Computer

Da heutzutage in nahezu jedem Haushalt ein Computer vorhanden ist, sollte diese Anschaffung zumindest keine Hürde sein. Wichtig ist natürlich, dass der Computer einigermaßen Leistungsreserven bereitstellt. Aber ihr müsst auch nicht zwingend das allerneuste High-End-Modell im Studio haben, um anständig Musik zu machen.

Die Frage nach Mac oder PC lasse ich unbeantwortet, da man mit beiden Systemen problemlos zum Ziel kommt. Hier spielt eher eine Rolle, welche DAW für elektronische Musik ihr nutzen wollt, was euer Budget hergibt und mit welchem Betriebssystem ihr besser klarkommt.

Sobald ihr den Rechner startklar und euch für eine DAW entschieden habt, empfehle ich als nächste Anschaffungen eine Soundkarte (Audio Interface), einen MIDI-Controller, sowie Studiomonitore und Kopfhörer.

▶ Welche DAW für elektronische Musik? Die besten Musikprogramme

Audio Interface

Eure ersten musikalischen Schritte könnt ihr problemlos mit der internen Soundkarte eures Computers und der DAW machen. Für Windows-Computer empfehle ich euch den kostenlosen Asio4all-Treiber, der eurer internen Soundkarte noch einen Turbo mitgibt. Bei Apple-Rechner sind die Audiotreiber von Haus aus bereits schnell genug. Sobald ihr mehrere virtuelle Klangerzeuger nutzt, externe Quellen wie Gesang aufnehmen, oder in Echtzeit Parameter verändern wollt, solltet ihr aber über ein Audio Interface nachdenken.

Die für Musikanwendungen optimierten Audiointerfaces bieten fast immer bessere Latenzwerte. Vereinfacht gesagt beschreibt Latenz die Zeit, die zwischen dem Spielen einer Taste und dem Ertönen eines Klangs liegt. Je größer die Latenz ist umso größer ist diese Pause.

Gute Soundkarten gibt es bereits für um die 100 €, aber die Auswahl ist in diesem Markt mittlerweile gigantisch. Wenn ihr tiefer in das Thema einsteigen wollt, empfehle ich euch den Artkel „die besten Audio-Interfaces für elektronische Musik„. Neben einem Anforderungskatalog gebe ich hier auch Kaufempfehlungen für unterschiedliche Studiogrößen – und Anwendungen.

▶ Welches Audio Interface für elektronische Musik?

▶ USB Hub für Audio Interfaces und Synthesizer: Die besten Modelle

Studiomonitore und / oder Studiokopfhörer

Als nächste große Anschaffung stehen Studiomonitore oder Studiokopfhörer an. Und das ist mit das wichtigste, wenn ihr später einmal professionelle Mixe erstellen wollt. Denn herkömmliche HiFiköpfhörer oder -Lautsprecher neigen in der Regel dazu, den Klang von sich aus „schönzufärben“. Das ist aber genau das, was ihr an dieser Stelle nicht gebrauchen könnt. Denn bloß weil euer Track auf Beats-Headphones gut klingt, heißt das noch lange nicht, dass er woanders noch funktioniert. Damit ihr eure Tracks zielführend beurteilen könnt, benötigt ihr das richtige Werkzeug.

Kann ich normale Kopfhörer oder Stereolautsprecher zum Musik produzieren verwenden?

HiFi-Boxen und -Kopfhörer haben häufig das Ziel, Audiosignale schöner klingen zu lassen als sie in Wirklichkeit sind. Dazu gehören in der Regel ein überbetonter Bassbereich und eine Anhebung der Höhen.

Genau das ist allerdings Gift, wenn ihr eure Musik neutral abhören wollt. Und genau diese Neutralität ist wichtig, damit euer Mix auch überall funktioniert: Vom iPhone-Lautsprecher bis hin zur großen PA im Club.

Professionelle Studiomonitore und Kopfhörer bedienen diese Nische und bieten euch einen möglichst neutralen Klang. Je nach Budget, Bauform und Ausstattung – nicht zuletzt auch durch den Raum – sind der Neutralität allerdings immer Grenzen gesetzt. Hierbei ist es also wichtig, dass ihr auf eine Lösung setzt, die euch gefällt und zu eurem Raum passt.

