirklich Punch haben die Hüllkurven des JT-4000 Micro nicht – weder in der Attack- noch in der Decay-Phase. Dafür steht eine sehr lange Release-Zeit zur Verfügung, die in Kombination mit dem ingesamt langsamen Verlauf tolle Pads hervorbringt. Nur knallige Leads und perkussive Bässe sind eben nicht drin. Schade, denn der der JT-4000 Micro hat durchaus ein solides Bassfundament, das man bei Subbässen wahrnimmt.

Ist der Behringer JT-4000 Micro alternativlos?

Kurz gesagt: Zu dem Preis ist der JT-4000 Micro als Hardware-Synth auf den ersten Blick ziemlich ohne Konkurrenz. Allerdings muss man – um ihn sinnvoll einsetzen zu können – immer auch ein gewisses Maß an Peripherie einplanen. Sei es durch einen MIDI-zu-USB-Wandler oder integriert über USB in ein bestehendes DAW Setup. Denn ohne eine vernünftige Tastatur oder MIDI-Clock verkommt der JT-4000 Micro schnell zu einem Spielzeug.

Somit wird der Preisvorteil spätestens dann hinfällig, wenn man noch die anderen Anschaffungen mit einpreist. Für mich wäre der PRO VS Mini für den Budget-orientierten Hardware-User dann doch die bessere Empfehlung. DAW-Produzenten wiederum können auf ein breites Angebot an Plugins zurückgreifen, die überzeugenderen Sound zu einem ähnlichen oder günstigeren Kurs liefern.

Behringer JT-4000 Micro Test: Fazit

Keine Frage, der Behringer JT-4000 Micro ist in dieser Preisklasse einzigartig und bietet dafür auch einen ordentlichen Sound. Allerdings sind vor allem das Fehlen der MIDI-Schnittstelle und die lahmen Hüllkurven problematisch.

Anders fiele mein Urteil aus, wenn man ihn mit echtem MIDI in einem Hardware-Koffer nutzen könnte. Letztlich ist der JT-4000 Micro für mich dann doch etwas zu nah am Spielzeug dran, um langfristig wirklich Sinn zu ergeben. Das Anforderungsprofil kann bei euch natürlich ganz anders sein. Insofern empfehle ich trotz meiner Kritik, den Synth bei Gelegenheit mal auszuprobieren.

6.3 TOTAL SCORE

Behringer JT-4000 Micro Test

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Features 7

Sound 4

Bedienung 8

Preis/Leistung 6

PROS

• Günstiger Preis
• Pads sind ok, aber eben parafon

CONS

• Kein MIDI-Eingang
• Nebengeräusche
• Langsame Hüllkurven
• Betrieb ohne Computer / DAW nicht oder nur mit Hilfsmitteln möglich

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In Kürze: Der Behringer Kobol Expander

• Monofoner Analogsynth mit semimodularem Aufbau
• 2 VCOs mit überblendbaren Schwingungsformen und zusätzlichem Rauschen
• Kräftig zupackendes 24 dB Filter
• LFO und zwei Hüllkurven
• Großartiges Preis/Leistungsverhältnis, aber zusätzliche Peripherie sinnvoll

Erster Eindruck und Anschlüsse

Der Kobol Expander kommt im bekannten Desktopformat von Behringer. Wer bereits einen Pro-1, K2 oder andere Synths aus dieser Serie kennt, weiß, wie kompakt auch der Kobol Expander ist.

Die Verarbeitung ist ebenfalls vergleichbar mit anderen Modellen der Serie: Die Potis sitzen eingiermaßen fest und bieten einen angenehmen Widerstand. Dieser ist nicht ganz so robust wie bei einem Sequential-Synth, aber es wirkt auch keinesfalls billig.

Neben einer Vielzahl an Reglern und Schaltern findet man auf der Oberseite auch zahlreiche CV-Anschlüsse. Dadurch lässt sich der Kobol Expander nicht nur hervorragend in ein Modularsystem einbinden. Auch ohne weitere Pripherie sind durch den semimodularen Aufbau eine Vielzahl an Sounds möglich.

Einzgier Wermutstropfen ist hier wieder einmal der MIDI-Eingang auf der Oberseite. Zwar ist die Position der Möglichkeit geschuldet, auch bei einer Modularintegration noch Zugriff auf den MIDI-Eingang zu haben. MIDI-Anschlüsse sehe ich trotzdem deutlich lieber auf der Rückseite, wo man sie neben dem Line-Out besser organisieren kann.

Die Oszillatoren des Kobol Expander

Der Kobol Expander bietet zwei VCOs mit unterschiedlichen Schwingungsformen, die komplett frei überblendet werden können und die Klassiker Dreieck, Sägezahn und Pulse einschließen. In der Maximalstellung rechts lässt sich die Puslbreite noch per LFO oder Hüllkurve modulieren ohne dafür den dedizierten CV-Eingang zu nutzen. Kommt der CV-Eingang ins Spiel, steht der komplette Morphbereich der VCOs zur Verfügung.

Spätestens hier wünscht man sich weitere Abschwächer oder Multiples, denn der interne Voltage Processor ist für umfangreichere Patches einfach etwas unterdimensioniert. Das ist nicht weiter tragisch, denn gerade Abschwächer und Multiples sind im Eurorack-Segment günstig zu bekommen und eine sinnvolle erste Erweiterung für den Kobol Expander.

Durch die morphbaren Schwingungsformen und den kräftigen Sound geht alleine auf der VCO-Ebene schon eine Menge. Hinzu kommen VCO-Sync, FM. und die semimodulare Architektur, durch die selbst metallische oder aggressive Sounds im Handumdrehen umgesetzt sind.

Das Filter im Behringer Kobol Expander

Für die weitere Klangformung ist im Kobol Expander ein 24dB Tiefpassfilter zuständig. Das Filter packt kräftig zu und verliert bei zunehmender Resonanz nur gering an Basssubstanz, wenn man es mit dem klassischen Moogfilter vergleicht. Klanglich liegt es relativ nahe am Pro-1, wenngleich ich hier die Resonanz eher als pfeiffend und noch etwas schmutziger empfand.

Mit zunehmend starkem Resonanzanteil ist auch Selbstoszillation möglich, wodurch über einen breiten Tastaturumfang relativ sauber gtrackte Sinusleads drin sind. Im Verbund mit der Modulation durch die VCOs können auch FM-Effekt-Sounds erzeugt werden.

Hüllkurven und LFO

Der Kobol besitzt einen LFO mit den Schwingungsformen Puls und Dreieck, die nicht gleichzeitig zur Verfügung stehen und per Kippschalter ausgewählt werden. Der LFO reicht weit in den hörbaren Bereich und ist damit eine weitere gute Quelle für Effektsounds oder Vokales.

Der semimodulare Aufbaus des Behringer Kobols ermöglicht es, die feste Zuweisung zur Tonhöhe aufzubrechen und den LFO stattdessen (oder zusätzlich) auf eine Vielzahl anderer Ziele zu routen. Neben den Standards wie Filter CV In gibt es hier u.a. Resonanz, Überblendung der VCO-Schwingungsformen und sogar einzelne ADSR-Segmente.

Die ADSR-Hüllkurven des Behringer Kobol: schnell und flexibel

Und da wir gerade davon sprechen: Die beiden ADSR-Hüllkurven sind ebenfalls analog aufgebaut. Bereits der Standardverlauf ist hier perfekt für knackige Bässe, Perkussives oder Acid-Leads abgestimmt. Wer gezielter in die Hüllkurvencharakteristik eingreifen will, kann über die CV-Eingänge noch die Attack- und Decay-Phase, sowohl den Sustainlevel steuern. Und auch wenn der bassgewaltige Sound in Kombination mit den schnellen Hüllkurven des Kobols geradezu prädestiniert ist für diese Sounds, gelingen auch überzeugende Pads.

Zumal man den Kobol bald auch per Polychain mit anderen Modellen kaskadieren kann. Dieses Feature habe ich allerdings noch nicht getestet und laut Erfahrungsbericht anderer User funktioniert derzeit wohl der MIDI-Thru noch nicht, den man dafür benötigt.

Alternativen zum Behringer Kobol Expander

Um es direkt zu sagen: Zu dem aufgerufenen Preis von knapp 200 € steht der Kobol ziemlich konkurrenzlos da. Einzig der Behringer Crave könnte hier vom Funktionsumfang in die Nähe kommen. Der Crave unterscheidet sich aber sowohl klanglich als auch konzeptionell stark vom Kobol Expander, sodass ich ihn eher als komplementär beschreiben würde. Der Sound des Kobol Expander, kombiniert mit den modularen Ergänzungen des Crave und dessen Sequencer dürfte etliche Stunden Freude bereiten.

Andere Alternativen wären der Behringer Pro-1, K2 oder Model-15. Die liegen allesamt preislich noch ein gutes Stück drüber, sind klanglich aber wiederum näher am Kobol Expander dran als der Crave.

Fazit: Behringer Kobol Expander Test

Für mich ist der Kobol bisher einer der besten Synthesizer von Behringer. Ob und inwiefern er eine gute Alternative zum Original ist, kann ich nicht beurteilen. Wohl aber – und das ist für mich ein Knackpunkt – wie sich der Kobol im Marktvergleich mit anderen Synths dieser Preisklasse schlägt.

Und da steht der Kobol hervorragend da: Denn neben einem sensationellen Preis-Leitungsverhältnis bietet der Kobol eine gute Verarbeitung, großartigen Sound und genug Möglichkeiten, um auch auf lange Sicht nicht langweilig zu werden. Für mich eine klare Kaufempehlung; für Einsteiger und professionelle Studios gleichermaßen.

9.3 TOTAL SCORE

Behringer Kobol Expander Test Fazit

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Features 8

Sound 10

Bedienung 9

Preis/Leistung 10

PROS

• Kräftiger Vintage-Sound
• Umfangreiche Möglichkeiten fürs Sounddesign
• Gute Basis für Eurorack-Abenteuer

CONS

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Auf einen Blick: Der Pro VS Mini von Behringer

• Kompakter Hybridsynthesizer zum Budgetpreis
• Vektorsynthese zur Überblendung von bis zu vier Oszillatoren
• Analoges 24 dB Filter
• Arpeggiator und rudimentärer 16-Step-Sequencer
• Bis zu 32 eigene Presets speicherbar

Behringer Pro VS Mini: Erster Eindruck

Wie so viele durfte ich erst einmal Monate auf die Auslieferung warten. Als ich dann das kleine Paket in den Händen hielt, setzte das geringe Gewicht den ersten Haken auf der mentalen Checkliste. Einmal ausgepackt, war der Pro VS Mini dann allerdings doch ein Stück größer als erwartet.

Die Form weckt sofort Assoziationen an ein geschrumpftes Akkordeon, die Folientastatur erinnerte mich an die Minisynths Skulpt und Craft von Modal Electronics. Für mich ist der PRO VS Mini sicherlich kein Design-Glanzstück, aber das ist letztlich Geschmackssache.

Verarbeitung

Viel wichtiger als Design ist doch die Haptik. Die Mini-Potis bieten einen gewissen Widerstand, haben aufgrund der Größe aber keinen optimalen Drehkreis zur gezielten Werteeingabe. Das ist aber zu erwarten und bei dieser Größe (und dem Preis) muss man schlicht Kompromisse eingehen. Für mein Dafürhalten ist man hier einen akzeptablen Weg gegangen. Der Vector-Stick liegt hingegen gut in der Hand und ist ausreichend dimensioniert. Und sicherlich kann man bei Bedarf etwas größere Kappen auf die kleinen Potiachsen stecken. Da die Größe der Achsen der eines Roland S-1 AIRA entspricht und ich einige User sah, die sich für diesen Synthesizer größere Potis besorgt haben, dürfte es auch hier problemlos machbar sein.

Die Minitasten lassen sich einigermaßen gut spielen, aber es benötigt schon einiges an Übung, um die Tasten auch gezielt zu treffen. Fürs Sounddesign reicht das, sobald man mit dem Pro VS mini ernsthaft arbeiten möchte, sollte man aber eine externe Tastatur oder einen Sequenzer anschließen.

Anschlüsse auf der Oberseite

Dafür gibt es sogar einen echten 5-Pol-MIDI-Eingang, der leider auf der Oberseite des Gehäuses angebracht wurde. Direkt daneben sitzen ein Sync-Eingang zur Integration in ein analoges Setup, ein Stereoausgang, sowie ganz weit links der USB-C-Anschluss, der den Pro VS Mini je nach Einsatz nur mit Strom oder gleichzeitig mit Daten füttert. Dedizierte Line-Ausgänge oder ein MIDI Out sind nicht vorhanden. Wie bereits bei anderen Tests erwähnt, bin ich definitiv kein Freund von oberseitig angebrachten Anschlüssen bei Minisynths.

Das liegt zum einen daran, dass die Leichtgewichte schneller durch kleine Bewegungen an den Kabeln verschoben werden. Zum anderen aber muss man meistens auch entsprechend gewinkelte Kabel einkalkulieren, um die Hebelwirkung auf die Buchse zu minimieren. Verlässt man sich hier auf Standardkabel, holt man sich mit der Zeit ziemlich sicher eine Sollbruchstelle ins Haus.

Klangerzeugung des Behringer Pro VS Mini

Das Besondere der Vektorsynthese

Bei der Vektorsynthese werden die Ausgänge mehrerer Oszillatoren fließend ineinander überblendet. Im Falle des Prophet VS, dem Yamaha TG-33, oder eben dem Behringer Pro VS mini geschieht das entweder manuell über einen XY-Stick, oder automatisch mit einer Hüllkurve. Durch die Vektorsynthese entstehen dann bereits auf Oszillatorebene spannende Obertonverläufe. Das ist perfekt für Flächen, funktioniert aber auch gut bei Bass- oder Leadsounds.

Oszillatoren

Der Pro VS mini besitzt vier Oszillatoren pro paraphone Stimme – also theoretisch 16. (Anmerkung: Mit dem 2.0 Update kam noch eine fünfte Stimme hinzu). Unter den 128 Schwingungsformen findet man auch den kompletten Originalbestand des Sequential Prophet VS. Eigenene Schwingungsformen lassen sich beim Pro VS Mini jedoch (noch?) nicht importieren. Mit der vorhandenen Auswahl ist aber bereits einiges möglich: Warme Analogpads, gläserne Texturen, aber auch zeitgenössische Electrobässe, Glöckchen oder FX-Sounds. Auf den letzten beiden Plätzen finden sich dann noch einmal Rauschen, sowie Stille. Das ist praktisch, denn auf diese Weise sind auch Gate-Effekte oder Percussionsounds schnell möglich.

Wer dem ohnehin schon eher zum LoFi tendierenden Gesamtsound noch etwas Schmutz verpassen möchte, kann über das Menü zwischen drei Qualitätsstufen wählen. Der Sound verliert in der niedrigsten Auflösung vor allem an Höhen, wirkt aber insgesamt dann auch etwas körniger.

Filter

Anschließend gelangt das Signal in ein 24dB-Lowpass-Filter. Das Filter packt kräftig zu und verliert mit zunehmender Resonanz auch nicht zu stark an Bass. Der Behringer Pro VS Mini ist allerdings parafon und besitzt lediglich ein Filter für alle fünf Stimmen.

Bei der bloßen Absenkung von Höhen macht sich das nicht so bemerkbar. Spätestens bei Filtermodulationen werden die Einschränkungen der Parafonie aber hörbar. Denn je nachdem, wie stark die Hüllkurve auf das Filter wirkt, starten später gespielte Noten auch bei einem anderen Cutoff-Wert ein.

Zu einem Preis von 99 € muss man logischerweise Kompromisse eingehen. Denn eine vollwertige Polyphonie hätte neben den fünf Filtern (eins pro Stimme) gleichzeitig auch weitere Hüllkurven, VCAs und LFOs zur Folge. Und so kann man auch hier wieder gut damit leben und darauf hoffen, dass es vielleicht mal einen Polychain-Modus oder gar einen Pro VS „Max“ gibt.

Modulationsmöglichkeiten

Die beiden LFOs sind fest jeweils dem Pitch und dem Filter zugewiesen. Neben der Modulations-Intensität kann man noch die Geschwindigkeit definieren, letztere ist leider nicht BPM-synchronisierbar. Dafür steht mit Dreieck, Rechteck, Sägezahn (auf/ab) und S&H aber ein gutes Repertoire an LFO-Schwingungsformen bereit.

Weiterhin gibt es drei Envelopes. Die beiden ADSR-Hüllkurven sind fest dem VCA respektive dem Filter zugewiesen. Da sie ausreichend schnell ausgelegt sind, sind mit ihnen auch überzeugende Bässe und Leads möglich, die ich dem Pro VS Mini echt nicht zugetraut hätte. Dafür empfand ich die Charakteristik für Pads nicht immer ideal. Das liegt aber auch wieder stark an den Minipotis, die einem ein gezieltes Ansteuern von Sweet Spots erschweren. Sicherlich kann man mit einem guten Editor hier noch einiges rausholen.

Mixhüllkurve

Etwas anders gestaltet sich die Vektorhüllkurve. Die Mix-Hüllkurve regelt – wie auch der XY-Stick – die Balance der vier Oszillatoren. Diese Hüllkurve bietet insgesamt bis zu fünf Stationen, die jeweils einen Punkt im XY-Koordinatensystem repräsentieren.

Die Programmierung ist dabei intuitiv gelöst: Hüllkurvensegment wählen, XY-Joystick auf die gewünschte Position bringen, und am Ende die Dauer des Weges zum nächsten einstellen. Das wiederholt man für jedes einzelne Segment und legt am Ende fest, ob die Mix-Hüllkurve einmalig, mehrfach oder unendlich oft geloopt wiedergegeben werden soll. Dabei sind sogar so kurze Zeiten möglich, dass man bei geloopter Mix-Hüllkurve auch in den hörbaren Bereich kommt und dadurch auch atonale Klänge entstehen.

Chorus

Als kleines Goodie spendierte Behringer dem Taschensynth noch einen Choruseffekt. Klanglich ist dieser eher mittlere Liga, kann bei manchen Flächen oder Basssounds durchaus das gewisse Extra liefern. Einstellbar ist neben der Chorusintensität auch die Modulationsrate, die sogar recht drastisch vor sich hin vibrieren kann.

Reverb und Ensemble: Update 2.0

Das 2.0 Update des Behringer Pro VS mini erweitert den Synth neben einer fünften paraphonen Stimme auch um zwei neue Effekttypen: Reverb und Ensemble. Der Ensemble-Effekt klingt brauchbar und macht das Signal schön „lush“. Die Qualität des Reverb ist eher durchschnittlich, aber bei dem geringen Preis muss man die Kirche auch im Dorf lassen. Denn als kostenlose Dreingabe dient der Reverb durchaus als netter Skizzengeber, wenngleich ich ihn im Studioeinsatz immer durch eine hochwertige Variante ersetzen würde.

Alternativen zum Behringer Pro VS Mini

Durch seinen Hybridansatz und der Integration von Vektorsynthese gibt es derzeit tatsächlich nicht viele Mitbewerber. Wenn man noch den günstigen Preis von knapp 100 € mit einbezieht, fallen die wenigen Alternativen ganz raus.

Falls der Preis keine Rolle spielt, kommt bei aktuell erhältlichen Geräten eigentlich nur der Vector infrage. Das dürfte derzeit der umfangreichste Hardware-Synth sein, der sich dieser Klangerzeugung widmet. Hier muss man auf analoge Filter verzichten, erhält aber gleichzeitig eine deutlich komplexere Soundengine.

Wem es vor allem um die Mischung aus Transportabilität, Sound und Budget geht, könnte sich auch bei den Korg Volcas oder den mittlerweile nur gebraucht erhältlichen Modal Craft (und Skulpt) umsehen. Auch diese bieten interessante Features zu einem attraktiven Preis.

Fazit: Behringer Pro VS Mini Test

Zugegebenermaßen war ich beim Pro VS Mini anfangs ziemlich skeptisch. Aber am Ende des Tests steht für mich fest: So viel Features für so wenig Geld muss man erst einmal abliefern.

Klanglich ist mir der Synth streckenweise etwas zu LoFi, aber das ist immer auch Geschmacksache. Zumal der Pro-VS Mini überraschend flexibel daherkommt. Der Synth hat durchaus das Potential, ohne nennenswerte klangliche Redundanz in ein bestehendes Setup einzuziehen. Und für die größten Kritikpunkte wie die Minipotis oder die semigut spielbare Folientastatur kann man problemlos Lösungen finden.

8.3 TOTAL SCORE

Behringer PRO-VS Mini Test

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Features 9

Sound 8

Bedienung 7

Preis/Leistung 9

PROS

• Umfangreiche Ausstattung zum Niedrigpreis
• Kompaktes Format

CONS

• Leider nur parafon
• Folientastatur reagiert schlecht

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FM Synthesizer Plugins in der DAW

Vermutlich werden die meisten von euch eine DAW zur Musikproduktion verwenden. Dann lohnt es sich erstmal einen Blick auf die Bordmittel zu werfen. Denn viele DAWs haben bereits einen gut ausgestatteten FM-Synthesizer dabei. Sei es der Operator von Ableton, Bitwigs FM-4, oder der umfangreiche Sytrus in der Producer Edition von FL Studio; Mit diesen FM Synth Plugins deckt man eine umfangreiche Basis an relevanten Sounds ab, ohne gleich auf Drittanbieter-Plugins auszuweichen.

Wer auf Logic setzt, bekommt mit Retrosynth und EFM-1 ebenfalls FM-Synthese. Für umfangreiches Sounddesign sind diese zwei Kandidaten allerdings zu limitiert. Für alles weitere sind allerdings Spezialisten nötig.

Und damit steigen wir direkt ins Thema „die besten FM Synth VST Plugins“ ein.

Korg opsix native

Den Auftakt macht Korgs opsix native, ein flexibles FM Synth Plugin, das auch VA-Elemente enthält. Der opsix native von Korg ist die virtuelle Abbildung des hervorragenden Korg opsix Hardware Synthesizers (Korg opsix Test).

Mit sechs Operatoren, subtraktiven Filtermodellen, Sequencer und einer gut klingenden Effektsektion bietet der opsix native ein flexibles Portfolio an Klangbausteilen. Hervozuheben sind die Shaping-Möglichkeiten auf Operatorebene, denn im Gegensatz zu vielen klassischen FM Synthesizern kann man hier auch traditionelle Schwingungsformen wie Sägezahn, Rechteck oder Rauschen auswählen. So kann man den opsix native auch als traditionellen VA-Synth nutzen, ohne überhaupt den FM-Baukasten zu öffnen.

Wer noch tiefer ins Sounddesign einsteigen will, kann sich eigene Algorithmen bauen, oder die Schwingungsformen mit Waveshapern, Ringmodulation etc. formen.

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Arturia DX7 V

Ganz in der Tradition einer Legende steht der DX7 V von Arturia. Hierbei handelt es sich um die virtuelle Abbildung des beliebten Yamaha DX7, der über Jahre hinweg den Sound von Techno mitgeprägt hat.

Der Grundsound des DX7 V lässt zwar etwas von dem organischen Schmutz des Originals vermissen. Dafür wurden die Möglichkeiten des DX7 noch erweitert , u.a. mit einem Multimode-Filter, eine umfangreiche Modmatrix, LFOs samt Step-Sequencer, sowie eine gut klingende Effektsektion. Zwar klingt der originale DX7 imer noch absolut zeitgemäß, aber die notwendige Peripherie bringt der DX7 V von Arturia direkt mit.

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Tracktion f’em

Der mächtigste FM Synthesizer aus dieser Liste ist der F.’em von Tracktion. Eine komplexe und frei verschaltbare Operatoren-Matrix bietet acht Waveform-Operatoren, dazu noch zwei Sample-basierte Operatoren, sowie einen Noise-Operator.

Die Level-Hüllkurven für jeden Operator bestehen aus bis zu 32 Segmenten, dessen Verlauf nicht nur flexibel zwischen linear und exponentiell verschoben werden kann. Die einzelnen Segmentzeiten lassen sich zudem noch zur MIDI-Clock synchronisieren, wodurch problemlos spannende rhythmische Verläufe möglich sind.

Da wir gerade bei Automationen sind: Neben den großartigen Hüllkurven bietet der F.’em noch eine umfangreiche LFO-Sektion, sowie eine flexible Modulationsmatrix, mit der man extrem tief ins Sounddesign absteigen kann.

Diese Komplexität verlangt definitiv ein solides Grundwissen in Klangsynthese. Aber auch Einsteigern begegnet F.’em mit einer soliden Auswahl an gut klingenden Presets. Und wer sich mit den Feinheiten der FM-Synthese nicht so wohlfühlt, kann zu harschen Klängen mit der subtraktiven Synthese die Schärfe nehmen. Hierfür steht ein duales Multimodefilter zur Verfügung.

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dexed: ein DX 7 als Freeware FM Synth VST

Digital Suburban dexed ist schon lange kein Geheimtipp mehr. Das Freeware Synth-Plugin basiert konzeptionell auf dem legendären Yamaha DX7 und ist sogar in der Lage, ebensolche Presets zu importieren (und exportieren). Dadurch hat man nicht nur Zugriff auf tausende Sounds, sondern einen perfekten VST FM Synth für Techno, Ambient und andere Genres elektronischer Musik.

Besonders die berühmten Dub Chords und Techno Stabs gelingen mit dem dexed im Handumdrehen. Der metallisch organische Sound ist direkt vorhanden und geht noch etwas aggressiver zu Werke, als etwa ein Ableton Operator.

Wenn man von der subtraktiven Synthese kommt, muss man sich beim dexed – neben den Grundlagen der FM-Synthese – erst einmal an die „spiegelverkehrte“ Bedienung der Hüllkurven gewöhnen. Im Gegensatz zu den typischen ADSR-Hüllkurven werden längere Zeitsegmente hier nämlich mit einer Linksdrehung des Potis umgesetzt. Hat man das einmal verinnerlicht, dürfte sich der Rest auch recht schnell erschließen. So oder so: Den dexed sollte sich jeder zumindest einmal angesehen haben.

Digital Suburban dexed: Hier könnt ihr euch dexed kostenlos herunterladen.

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Roland JUNO-6, JUNO-60 und JUNO-106: Eine kurze Einführung

Wahrscheinlich habt ihr euch vor der Suche nach den besten Roland Juno VSTs bereits Gedanken über die unterschiedlichen Modelle gemacht habt. In diesem Fall könnt ihr direkt zu den Plugin-Empfehlungen springen. Falls ihr das erste Mal davon hört, dass es DEN Roland Juno nicht gibt, zeige ich kurz die wesentlichen Unterschiede.

Roland JUNO-6 und JUNO-60

Beide Modelle wurden ursprünglich entworfen, um eine günstigere Alternative zu den großen Polysynths der Zeit (Prophet 5 etc.) zu bieten. Entsprechend sporadisch kommt die bis zu 6-fach polyfone Klangerzeugung pro Stimme daher: ein DCO (Sägezahn, Puls mit PWM), Suboszillator, eine ADSR-Hüllkurve, Hochpass und Tiefpass mit Resonanz, sowie ein globaler LFO.

Um den Klang anzudicken, verfügen die Junos noch über einen hervorragend klingenden Chorus-Effekt. Dieser lässt sich in drei Betriebsarten umschalten und erfreut sich aufgrund des wunderbaren Klangs trotz massivem Rauschanteil einer großen Fangemeinde.

Der wesentliche Unterschied zwischen JUNO-6 und JUNO-60 liegt zum einen in den 56 Speicherplätze im JUNO 60. Das war für viele Bühnenperformer in den 80ern ein wesentlicher Faktor, ist aber im Zuge der Digitalisierung bei Roland Juno VSTs kein Thema mehr. Zum anderen konnte man das Hochpassfilter im Juno 6 noch stufenlos einstellen, beim Juno 60 hingegen erfolgte die Abstimmung in vier Positionen.

Roland JUNO-106

Im Jahre 1984 folgte dann der JUNO-106, der auch das letzte Modell der analogen JUNO-Reihe war (wenn man die Alpha-Junos nicht mitzählt). Dieser bot nun 128 Speicherplätze und eine echte MIDI-Schnittstelle, verzichtete aber auf den Arpeggiator zugunsten von polyfonem Portamento. Wie schon beim Juno-60 ist auch das Hochpassfilter im JUNO-106 nur vierstufig schaltbar.

Klanglich kommt der JUNO-106 im Vergleich zum Juno-6 / Juno-60 etwas zahmer daher, was vor allem an der etwas träger reagierenden Hüllkurve liegen dürfte. Die ist zwar immer noch schnell genug für runde Bässe oder Leads, vermisst aber im Direktvergleich mit dem Vorgänger etwas an Punch.

Roland JUNO VSTs: Die besten Juno PlugIns

Nach dieser kurzen Einführung kommen wir direkt zu den Empfehlungen. Wie immer, sind solche Artikel stark subjektiv gefärbt und ihr solltet euch daher immer auch auf eure eigenen Ohren verlassen.

Softube Model 84: Der authentische Juno 106-Clone

Den Auftakt macht das Juno-106 Plugin Softube Model 84. Der Juno-106 VST Clone kommt ohne wesentliche Zusatzfeatures direkt auf den Punkt. Hinzugekommen sind ein paar sinnvolle Erweiterungen gegenüber dem Original. Insgesamt zwar überschaubar, aber Zuweisungsmöglichkeiten für Aftertouch und Velocity, mit denen man Amp, Filter und Pulsbreite steuert, nimmt man gerne mit. Der Choruseffekt lässt sich zudem zwischen Stereo und Mono umschalten.

Besonders sinnvoll für fette Bass- und Leadsounds ist die Möglichkeit, die Oszillatoren im Unisono-Modus zu resetten. Dadurch vermeidet man Probleme mit Phasenlagen, die im freilaufenden Betrieb gerne mal zu Signalauslöschungen führen können.

Klanglich ist das Model 84 dabei im Vergleich auch am überzeugendsten. Wer den authentischen Juno-106 Sound möchte, macht mit dem Model 84 von Softube nichts verkehrt.

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TAL U-NO-LX: Roland Juno 60 VST

Wer eher nach dem Sound des Roland JUNO 60 sucht, sollte sich den TAL U-NO-LX genau ansehen. Denn das Juno 60 PlugIn liefert überzeugenden Sound und das mit knapp 70 € zu einem immer noch überschaubarem Preis.

Auch wenn das GUI mittlerweile etwas in die Jahre gekommen ist, wird das PlugIn laufend erweitert. Neben Delay und Reverb finden sich weitere kleine Features, die den JUNO 60 Sound sinnvoll ergänzen.

Zum einen ist es der MPE-Modus, mit dem man den Klang noch expressiver formen kann. Zum anderen gibt es hier ein stufenlos überblendbares Hochpassfilter, Portamento, und BPM-synchronisierbarem Arpeggiator und LFO. Ansonsten hält man sich bei TAL weitestgehend nah an der Originalvorlage, was auch auf den Sound zutrifft.

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Cherry Audio DCO-106: Die Budgetvariante

Mit dem DCO-106 schickt Cherry Audio die Budget-Variante eines Juno 106 VST ins Rennen. Für gerade mal rund 30 $ gibt es hier eine recht ordentliche Emulation des Klassikers, die neben dem Juno 60 Arpeggiator noch um Delay- und Reverb-Effekte erweitert wurde. Der LFO bietet neben der ursprünglichen Dreieck-Schwingung fünf weitere Wellenformen zur Auswahl. Natürlich sind diese Erweiterungen zur BPM synchronisierbar.

Klanglich liegen die Mitbewerber etwas davor, da sich die Cherry Audio Emulation in den Höhen immer etwas bedeckt hält. Am Ende ist es fraglich, wie viel mehr Wert einem die Authentizität ist. Wer gelegentlich etwas Juno-106-Charme im Mix benötigt, findet mit dem Cherry Audio DCO-106 eine gute Alternative, die man in bei einer der zahlreichen Sale-Aktionen von Cherry Audio schon mal für 15-20 € bekommt.

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Arturia Jun-6 V: Juno 6 als VST PlugIn

Mit dem Jun-6 V widmete sich Arturia dem Roland Juno 6, dem Urvater der Juno-Serie. Da sich Juno 6 und Juno 60 nur minimal unterscheiden, ist der direkte Mitbewerber bei den besten Roland Junos VST wohl der TAL-U-NO-LX, den ich klanglich noch überzeugender finde.

Arturia hält wiederum mit einer Modulationsmatrix, zusätzlicher ADSR-Hüllkurve und einem zweiten LFO mit sechs Schwingungsformen dagegen. Die Modmatrix ist zwar auf wenige Slots beschränkt. Dafür stehen in den Zielen auch Parameter der Effektsektion zur Verfügung, was interessante Möglichkeiten im Sounddesign eröffnet.

Da auch der Jun-6 V den typischen Juno-Charakter liefert, entscheidet hier am Ende wohl die Frage: Mehr Authentizität (TAL) oder mehr Features (Jun-V)? Und falls man auf beides nicht verzichten will, gibt es mit dem u-he Diva noch einen weiteren Kandidaten …

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u-he Diva: Der Allrounder als Juno VST?

u-he Diva ist auf den ersten Blick kein direkter Juno-Clone. Schaut man aber genauer hin, kann man sich mit der Kombination aus DCO-Modell, Cascade-Filter (rough mode), und Analog-ADSR einen JUNO-60 Clone zusammenbauen. Der bringt einen sicher an die Zielgerade, wenngleich hier die spezialisierten Plugins am Ende doch noch vorbeiziehen.

Dabei ist es nicht der Klang, sondern der Weg dorthin, durch den sich echtes JUNO-60-Feeling nicht ganz einstellen will. Denn gerade die Reduktion auf wenige Parameter und die einfache Bedienung sind ein wesentlicher Bestandteil für den Erfolg des Junos.

Dennoch sei Diva jedem ans Herz gelegt, der einen flexiblen Synth sucht, der nebenbei auch Juno-esque Sounds hervorragend beherrscht. Juno-60-Puristen sollten eher zu TALs U-NO-LX oder dem JUN-6 von Arturia greifen.

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Fazit: Die besten Roland Juno VST Plugins

Wer maximale Authentizität sucht, findet mit dem Softube Model 84 die klanglich überzeugendste Lösung. Softube hat eine ausgezeichnete Rekreation des Roland Juno 106 auf den Markt gebracht, die sich auch von den Features her nahezu komplett an der Originalvorlage orientiert.

Wem das zu wenig ist, oder wer eher in Richtung Juno 60 tendiert, erhält mit dem TAL-U-NO-LX ebenfalls einen großartigen Sound. Dazu kommen noch ein paar Extras wie MPE Support oder Effekte.

Falls Budget eine Rolle spielt, findet mit dem Cherry Audio DCO-106 eine günstige Alternative, die klanglich aber nicht mit den anderen Kandidaten in dieser Liste mithalten kann. Zwar ist der Juno-Charakter grundsätzlich vorhanden, aber mir wäre der Kompromiss bei den fehlenden Höhen einfach zu drastisch.

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UNO Synth Pro X: Highlights

• Parafoner Analogsynthesizer
• Drei VCOs, zwei Filter, drei ADSR-Hüllkurven, 2 LFOs
• Umangreiche Modulationsmatrix
• Presetspeicher mit bis zu 256 Sounds
• Sequencer, Arpeggiator und gut klingende Effektsektion

Erster Eindruck: UNO Synth Pro X Test

Das kompakte Desktopgehäuse lädt mit 21 Drehreglern plus Data- und Lautstärkeregler direkt zum Schrauben ein. Der fehlende Direktzugriff war immer ein Hauptkritikpunkt bei der UNO Synth Pro Reihe. Bei der neuen Variante ist das nun echt gut umgesetzt. Fast alle relevanten Elemente sind nun direkt erreichbar, erweitertes Sounddesign (Aktivierung von Ringmodulation, FM-Intensität etc.) maximal eine Shifttaste entfernt. Lediglich bei einigen Zusatzparametern, etwa bei den Effekten, muss man noch ins Menü abtauchen.

Die Verarbeitung geht absolut in Ordnung. Trotz des geringen Gewichts von einem knappen Kilo weisen die Drehregler einen angenehmen Widerstand auf. Die Gummitaster sind sicherlich Geschmackssache, aber bei meinem UNO Synth Pro verrichten diese auch nach einiger Zeit zuverlässig ihren Dienst. Lediglich das Display könnte etwas größer sein, denn mit zunehmender Sehschwäche sind die kleinen Buchstaben schon mal eine Herausforderung.

UNO Synth Pro X: Anschlüsse

Zur Integration in bestehende Setups bietet der UNO Synth Pro X auf der Rückseite einen Stereoausgang (6,3 mm Klinke), Kopfhöreranschluss, CV/Gate I/O, einen Audioeingang, sowie ein 5-Pol-Midi-Duo. Per USB-C-Port stellt man die Verbindung mit einem Mac oder PC her.

Spannungsversorgung

Die Spannungsversorgung erfolgt primär über das mitgelieferte Netzteil. In einigen Einstellungen leidet der UNO Synth Pro X ärgerlicherweise wieder über nervige Störgeräusche, die auch frühere Modelle betrafen. Ganz so schlimm wie bei der ersten IK-Synthgeneration ist es hier zwar nicht, aber auch nicht so subtil, als dass man das komplett überhören könnte.

Optional lässt sich der UNO Synth Pro X aber auch über den USB-C-Port betreiben. Bei mir funktioniert es mit einer leistungsstarken Powerbank gut und ermöglicht so auch den mehrstündigen (mobilen) Einsatz komplett ohne Störgeräusche.

Oszillatoren

Die drei analogen Oszillatoren lassen sich fließend von Dreieck über aufsteigenden Sägezahn bis hin zu Puls mit flexibler Pulsbreite morphen. Natürlich kann man pro VCO noch die Tonhöhe einstellen oder optional Rauschen hinzufügen. Zusätzlich bietet der UNO Synth Pro X noch Sync, FM, sowie Ringmodulation bei den Oszillatoren 2 und 3. Da sich die Parameter auch über die Modulationsmatrix automatisieren lassen, steht bereits auf dieser Ebene ein ergiebiges Potential für bewegte Klänge zur Verfügung.

Solange man auf hohe Gainwerte, FM, Ringmodulation etc. verzichtet, sind die VCOs des UNO Synth Pro X eher auf der weichen Seite. Knarzige Sägezahnbässe wie bei einem MS 20 oder Doepfer MS 404 sind eher nicht seine Stärke. Dafür überzeugt der UNO Synth Pro X bei verträumten Melodic Techno Leads auf Pulswellenbasis und selbst Dub Chords oder weiche Flächen mit bis zu drei Noten gelingen im parafonem Modus überzeugend.

Wer auf der Suche nach rohem Material ist, wird hier mit Ringmodulation, Sync und FM glücklich. Werden diese miteinander kombiniert, liefert der UNO Synth Pro X auch harte Techno- und Industrialsounds. Lediglich um den Drive-Regler sollte man hierfür einen Bogen machen. Subtil eingestzt mag dieser noch seine Berechtigung haben. Bei hohen Werten sorgt dieser hingegen zuverlässig für einen überladenen Mittenbereich, der in der Regel nur noch den Mix zumatscht und keine wirkliche Bereicherung darstellt. Kurioserweise hat man das bei den Factory-Sounds aber imposant ignoriert, wodurch der UNO Synth Pro X im ersten Moment einen völlig falschen Eindruck hinterlässt und man sich die Stärken des Synths erst erarbeiten muss.