In einem 9-Quadratmeter-Studio ist es zum Beispiel nicht sinnvoll, sich ein großes 3-Wege-Mittelfeld-System inklusive riesigem Subwoofer anzuschaffen. Dessen Bässe werden eure Nachbarn drei Wohnungen weiter beglücken, aber ihr werdet davon kaum etwas mitbekommen.

Wenn ihr in diese Themen tiefer einsteigen wollt, empfehle ich euch die folgenden zwei Artikel. Neben konkreten Kaufempfehlungen geben euch beide interessante Einblicke, worauf man jeweils beim Kauf achten sollte.

▶ Die besten Studiomonitore für elektronische Musik

▶ Studiokopfhörer für elektronische Musik: die besten Kopfhörer für Techno

MIDI-Controller

Neben externen Klangerzeugern gehört für mich auch der MIDI-Controller eher zu den „Nice-to-haves“ und sollte bei schmalem Budget in der Prioliste weiter hinten stehen. Nichtsdestotrotz kann ein MIDI-Controller ein echter Gamechanger im Studio sein, wenn es um optimalen Workflow geht. Gerade bei der Haptik macht es noch einmal einen riesen Unterschied, ob ihr virtuelle Regler mit der Mouse bedient oder direkt über die Regler eines MIDI-Controllers. Vom Einspielen von Melodien mit einer vernünftigen Tastatur ganz zu schweigen.

Am besten sucht ihr euch einen MIDI-Controller, der von eurer DAW direkt unterstützt wird. Dadurch erspart ihr euch umständliche manuelle Zuweisungen und könnt direkt loslegen. Achtet beim Kauf ebenfalls darauf, ob der MIDI-Controller bereits an eure Lieblings-PlugIns angepasst ist. Auch das nimmt euch im Studioeinsatz viel Arbeit ab.

▶ Die besten MIDI Controller für Ableton Live – Übersicht

▶ MIDI Controller für FL Studio: Die besten Modelle für elektronische Musik

Externe Klangerzeuger

Als letzten Punkt in dieser Liste habe ich noch externe Klangerzeuger aufgeführt. Tatsächlich ist es gar nicht so wichtig, Hardware-Varianten von Synthesizern, Grooveboxen, Sampler und Co. im Studio zu haben. Professionelle Tracks bekommt ihr auch ohne externe Instrumente hin. Und so würde ich immer erst zu besseren Monitor- und Kopfhörerlösungen raten, wenn das Budget knapp ist.

Andererseits verstehe ich auch, dass externe Klangerzeuger mit das spannendste Thema für viele ambitionierte Produzenten sein dürfte. Im Endeffekt ist es doch ein ganz anderes Feeling, ob man live an den Geräten schraubt, oder deren virtuelles Pendant mit der Mouse programmiert. Zum Glück gibt es mittlerweile auch eine Menge günstiger Alternativen in diesem Bereich, die auch echt gut sind. Trotzdem möchte ich dem Vorurteil ganz entschieden widersprechen, dass man nur mit analoger Hardware etc. gute Tracks produzieren kann. Oder mit anderen Worten: Wer es mit Software nicht schafft, wird mit Hardware kaum bessere Ergebnisse erzielen.

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Techno produzieren für Einsteiger – diese 6 Dinge braucht man wirklich: Fazit

Ich hoffe, dass euch dieser Artikel dabei geholfen hat herauszufinden, was man wirklich zum Produzieren von elektronischer Musik braucht. Viel ist am Ende nicht nötig, um wirklich gut klingende Tracks zu erstellen. Manchmal ist es auch eher der Unwille, sich intensiv mit den vorhandenen Mitteln zu beschäftigen. Am Equipment sollte es jedenfalls nicht liegen.

Falls ihr das Thema offline weiter verfolgen wollt: Im Buch „Elektronische Musik produzieren“ steige ich ein gutes Stück tiefer in die Materie ein.

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Drums- und Percussion tunen: die Basics

Eventuell stellt sich der ein oder andere die Frage, warum man diese Elemente überhaupt stimmen sollte. Denn wenngleich bei Percussion-Sounds wie Toms oder Conga der tonale Anteil recht deutlich wahrnehmbar ist, tritt spätestens bei Becken, Snares, oder selbst bei vielen Kicks, das Tuning nur minimal hervor.