Dual-Filter

Zur weiteren Klangbearbeitung bietet der UNO Synth Pro X zwei Filter, die sich seriell oder parallel betreiben lassen. Beim ersten handelt es sich um ein OTA-basiertes 2-Pol-Filter mit der Möglichkeit, zwischen Tiefpass und Hochpass umzuschalten. Dieses Filter ist insgesamt etwas neutraler im Klang und dadurch vor allem als Allrounder einsetzbar.

Das zweite Filter basiert laut Manual auf dem SSI 2164 Chip – vermutlich eher ein SSI 2144 -, der in diesem Fall wiederum dem SSM 2044 VCF Chip nachempfunden ist. Der SSM 2044 steckte in etlichen Synthlegenden, darunter Korg MonoPoly, Polysix oder PPG Wave 2.3. Die Filtercharakteristik lässt sich zwischen 12 und 24db/Okt umschalten und zeichnet sich durch einen runden, leicht dreckigen Gesamtsound aus, der auch bei hohen Resonanzwerten sein Bassfundament nicht verliert.

Im 4-Pol-Modus pfeifft die Resonanz recht schnell aggressiv, was durchaus auch seinen Reiz haben kann. Und obwohl die Resonanz hier bis in die Selbstoszillation reicht, kann man das Filter nicht wirklich als Sinusoszillator zweitverwenden. Dafür ist das Filtertracking beim UNO Synth Pro X derzeit leider noch zu unsauber und driftet bereits nach knapp zwei Oktaven ab.

In der Praxis erwischte ich mich dann auch dabei, deutlich häufiger die 12dB Variante einzusetzen. Die packt zwar auch schon kräftig zu, ist aber bei höheren Resonanzwerten nicht gleich so dominant.

LFOs und Hüllkurven

Um mehr Bewegung in den Sound zu bekommen, gibt es beim UNO Synth Pro X zwei LFOs und drei ADSR-Hüllkurven mit loopbarer Attack/Decay-Phase.

Die Hüllkurven sind schnell genug für klickende Percussions und langsam genug für Drones oder Flächen. Zwei der Hüllkurven sind bereits auf VCA und Filter geroutet, können wie die freie dritte Hüllkurve per Modulationsmatrix aber flexibel auf andere Ziele geroutet werden. Da die Hüllkurvenzeiten sehr kurz sein können, sind im Verbund mit entsprechenden Routings und dem Loopmodus auch Effektklänge und Vokalartiges drin.

Weiterhin gibt es zwei LFOs, die jeweils acht Schwingungsformen (Sinus, Dreieck, Saw up/down, Rechteck, Zufall, S&H, sowie Noise) bereitstellen. Die LFOs reichen mit einer Maximalfrequenz von 100Hz ein gutes Stück in den hörbaren Bereich, sind mit minimalen 0.01 Hz aber auch langsam genug für subtile Klangmorphings. Natürlich laufen die LFOs auch synchron zur BPM, wenn man diesen Modus aktiviert. Flexible Fade-In- und Fade-Out -Option, sowie Retrigger runden die LFO-Abteilung sinnvoll ab.

Modulationsmatrix: Ein Highlight im UNO Synth Pro X

Wer richtig tief ins Sounddesign einsteigen möchte, bekommt mit der Modulationsmatrix 16 mögliche Verknüpfungen an die Hand. Neben Klassikern wie LFOs oder Hüllkurven sind hier auch Quellen wie etwa Oszillatoren, Tie oder Gate-Länge vorhanden. Ähnlich flexibel sieht es bei den Modulationszielen aus. Gewünscht hätte ich mir hier vor allem noch Attack und Decay der Hüllkurven, sowie die Parameter der Effekte.

Hilfreich ist, dass per default Spielhilfen wie Modwheel etc. schon zugewiesen sind. Anders als etwa bei einem Modal Cobalt 8 können diese Zuweisungen pro Preset aber überschrieben werden, was ich sehr begrüße.

Effektsektion im UNO Synth Pro X

In der Effektsektion verpasst man dem Signal die Politur und das ist hier sprichwörtlich gemeint. Denn die drei parallel nutzbaren Effekte Modulation, Delay und Reverb klingen für interne Effekte eines Synthesizers wirklich gut.

Sie unterscheiden sich in der Auswahl teilweise von denen im UNO Synth Pro. Weggefallen sind leider die guten Phaser, Flanger, und das Spring-Reverb. Dafür ist neben ein paar neuen Chorusvarianten nun auch ein sehr brauchbares Shimmer-Reverb an Bord.

Sequencer und Arpeggiator

Parameter-Locks, Swing, Triggerwahrscheinlichkeiten, unterschiedliche Wiedergabemuster, sowie eine ungerade Stepanzahl von bis zu 64 Steps: Der Sequencer des UNO Synth Pro X lässt wenig Wünsche übrig. Auch Accent, gehaltene Noten (Tie) und Chords sind hiermit möglich. Da man dem Accent per Modulationsmatrix verschiedene Ziele gleichzeitig zuweisen kann, können mit dem Sequencer sehr abwechslungsreiche Pattern programmiert werden, die bis hin zu komplexen Drum-Arrangements reichen.

Auch der Arpeggiator weiß zu überzeugen: Mit (De-)Aktivierung der 16 Steptastern kann man schnell eigene Pattern programmieren und diese dann in den geläufigen Mustern mit bis zu drei Oktaven wiedergeben.

UNO Synth Pro X: Bassline Mode

Ganz neu ist im UNO Synth Pro X der Bassline Mode. Dieser soll das Verhalten der originalen Roland TB-303 emulieren. Um es klar zu sagen: Durch den Bassline-Modus verwandelt sich der UNO Synth Pro X nicht in einen authentischen TB-303 Clone. Dafür ist der Grundsound einfach zu unterschiedlich. Sobald man diesen aktivert, werden einige Komponenten aus der Klangerzeugung limitiert, andere wie Accent und Accent Decay sind nun im direkten Zugriff. Man bekommt also 303-Feeling, aber keinen 303-Sound. Insgesamt finde ich den Bassline-Modus daher eher obsolet, aber der reduktionistische Ansatz wird manchen Usern sicherlich Freude bereiten.

Leider führt die Aktivierung des Bassline-Modus aber auch dazu, dass man sämtliche vorherige Sound-Einstellungen verliert. Wenn man sich also doch gegen den Bassline-Mode entscheidet und zu seinem Patch zurückmöchte, ist das nicht möglich. Laut IK Multimedia ist das der Simplifizierung des Bassline-Konzepts geschuldet, wobei ich diese Erklärung ehrlich gesagt nicht nachvollziehen kann. Hinzu kommt, dass man im Eifer des Gefechts auch mal aus Versehen auf diesen Taster kommt. Hier wäre zumindest ein Safety-Mode hilfreich, bei dem man erst nach einer kurzen Warnung in den Bassline-Modus wechselt.

UNO Synth Pro X – Librarian und Editor

Zur Archivierung eigener Sounds oder der Fernsteuerung über den Rechner bietet IK Multimedia einen Software-Editor mit Librarian an, der bereits in diesem frühen Stadium problemlos funktioniert. Hierüber lassen sich Sounds auf dem Computer speichern, Kategorien zuweisen, oder Presets am größeren Bildschirm übersichtlich bearbeiten. Zwar ist der Zugriff bei dem UNO Synth Pro X auch so schon sehr komfortabel. Manchmal ist es aber praktisch, den Synth komplett fernsteuern zu können.

Wie schon bei anderen IK Multimedia Geräten muss man sich leider erst einmal registrieren, um Zugriff auf die Software zu erhalten. Bei optionalen Dingen wie einem Editor kann ich das noch tolerieren, aber bei essentiellen Dingen wie Firmware-Updates sollte der Zugriff immer auch ohne Registrierungsschranke möglich sein. Zumal man sich bei IK Multimedia bisher immer erst ein License-Transfer-Ticket für rund 20 € kaufen muss, wenn man mal seine Hardware weiterverkaufen möchte.

UNO Synth Pro X Alternativen

Klanglich und rein von den Features ist die beste Alternative tatsächlich der UNO Synth Pro aus dem gleichen Hause. Hier gibt es zwar wesentlich weniger Bedienelemente und weniger Overdrive. Dafür kostet die Desktopvariante etwa die Hälfte gegenüber dem UNO Synth Pro X. Hier muss man wohl zwischen Budget und Bedienung abwägen. Klanglich sind beide sehr nah beieinander, wobei ich den UNO Synth Pro X eine minimale Nuance roher emfpand.

Fazit: UNO Synth Pro X Test

Ich war bereits ein Fan des Vorgängers UNO Synth Pro und hatte mich daher sehr über die Ankündigung des UNO Synth Pro X gefreut: Ein ähnlich guter Sound, dazu mehr Bedienelemente und mit dem Shimmer-Reverb kam noch eine gute Ergänzung in der Effektabteilung hinzu.

Nicht anfreunden kann ich mich mit dem erweiterten Gain und dem Drive-Regler. Hier driftet mir der UNO Synth Pro X zu schnell in undefinierten Mittenmatsch ab, was dem Grundsound eher nicht gut tut.

Daher auch meine klare Empfehlung an alle, die den Synth ausprobieren: Ignoriert die Werkspresets, bei denen größtenteils mit Drive und Gain übertrieben wurde, und steigt direkt ins Sounddesign ein. Ansonsten entsteht u.U. ein falscher Eindruck, der diesem Synth nicht gerecht wird.

8.8 TOTAL SCORE

IK Multimedia UNO Synth Pro X Test

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Features 9

Sound 9

Bedienung 8

Preis/Leistung 9

PROS

• Runder Gesamtsound
• Flexible Klangerzeugung
• Gut klingende Effekte

CONS

• Registrierung für Editor-Download notwendig
• Umschaltung in den Bassline-Modus überschreibt alle vorherigen Einstellungen
• Schlechte Werkspresets geben das Potential nicht wieder

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Auf einen Blick: Der Behringer Pro-800

• Achtfach polyfoner Analogsynthesizer zum Budgetkurs
• 400 Speicherplätze für eigene Presets
• Angelehnt an den Sequential Prophet 600
• 2 Oszillatoren pro Stimme plus Rauschgenerator
• LFO und 2 ADSR-Hüllkurven

Behringer Pro 800 Test: erster Eindruck

Nachdem der Pro 800 erst einmal ausgepackt war, stand vor mir das typische Behringer-Gehäuse, das bereits für eine Vielzahl von anderen Synths des Unternehmens verwendet wurde. Wer also einen Behringer Pro-1, einen K2 oder ein anderes Modell dieser Reihe hat, kann sich vorstellen, wie kompakt auch der Pro-800 daherkommt. Erstaunlich, wenn man bedenkt, dass es sich hierbei immerhin um einen analogen Polysynth handelt.

Die Verarbeitung geht wie schon bei anderen Behringer-Synthesizern dieser Serie absolut in Ordnung. Sämtliche Drehregler sitzen fest und bieten einen angenehmen Widerstand. Die Schalter sind nicht besonders hochwertig, erfüllten aber bei den anderen Modellen die ich hier hatte (Pro-1, K2 und Model D) über längere Zeit zuverlässig ihren Dienst. Daher wage ich den Blick in die Glaskugel und behaupte, dass das auch beim Pro-800 nicht anders sein wird.

Lediglich an die Folientaster wird sich mancher erst gewöhnen müssen. Denn wenn man nicht gerade mit dem Original, einem JX-8P oder anderen Synths dieser Ära gearbeitet hat, wird man vermutlich erstmal von der Haptik abgeschreckt.

Bevor ich direkt in die Komponenten einsteige noch ein kleiner Disclaimer. Ich habe nie einen Prophet 600 besessen und kann zur Authentizität daher nichts sagen. Andere Synthesizer aus dem Prophet-Universum sind mir allerdings durchaus geläufig (Prophet 5, Take 5, Rev 2, Pro One).

Oszillatoren

Der Behringer Pro 800 verfügt über zwei analoge Oszillatoren inklusive Sync, jeweils mit den Schwingungsformen Sägezahn (aufsteigend), Dreieck und Pulse mit variabler Pulsbreite. Der Regler für die Frequenz greift per Default erst einmal nur auf die Oktavenlage zu. Um hier den Regelweg zu ändern, muss man über das Menü den entsprechenden Modus auswählen und zwischen Oktave / chromatisch / manuell umschalten.

Das ist erstmal ungewohnt. Andererseits bietet es so aber auch die Möglichkeit, zwischen exaktem Tuning und der weiter reichenden Festlegung der Tonhöhe nach Gehör auszuwählen. Und spätestens in Verbindung mit Poly-Mod ist man über den erweiterten Frequenzbereich dankbar.

Die einzelnen Schwingungsformen lassen sich pro Oszillator de-/aktivieren. Beide Oszillatoren durchlaufen anschließend den Mixer, wo bei Bedarf auch noch Rauschen hinzugemischt werden kann.

Die Oszillatoren zeichnen sich durch den typischen Prophet-Sound aus. Ein kräftiger Sägezahn ist hier ebenso zuhause wie bassstarkes Dreieck. Die Pulswelle erzeugt bei Modulation herrliche Schwebungen, wenngleich die Einstellung Rechteck hier nicht ganz so viel „hohlen Bauch“ hat, wie etwa die Pulswelle bei einem Roland SH-101. Da das charakteristisch für den Prophet-Sound ist, ist das aber bitte nicht als Kritik zu verstehen.

Das Filter im Behringer Pro 800

Im Anschluss gelangt das Signal in ein 24dB Tiefpassfilter. Das Filter packt kräftig zu und verliert auch mit zunehmender Resonanz nicht allzu viel an Bass. Selbstverständlich bietet das Filter auch Resonanz und diese kann bis in die Selbstoszillation gefahren werden.

In Kombination mit dem Keytracking, das sich hier zwischen null, 50% und 100% einstellen lässt, kann man das Filter somit auch als relativ sauber trackenden (über drei Oktaven) Sinusoszillator verwenden. Routet man dann noch Oszillator B per Polymod auf die Cutoff-Frequenz des Filters sind analoge FM-Sounds ebenfalls überzeugend machbar.

Hüllkurven, Polymod und LFOs: Die Modulationsabteilung des Pro-800

Zur Klangformung bietet der Pro-800 zwei ADSR-Hüllkurven für Filter und VCA, einen LFO mit sechs Schwingungsformen, sowie einen weiteren Vibrato-LFO, der immer auf die Tonhöhe wirkt. Zusätzlich gibt es die Polymod-Sektion, in der sich die Filter-Hüllkurve und Oszillator B der Frequenz von Oszillator A oder des Filters zuweisen lassen.

Die Hüllkurven

Einer der Hauptkritikpunkte am Pro-800 direkt nach der Markteinführung waren die damals unmusikalischen Hüllkurven. Obwohl sich deren Charakteristik im Menü von fast linear / exponentiell auf slow linear / exponentiell umschalten lässt, waren sie damals schlicht zu langsam, um überzeugende Bässe abzuliefern.

Hier hat Behringer relativ schnell auf die Kritik reagiert und nachgefliefert. Die Hüllkurven sind zwar nach wie vor nicht die schnellsten Vertreter, aber absolut ausreichend, um auch schnappende Bässe und Leads zu kreieren. Nur den Hüllkurvenverlauf und die Wertumsetzung der Potidrehung finde ich hier ungewöhnlich. Die Ergebnisse sind zwar weitgehend brauchbar, der eigentliche Sweetspot liegt aber meistens irgendwo in den unerreichbaren Zwischenwerten.

LFO

Etwas versteckt im Menü findet man die Zuweisung des Vibrato-LFOs, dessen Intensität sich per Modwheel oder Aftertouch steuern lässt. Hier ist der Hub noch etwas zu extrem und man gleitet schnell ab ins extreme Eiern. Subtil eingesetzt liefert der Behringer Pro-800 problemlos Retro-Pads im Stil von Boards of Canada.

Spannender ist die Modulationssektion des Haupt-LFOs. Dieser bietet die Schwingungsformen, Sinus, Dreieck, Puls, Sägezahn (aufsteigend), sowie S&H und Rauschen. Die Auswahl hierfür erfolgt grob über einen Schalter auf der Oberfläche. Will man nun auf die anderen Varianten abtauchen, muss man wieder ins Menü abtauchen. Das ist nicht ganz optimal, aber bei einem LFO verschmerzbar, da man diesen wohl nicht so häufig im Preset ändert als andere Parameter.

In der LFO-Sektion wird per Kippschalter noch bestimmt, auf welche Ziele die LFO-Modulation wirken soll. Zur Auswahl stehen VCO-Pitch, Pulsbreite und Filter. Die Intensität wird für alle aktiven Ziele parallel per Regler eingestellt. Das ist insofern etwas nervig, da man einer heftigen Pulsbreitenmodulation auf diese Weise keine subtile Filtermodulation gegenüberstellen kann. Das ist aber ein generelles Problem der Retro-Prophet-Philosophie und kann daher nicht dem Pro-800 angelastet werden.

Sequencer & Arpeggiator

Als Skizzenblock für eigene Ideen besitzt der Pro-800 zwei polyfone Sequencer-Spuren. Diese werden global gespeichert und nicht wie etwa bei einem Sequential Take 5 mit dem jeweiligen Preset. Dafür kann eine Sequenz bis zu 400 Noten enthalten. Hier muss man etwas aufpassen, denn wenn Sequenz 1 bereits 300 Noten nutzt, stehen für die zweite Sequenz maximal 100 Noten zur Verfügung.

Der Arpeggiator ist eine nette Dreingabe mit den typischen Auf-/Ab-Mustern, Zufall und gespielter Reihenfolge. Sehr schön fand ich aber, dass man Sequencer und Arpeggiator auch parallel laufen lassen kann. Während eine Sequenz also hypnotisch-repetitiv vor sich hinläuft, kann man mit dem Arpeggiator spannende Kontraste setzen.

Behringer Pro 800 Alternativen

Um es vorweg zu sagen: Zu diesem Preis gibt es nur wenige Alternativen im Analogsynth-Bereich. Direkt fällt mir hier nur der dreadbox Nymphes (hier geht es zum Test) ein, der ähnlich flexibel ist, aber insgesamt noch etwas moderner klingt. Wenn man das Fenster aufzieht und auch digitale Synths berücksichtigt, kann man auch gut einige Roland-Synths wie den S-1 mit in die Auswahl nehmen. Beide gehen klanglich aber eher in Richtung Roland SH- bzw. Juno-Serie. Den typisch mittigen Sequential-Sound wird man hier nicht bekommen.

Und so gibt es den klassischen Sequential-Sound erst mit dem Take-5 von Sequential selbst. Das ist ein fantastischer Synth, aber auch direkt viermal teuerer als der Pro-800. Trotzdem nehme ich ihn in diese Übersicht mit auf.

Behringer PRO 800 Test: Fazit

Ein toller Vintage-Sound, Speicherplätze für eigene Presets, interessante Möglichkeiten fürs Sounddesign und das alles zu einem attraktiven Preis: Am Behringer Pro-800 hat man echt nicht viel auszusetzen. Kinderkrankheiten wie zu lahme Hüllkurven wurden mittlerweile ebenfalls behoben und so kann man Freunden des Prophet-Sounds eine klare Kaufempfehlung aussprechen. Auf meinem Wunschzettel hätte ganz oben nur noch ein Stereo-Ausgang mit der Möglichkeit von Voice-Pannings gestanden. Aber bei dem aufgerufenen Preis kann man sich hier zur Not auch mit einer weiteren Unit behelfen.

8.5 TOTAL SCORE

Behringer PRO-800 Test

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Features 8

Sound 9

Bedienung 7

Preis/Leistung 10

PROS

• Guter Vintage-Sound
• Günstiger Preis

CONS

• Folientaster reagieren mitunter schwergängig

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Roland SH-4d Test: Erster Eindruck

32 Potis, vier Fader, sowie etliche Taster für Sequencer-Bedienung und schnelles Einspielen von Melodien: Bereits nach dem Auspacken wird klar, dass Performance beim SH-4d eine wesentliche Rolle spielt. Sämtliche Potis und Fader bieten einen angenehmen Drehwiderstand. Dieser ist zwar geringer als etwa bei einem Sequential Take-5, vermittelt aber trotzdem ein wertiges Gefühl. Fünf der Potis sind als gerasterte Encoder (Endlosdrehregler) ausgeführt, die Drehbewegungen mit leichtem Klicken bestätigen.

Auch bei den Tastern gibt es nichts zu beanstanden. Zwar hat man hier nicht den Hub eines Sequential- oder Nord-Synths. Trotzdem traue ich ihnen zu, nach zwei Jahren Dauereinsatz im Club immer noch zuverlässig ihren Dienst zu verrichten.

Das Display oben links vermittelt Retrocharme und erinnert eher an Synthesizer aus den 90ern als an aktuelle Modelle. Da man die meist genutzten Funktionen ohnehin direkt über die Oberfläche erreicht, ist das aber nicht weiter störend.

Auf der Rückseite erwartet den User ein 5-Pin-MIDI-Duo, Stereo Line- und Kopfhörerausgang, Mix-In (Stereo-Miniklinke), ein analoger Clockeingang, sowie ein USB-C-Anschluss. Letzterer versorgt das Gerät mit Spannung und stellt gleichzeitig die Verbindung mit einem Computer her. Alternativ lässt sich der SH-4d übrigens mit vier AA-Batterien betreiben, praktisch für unterwegs.

Struktur der Klangerzeugung

Der SH-04d besitzt insgesamt vier Synthesizerspuren und eine Rhythm-Spur, in die Drumloops (oder andere One-Shots) programmiert werden. Für jede der vier Synthesizerspuren, hier „Part 1-4“ genannt, lassen sich jeweils verschiedene Synthesizermodelle laden. Dazu gleich mehr. Am Ende verpasst man dem Signal noch eine Effektkur, wofür jeder Part neben den Send-Wegen sogar noch einen exklusiven Effekt bereitstellt.

Gespeichert werden die Sounds einerseits im Pattern direkt, andererseits irgendwo in der Sound-Library. Einmal gespeichert, müsst ihr euch durch die Kategorien hangeln und das Preset suchen, wenn ihr es in einem anderen Projekt einsetzen wollt.

Ich gebe zu, ich bin ein Freund von Nummerierungen, wenn es um Preset-Verwaltung geht. Durch Top-20-Listen finde ich mich im hektischen Live-Betrieb, oder selbst beim entspannten Jammen deutlich besser zurecht. Allerdings kann man ganz gut gegenarbeiten, wenn man seine wichtigsten Presets einfach nicht zuweist und sie so zwangsläufig im No Assign Ordner landen. Besser wäre es, wenn man auch eigene Kategorien oder zumindest Favoriten anlegen könnte. Gelöst habe ich das Dilemma dann am Ende, indem ich einfach eine fortlaufende Nummer vor die Presetnamen gesetzt habe. Elegant ist anders, aber was soll’s.

Die unterschiedlichen Synthesemodelle des Roland SH-4d

Für jeden der vier Parts kann man aus einem von elf unterschiedlichen Oszillatorenmodellen auswählen. Darunter finden sich klassische Analogemulationen (z.B. Juno, SH-101) ebenso wie Wavetable, FM, Ringmodulation, sowie ein PCM-basiertes Modell für authentische 90er Rompler-Sounds.

Die Oszillatorenmodelle klingen durchweg gut, können es aber nicht ganz mit den dedizierten Emulationen, wie etwa SH-01a oder JU-06A Boutique aus dem eigenen Hause aufnehmen. Diese kommen immer noch etwas organischer daher, während man beim SH-4d schon einiges an Anstrengung aufnehmen muss, um hier richtiges Analogflair zu erhalten. Das ist aber nicht zwingend ein Manko. Denn auch so klingt der SH-4d von Haus aus sehr gut, wenngleich mir hier schon fast ein bisschen zu viel Sweet Spot an der Tagesordnung ist. Für richtig böse und knurrige Klänge wäre der SH-4d nicht meine erste Wahl.

Zentrales Element in der Oszillatorsektion sind die vier Schieberegler, kombiniert mit drei Drehpotis für Modellauswahl, Pitch und Timbre, sowie Wahltastern im unteren Bereich. Je nach Umfang und Algorithmus des gewählten Modells lassen sich hierüber u.a. die Schwingungsformen mischen, FM-Hüllkurven bearbeiten, ein zweiter LFO ansteuern oder die Pulsbreite festlegen.

Soweit ist das sehr intuitiv, man sollte aber zwei Dinge schnell auf dem Schirm haben: Mit Drehen des“Model“-Reglers wird das Oszillatorenmodell ausgetauscht und alle vorherigen Einstellungen sind unwiederbringlich verloren. Hier hätte ich es eleganter gefunden, so eine elementare Funktion auszulagern und ausschließlich über die beiden Regler unter dem Display zu steuern.

Allerdings kratzt man in diesem Bereich wirklich nur an der Oberfläche des Möglichen. Richtig Freude beim Sounddesign kommt dann auf, wenn man in die Untermenüs eintaucht. Denn hier hat man deutlich weitreichendere Einstellungsmöglichkeiten als man auf den ersten Blick vermutet. Zwar bedeutet das eine Menge Menü-Navigation, aber das Ergebnis lohnt sich.

Roland SH-4d Filter

Egal von welchem Oszillatormodell man ausgeht, landet man im Anschluss immer in der gleichen Filtersektion. Hier wäre es zwar klasse gewesen, dass sich etwa bei einer SH-101-Emulation auch das Filter entsprechend anpasst. Zum Glück liefert das im SH-4d verwendete Multimodefilter einen überzeugenden Sound, wobei auch hier ein künstlicher Grundklang wieder durchkommt. Etwas entgegensteuern kann man hier mit dem Drive-Regler, der eine analoge Sättigung emuliert und dem Filter dadurch etwas Schmutz und Pfund verleiht. Wirklich rohen Sound kann auch Overdrive nicht liefern, aber es ist eine willkommene Ergänzung, um das klangliche Spektrum des Filters zu erweitern.

Praktisch ist, dass Roland den Synthesemodellen immer auch ein Hochpassfilter ohne Resonanz zur Beschneidung der tiefen Frequenzen spendiert hat. Dadurch kann man die fehlenden Einzelausgänge etwas mehr verschmerzen und die Signale der einzelnen Spuren für die Summe entschlacken.

Das HPF fehlt im Drumbereich zwar. Weil man hier aber pro Druminstrument immer auch EQ und Multimodefilter inklusive Hüllkurve zur Verfügung hat, dürfte das die meisten Anwendungen abdecken.

LFO-Sektion

Direkt unter dem Filter findet sich die AMP-Sektion mit Pan-Regler und ADSR-Hüllkurve, die per Default immer auch von der Anschlagstärke gesteuert wird. Diese Zuweisung kann man bei Bedarf in der Modulationsmatrix deaktivieren.

Direkt unter der VCA-Sektion gibt es Zugriff auf den LFO. Neben der Schwingungsform des LFOs, Fade-In-Zeit und der Frequenz, bestimmt man hier auch die Modulationsintensität der Ziele Pitch, Filter und Amp. Etwas versteckt im Submenü „LFO“ legt man dazu noch fest, ob der LFO BPM-synchron laufen soll, bei Tastenanschlag neu getriggert wird und hat Einfluss auf die Phase.

Modulationsmatrix

Wer sich mehr Modulationsziele wünscht, muss hierfür in die Modulationsmatrix abtauchen. Diese versteckt sich ebenfalls im Submenü, ist aber leicht verständlich aufgebaut und erweitert die Sounddesignmöglichkeiten noch einmal. Pro Tone gibt es drei Modulations-Slots mit jeweils einer frei definierbaren Modulationsquelle, die man jeweils auf drei Ziele routen kann.

Spätestens an dieser Stelle hätte ich mir gewünscht, dass es neben dem einen LFO in jedem Modell noch mindestens einen zweiten LFO, sowie eine weitere Hüllkurve für Modulationen gegeben hätte. Zwar kann man auch Parameter-Locks über die Stepprogrammierung umsetzen, aber automatische Klangänderungen durch LFO, EG etc. sind dann doch noch etwas anderes – vor allem, wenn man live performt.

Die Effektabteilung: Global und pro Tone

Zur weiteren Bearbeitung verfügt der Roland SH-4d abschließend noch über eine sehr umfangreich ausgestattete Effektsektion. Insgesamt kann hier aus über 90 verschiedenen Algorithmen ausgewählt werden, darunter auch Exoten wie Step-Phaser und Step-Filter, die sich in Untermenüs zielgerichtet programmieren lassen.

Die Effektsetion teilt sich einerseits auf in vier Send-Effekte, die immer global wirken, und andererseits in einen frei wählbaren Insert-Effekt pro Slot. Zusätzlich gibt es pro Part, respektive pro Drum-Instrument (!) jeweils noch einen EQ, mit dem man den Mix homogen vorbereiten kann.

Die Effekte klingen fast durchweg brauchbar, lediglich die Sättigungs- und Distortion-Algorithmen fallen qualitativ negativ aus dem Rahmen. Auch das Tape Delay konnte mich klanglich nicht so richtig abholen, fehlt diesem doch etwas der analoge Crunch, den spezialsierte Tape-Delay-(Emulationen) wie etwa das UAFX Starlight Echostation deutlich authentischer beherrschen.

Dafür sind die zahlreichen Reverb-Agorithmen qualitativ im oberen Bereich angesiedelt, wenn man es mit anderen Effektunits von Hardware-Synths vergleicht. Auch die Modulationseffekte wie Chorus, Phaser und Flanger klingen gut. Wer der Summe den nötigen Feinschliff verpassen möchte, kann dies mit einem der Dynamikeffekte erledigen. Hier hätte ich mir nur noch einen Sidechain-Eingang gewünscht, um schön pumpende Tracks umzusetzen.

Ebenfalls vermisste ich noch die Option, einzelne Parameter der Effektsektion auch als Modulationsziel anzusteuern. Ein LFO auf die Delay-Zeit für schöne Tape-Flutter-Effekte, oder die per Sinus modulierte Hallfahne für den Techno-Rumble sind hier nicht möglich. Trotzdem ist das Klagen auf sehr hohem Niveau, denn der SH-4d liefert schon ein sehr ordentliches Effektpaket ab.

Der Rhythmpart des SH-4d: Nur nette Dreingabe oder brauchbare Beats?

Neben den vier Synthparts bietet der SH-4d noch eine Spur für Drum-Sounds, „Rhythm“. Ein Drumkit besteht aus bis zu 26 einzelnen Druminstrumenten, die wiederum mit einem weiteren Sound gelayert werden können.

Die 26 Instrumente können mit Multimode-Filter, EQ, Amp- und Filter-EG umfangreich geformt werden. Dazu kommt noch eine Pitch-Hüllkurve mit Attack und Decay, die den generellen Pitch-Umfang von +/-24 Halbtönen noch einmal erweitert, sowie der Zugriff auf die Effektsektion.

Mit dieser Ausstattung geht im Bereich Sounddesign einiges und man könnte fast darüber hinwegsehen, dass die Sounds qualitativ eher im oberen Mittelfeld liegen. Denn beim perfektionistischen Feinschliff einer Clubproduktion wird man wohl das ein oder andere Element austauschen müssen. Als Ideenskizze oder für den Live-Einsatz ist die Sample-Auswahl klanglich aber absolut ausreichend.

Der Sequencer des Roland SH-4d

Jeder Part des SH-4d verfügt über einen Sequencer mit bis zu 64 Steps, der entweder live aufnimmt, oder per Lauftlicht-Prinzip, respektive Stepeingabe programmiert wird. Leider wird die Aufnahme immer quantisiert. Da zudem auf Microshifting einzelner Steps verzichtet wurde, ist es nicht möglich, mit dem SH-4d bewusst „off-beat“ oder „laid-back“ zu spielen. Hoffentlich wird dieses Feature noch mit einem Update noch hinzugefügt. Die Anzahl der Steps wie auch die Auflösung der Wiedergabe lässt sich pro Spur festlegen. Dadurch sind auch polymetrische Rhythmen problemlos umsetzbar.

Hinzu kommen pro Step noch Parameterlocks, Substeps, Flam und Wiedergabewahrscheinlichkeit. Sobald die Steps einprogrammiert sind, können die Pattern ganz normal von links nach rechts, per Zufall angesteuert, oder von rechts nach links abgespielt werden.

Eine Möglichkeit zur Transponierung einmal vorhandener Melodien habe ich partout nicht finden können und gehe davon aus, dass es diese Funktion derzeit noch nicht gibt. Weiterhin fehlte mir das Verschieben von einmal aufgenommenen Melodien nach links oder rechts im Grid. Gerade durch diese Funktionen entstehen aber oftmals spannend groovende Pattern, die man ursprünglich nicht im Sinn hatte.

Wer es etwas abwechslungsreicher mag, kann live statt des Sequencers auch auf den Arpeggiator zugreifen. Dieser beherrscht im SH-4d die klassischen Muster (Up, Down, Up/Down, Zufall und geordnet). Leider kann man den Arpeggiator nicht von den aufgenommenen Noten des Sequencers spielen, wie zum Beispiel beim Korg Minilogue XD. Immerhin ist die parallele Nutzung von Sequencer-Playback und manuellem Dazuspielen mit aktiviertem Arpeggiator möglich.

Alternativen zum Roland SH-4d

Fazit: Roland SH-4d Test

Der Roland SH-4d bringt deutlich mehr mit, als man auf den ersten Blick vermutet. Die elf Synth-Engines lassen dank umfangreicher Effektsektion und Matrix einiges an Sounddesign zu und die Bedienelemente sind sinnvoll auf die wichtigsten Parameter zugeschnitten.

Auch weiß der Sound zu überzeugen, solange man nicht vorhat, den SH-4d primär für härtere Musikgenres einzusetzen. Denn der Grundsound ist – eigentlich typisch für Roland – immer etwas HiFi. Nur die Drums fallen in ihrer Qualität minimal ab, aber da vergleiche ich auch dedizierte (analoge) Drummachines mit einer Add-On-Auswahl in einem Synthesizer. Und als Ideenskizze ist die Rhythm-Sektion auf jeden Fall super.

Und so bleibt am Ende festzuhalten, dass Roland mit dem SH-4d eine flexible Groovebox auf den Markt gebracht hat, die sich selbst Einsteigern schnell erschließt und gleichzeitig genug Potential mit bringt, um auch Profis zu überzeugen.

7.8 TOTAL SCORE

Roland SH-4d Test

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Features 8

Sound 9

Preis/Leistung 8

Bedienung 6

PROS

• Guter und flexibler Sound
• All-in-One-Lösung für Live-Performances

CONS

• Preset-Management unterirdisch
• Keine Einzelausgänge

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Behringer Edge Test: Erster Eindruck, Anschlüsse und Verarbeitung

Der Behringer Edge hinterlässt direkt einen positiven Eindruck: Alle Drehregler und Taster bieten einen angenehmen Widerstand, die Buchsen sitzen fest und überhaupt macht die Drum-Flunder einen recht robusten Eindruck. Ich würde den Edge ohne Zögern zu Live-Jams transportieren und gehe davon aus, dass er selbst den Ansprüchen von Vielreisenden gerecht wird.

Auf der Oberfläche sind alle Bedienelemente und Patchbuchsen untergebracht. Mit diesen stellt der Edge zahlreiche Verbindungspunkte für (semi-)modulare Systeme bereit. Falls man den Drumsynth aber ganz traditionell als autarke Einheit im DAW-Setup nutzen möchte, gibt es neben MIDI-USB auch noch ein klassisches 5-Pin-MIDI-Duo (IN / Out & Thru).

Klangerzeugung des Edge

Die Klangerzeugung des Behringer Edge ist traditionell aufgebaut: Zwei Oszillatoren plus Noise gehen in ein Filter und werden an verschiedenenen Stellen von Decay-Hüllkurven und Sequencer gesteuert. Soweit, so simpel. Sehen wir uns die einzelnen Sektionen im Detail an.

Oszillatoren

Beide Oszillatoren sind in der Lage Dreieck oder Pulse zu generieren. Zur Wahl der Schwingungsform steht ein Kippschalter zur Verfügung. Um weitere Obertöne zu generieren, sind zusätzlich noch Hard-Sync, sowie frei dosierbare Frequenzmodulation vorhanden. Bei den Oszillatoren hätte ich mir gewünscht, dass man entweder die Pulsbreite frei definieren kann, oder direkt von Dreieck zu Pulse überblendet. Trotzdem klingt das Ergebnis sehr brauchbar, wobei der Sound eher HiFi-mäßig und zuweilen aggressiv daherkommt als Vintage-warm.

Praktisch in Verbindung mit Hard Sync und FM ist, dass man die globale Pitch-Modulation über den Sequencer optional entweder für beide oder nur einen Oszillator deaktivieren kann. Dadurch ließe sich der Oszillator per Patchmatrix auch als (schneller) LFO auf andere Parameter wie Filter-Cutoff oder Noise-Level routen.

Um dem Signal noch geräuschhaftes mitzugeben, gibt es Rauschen wahlweise in pinker und weißer Form. Ein Regler ist hier für die Lautstärke zuständig. Da man diese alternativ auch per Patchbuchse steuern kann, sind auch kurze Noise-Klicks am Anfang des Sounds möglich. Vor allem dann, wenn man den Edge im Verbund mit anderer modularer Peripherie nutzt.

Hüllkurven

Wie bereits kurz erwähnt, gibt es beim Edge zwei Hüllkurven. Wobei Hüllkurve im klassischen Synthsinne hier massiv übertrieben ist. Im Prinzip gibt es nur Decay und die Hüllkurven-Intensität, die positiv und negativ für folgende Parameter festgelegt werden kann: Filter Cutoff, sowie unabhängig für die Tonhöhe der beiden Oszillatoren.

Hüllkurve Nummer zwei ist dann für den VCA zuständig. Hier hat man per Kippschalter noch die Wahl zwischen Fast- und Slow-Betriebsart. Das ist dann praktisch, wenn man statt schneller Percussions eher runde Bassläufe erzeugen will.

Beide Hüllkurven sind logischerweise optimiert für perkussive Klänge und erledigen diesen Job auch mit Bravour. Das Live-Spiel mit dem VCA-Decay-Regler in Kombination mit dem Fast/Slow-Kippschalter liefert böse rollende Technokicks (Rumble) mit ordentlich Tiefenschub. Aber auch zappende Percussion-Sounds sind schnell umgesetzt. Lediglich für klassische 909-Kicks muss man hier schon einiges an Überzeugungsarbeit leisten. Jedenfalls wollte mir das im Laufe dieses Behringer Edge Tests nicht so richtig gelingen. Allerdings gibt es hierfür nun wirklich mehr als genug Alternativen.

Patchfeld

Um etwas tiefer ins Sounddesign einzusteigen, wurde dem Edge eine Patchmatrix mit insgesamt 24 Patchbuchsen spendiert. Unterteilt in zehn Ausgänge und 14 Eingänge lässt sich damit der vorgegebene Signalpfad an mehrere Stellen unterbrechen.

Betrachtet man den Edge als in sich geschlossene Einheit ist die Auswahl zwar nicht so ergiebig. Denn die meisten Verbindungen können ebenso per Kippschalter und Drehregler auf der Oberfläche geroutet werden. Im Verbund mit einem Behringer Crave oder andereren (semi-)modularen Synthesizern ergibt die Patchmatrix aber durchaus Sinn und erweitert das klangliche Potential noch einmal immens.

Filter

Das Filter im Behringer Edge lässt sich per Kippschalter zwischen resonanzfähigem Tiefpass und Hochpass umschalten. Hochpass ist hier gefühlt nicht ganz präzise, denn im Vergleich mit anderen Vertretern dieser Art scheint mir das HP-Filter des Edge immer noch zu viel tiefe Frequenzen durchzuwinken. Nichtsdestotrotz ist die HP-Filter-Betriebsart nützlich zur Emulation von Becken und anderem Gezischel.