Aber es sind genau diese Instrumente, die deswegen gerne mal übersehen werden. Und eine schlecht auf den Bass abgestimmte Kick kann den ganzen Track zumatschen. Ebenso führt eine disharmonisch klingende Becken-Sektion dazu, dass eine konstante Spannung über dem Track liegt, die als unangenehm empfunden wird.

Die Lösung: So stimmt ihr Drum- und Percussion-Sounds

Wie geht man beim Drum-Tuning also am besten vor? Im ersten Schritt müsst ihr ermitteln, was der Grundton der jeweiligen Instrumente ist. Dazu gibt es mehrere Möglichkeiten.

Ermittlung des Grundtons

a) Ihr nutzt ein Tuning-Plugin

Ein Tuning-PlugIn ist in der Lage den Grundton des Instruments darzustellen, sobald es wiedergegeben wird. Das ist an sich eine gute Sache, scheitert aber häufig daran, dass entweder die Wiedergabelänge zu kurz, oder der geräuschhafte Anteil zu groß ist. In diesem Fall könntet ihr die Wiedergabezeit verlängern, indem ihr zur Ermittlung des Grundtons vorübergehend Timestretching einsetzt, bzw. Sustain oder Decay-Zeit kurz hochzieht.

Dadurch wird die Wiedergabezeit lang genug, damit das Tuning-Plugin adäquat arbeiten kann. Allerdings ist dieser Weg für eine komplette Percussion-Sektion auch ziemlich aufwändig. Sehen wir uns also andere Möglichkeiten an.

b) Ihr verwendet einen Analyzer zur Darstellung der Frequenz

Ein recht einfacher Weg, den Grundton zu ermitteln ist die Nutzung eines Analyzers. Da der Grundton meistens das lauteste Element in einem Sound darstellt, genügt hier ein Blick auf die Anzeige des Analyzers. Dort wo der höchste Ausschlag ist, liegt der Grundton. Da das Frequenzdiagramm bei den meisten Analyzern in Hertz angezeigt wird, muss man es allerdings erst einmal in einen Notenwert umwandeln. Eine gute Hilfe liefert die Tabelle in diesem Wikipedia-Artikel.
Noch einfacher geht es natürlich, wenn ihr die Darstellung des Analyzers von Hertz auf Notenwert umschalten könnt, wie in diesem Beispiel der integrierte Analyzer des FabFilter Q3.

Einstellen der korrekten Tonhöhe

Wie schon bei der Ermittlung des Grundtons eurer Drum-Instrumente gibt es auch für das Tuning mehrere Ansätze. Das Tuning selbst erfolgt am einfachsten über die Parameter „Tune“ und „Finetune“. Mit Finetune nehmt ihr die Feinabstimmung in Cent vor, während Tune gröber in Halbtonschritten erfolgt.

a) Ihr tuned nach Gehör

Wenn ihr ein gut trainiertes Gehör habt, lohnt es sich, das Tuning der Drums nach Gehör vorzunehmen. Dazu spielt ihr einfach das jeweilige Druminstrument ab und legt unter jede Note eine weitere Spur, in der parallel zum Druminstrument ein Sinus- oder Dreieckozillator läuft.

Dabei sollte man darauf achten, dass die Tunings direkt auf dem Grundton, oder zumindest in harmonischen Intervallen dazu vorgenommen werden. Im ersten Schritt nähert ihr euch mit Tune dem Grundton. Je näher ihr diesem kommt, umso stärker erzeugt das Signal aus Stimmoszillator und Drumsound Schwebungen. An dieser Stelle könnt ihr nun mit Finetuning das Tuning präzise vornehmen. Das Ziel habt ihr erreicht, sobald so gut wie kein Phasing oder Flanging mehr hörbar ist.

b) Ihr geht vom dargestellten Grundton aus

Wenn ihr die oben skizzierte Variante mit dem Equalizer oder Tuning-Plugin bevorzugt, könnt ihr auch rein rechnerisch vorgehen. In diesem Fall nutzt ihr einfach den Tuning-Parameter des Drum-PlugIns oder Samplers und verschiebt das Tuning entsprechend in Richting Grundfrequenz des Tracks.

Hier muss man allerdings aufpassen. Denn häufig stimmt die Tonhöhe des Samples nicht mit der angegebenen Tonhöhe im Sampler-Plugin überein. Stellt dieser das Tuning eures Kick-Sample beispielsweise auf C2 dar, bedeutet das noch lange nicht, dass das Kick-Sample auch wirklich auf C2 getuned ist. Hier müsst ihr einfach etwas rechnen.