Ergiebiger ist da das Tiefpassfilter, das hier als 24dB-Variante ordentlich zupackt. Klanglich sehe ich es übrigens etwas näher am Prophet-Sound an als an der Moog-Kaskade. Ich vermute, dass Behringer für den Edge das gleiche Filter nutzt, das sich auch im Crave findet. Dadurch klingt der Edge auch ein Stück präziser, HiFi-mäßiger als der Moog DFAM, dessen Filter insgesamt cremiger daherkommt und mehr Vintage-Charme versprüht. Doch dazu später mehr.

Sequencer

Im unteren Bereich des Edge befinden sich zwei Reihen mit je acht Drehpotis. Hierüber wird einerseits die Tonhöhe, andererseits Velocity gesteuert. Beide Ausgänge stehen über die ModMatrix bereit und können so auch anderen Parametern zugewiesen werden.

Mit zwei mal acht Steps erscheint der Sequencer auf den ersten Blick ganz schön rudimentär. Aber eben diese Limitierung kann vorteilhaft bei der Produktion von hypnotischen Techno- und Industrial-Pattern sein. Wobei ich im Zweifelsfall lieber ein paar Steps mehr zur Verfügung habe, um dann selbst die Länge zu bestimmen.

Immerhin gibt es beim Edge einen MIDI-Eingang (alternativ über USB), mit dem sich der interne Sequencer retriggern lässt, was dadurch auch ungerade Rhythmen ermöglicht. Beim Produzieren fällt die Step-Begrenzung wiederum nicht so stark ins Gewicht, denn der Sequencer-Workflow des Edge ist echt inspirierend. Der Sequencer will live gespielt werden und das kombinierte Tweaken von Velocity und VCA-Decay erzeugt dynamische Beats, die sich schnell zum Grundgerüst eines kompletten Tracks aufbauen lassen.

Behringer Edge oder Moog DFAM

Wenn man sich die Oberfläche und die Parameter des Edge ansieht, zwingt sich ein Vergleich zum Moog DFAM auf, der konzeptionell nahezu identisch daherkommt. Zwar lässt sich die Inspirationsquelle schwer bestreiten. Denn im Gegensatz zu vielen Retro-Clones wurde sich hier eines aktuellen Konzepts bedient, das für sich genommen recht außergewöhnlich ist.

Trotzdem ist der Behringer Edge kein identischer Clone. Falls jemand also auf den Budget-DFAM hoffte, wird hier enttäuscht. Ebenso sollten diejenigen beruhigt sein, die sich über die konzeptionelle Nähe zum DFAM ärgern.

Denn – und das ist hier entscheidend – der Edge klingt ein gutes Stück härter als der DFAM von Moog. Während der DFAM (zum Test Moog DFAM) seine Moogsche Herkunft nicht verleugnet – hiefür sind vor allem Filter und Oszillatoren verantwortlich – kommt der Edge deutlich HiFi-mäßiger rüber. Andere würden ihm das Attribut „Plastik-Sound“ mitgeben. Einerseits stimme ich dem zu, wehre mich aber andererseits gleichzeitig gegen die implizite Negativität des Begriffs.

Behringer Edge klingt insgesamt frischer und definierter, erzeugt aber im Vergleich mit dem DFAM auch nicht so viel Tiefenschub. Daher sehe ich hier auch gute Synergien, wenn man ein Faible für Drumsynthesizer hat. Beide Synths ergänzen sich prima und keiner macht den jeweils anderen obsolet. Dass sich Behringer hier schon recht deutlich am DFAM-Konzept orientierte mag man dabei gut finden oder verurteilen. Letztlich liegen beide immerhin klanglich weit genug auseinander um nicht von einem Plagiat zu sprechen.

Behringer Edge Test: Fazit

Am Ende des Behringer Edge Test bleibt festzuhalten: Mit dem Edge hat Behringer einen soliden Drumsynthesizer auf den Markt gebracht, der sowohl zum Experimentieren einlädt, aber auch Standards problemlos abdeckt. Auch wenn der Grundsound etwas mehr in Richtung obertonreicher HiFi-Klang geht, eignet sich der Edge dennoch hervorragend für düstere Industrial Techno Tracks. Im direkten Vergleich mit einem DFAM klingt der Edge nicht ganz so organisch, woran vor allem die Oszillatoren und das Filter des Moog DFAM beteiligt sind. Und das ist gut so, denn beide Drumsynths ergänzen sich klanglich hervorragend. Zu dem Preis macht man hier definitiv nichts verkehrt.

9.0 TOTAL SCORE

Behringer Edge Test

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Features 9

Sound 9

Bedienung 8

Preis/Leistung 10

PROS

• Durchsetzungsfähiger Sound
• Flexible Klangerzeugung
• Semimodularer Aufbau

CONS

• Disadvantage (2)

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Eigentlich dachte ich, dass Roland mit der Boutique-Serie alles erreicht hat, was Miniaturisierung betriff. Doch weit gefehlt: Denn mit „AIRA compact“ setzt das japanische Unternehmen die Mikroskopierung fort und stellt nun mit dem S-1 einen SH-101 Clone im Jackentaschenformat vor. Während mich der J-6 der gleichen Serie überhaupt nicht abgeholt hat, fand ich den Roland T-8 schon überzeugender. Wie sich nun der polyfone Synthesizer schlägt, erfahrt ihr im Roland S-1 Test. Aber wie immer gibt es vorab ein Demovideo.

Der Roland S-1 in Kürze erklärt

• SH-101 inspirierter VA-Synth mit bis zu vierfacher Polyfonie
• Erstellung eigener Schwingungsformen ist möglich
• Umfangreicher 64-Step-Sequencer mit Parameter-Locks, Wahrscheinlichkeiten und Rolls
• Interner Akku mit bis zu acht Stunden Laufzeit

Roland S-1 Test: Erster Eindruck

Waren die Boutique-Synthesizer schon klein, sind die AIRA Compact Units nahezu winzig. Der weitere Größenverlust schlägt sich natürlich auch in der Bedienung nieder. Beim Roland S-1 werden die meisten Parameter über kleine Potiachsen bedient, die weniger präzise Eingaben erlauben als ihre normalgroßen Verwandten. Der Drehwiderstand ist dafür moderat, wenn gleich man das Gehäuse entweder von oben fixieren oder mit einer zweiten Hand beim Schrauben festhalten sollte. Denn der S-1 wiegt mit knapp 300g kaum etwas und so kann es schnell passieren, dass die Unit bei beherzten Sessions vom Tisch fliegt (Gruß geht an alle „Heiße-Poti-DJs“ da draußen).

Die Gummitaster des Menüs und Sequencers lassen sich angenehm drücken. Zwar vermitteln auch diese kein hochwertiges Gefühl, wirken aber auch nicht so, dass sie einem bei der nächstbesten Gelegenheit entgegenspringen.

Auf der Oberfläche finden sich zudem noch ein kryptisches 7-Segment-Display, Sync In/Out, Line-Ein- und Ausgänge, nebst Kopfhöreranschluss. Auf der Rückseite gibt es noch zwei TRS-MIDI-Buchsen und einen USB-C-Anschluss. Dieser stellt eine (MIDI-) Verbindung zu einem Computer her und versorgt das Gerät mit Spannung, wenn man auf den Batteriebetrieb verzichten möchte.

Roland S-1 Test: Die Klangerzeugung

Damit steigen wir direkt in die Klangerzeugung ein. Kurz gesagt findet man hier alles, was einen SH-101 auszeichnet. Der Roland S-1 geht aber – neben der vierfachen Polyfonie – an vielen Stellen noch ein gutes Stück weiter. Das ist vor allem in der Oszillatorsektion der Fall, wo man – etwas versteckt in Submenüs – Zugriff auf zusätzliche Parameter findet.

Die Oszillatorsektion

Der Roland S-1 bietet wie schon die Vorlage einen Oszillator mit den Schwingungsformen Sägezahn und Rechteck mit variabler Pulsbreite. Dazu kann man sowohl Noise als auch einen Suboszillator (-1 Okt, -2 Okt Rechteck / schmaler Pulse) hinzumischen. Der Oszillator klingt wirklich gut und erzeugt einen obertonreichen Sägezahn ebenso wie das typisch bauchige Rechteckelement, für das der SH-101 so bekannt ist.

Bei der Pulsbreitenmodulation mit der Hüllkurve empfand ich das Original – und auch den SH-01a – etwas runder bzw. weicher im Klang; vor allem in extremeren Settings. Hier geht es aber wirklich um Nuancen. Eine angenehme Abweichung zum Original findet sich beim Rauschen. Denn dieses steht beim S-1 sowohl als pinke als auch weiße Variante zur Verfügung.

Draw und Chop

Falls der Oszillatorsound irgendwann zu langweilig wird, hat man mit Draw und Chop die Möglichkeit, diesen weiter zu formen. Anstatt der Pulswelle startet man bei Draw mit einem Dreick und wählt über die sechzehn Steptaster einzelne Segmente aus. Mit dem Value-Regler kann man diese nun einzeln betonen oder absenken. Dadurch entstehen neue Schwingungsformen, die mehr oder weniger Bass haben können, oder stark ins Metallische neigen. Final bestimmt man nun, ob die einzelnen Elemente fließend ineinander übergehen (Slope) oder stufenartig von einem Segment zum nächsten springen. Letzteres ist optimal für die Chiptunes-Fraktion, da sich hiermit schnell typische Bitcrusher-Effekte erzielen lassen.

Zusätzlich lässt dich die Schwingungsform mit Multiply weiterbearbeiten, was klanglich der Oszillatorsynchronisation entspricht. Da sich Änderungen dieses Parameters per Motion-Recording aufzeichnen lassen, ist das eine sinnvolle Erweiterung der Originalausstattung.

OSC Chop

Ähnlich wie mit Draw kann man mit OSC Chop die Schwingungsformen editieren. Im Gegensatz zu Draw steht diese Funktion aber für alle Oszillatoren bereit, inklusive Suboszillator und Noise. Durch Einsatz von Chop werden einerseits die Obertöne der Schwingungsform betont. Gleichzeitig kann man durch gezieltes „Heraustrennen“ einzelner Segmente einer Schwingungsform deren Klangcharakter verändern.

Abschließend kann man mit dem Parameter Comb die Wiederholungen dieser „Einschnitte“ erhöhen. Mit zunehmender Intensität wird der Klang dabei immer metallischer und gleitet bei höheren gespielten Noten mitunter ins Geräuschhafte ab.

Das Filter

Auch das Filter ist dem SH-101 nachempfunden und daher als 24dB Tiefpass ausgelegt, dessen Resonanz bis in die Selbstoszillation reicht. Kurzum: Das Filter klingt richtig gut und liefert von punchigen Bässen bis hin zu sauber trackendem Sinus das komplette Spektrum. Wie beim Original verliert es mit zunehmender Resonanz an Bass, erzeugt dann gleichzeitig aber herrlich zwitschernde Acid-Lines.

Hüllkurve, LFO und andere Modulationsquellen des S-1

Als Modulationsquellen gibt es neben einer ADSR-Hüllkurve (für AMP und Filter) und einem LFO mit sechs Schwingungsformen noch Velocity, Modwheel, sowie D-Motion. Letzteres ist ein Gyroskop, was X/Y Bewegungen der Unit in Controller-Daten umsetzt. Das ist ein nettes Gimmick, aber wirklich sinnvoll eingesetzt habe ich es noch nie.

Die ADSR-Hüllkurve liefert von schnellen Percussion-Sounds bis hin zu ausladenden Pads ein breites Spektrum, das immer musikalisch klingt. Der LFO kann optional in den Fast-Modus versetzt werden und bis in den hörbaren Bereich schwingen. Wer jetzt an die Nova Mod denkt, wird allerdings enttäuscht sein: Ganz so schnell wie bei der SH-101-Modifikation wird es hier nicht. Dafür läuft der LFO im S-1 optional auch Beat-synchron und kann per Tastenanschlag zurückgesetzt werden.

Effekte

Zur Abrundung gibt es eine Effektabteilung mit Delay, Reverb und Chorus. Alle Varianten klingen absolut okay, ersetzen qualitativ aber keine spezialisierten Outboard-Effekte. Während das Delay in Richtung Analogdelay geht, finden sich sowohl für Reverb als auch Chorus unterschiedliche Varianten. Praktisch ist, dass man den Effekten Lo- und Hi-Cut spendiert hat. Das beugt unerwünschtem Frequenzmüll vor und erspart einem unterwegs weiteres Equipment.

Der Sequencer des Roland S-1

Zusätzlich verfügt der Roland S-1 über einen flexiblen Sequencer mit bis zu 64-Steps, die in unterschiedlichen Taktarten und mit frei definierbarem Shuffle wiedergegeben werden. Hinzu kommen Trigger-Wahrscheinlichkeiten pro Step, unterschiedliche Roll-Muster für die typischen PsyTrance-Stutter-Noten und die Möglichkeit, Reglerbewegungen aufzuzeichnen. Da der S-1 polyfon ist, beherrscht auch der Sequencer Akkorde. Wer hingegen typische Acid-Lines bevorzugt, kann diese mit Slide und (Auto-) Portamento authentisch aufbauen.

Etwas schade fand ich nur, dass man nicht wie beim Original die Steps nacheinander eingeben kann und der Sequencer dann immer einen Schritt weiterspringt. Diese Programmierung empfand ich immer als inspirierend, umso mehr habe ich sie beim S-1 vermisst.

Alternativ steht übrigens auch ein Arpeggiator zur Verfügung. Im direkten Vergleich mit dem umfangreichen Sequencer kommt dieser allerdings etwas rudimentärer daher. Denn hier gibt es vor allem die Standards (Up/Down etc.), wenngleich das für viele Anwendungen durchaus ausreichen sollte.

Roland S-1 Test: Fazit

Für knapp 200 € bietet der S-1 ein gelungenes Gesamtpaket: Guter Sound, zahlreiche Features, ein umfangreicher Sequencer und Gimmicks wie Akkubetrieb und Gyroskop. Nur die Größe ist schon hart an der Schmerzgrenze. Dafür kann man den Roland S-1 problemlos mitnehmen und selbst in vollgestopften Live-Koffern dürfte der Polysynth noch Platz finden. Zur Not eben in der Jackentasche.

Unter ultrapuristischem Maßstab im Direktvergleich mit dem Original wäre mir der S-1 nicht akkurat genug. Selbst wenn es nur der Unterschied wäre, den man aufgrund der Haptik wahrnimmt. Der originale SH-101 Klang wirkt auf mich aber noch etwas weicher, tiefer. Und das ist etwas, das auch der SH-01a wiederum besser kann als der S-1. Und dieser wäre wiederum meine Empfehlung für alle, die unterwegs nicht das Original mitnehmen oder sich kein gebrauchtes Gerät leisten wollen.

Allen anderen sei der S-1 auf jeden Fall ans Herz gelegt. Hier bekommt man viel Synth und guten Sound zu einem überschaubaren Preis. Und selbst als Zweit-101 macht der S-1 eine gute Figur: ein etwas anderer Grundcharakter, dazu interessante Sequencer-Features und erweiterte Synthesemöglichkeiten.

9.0 TOTAL SCORE

Roland S-1 Aira Compact

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Features 9

Sound 10

Bedienung 7

Preis/Leistung 10

PROS

• Hervorragender Sound
• Erstaunlich flexible Klangerzeugung
• Kompaktes Format mit Akku

CONS

• Teils fummelige Bedienung
• Anschlüsse auf der Oberseite

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Das japanische Unternehmen Sonicware hat sich auf kleinere Grooveboxen und Synthesizer im Low-Budget-Bereich spezialisiert. Trotz des relativ geringen Preises bietet die LIVEN-Klasse umfangreiche Features und charaktervollen Sound. Mit dem Liven Texture Lab stellt Sonicware nun einen vierfach polyphonen Granularsynth mit Sequencer vor. Wie gut das gelungen ist, erfahrt ihr im Sonicware LIVEN Texture Lab Test. Doch zuerst hören wir mal, wie er klingt.

Liven Texture Lab Test: Erster Eindruck

Der kompakte Granularsynthesizer versprüht dank des komplett aus Plastik gefertigten Gehäuse mit ebensolchen Tastern und Potis ein Low-Budget-Flair. Lediglich die Wahltaster über dem Sequencer sind aus Gummi, was dem Eindruck allerdings nicht entgegenläuft.

Zwar wirkt das Ganze durch die schicke Farbkombination aus türkisem Boden und weißer Oberfläche nicht ganz so dramatisch wie bei der Kombination aus Gehäuse und Papp-Overlay für die Synthengine des Liven XFM. Trotzdem sollte man hier keine allzu edlen Komponenten erwarten. Zumal auch die Poti-Kappen eher an das Billig-Feeling einer TB-303 erinnern.

Andererseits wiegt der Texture Lab dadurch auch recht wenig, wodurch er sich problemlos transportieren lässt. Und hierfür wiederum würde ich ihm schon eine gewisse Robustheit attestieren, die den meisten Live-Situationen gewachsen ist. Denn die Elemente sitzen allesamt fest, die Potis verfügen über einen angenehmen Drehwiderstand und auch die Taster des Sequencers reagieren schnell und zuverlässig.

Kommunikation mit der Außenwelt: Die Anschlusssektion

Für die Studiointegration besitzt der Texture Lab ein 5-Pol-MIDI-Duo, Trigger-Ein-und-Ausgänge für analoge Clocksignale, sowie Stereo-Ein-und-Ausgänge. Ein Kopfhörerausgang nebst Anschluss für das Netzteil rundet die Ausstattung ab. Leider sind sämtliche Anschlüsse auf der Oberfläche verbaut, was besonders bei Standard-Netzsteckern nervt, die dann im ungünstigen Winkel aus dem Gehäuse hervorstehen. Ich betone das, weil der Liven Texture Lab ohne ein spezielles Netzteil mit gewinkeltem Stecker ausgeliefert wird. Dafür kann man den LIVEN Texture Lab alternativ mit Batterien betreiben.

Eine USB-Spannungsversorgung kommt ebenfalls nicht infrage, da Sonicware bei der gesamten LIVEN-Serie auf eine USB-Schnittstelle verzichtet. Das ist zwar einerseits vorteilhaft, holt man sich doch mit schlechten USB-Hubs oder USB-Kabeln gerne mal Störgeräusche in den Audiopfad. Andererseits ist USB gerade für die Spannungsversorgung oder den Datenaustausch sehr praktisch, hier läuft das ganz rudimentär über MIDI-SysEx.

Produzieren mit dem Liven Texture Lab: Workflow

Wer schon einmal mit anderen Sonicware-Geräten wie dem LIVEN XFM oder dem LoFi-12 gearbeitet hat, wird sich beim Texture Lab schnell zurechtfinden. Der Aufbau ist grundsätzlich identisch, wenngleich einige Elemente ihre Position getauscht haben. So zum Beispiel das Filter, das beim XFM ganz links und beim Texture Lab nun ganz rechts ist. Für Umsteiger ist das anfangs eine Herausforderung, aber man gewöhnt sich recht schnell daran.

Neueinsteiger werden ums Lesen der Bedienungsanleitung wahrscheinlich nicht herumkommen. Dafür sind einerseits die Möglichkeiten zu umfangreich und andererseits wird man spätestens beim Sequencer-Programming das Manual hin- und wieder konsultieren müssen. Nach einer kurzen Zeit hat man die meisten Funktionen verinnerlicht und kann recht flüssig mit dem Texture Lab arbeiten.

Die Ausgangsbasis eines Granularsynths ist ein Sample. Das kann entweder per aus dem Factory-Speicher stammen, direkt über den Line-Eingang mit bis zu sechs Sekunden (mono / 16 Bit / 32 kHz) Länge pro Sample aufgenommen, oder per SysEx importiert werden. Der Aufnahmevorgang ist extrem einfach gehalten: Audioquelle anschließen, Threshold festlegen und sobald der Schwellenwert des Pegels überschritten wird, startet die Aufnahme. Anschließend überprüft man das Ergebnis und wenn alles passt, wird dem neuen Sample einer der 32 Sample-Speicherplätze zugewiesen. Ab diesem Zeitpunkt kann das Sample in der internen Soundengine weiter verarbeitet werden.

Klang und Synthese des LIVEN Texture Lab

Kommen wir nun zum Wichtigsten – Synthese und Klang. Und hier weiß der LIVEN Texture Lab zu überzeugen.

Architektur des Sounds

Wie man es von einem Granularsynth erwartet, bestimmt man die Anzahl, Länge und Dichte der Grains, sowie die Überblendungsstärke einzelner Grains, was im Ergebnis je nach Intensität körniger oder verwaschener klingt. Darüber hinaus können Abspielgeschwindigkeit- und Richtung (vorwärts, rückwärts, alternierend, zufällig), Tonhöhe, sowie Jitter (wie weit sich das Wiedergabefenster von den einzelnen Grains entfernt) bestimmt werden.

All diese Parameter stehen als Modulationsziele für die beiden LFOs oder Parameter-Locks zur Verfügun. Leider kann man pro LFO nur ein Ziel festlegen. Dafür gibt es aber für die Position des Sample-Scans einen Zufallsmodus, der sich bei Bedarf auch zur BPM synchronisieren lässt. Ebenso übrigens die beiden LFOs, die bei Bedarf völlig frei, oder synchron zur BPM oder per Tastenanschlag neu getriggert werden.

Möchte man Aftertouch, KeyFollow oder ModWheel als Modulationsquelle nutzen, muss dafür jeweils ein LFO geopfert werden. Ich hätte mir diese als zusätzliche Modulationsquelle gewünscht, aber immerhin sind sie überhaupt vorhanden.

Klang

Wie die meisten Granularsynthesizer, egal ob Granular VST oder Hardware, gelingen vor allem Pads spielend einfach und überzeugend. Aber auch bei experimentellen Sounds liefert der Texture Lab ab. Schnell baut man aus einem Sprachsample exotisch morphende Vocal-Effekte oder baut aus einer Spieluhr eine dichte Klangwolke, die sich perfekt als Basis für Ambient-Tracks eignet. Mit Diffusion lässt sich diese auch schön im Stereofeld aufziehen, was in Verbindung mit dem guten internen Stereo-Hall zu beeindruckenden Ergebnissen führt. Eine leichte Tendenz hin zum LoFi-Sound ist wie schon bei den anderen LIVEN-Modellen aber immer vorhanden.

Was dem Texture Lab nicht so liegt, sind knackige Bässe oder Leads. Wobei für diese Kategorien Granularsynthese generell eher meine letzte Wahl wäre. Zu groß ist hier das Potential bei anderen Sounds zu überzeugen, zu gering der Aufwand mit anderen Syntheseformen überzeugende Bässe und Leads zu erstellen.

Am Ende der Signalweg steht noch ein subtraktives Filter mit Resonanz, das den Sound entweder als Tief-, Band- oder Hochpass formt. Eine dedizierte Hüllkurve fürs Filter wie beim Liven XFM habe ich hier zwar vermisst. Aber da mich der Plastiksound des LIVEN-Filters auch hier nicht richtig überzeugen konnte, reicht mir der statisch-subtile Einsatz etwa zur Bedämpfung unangemer Höhen oder zu Entschlackung von tiefen Frequenzen.

Sequencer

Ein wichtiger Bestandteil für eigene Performances ist der Sequencer. Die Ausführung im Texture Lab verfügt über bis zu 128 Steps, dessen maximale Anzahl sich in allen Abstufungen zwischen 1 und 128 bestimmen lässt. Per Default rattert der Sequencer mit 1/16-Noten, was sich aber inklusive triolischer Varianten auch auf andere Taktmaße abändern lässt.

Zusätzlich ist es möglich, Parameterveränderungen im Betrieb aufzuzeichnen oder einzelnen Steps unterschiedliche Parameterwerte zuzuweisen. Stutter- und Randomeffekte runden hier die Ausstattung ab. Lediglich Trigger-Wahrscheinlichkeiten und Microshifting habe ich hier vermisst, aber auch ohne diese ist das Angebot sehr umfangreich.

LIVEN Texture Lab als externes Effektgerät

Alternativ zu aufgenommen Samples ist der Texture Lab in der Lage, externes Audiomaterial live zu bearbeiten. Dabei stehen bis auf wenige Aufnahmen alle Parameter zur Verfügung – inklusive Sequencer und Locks!

Vom einfachen Einsatz als gut klingender (Shimmer-)Reverb, über Tape-Simulation, bis hin zu extremen Effekt-Loops, die bei laufendem Sequencer ständig neue Einstellungen abfeuern. Einzige Einschränkung ist hier eine gewisse Verzögerung am Anfang. Denn auch Sonicware hat es noch nicht geschafft, die Gesetze der Physik außer Kraft zu setzen und in der Zeit zurückzureisen. Mit anderen Worten: Damit man etwas aus der Granular-Engine hören kann, müssen erst einmal die ersten Soundschnippsel im internen Speicher landen. Hall und Filter kann man natürlich direkt einsetzen.

Sonicware LIVEN Texture Lab Test: Fazit

Ein polyphoner Granularsynth und Effektgerät für rund 300 € ? Der LIVEN Texture Lab hinterlässt einen postiven Gesamteindruck und sei allen ans Herz gelegt, die einen Klangerzeuger abseits der Subtraktiven und FM-Standards suchen. Seine Stärken spielt er bei Pads, experimentellen Sounds und als externer Kreativeffektprozessor aus. Dabei ist er durchaus in der Lage, komplett neue Klangnoten im Hardware-Park zu setzen.

Eine gewisse Experimentierfreudigkeit sollte man mitbringen, denn durch das fehlende Display gibt es optisch kaum ein Feedback, was gerade passiert. Mit der Zeit lernt man aber, bestimmte Verhaltensweisen vorauszusagen und kann gezielt einzelne Punkte ansteuern. Leichter geht so etwas natürlich immer mit Software oder Synths mit großem Display wie dem Tasty Chips GR-1. Die spielen dafür aber in einer ganz anderen Preisklasse, weshalb ich in diesem Artikel auf einen tieferen Vergleich verzichtet habe.

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Konzept und erster Eindruck

Das 26 TE breite Modul ist gut verarbeitet und bietet neben zwölf Schieberegler für die Parametereingabe, vier Drehpotis und einen Encoder für die Dateneingabe. Fünfzehn Taster auf der rechten Seite ermöglichen Zugriff auf Performance- und Zufallsfunktionen, sowie Speicherplätze für eigene Kreationen. Diese lassen sich auch per CV umschalten, doch dazu später mehr.

Der Analogpart – Plankton Electronics Zaps

Der Signalpfad besteht aus zwei analogen VCOs, zwei digitalen AHR-Hüllkurven, AM, FM, zwei Hochpassfiltern und einem Mixer. Schade, dass auf ein Tiefpassfilter verzichtet wurde. Denn alleine durch diese Ausstattung ist der Zaps ein nahezu vollwertiger Synthesizer mit tollen Möglichkeiten. Aber im Modularsystem kann man ja problemlos anbauen.

So schlagen im Herzen des Zaps zwei Triangle-Core VCOs, jeweils mit Sinus, Dreieck und Sawtooth. VCO 1 bietet noch Pulse mit variabler Pulsbreite, während VCO2 das Angebot noch um eine Rechteckschwingung und weißes Rauschen erweitert. Die VCOs tracken dank der digitalen Steuerung sauber über mehrere Oktaven und erzeugen ordentlich Schub. Die Rechteck-Schwingung ist herrlich bauchig, der Sägezahn knarzt wie es sein soll, und Sinus, sowie Dreieck, eignen sich perfekt als Basis für smoothe Ambient-Percussions. Wer es böser mag, kommt mit Frequenzmodulation und AM noch in ganz andere Regionen.

Wie es sich für einen Percussion-Synth gehört, lassen sich die VCOs bei jedem Trigger optional im Nulldurchgang starten. Das vermeidet lästige Phasenprobleme oder nervige Klickgeräusche. Wer das trotzdem will, kann die VCOs auch völlig frei laufen lassen.

FM und AM

Beide Oszillatoren lassen sich unabhängig in ihrer Lautstärke und Frequenz regulieren, wobei es richtig spannend wird, wenn man das Signal mithilfe von (Thru-Zero)FM und AM bearbeitet. Dann steht einem auch die Welt metallischer und aggressiver Percussion-Sounds offen.

Subtiler eingesetzt eignet sich der FM Modus auch hervorragend für analoge HiHats und Cymbals. Hierfür bietet Winter Modular Zaps auch zwei Hochpassfilter ohne Resonanz, von denen eines das komplette Signal beschneidet, während das zweite HPF nur auf das Rauschen von VCO2 wirkt.

Die Intensität sowohl von FM als auch AM lässt sich mit der Hüllkurve 1 steuern. In Kombination mit der Hüllkurve moduliert immer der zweite Oszillator den VCO 1. Soll der Klangverlauf nicht dynamisch sein, kann man diesen Wert natürlich auch manuell fixieren. Zusätzlich bestimmt man mit dem Regler XFM, wie stark VCO1 seinerseits wiederum auf VCO2 wirkt.

Die AHR-Hüllkurven des Zaps

Zur automatischen Steuerung von Parametern besitzt Zaps zwei digitale AHR-Hüllkurven. Per Menü kann zwischen logarithmischen und linearem Verlauf umgeschaltet werden.

Mit Hold legt man fest, wie lange die Hüllkurve bei gehaltenem Gate auf dem Maximum-Level verharrt. Zur Erzeugung von Claps und Flams bieten beide Envelopes unabhängig einstellbare Retrigger-Werte, die zwischen 3 und 15 Wiederholungen frei eingestellt werden können. Der Abstand zwischen den einzelnen Wiederholungen wird mit „Time“ bestimmt.

Der digitale Rahmen – Winter Modular Zaps

Soweit liefert der Zaps bereits auf der Analogebene eine sehr gute Ausstattung. Richtig spannend wird es nun, wenn man die Funktionen der digitalen Seite mit einbezieht. Denn damit wird es möglich, blitzschnell zwischen den zwölf Sounds in ebensovielen Bänken hin- und herwechseln. Wem die Anzahl der Bänke und Sounds nicht ausreicht, kann das übergeordnete Projekt auf SD-Karte speichern und später wieder aufrufen. Zusätzlich kann man per Morph die einzelnen Sounds ineinander zu überblenden. Alles steuerbar via CV!

Und das ist auch die Stärke hinter dem Konzept von Zaps. Hier wurde versucht, die klangliche Flexibilität einer kompletten Drum Machine abzubilden. Indem man durch kreatives Programmieren verschiedene Instrumente einzelnen Steps eines Takts zuordnet, entsteht durchaus der Eindruck, man hätte es hier mit verschiedenen Drumspuren zu tun.

Natürlich will und kann Zaps keine dedizierte Drum Machine ersetzen. Aber dieses Konzept hilft einem dabei, spannende neue Wege des Drum Programmings zu beschreiten. Manch einer kennt die Grundidee vielleicht von den Sound Locks anderer Synths, wie etwa von Elektron.

Morphing

Damit kommen wir zu zwei weiteren essentiellen Funktionen des Zaps. Die Funktionen Morphing und die Random-Funktionen heben das Winter Modular Zaps erfrischend von dem bestehenden Angebot im Eurorack-Modular Segment ab.

Mit Morphing bietet das Zaps Modul die Möglichkeit, zwischen verschiedenen Presets fließend zu überblenden. Da sich das Ganze auch per CV steuern lässt, kann man hiermit von subtilen Nuancen bis hin zu krassen Klangveränderungen mächtig Leben in eine Sequenz holen.

Dem Zufall überlassen: Winter Modular Zaps bietet Random ohne Ende

Abschließend gönnen wir uns noch einen Blick auf die tolle Zufalls-Engine im Zaps. Pro Trigger lässt sich ein Zufallswert für jeden Synthparameter festlegen. Zusätzlich kann pro Parameter bestimmt werden, wie groß dieser Wertebereich ist. Per Fader oder externem CV-Signal können dann alle zugewiesenen Parameter stärker oder schwächer randomisiert werden.

Das ist nicht nur für Live-Performances ein super Feature. In Kombination mit „Populate Slots“ erstellt man so quasi per Knopfdruck komplette Bänke mit kontrollierten Zufallsvariationen eines Sounds.

Fazit: Winter Modular & Plankton Electronics Zaps

Mit dem Zaps hat die Kooperation aus Winter Modular und Plankton Electronics ein spannendes Percussion-Modul für Euroracksysteme auf den Markt gebracht. Etliche Speicherplätze, zahlreiche Features und ein analoger Signalfluss mit umfangreicher digitaler Steuerung lassen nicht nur die Herzen von Experimentalmusiker höher schlagen.

Das Winter Modular Zaps klingt hervorragend und liefert weit mehr als nur Percussion-Sounds. Von der fetten Kick, über knurrige FM-Bässe und smoothe Lead-Sounds, bis hin zu HiHats deckt Zaps ein sehr breites Spektrum ab. Wer sich vor einer etwas intensiveren Lernphase nicht fürchtet, sollte Zaps auf jeden Fall mal in sein Modularsystem integrieren.

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Behringer Model D: Erster Eindruck

Gleich nach dem Auspacken überraschen mich die soliden Taster und Drehpotis. Denn für den aufgerufenen Budgetkurs hätte ich nicht erwartet, dass die Regler so einen angenehmen Laufwiderstand haben. Die Schalter vermitteln schon eher Billigcharme, aber auch das ist hier absolut im Rahmen.

Der Model D kommt in einem kleinen Desktopgehäuse mit Holzseitenteilen. Auf der Rückseite finden sich neben dem Netzteilanschluss nur ein Dip-Schalter zur Wahl des MIDI-Kanals, sowie zwei Line-Outs, einmal Lo- und einmal Hi-Gain.

Die weiteren Anschlüsse wie USB, MIDI und eine gute Auswahl an Patchbuchsen findet man daher auf der Oberfläche. Das ergibt auch total Sinn. Denn wenn man möchte, kann man den Behringer Model D schnell ausbauen und in ein Eurorack-Modularsystem integrieren. Ein entsprechendes Adapterkabel für die Stromversorgung wird gleich mitgeliefert.

Klangerzeugung Behringer Model D

Logischerweise orientiert sich der vollständig analog aufgebaute Signalweg des Model D weitgehend an der Struktur des Originals. Drei Oszillatoren gehen in eine Mixerstufe inklusive zumischbarem Rauschen (weiß/rosa), Audioeingang und Feedbackweg. Von hier aus gelangen sie in ein 24 dB Ladderfilter (die berühmte Moog-Kaskade) und abschließend über den VCA an Line- und Kopfhörerausgang.

Oszillatoren

Die drei analogen Oszillatoren des Behringer Model D sind nahezu identisch aufgebaut und erzeugen Schwingungsformen von Dreieck über Sägezahn bis hin zu Rechteck, plus Mischformen. Die Pulsbreite lässt sich wie beim Original weder frei bestimmen noch modulieren, steht dafür aber in verschiedenen Varianten zur Verfügung. Klanglich können die Oszillatoren absolut überzeugen und liefern ordentlich Druck, wie man es von einem Minimoog inspirierten Synth erwartet.

Der dritte Oszillator lässt sich von der Tonhöhe abkoppeln und als LFO verwenden. Hier findet sich statt der Dreieck-Sägezahn-Hybridschwingung der ersten zwei Oszillatoren ein abfallender Sägezahn, was spätestens dann sinnvoll ist, wenn man den VCO3 als LFO verwendet.

Filter

Wie bereits erwähnt, verfügt der Model D über ein 24 dB Filter, das der klassischen Moogkaskade nachempfunden wurde. Das Filter packt wie erwartet kräftig zu, verliert mit zunehmender Resonanz aber auch an Bassfundament. Natürlich reicht auch das Filter des Behringer-Moogs bis in die Selbstoszillation und lässt sich per KeyTracking auch sauber als Sinusoszillator zweckentfremden.

Im Gegensatz zum Minimoog lässt sich das Filter optional auch als Hochpassfilter ohne Resonanz umschalten. Wirklich begeistern konnte mich dieser Modus nicht, denn weder greift das Filter in dieser Betriebsart kräftig zu, noch wird der Klang interessant gefärbt. Als nette Dreingabe kann es aber ein zu kräftiges Tieffrequenzspektrum aufräumen oder bei der Erstellung von HiHat-Sounds hilfreich sein.

Envelope, LFO, Patchfeld: Bewegung in den Sound bringen

Neben zwei ADS-Hüllkurven, deren Decay sich auf Release umschalten lässt, verfügt der Behringer Model D über einen separaten LFO mit Dreieck und Pulse, sowie die Möglichkeit, VCO 3, Filter EG und Rauschen als Modulationsquelle zu verwenden.

Das ist sogar etwas mehr, als der originale Retro-Minimoog bot, jedoch hat Moog mit den Reissues diese Flexibilität hinzugefügt. Was aber auch aktuelle Originale immer noch nicht mitbringen, sind die Patchpunkte auf der Oberseite. Zugegeben ist die Auswahl hier überschaubar. Da sich der Behringer Model D aber problemlos in ein Eurorack-System einbauen lässt, ist das eine willkommene Erweiterung.

Die Anzahl verfügbarer Modulatonsziele ist recht überschaubar. Dazu zählen VCO-Frequenz, Filter-Cutoff und über die Patchbuchsen auch die Lautstärke. Das ist nicht viel, erweitert das Klangspektrum aber um aggressivere FM- und AM-Sounds.

Alternativen zum Behringer Model D

Um es vorweg zu sagen, in dieser Preisklasse ist der Behringer Model D konkurrenzlos. Allerdings bekommt man für 130 € Aufpreis den SE-02, der aus einer Kooperation von Roland und Studio Electronics hervorging. Letztere haben sich bereits in den 80ern auf hervorragende Minimoog-Clones spezialisiert und diese Tradition fortlaufend verfolgt, zuletzt mit dem Studio Electronics SE-3X.

Der SE-02 liefert einen ähnlich fetten Sound wie der Model D, bietet darüber hinaus aber Speicherplätze und Cross-Modulation, was das klangliche Spektrum noch einmal erheblich erweitert. Andererseits ist die Größe der Bedienelemente beim SE-02 schon hart an der Schmerzgrenze, selbst bei kleinen Händen. Ist das bei den Drehreglern noch verschmerzbar, kommt bei den Drehschaltern zur Wahl der Schwingungsform noch ein ziemlicher Widerstand hinzu. Wer damit leben kann, bekommt mit dem SE-02 das „rundere“ Paket für Live- und Studioanwendungen. Denn Speicherplätze und Sequenzer erweisen sich in der Praxis häufig als sehr hilfreich.

Behringer Model D Test: Fazit

Hervorragender Sound zu günstigem Preis: An dem Behringer Model D gibt es nichts auszusetzen. Wer den Minimoog-Sound sucht und dafür trotzdem keinen Kredit aufnehmen kann oder möchte, der hat mit dem Model D eine gute Alternative am Start.

Zwar wird der kleine Desktopsynth niemals die haptische Erfahrung eines echten Minimoogs ersetzen können, aber rein vom Sound her ist der Unterschied zu gering, um über 5000 € Differenz zu rechtfertigen. Aber darum geht es am Ende nicht. Ein Minimoog ist mehr als nur sein Sound und wer dieses Mojo möchte, wird auch nur mit dem Original glücklich.

Allen anderen sei der Behringer Model D als gut klingender Analogsynth mit viel Moogcharakter ans Herz gelegt. Und wer Speicherplätze benötigt, findet mit dem SE-02 (oder SE-3X) ebenfalls gute Lösungen. Schön, dass für alle etwas dabei ist :).