Wenn euch der EQ oder das Tuning-Plugin sagt, dass die Kick den Grundton „A1“ besitzt, der Grundton eues Track aber bei „C“ liegt, müsst ihr das Kick-Tuning um drei Halbtöne nach oben verschieben. Also verschiebt ihr die Frequenz in eurem Drum-Sampler von C2 um drei Halbtöne nach oben und landet so bei D#2. Nun noch etwas Feintuning und die Kick passt perfekt zum Rest.

Tipp: Behaltet die Intervalle im Auge!

Beim Tuning empfehle ich, immer den geringstmöglichen Abstand zum Grundton zu nutzen. Liegt dieser beispielsweise auf der Note C2 und eure Kickdrum auf D1, solltet ihr das Tuning nicht in Richtung C2 verschieben, sondern lieber exakt eine Oktave darunter auf C1 tunen. Statt 10 Halbtöne nach oben, verschiebt ihr die Frequenz also nur zwei Halbtöne nach unten.

Auf diese Weise klingt die Kick natürlicher, da sich mit dem Tuning auch die Formanten verschieben oder die Kick je nach Tuning-Richtung langsamer (Tuning nach unten) oder schneller (Tuning nach oben) wiedergegeben wird.

Sind die Abstände zu groß, z.B. weil die Kick ihren Grundton bei der Note Fis 1 hat, der Track aber in „C“ produziert wurde, kann es sich lohnen, auf harmonische Intervalle zu gehen. Besonders bewährt haben sich Quinten und (große / kleine) Terzen. Ohne jetzt zu sehr in Musiktheorie abzudriften müsst ihr euch eigentlich nur merken, dass ihr in solchen Fällen einfach mal probiert, die Kick um 3 bzw. 5 Halbtonschritte nach oben zu verschieben.

Spannung erzeugen mit ungenauen Tunings

Wir sind schon wieder am Ende dieses Tutorials angekommen. Abschließend möchte ich noch einmal alles über Bord werfen, was ich bis hier geschrieben habe. Denn ihr könnt disharmonisches Tuning umgekehrt auch nutzen, um subtil Spannung im Track zu erzeugen. Im Endeffekt verstimmt ihr einfach einzelne Drum-Instrumente so, dass sie harmonisch nicht zueinander passen. Eine Abweichung von wenigen Cents erzeugt Schwebungen (aber evtl. auch Phasenschweinereien), eine Abweichung von 1-2 Halbtönen zu einer unangenehmen Spannung.

Wichtig ist hierbei allerdings, dass ihr es nicht übertreibt und die Technik der Disharmonie nur auf kurze Passagen in einem Arrangement anwendet. Anschließend löst ihr die Spannung auf, indem ihr wieder das korrekte Tuning nutzt. Zusätzlich solltet ihr in diesen Passagen auch immer den gesamten Mix im Ohr haben, denn schließlich ist der Hauptgrund für all die Tuning-Arbeit ein sauberer Mix.

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HiHats abmischen – Tuning beachten!

Wie die meisten Instrumente besitzen auch viele Hi-Hats einen tonalen Anteil. Umso wichtiger ist es, das auch beim Abmischen zu berücksichtigen. Denn eine Auswahl von nicht aufeinander abgestimmten HiHats kann den Mix schnell unaufgeräumt klingen lassen.

Um die HiHats zu tunen, solltet ihr erst einmal den Grundton ermitteln. Dafür eignen sich zwei Methoden besonders gut. Zum einen könntet ihr einfach einen Tuner als PlugIn in die HiHat-Spur ziehen. Dieser zeigt an, wie die HiHat gestimmt ist. Zum anderen könnt ihr auch einen Analyzer dafür nutzen, wie ihn auch viele EQ-PlugIns an Bord haben. Hier achtet man einfach auf den stärksten Ausschlag im (unteren) Mittenbereich. Meistens liegt hier die Grundfrequenz und damit die Note der HiHat.