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Mit dem Deckard’s Dream MK II gibt es einen achtfach polyfonen Analogsynth, der von Yamahas legendärem CS80 inspiriert wurde. Inspiriert unter anderem deshalb, da in der Grundausstattung auf wesentliche Features wie Ringmodulator, Effekte und den Ribbon-Controller verzichtet wurde. Wie gut sich der Synthesizer schlägt, erfahrt ihr im Black Corporation Deckard’s Dream MKII Test. Doch hören wir uns erstmal an, wie das Teil klingt.

Black Corporation Deckard’s Dream MKII Test: Erster Eindruck

Als ich vor einiger Zeit ein Demovideo für den Black Corporation Kijimi erstellte, war ich nahezu geschockt von der schlechten Verarbeitungsqualität. Wie damals hatte ich auch für diesen Test ein offiziell erhältliches Modell von einem Händler hier, also keine DIY-Unit. Das sei nur erwähnt, da es beide Synthesizer auch (deutlich günstiger) als DIY-Bausatz gibt.

Neben ungleichmäßigen Spaltmaßen, etlichen Bugs und wabbeligen Drehreglern gab es beim Kijimi auch konzeptionell etliche Ungereimtheiten, die man für diesen Preis nicht tolerieren sollte. Zusätzlich gibt es auch ein Jahr später immer noch kein Manual auf der offiziellen Webseite und das FW-Update-Tool läuft nicht unter Mac OS-Versionen, die nach Catalina herausgekommen sind.

Um es kurz zu fassen: Ganz so schlimm wie beim Kijimi ist es beim Deckard’s Dream MKII zum Glück nicht. So fühlen sich die Regler und Taster schon einmal deutlich besser an. Aber auch hier muss ich sagen, dass der 5000 € Synth nicht die Erwartungen an eine kompromisslose Verarbeitung erfült.

Ein Beispiel: Die Holzseitenteile sind nahezu unbehandelt: Die Ecken wurden nicht abgeschliffen, die Schnittkante wirkt wie frisch aus dem Baumarktzuschnitt, die Schrauben lieblos reingedreht. Warum halte ich mich an so einer Banalität auf? Nun, wenn ein Hersteller es bei so einfachen Details vergeigt, hält sich mein Vertrauen auch beim Rest des Pakets sehr in Grenzen.

Genau das bestätigte sich, als ich nach einer Anleitung gesucht habe. Die gibt es auf der Webseite schlicht nicht. Und im Lieferumfang ebenso wenig. Der Ersteindruck ist also eher negativ.

Anschlüsse

Deckard’s Dream MKII kommuniziert mit der Außenwelt per MIDI-Trio und USB-Port, die Audioausgabe erfolgt über einen symmetrischen Monoklinkenausgang. Einen Fußpedalanschluss sucht man hier vergebens, allerdings wird das durch MPE und Aftertouch-Fähigkeiten wieder gut gemacht. Dazu später mehr.

Black Corporation Deckard’s Dream MKII Test: Features

Beim Deckard’s Dream MKII handelt es sich um einen teilweise analogen Synthesizer, der sich trotz seiner subtraktiven Struktur konzeptionell von vielen erhältlichen Lösungen unterschiedet.

Wesentliches Unterscheidungsmerkmal sind die komplett voneinander unabhängigen Signalpfade. So stehen für beide analogen Oszillatoren getrennt jeweils LFOs, analoge HP-/TP-Filter, sowie zwei Hüllkurven und analoge VCAs zur Verfügung. Dass man alles separat einstellen kann, ist zu Beginn etwas ungewöhnlich, ermöglicht einem in der Praxis aber Klänge, die man woanders nur mit Layering hinbekommt.

Für eigene Soundkreationen stehen insgesamt zehn Bänke mit jeweils 128 Presetplätzen zur Verfügung. Das sollte für die meisten Anwender mehr als genug sein. Ab Werk sind die ersten 128 Plätze mit einer Auswahl an guten Presets belegt.

Die acht Stimmen lassen sich entweder 8-fach polyfon, Mono, oder im superfetten 8-fach Unisono-Modus verteilen. Der ausgewählte Modus wird im Patch gespeichert. Global gibt es noch einen weiteren Modus, der bei Aktivierung immer zwei Voices pro gespielter Note ansteuert. Das reduziert die Polyfonie zwar auf vier Stimmen, sorgt aber entsprechend auch für noch fettere Sounds. Und wer über das nötige Budget verfügt, stellt sich einfach noch einen DD MKII daneben und kaskadiert die Units dann.

Klangsynthese

Die Oszillatoren

Bei den zwei Oszillatoren pro Stimme handelt es sich um die mittlerweile weit verbreiteten CEM3340 VCOs (Quelle), hier mit den Schwingungsformen Sägezahn und Rechteck. Letztere bietet variable Pulsbreite, dessen Breite sich manuell und per LFO steuern lässt. Aktiviert werden die Schwingungsformen per Kippschalter. Stufenlos mischbar hätte ich eleganter gefunden, da das mehr Möglichkeiten eröffnet. Weiterhin kann man dann noch pro Synthesestrang Rauschen und nach den Filtern Sinus hinzumischen.

Die Oszillatoren klingen sehr kräftig: Der Sägezahn erzeugt ordentlich Schub mit präsenten Obertönen und auch die Rechteckwelle klingt herrlich bauchig hohl. Mit abnehmender Pulsbreite wird das Signal erwartungsgemäß nasaler, ohne jemals komplett auszusetzen.

Für beide Layer stehen verschiedene Fußlagen bereit. Subtile bis extreme Schwebungen erhält man, indem man die Layer per Detune gegeneinander verstimmt. Final bestimmt man per Mischverhältnis noch die Lautstärke der beiden Layer. Etwas ungewöhnlich ist, dass sich diese Parameter im unteren Bereich der Oberfläche befinden und nicht innerhalb der Oszillatorsektion der jeweiligen Layer. Hat man sich erstmal daran gewöhnt, geht die Bedienung aber sehr flüssig von der Hand.

Die Filtersektion

Pro Synthesestrang gibt es sowohl ein Hoch- als auch ein Tiefpassfilter. Beide Filter sind als analoge 12dB Variante ausgeführt und bieten zusätzlich Resonanz, die jedoch weit davon entfernt ist, bis in die Selbstoszillation zu reichen. Dafür bleibt das Bassfundament mit zunehmender Resonanz weitgehend erhalten.

Die Filter klingen eher zahm und cremig, wodurch sie sich hervorragend zur Erstellung von Pads, Brass-Sounds, Streichern oder Soundscapes eignen. Ja, auch Bässe und Leadsounds gelingen mit Deckard’s Dream MKII, wobei hier andere Synths überzeugender abliefern. Das liegt aber weniger an der Filtercharakteristik, sondern eher an den Hüllkurven…

LFOs und Hüllkurven

Hüllkurven

Sowohl LFOs als auch Hüllkurven des Deckard’s Dream MKII sind digital ausgeführt. In der VCA-Sektion ist die Hüllkurve als klassische ADSR-Variante vorhanden, bei der Filter-Hüllkurve muss man erstmal umdenken. Denn hierbei handelt es sich um eine ADR-Hüllkurve, allerdings mit den zusätzlichen Parametern Initial Level und Attack Level. In Standardterminologie übersetzt, legt man hiermit den Sustain-Level fest. Dessen Start- bzw. Endwert wird mit Attack Level (AL) und Initital Level (IL) definiert.

Die Attackzeit kann recht schnell eingestellt werden. Aufgrund der Hüllkurvencharakteristik muss man sich aber schon etwas anstrengen, um dem Deckard’s Dream knallige Bässe oder Leads zu entlocken. Andererseits sind die Decay-/Release-Zeiten in der Default-Einstellung mit rund 7 bzw. 12 Sekunden Maximum recht kurz geraten. Hierbei orientierte man sich wohl am Original, wobei man diese Zeiten im Menü massiv aufbohren kann.

Dann reicht die Attack-Zeit bis zu 100 Sekunden, und sowohl Decay als auch Release bis zu 150 Sekunden. Das sollte für die meisten Fälle ausreichen und wird zum Glück auch im Patch gespeichert und nicht global. Die Steuerung des Hochpassfilters über die Hüllkurve lässt sich – leider nur global – auch invertieren, sodass beide Filter mit der Zeit geöffnet werden können.

LFO

Der Geschwindigkeitsbereich des LFO reicht von 0,7 Hz bis 25 Hz, lässt sich über das Menü aber deutlich erweitern. Ist der erweiterte LFO-Modus aktiv, reicht die Frequenz des LFO von 0,1 Hz bis 45 Hz. Damit kratzt er gut am hörbaren Bereich und ermöglicht auch Klänge in Richtung AM und FM.

Weiterhin kann zwischen der Betriebsart Mono oder Poly umgeschaltet werden. Dadurch bestimm man, ob ein LFO auf alle Stimmen wirkt, oder jede einzelne Stimme ihren eigenen LFO erhält.

Die Auswahl mit sechs Schwingungsformen der LFO-Sektion ist recht üppig für einen Polyanalogen. So stehen hier neben den Klassikern Sinus und Rechteck, auch Noise, Saw Up/Down, S&H und Random bereit.

Als Modulationsziele stehen neben Pitch, auch Filter FM und VCA zur Verfügung. Die Intensität lässt sich einerseits immer aktiv einstellen, andererseits kann man diese zusätzlich noch flexibel per Anschlagdynamik, Aftertouch und MPE steuern.

MPE, Aftertouch etc.

Um das Maximum an Performance-Möglichkeiten des Deckard’s Dream MK II herauszuholen, sollte man von den MPE-Möglichkeiten intensiven Gebrauch machen. Denn wie auch der CS-80 ist der Synthesizer in der Lage, polyphonen Aftertouch und sogar MPE zu verarbeiten.

Diesem lassen sich Parameter wie LFO-Rate, -Modulationstiefe der einzelnen Ziele der LFO-Sektion, Brillanz, oder die Cutoff-Frequenz der einzelnen Filter zuweisen. Dadurch entstehen sehr lebendige Sounds, besonders Pads und Leads profitieren von diesem Feature.

Wo sind der Ringmodulator und weitere CS-80-Gimmicks?

Wenn man CS-80 sagt, muss man eigentlich auch Ringmodulator sagen. Denn dieser trägt wesentlich zum Gesamtsound bei. Dumm nur, dass man sich das bei Black Corporation noch einmal extra versilbern lässt. Mit anderen Worten: Wer darauf Wert legt, muss dem Unternehmen noch einmal 400 $ auf den Tisch legen, MwSt und Zoll kommen noch on top.

Habe ich schon erwähnt, dass man dafür nur den Bausatz bekommt? Falls ihr wie ich zu den talentfreien DIY-lern gehört, müsst ihr dann noch einmal minimum 200 € für den Aufbau berappen. Oder eben direkt vom Hersteller aufgebaut zum Schnapperkurs von 999 $ – Zoll und MwSt. nicht inklusive!

Dafür stehen euch neben dem Ringmodulator dann auch Reverb, Tremolo und Delay (Chorus, Flanger) zur Verfügung. Den Expander hatte ich nicht hier, also kann ich zur Klangqualität nichts sagen. Eleganter wäre es aber allemal gewesen, diese Features gleich in der Unit zu haben.

Deckard’s Dream MKII: Welche Alternativen gibt es?

Damit können wir fast schon zum Fazit übergehen. Denn wirklich viele Alternativen zum Deckard’s Dream MK II gibt es nicht, jedenfalls nicht in Hardware-Form. Zwar hat Behringer bereits seit gefühlt einem Jahrzehnt einen CS80-Clone angekündigt. Ob dieser aber jemals im Handel verfügbar ist, weiß wahrscheinlich nicht einmal Behringer selbst.

Klanglich kann man auch dem MFB Synth Pro eine Nähe zu Yamaha’s CS-Serie attestieren. Leider ist dieser aber nur noch gebraucht erhältlich. Und teilweise sind die Exemplare zudem recht verbuggt (man sollte alles unter der V4 ignorieren). Zusätzlich ziehen die Gebrauchtmarktpreise hier sehr schnell an. Das überrascht nicht, denn zu dem Kurs bietet der MFB Synth Pro immer noch ein sensationelles Angebot und tollen Sound.

Wirkliche Alternativen gibt es derzeit also nur in Form von Software-Synthesizern, wobei man hier auf die Haptik und das analoge „Mojo“ verzichten muss. Falls das kein Problem ist, seien die Emulationen Arturia CS-80 V, Memorymoon ME-80, oder Cherry Audio GX-80 ans Herz gelegt.

Black Corporation Deckard’s Dream MKII: Fazit

Puh, was soll ich sagen? Einerseits klingt der Deckard’s Dream MKII richtig gut. Andererseits hinterlassen mangelnde Detailverliebtheit, vor allem aber das Fehlen von Ringmodulator, Effekten und nicht zuletzt der hohe Preis einen durchwachsenen Gesamteindruck. Sicherlich darf man ein Instrument wie Deckard’s Dream MKII nicht mit Behringer vergleichen. Dagegen sprechen nicht nur die kleine Auflage, sondern auch Handarbeit in Japan etc.

Und wenn Moog im Jahr 2022 für seinen Minimoog 6000 € aufruft und Oberheim mit dem OB-X8 auch in dieser Preisregion wildert, dann wirken die 5000 Euro für Deckard’s Dream MK2 wieder in einem anderen Licht. Vom Preis für einen gebrauchten CS-80 will ich gar nicht erst anfangen.

Daher lautet mein Fazit: Eine ganz klare Empfehlung für jeden guten DIY-ler und eine eingeschränkte Empfehlung für alle, die einen satt klingenden Synth suchen, dessen Sound und Herangehensweise eine interessante Alterantive zu bestehenden Synths bietet. Wer nur ein bisschen CS-80 benötigt, sollte sich eher einen VST-Clone ins Studio holen.

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Behringer Crave Test: Oberflächliches und Aufbau

Bei dem Behringer Crave handelt es sich um einen semimodularen Desktopsynth mit klassisch subtrativer Architektur. Ein Oszillator geht vom Tiefpassfilter in einen VCA und die einzelnen Elemente können jeweils mit Hüllkurve und LFO gesteuert werden. Zusätzlich bietet der Crave einen 32-Step-Sequencer, sowie eine Patchmatrix. Und das ganze Paket zu einem Preis von rund 200 €.

Dabei ist der Crave durchaus solide verarbeitet: Auch nach knapp zwei Jahren im Einsatz laufen die Potis immer noch mit angenehmem Widerstand, die Patchbuchsen verrichten ihren Dienst und die Taster arbeiten ebenso zuverlässig. Jetzt muss ich dazu aber sagen, dass ich den Crave durch die Corona-Zeit nie aus dem Studio bewegt habe. Wie widerstandsfähig er als dauerhafter Reisebegleiter ist, kann ich also nicht beurteilen. Wenn man ihn vernünftig einpackt, sehe ich aber keine Hürden, ihn auch im Clubeinsatz dabei zu haben.

Oszillator

Beim VCO des Crave handelt es sich um einen CEM3340-VCO (bzw. einen Nachbau dessen), der bereits in etlichen anderen Legenden verbaut wurde. Darunter finden sich Klassiker wie Sequentials Prophet, Oberheim OB-Xa oder Rolands Jupiter 8. Hierbei spielt für den Klang natürlich einerseits immer eine Rolle, wie der Chip intern angesteuert wird. Andererseits stehen – je nach Hersteller – auch andere Funktionen für den User bereit.

Beim Crave entschied sich Behringer für die Schwingungsformen Saw und Pulse, die per Kippschalter auf der Oberfläche ausgewählt werden. Die Pulsbreite ist flexibel einstellbar.

Wenn man die Patchmatrix mit einbindet, stehen auch beide Schwingungsformen parallel bereit. Zusätzlich kann man darüber noch weißes Rauschen oder den LFO als zweiten Oszillator einbinden, wie im Video beschrieben.

Klanglich überzeugt der Oszillator durch einen kräftigen Sägezahn, sowie eine Pulswelle, die wie bei einem SH-101 recht bauchig und rund daherkommen kann. Durch die variable Pulsbreite reicht das Spektrum natürlich noch weiter bis hin zu einem sehr spitzen, nasalen Sound. Und nutzt man hierfür noch FM oder PWM im hörbaren Bereich, sind auch metallische Sounds mit dem Behringer Crave möglich. Dabei haben wir an dieser Stelle noch nicht einmal die Filtersektion erreicht!

Filter

Beim Filter setzte Behringer wiederum auf die Moog-Kaskade. Das 24 dB-Tiefpassfilter packt zuverlässig zu und überzeugt durch seinen cremigen Sound. Wie zu erwarten, dünnt der Klang bei zunehmender Resonanz etwas aus. Allerdings habe ich das bei anderen Umsetzungen des Ladder-Filters schon extremer erlebt.

Darüber hinaus lässt sich das Filter auf Hochpass umschalten. In diesem Modus steht Resonanz nicht mehr zur Verfügung und auch ansonsten ist das Ergebnis hier nicht sehr ergiebig. Zumal das aktivierte Hochpassfilter immer noch recht viel aus dem Mittenbereich durchlässt.

Hüllkurve, LFO & Patchbay

Die Hüllkurve des Behringer Crave ist als ADS-Variante etwas sparsam ausgeführt. Sie wirkt optional gleichermaßen auf Filter und VCA, wobei für das Filter sowohl die Modulationsintensität als auch die Polarität ausgewählt werden kann. Die Hüllkurve liefert runde Bässe und zackige Percussion-Sounds. Auch Leads, z.B. für Melodic-Techno, gelingen durch den runden Verlauf sehr überzeugend. Drones und Texturen gelingen theoretisch auch, aber dafür ist der Verlauf meiner Meinung nach nicht optimal ausgelegt. Andererseits wird das kaum as primäre Einsatzgebiet des Crave sein.

Beim LFO kann zwischen Dreieck und Rechteck gewählt werden (bzw. über die Patchbay auch beide parallel). Die Frequenz recht von ultralangsam bis in den hörbaren Bereich, wodurch aggressive, obertonreiche Sounds möglich sind. Da die LFO-Frequenz ebenfalls als Modulationsziel zur Verfügung steht, kann man diesen damit sogar recht sauber über vier Oktaven spielen.

Die Patchbay erweitert mit ihren 18 Ein- und 14 Ausgängen das Klangpotential des Behringer Crave noch einmal erheblich. Die Auswahl der Schnittstellen ist gut durchdacht und bietet neben Buchsen für die einzelnen Schwingungsformen (LFO & VCO), und Steuerspannungen, noch ein Multiple und einen Mixer.

Sequencer und Arpeggiator

Besonders spannend für Live-Anwendungen dürften der Sequencer und Arpeggiator sein. Handelt es sich bei letzterem noch um einen recht simplen Vertreter mit Standardmodi, bietet der Sequencer ein paar coole Features.

Darunter fallen zum einen Glide, Accent und ungerade Step-Zahlen. Es ist also möglich, den Sequencer 303-artig zu programmieren. Zum anderen bietet der Crave noch Gätelänge und Ratcheting, was besonders Musikern der Berliner Schule oder Psytrance-Producer freuen dürfte.

Die Programmierung des Sequencers ist im ersten Anlauf alles andere als intuitiv, weshalb ich mich dem Thema noch einmal in dem Artikel Behringer Crave Sequencer programmieren angenommen habe. Hat man den Workflow aber erstmal verinnerlicht, kommt man damit recht gut zurecht.

Behringer Crave Test: Fazit

Auch ein paar Jahre nach Markteinführung ist der Crave immer noch eine absolute Empfehlung für alle, die satten Analogsound möchten, aber gleichzeitig keinen Kredit aufnehmen wollen.

Durch seinen logischen Aufbau eignet sich der Crave zudem hervorragend als Synthesizer für Einsteiger, da man schnell die wesentlichen Funktionen lernt. Dank seines Sequencers und der guten Verarbeitung macht der kleine Desktopsynth zudem in kleinen DAW-less Setups eine gute Figur. Lediglich die Ausstattung könnte einem irgendwann zu spärlich werden. Aber das Problem haben andere Synthesizer auch, selbst wenn sie preislich deutlich über dem Crave liegen.

Von meiner Seite aus lautet das Fazit des Crave Test daher: Klare Empfehlung!

8.8 TOTAL SCORE

Behringer Crave Test

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Features 8

Sound 9

Bedienung 8

Preis/Leistung 10

PROS

• Flexibler und guter Sound
• Kompaktes Format

CONS

• Sequencer umständlich zu programmieren

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Manch einer hätte gesagt, dass Roland mit der Boutique-Serie schon die Miniaturisierungsmesslatte nach unten gehängt hat. Aber nicht so Roland! Denn mit der Roland T-8 Groovebox zeigt das Unternehmen, dass es noch kleiner geht. Und dabei kombiniert Roland sogar noch Sounds der TR-909, TR-808 und TR-606 mit einer TB-303 in einer Box, die nur unwesentlich größer ist als die meisten Smartphones. Wie gut das in der Praxis funktioniert, erfahrt ihr im Roland T-8 Test.

Roland T-8 Test: Erster Eindruck

Direkt nach dem Auspacken fällt erstmal die angesprochene Größe auf. Die Roland T-8 ist nicht klein, sondern nahezu winzig. Gleichzeitig ist sie extrem leicht, was in dieser Kombination im Studio oder bei Live-Einsätzen eine ziemliche Herausforderung ist. Damit die Kiste nicht bei der kleinsten Brise vom Tisch fliegt, solltet ihr direkt doppelseitiges Klebeband oder ähnliches mit einplanen.

Ähnlich geht es bei den Reglern weiter. Die liegen zum Teils so eng beieinander, dass schnelles Jammen eine echte Herausfordung darstellt. Auf der anderen Seite gehen die Steptaster gerade noch klar und bei den Mini-(!)klinkenausgängen dürften euch spezielle Winkelstecker ebenfalls das Leben leichter machen.

Auf der Habenseite steht wiederum das geringe Gewicht, wenn man die T-8 häufig transportieren möchte. Dazu kommt der optionale Betrieb über den internen Akku, der gute fünf bis sechs Stunden durchhält. Und auch der Klang weiß zu überzeugen, doch dazu gleich mehr.

TR-Drums

Vorweg: Ich muss gestehen, dass ich anfangs dachte, dass die T-8 grundsätzlich alle Sounds der ikonischen Vorbilder beherbergt. Wenn ihr den Marketingtext oder die Produktbilder auch so verstanden habt, kommt gleich die Ernüchterung.

Die Drumsektion der Roland T-8 ist eine Mischung aus einigen – aber nicht allen – Sounds der analogen Vorbilder TR-808, TR-606 und TR-909. Sozusagen ein Best-Of, das von Roland kuratiert wurde.

Kits kann man ebenso wenig wechseln wie abspeichern. Und auch die Soundveränderungen werden nicht mit den Pattern gespeichert. „What you see is what you get“ im ganz klassischen Stil passt aber auch nicht so richtig, da euch hier die Menünavigation einen Strich durch die Rechnung macht.

Wenn ihr das einmal verdaut habt, stehen euch insgesamt sechs Rhythmusspuren zur Beatkreation bereit. Bei einigen davon kann zwischen verschiedenen Instrumenten ausgewählt werden.

Kick

Die Kick deckt sowohl 808- als auch 909-artiges ab. Dabei erzeugt sie ordentlich Tiefenschub und Punch, was ich dieser kleinen Kiste gar nicht so zugetraut hätte. Viel davon entsteht erst in Kombination mit Attack und dem Overdrive-Effekt, die man beide wiederum nur über Untermenüs erreicht.

Und da wir gerade beim Menü sind: Das hat mich an der T-8 mit am meisten gestört. Bei den Kürzeln im kryptischen Display des Menüs muss schon viel Phantasie mitbringen, um sich daraus etwas zusammenzureimen. Mit etwas Gedächtnistraining kann man zwar mit Shortcuts schneller zu einigen Untermenüs springen, aber der Weg dahin ist schon ziemlich nervig.

Snare

Auch die Snare lässt sich klanglich zwischen TR-808 und TR-909 morphen, wenn man wieder ins Menü eintaucht und den Snappy-Anteil herauskramt. Zusammen mit Decay und Tuning geht da schon einiges und die Ergebnisse können sich hören lassen.

Tom und Clap

Toms und Clap der Roland T-8 sind recht nahe an der TR-808 und können auch nicht so weitreichend bearbeitet werden wie Kick und Snare. Neben Decay und Tune steht für die Toms noch der Rauschanteil bereit. Im Menü kann zudem festgelegt werden, ob in der Tom-Spur eine Low- oder Hi-Tom liegt.

Für die Clap-Spur kann statt der Clap eine weitere Tom, sowie Rauschen ausgewählt werden. Leider geht das nur alternativ. Hat man sich etwa für eine zweite Tom entschieden um tonale Akzente zu setzen, muss man folglich auf die Clap verzichten.

HiHats

Die HiHats basieren auf der TR-606. Damit kommen sie klanglich etwas prägnanter daher als die eher smoothen 808 HiHats, nageln aber auch nicht so hart durch den Beat wie die Samples aus der TR-909. Im Gegensatz zur (unmodfizierten) Originalvorlage ist es möglich, sowohl Decay-Zeit als auch Tuning der HiHats zu verändern.

TB-303 Sektion

Mit dem integrierten TB-303 Clone setzt die Roland T-8 dann ihr Groovebox-Potential frei. Und wenn man sich vorstellt, dass viele Acidtracks aus einer Kombi aus TR-X0X & TB-303 hervorgingen, ist das schon eine ganz gute Mischung.

Die 303 klingt insgesamt sehr ordentlich, wenngleich ich an einigen Stellen das letzte Quäntchen Authentizität vermisse. Zum Beispiel fehlt mir das kurze Attack-Rauschen eines BA662 VCAs am Anfang gespielter Noten. Und im Vergleich zu anderen Clones ist mir das Gesamtergebnis dann doch eine Spur zu statisch. Aber wir reden hier echt von Nerd-Nuancen, die den meisten Anwendern herzlich egal sein dürften.

Schwerer wiegt bei der TB-303 Sektion dann eher, dass man zum Umschalten der Schwingungsformen (Saw / Pulse) ins Menü abtauchen muss. Den Switch hätte Roland echt noch unterbringen können. Selbst wenn dafür der Auswahltaster für die „Klaviatur“ nach rechts über die Accenttaste rutscht.

Interne Effekte

Um dem Mix etwas mehr Politur zu verpassen, liefert die Roland T-8 Delay, Reverb und Sidechain-Kompression gleich mit. Letztere lässt sich relativ umständlich aber dafür flexibel über das Menü konfigurieren. Hier bestimmt man das Instrument, das die Komprimierung per Sidechain aktiviert. Anschließend kann man für jedes weitere Instrument inklusive der Effektabteilung den Komprimierungslevel festlegen. Zusätzlich steht noch die Dauer des Sidechain-Effekts als Parameter zur Verfügung.

Reverb und Delay sind als Send-Effekte an Bord und wiederum nur sehr sporadisch einstellbar. Beim Reverb ist das die Decay-Zeit, beim Delay sind das Feedback und Delayzeit. Das Delay steht in zwei Varianten zur Verfügung und selbstverständlich lässt sich das Delay zur Clock synchronisieren. Klanglich ist das Ergebnis ok, kann aber nicht mit externen Effekten mithalten.

Sequencer

Der Sequencer bietet Pattern mit bis zu 32 Steps, die sich sowohl live als auch per Stepeingabe programmieren lassen. Dabei sind einerseits auch kürzere Pattern pro Instrument drin, was Freunde von Polymetrik freuen dürfte. Andererseits kann man den Sequencer des TB-303 Clones optional vom Pattern der Drum Machine entkoppeln, sodass die Pattern über die Zeit leicht auseinanderdriften. Mit unterschiedlichen Modi kann man den Basspart dann entweder neu starten wenn das Pattern durchgelaufen ist, man in ein neues Pattern wechselt, oder man lässt es einfach individuell weiterrödeln.

Weiterhin besitzt der Sequencer Trigger-Wahrscheinlichkeiten. Damit lässt sich pro Step einstellen, mit welcher Wahrscheinlichkeit er abgespielt wird. Das ist zwar nicht ganz so flexibel wie bei den Elektron-Sequencern, aber dennoch eine bemerkenswerte Dreingabe für ein Gerät in dieser Preisklasse. Ach so, triolische Muster, Flam und Accent beherrscht die Roland T-8 selbstverständlich auch.

Roland T-8 Test: Fazit

So cool die Idee auch ist, sowohl TR-808 als auch TB-303 in einem kompakten Format unterzubringen: Bei der Roland T-8 hat es das Unternehmen mit der Miniaturisierung etwas zu gut gemeint. Daher kann ich mir auch nicht so richtig vorstellen, wer hier die Zielgruppe ist. Für den Clubeinsatz dürfte hier die Größenschmerzgrenze bereits überschritten sein. Für das DAW-basierte Studio gibt es etliche Software-Alternativen, die ähnlich gut klingen. Denn bei der Größe fällt eines der wichtigsten Argumente für mich weg: Die Haptik.

Am Ende bleiben vor allem zwei Szenarien: a) das DAW-less Studio, bei dem es auf jeden Zentimeter Platz ankommt und b) das Gadget, um unterwegs ein paar Acid-Lines oder Electro-Beats einzuspielen. Und in diesen Settings macht die Roland T-8 auch eine echt gute Figur: Sound passt. Größe passt. Akku dabei. Allen anderen sei eine etwas größere Alternative wie die TR-8 aus dem gleichen Hause ans Herz gelegt. Der Aufpreis lohnt sich.

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Das US-Unternehmen Moog lieferte mit dem Minimoog eigentlich die Blaupause für den sogenannten East-Coast-Ansatz. Dahinter verbirgt sich Klangsynthese mit klassisch subtraktiver Struktur, also Oszillator -> Filter -> VCA. Nun erweitert Moog das eigene Portfolio und stellt mit dem Moog Mavis Synthesizer einen DIY-Bausatz vor, der mit Wavefolding Westcoast-Anleihen aufweist. Wie gut das klingt, erfahrt ihr im Moog Mavis Test.

Moog Mavis auf einen Blick

• Semimodularer DIY-Synthesizer mit Wavefolder
• 24 dB Moogfilter
• LFO und ADSR-Hüllkurve
• Patchbay mit 24 Patchpunkten
• Perfekt als Ergänzung für kleine Modularsysteme oder Standalone für Hardware-Setups

Wieviel DIY ist wirklich notwendig?

Zunächst einmal können alle beruhigt aufatmen, die beim Thema „Löten“ nervös werden. Denn DIY bezieht sich beim Moog Mavis Synthesizer lediglich auf das Zusammenstecken und -schrauben einzelner Komponenten. Die Platine ist bereits fertig bestückt und so kommt jeder, der schon einmal eine Schraube erfolgreich festgezogen hat, auch mit dem Aufbau des Moog Mavis klar.

Insgesamt finden sich dafür im Lieferumfang 25 Scheibenmuttern, um die Patchbuchsen festzuziehen, sowie zehn Schrauben, um Gehäuse und Platine zu fixieren. Im Prinzip beschränkt sich der DIY-Anteil auch darauf und nach spätestens 45 Minuten sollte man mit dem Aufbau durch sein.

Moog Mavis Test: Lieferumfang und erster Eindruck

Das Gehäuse des wird direkt mit einem Deckel ausgeliefert, wodurch sich der Moog Mavis Synthesizer recht komfortabel transportieren lässt. Schick ist das nicht, aber er macht, was er soll. Überhaupt hinterlässt der Moog Mavis eher den Eindruck mit seinen Minireglern und billig anmutenden Gummitasten eines Low-Budget-Synths. Dadurch kann er definitiv nicht mit der ansonsten recht hochwertigen Haptik von Moog mithalten.

Eigentlich wäre das auch ok, wenn der Synthesizer preislich bei maximal 300 € läge. Für knapp 400 € gibt es auf dem Markt aber definitiv wertigere Geräte. Und dabei denke ich noch nicht einmal an Behringer, sondern auch an kleinere Hersteller wie etwa dreadbox. Aber gut, Moog war noch nie günstig. Und so wird man auch hier einen Preis gesucht haben, der nach unten noch ausreichend Luft lässt, um die Markenwahrnehmung nicht zu gefährden.

Weiterhin finden sich im Lieferumfang noch ein paar Patch-Schablonen, die den Einstieg erleichtern sollen, sowie die geizige Anzahl von fünf Patch-Kabeln für Klangexperimente. Und damit wären wir auch schon beim wichtigsten Thema: Wie klingt der Moog Mavis Synthesizer?

Moog Mavis Synthesizer: Struktur und Klang

Bei dem Moog Mavis handelt es sich nach eigener Aussage um einen typischen Moog-Synthesizer mit Westcoast-Inspiration. Falls euch das kein Begriff sein sollte: Es gibt eine traditionelle Unterscheidung bei klassischen Analogsynthesizern. Während die eine Richtung subtraktive Synthese mit dem Aufbau Oszillator – Filter – AMP nutzt, setzt man bei der anderen auf das Hinzufügen von Obertönen mittels Wavefolding (Waveshaping). Hierbei wurde statt eines resonanzfähigen Tiefpassfilters auch häufig auf sogenannte Lowpass Gates gesetzt, klanglich meistens eine Kombination aus Tiefpassfilter ohne Resonanz und VCA.

Dabei war Moog als Osküstenunternehmen Vorreiter der ersten Richtung. Das kalifornische Unternehmen Buchla wiederum ist der bekannteste Vertreter der zweiten Richtung. Und aufgrund dieser einfachen geographischen Unterscheidung wird heute von Westcoast- und Eastcoast-Ansatz gesprochen.

Oszillator und Wavefolder

Das Herzstück der meisten Westcoast-Synths ist ein (Sinus- oder Dreieck-)Oszillator mit Wavefolder. Beim Moog Mavis erzeugt der Oszillator die Schwingungsformen Rechteck (inkl. PWM) und Sägezahn. Wie schon bei anderen Moog-Synths ist der Übergang hier fließend.

Um den Wavefolder zu nutzen, muss man diesen via VCO zu Fold-In erst einmal über die Patchbay verknüpfen. Wenn man anschließend den Fold-Regler nach rechts dreht, entstehen neue harmonische Obertöne. Das klingt dann mehr oder weniger aggressiv-organisch und ist eine willkommene Ergänzung zum klassischen Moog-Sound. Kombiniert man das noch mit Filter FM und PWM im hörbaren Bereich kann der Mavis schon sehr böse klingen: super für harte Techno-Leads, lebendige Drones oder Psytrance FX.

Warum Moog sich aber dagegen entschied, die Wavefolding-Intensität auch modulierbar zu machen, bleibt wohl ein Rätsel. Richtig spannend wird das nämlich erst, wenn man die Intensität zum Beispiel mit einer Hüllkurve steuert und daraus Bässe oder Sweeps formt. So muss man das beim Moog Mavis mit der Hand machen.

Filter

Beim Filter setzt man beim Mavis auf die klassische 24dB Moog-Kaskade. Warum auch nicht? Das Filter diente mit seinem musikalischen Klang als Blaupause für etliche andere Geräte und hat nichts an Popularität eingebüßt. Bässe, Leads und alles, wofür das Moogfilter geschätzt wird, gelingen auch mit dem Mavis. Trotzdem hätte ich sehr gerne mal Moogs Interpretation eines LPG gesehen.

Moog Mavis Synthesizer mit echter ADSR-Hüllkurve

Eine komplette ADSR-Hüllkurve ist trotz der langen ASD/R Erblinie mittlerweile selbst bei Moog keine Ausnahme mehr. Dennoch ist es erfreulich, auch im Mavis eine vollständiges Exemplar statt alternativ umschaltbarem Decay / Release zu finden.

Die Hüllkurve liefert die Moog-typischen runden Bässe und Leads. Auch perkussive Sounds sind möglich, aber eben nie auf ultraknackigem Cwejman-Geschwindigkeits-Niveau. Es bleibt also eher bei Zaps, statt auch in den Bereich der Mikroklicks vorzudringen. Das muss auch nicht immer sein, aber gerade Westcoast-Percussion profitiert von sehr schnellen und knackigen Hüllkurven.

LFO

Der LFO erzeugt die Schwingungsformen Dreieck und Pulse. Per Drehregler lassen sie sich stufenlos überblenden. Weiterhin liefert der Moog Mavis Synthesizer über die Patchbay noch Sample & Hold.

Da die LFO-Frequenz bis in den hörbaren Bereich reicht, kann man diesen auch als zweiten Oszillator verwenden, indem man den KB CV in den LFO-In routet. Allerdings bezieht sich „KB“ hierbei auf das Mäuseklavier im unteren Bereich. Effektiv steht dafür also gerade mal eine Oktave im direkten Zugriff.

Wer den LFO über mehrere Oktaven als zweiten Oszillator nutzen möchte, sollte also ein externes CV-Signal per Multiple gleichzeitig auf die LFO Rate und den 1V/Oct-Eingang routen. Glücklicherweise hat Moog daran gedacht und im unteren Bereich der Patchbay ein 1-auf-2-Multiple integriert. Zwar ist das Tracking hier nur in einem geringen Bereich sauber, für experimentelle Sounds ist das aber dennoch nutzbar.

Patchbay

Da wir eben schon am Thema gekratzt haben: Ganz links befindet sich die Patchbay des Mavis, die zum weiteren Experimentieren einlädt. Dazu stehen insgesamt 24 Miniklinken-Anschlüsse bereit, alles natürlich voll kompatibel mit Eurorack-Modularsystemen.

Zwar ist schon ohne ein einziges gestecktes Patchkabel eine Menge an Modulationen möglich, darunter Filter FM, PWM, Pitch-FM, sowie eine feine Dosierung der Modulationsintensität. Die Auswahl der Patchbay erweitert den Funktionsumfang sinnvoll und ermöglicht zusätzlich noch Sample & Hold.

Sonstiges

Im unteren Bereich des Mavis findet man noch eine Mäuseklaviatur. Als ehemaliger User eines Mother 32 habe ich verzweifelt nach einem Sequencer gesucht, musste dann aber feststellen, dass es echt nur eine Oktave kleiner Gummitasterchen sind. Eigentlich unbrauchbar, aber zum gelegentlichen Abfeuern von Drones ist das ok. Ein paar zusätzliche Patchbuchsen wären sicherlich sinnvoller gewesen.

Moog Mavis: Welche Alternativen gibt es?

Moog Mavis Test: Fazit

Moogs Ausflug in Westcoast-Gefilde dürfen gerne häufiger stattfinden. Denn dieser Ausflug ist eher ein Kurztrip. Wenn man ihn mit anderen Wavefolding-Synths wie dem cre8audio West Pest vergleicht, ist mir der Moog Mavis noch etwas zu nah am Moog-Konzept dran. Hier hätte Moog gerne mootiger sein dürfen. Und wenn man dann noch die rund 400 € für einen DIY-Synth mit Billig-Feeling betrachtet, sieht das Gesamtpaket nicht mehr so gut aus.

Andererseits müsste man für die Einzelkomponenten im Modularsystem wiederum ein Vielfaches hinlegen. Und man darf nicht vergessen: Es ist ein Moog-Synth. Das soll die Preispolitik nicht entschuldigen. Ich vermute aber, dass Moog einfach schon aus Markenpflege bestimmte Preisuntergrenzen nicht unterschreiten darf. Ich lasse das mal wertfrei stehen. Am Ende sei also nur gesagt: Der Synth klingt gut, alles andere müssen die Käufer bewerten.

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