Ist die Tonhöhe ermittelt, muss man nur noch die HiHat richtig stimmen. Sagen wir, der Track hat die Grundtonart G. Die HiHat ist aber auf „F“ gestimmt. Jetzt könnte man die HiHat entweder zehn Halbtöne nach unten oder zwei Halbtöne nach oben stimmen. Ich bevorzuge meistens die Variante, die näher liegt. In diesem Fall verschiebe ich also die HiHat um zwei Halbtöne nach oben.

Diesen Vorgang zieht ihr jetzt noch für die anderen HiHats und Percussion-Instrumente durch und ich verspreche, dass der Mix gleich deutlich angenehmer klingt!

EQ-Einstellungen für HiHats

Wie jedes andere Instrument in einem Track, sollten auch HiHats vernünftig mit einem EQ bearbeitet werden. Beim HiHats abmischen gilt es zunächst, alle nicht benötigten tiefen Frequenzen wegzuschieben. Das hat nicht nur einen positiven Effekt auf die weitere Bearbeitung mit Dynamikprozessoren, auch euer Mix wird insgesamt dadurch aufgeräumter. Ich empfehle, dabei recht radikal vorzugehen. Lasst den gesamten Mix laufen und cuttet mit einem 12 dB oder 24dB HP-Filter alles bei der HiHat-Spur weg, bis ihr das Gefühl habt, im Mix würde auf einmal etwas fehlen. Das ist eure untere Eckfrequenz für die Beschneidung der HiHats.

Nun gilt es, die ganz hohen Frequenzen zu bearbeiten. Hierbei müsst ihr vorsichtiger arbeiten und einen Kompromiss aus dumpfen Höhen und digitaler Schärfe finden. Dazu komme ich aber gleich noch bei der Verwendung von Tape-Emulationen.

Als letzten Schritt beim sucht ihr nach unangenehmen Resonanzen in euren HiHats. Diese findet man recht einfach, indem man im EQ ein Mittenband nimmt, hier die Güte (Q / Resonanz) sehr schmal einstellt und dann die Lautstärke des Mittenbands massiv anhebt. Nun sweept ihr die Frequenzen langsam von links nach rechts (oder umgekehrt) durch. Dabei macht ihr euch an den Stellen Notizen, an denen das Signal unangenehm glockig pfeift. Anschließend senkt ihr den EQ etwas breitbandiger als im Testdurchlauf an diesen Stellen um 6-12 dB ab.

HiHats abmischen – Weichere Höhen mit DeEssern

Mit diesem Trick könnt ihr eure HiHats abmischen, indem ihr einen DeEsser auf störende Frequenzen ansetzt. Im Gegensatz zum EQing greift der DeEsser nur dann ein, wenn eine vorher definierte Frequenz eine bestimmte Lautstärke überschreitet. Damit wirkt ein DeEsser manchmal etwas natürlicher als der radikalere Einschnitt mit einem EQ.

Mit einem PlugIn wie dem Renaissance DeEsser erhaltet ihr für überschaubares Geld eine intuitive Lösung. Nebenbei bekommt ihr damit auch die Möglichkeit, zu scharfe S-Laute bei Vocal-Tracks in den Griff zu bekommen. Denn das ist eigentlich die Hauptaufgabe eines DeEssers (da her der Name). Eine kostenlose Alternative, die ich allerdings nicht ausprobiert habe gibt es mit dem Modern DeEsser von Antress.

Weichere Höhen mit Tape-Emulationen

Falls eure HiHats den Mix zu harsch durchschneiden gibt es neben EQ-ing und dem De-Esser-Trick noch eine weitere Möglichkeit, den Klang angenehmer zu machen. Dazu benötigt ihr eine PlugIn-Emulation (oder das Original) einer Bandsättigung. Vereinfacht gesagt neigen Röhren und Bänder dazu, die oberen Frequenzen angenehm zu glätten, wenn man sie etwas zu heiß anfährt. Dieser Effekt wird gerne auch als Band- oder Röhrensättigung beschrieben.

Hierzu könnt ihr ein Tape-Sättigung-Plugin in euren HiHat-Kanal ziehen und das Eingangssignal langsam immer weiter aufdrehen, bis ihr nahe am Clipping oder kurz darüber hinaus seid. Probiert es mal aus: Der Effekt ist subtil, aber eure HiHats werden gleich angenehm seidig klingen, anstatt den Mix harsch zu überfordern. Wenn es das PlugIn hergibt, macht es auch Spaß, mit verschiedenen Bandgrößen zu spielen.

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