Die Basis: Wie man Dub Chords am Synthesizer programmiert

Am Anfang steht ein recht simpler Akkord, den ihr entweder schon auf Synthesizerebene mit drei unterschiedlich gestimmten Oszillatoren realisiert (ein guter Startpunkt ist der Grundton plus 3 & 7 Semitöne) oder direkt einspielt.

Als Schwingungsform bietet sich ein obertonreicher Sägezahn oder ähnliches an. Wenn es der Synthesizer hergibt, könnt ihr an dieser Stelle bereits etwas Rauschen hinzugeben, das dem Signal ein extra Quäntchen Schmutz verleiht.

Als Filter wählt ihr entweder ein Bandpass- oder ein Tiefpassfilter aus und schließt die Flankensteilheit großzügig. Die Hüllkurven für Amp und Filter sind beide auf hartes Attack, moderate Decay-/Release-Zeiten und 30-50 Prozent Sustain eingestellt. Durch höhere Attackzeiten bewegt ihr den Sound mehr und mehr in Richtung Pad. Hier bietet sich an, die Attack-Zeit durch die Anschlagstärke zu modulieren.

Das Filter im Synth schneidet bereits einen Teil der Obertöne weg, die man per Modulation des Cutoff durch LFO und Filter-Envelope aber wieder temporär hinzufügt. Dub-Chords leben von Modulationen. Je mehr Parameter moduliert werden, umso interessanter das Endergebnis.

Auf Klangerzeugerebene war es das bereits, wenden wir uns nun dem wichtigsten Part zu – der Effektreihenfolge:

Dub Chords sind nichts ohne die richtigen Effekte

Ich habe ewig gebraucht, bis ich verstanden habe, dass der Großteil eines Dub Chords über Effekte zustande kommt. Oder anders formuliert: Wenn die Effektkette passt, kann man fast jedes Signal durchschicken und am Ende kommt Dub heraus.

In die Effektkette gehören in dieser Reihenfolge

• Delay, vorzugsweise ein Space Echo (Tape Delay) oder ein BBD-Delay
• Equalizer / Multimode-Filter
• Reverb / 2. Delay
• optional: Phaser
• optional: Sidechain-Kompressor

Am Anfang unserer Kette steht ein (Tape oder BBD) Delay, das den analogen Schmutz liefert. Die Delay-Zeit wählt ihr nach eurem Geschmack aus, zu kurz oder zu lang sollte sie aber nicht sein. Ein interessantes Feature ist, die Delay-Geschwindigkeit entweder manuell oder automatisiert zu verändern. Wenn man etwa einen LFO auf die Delay-Rate legt, reagiert eine gute Tape-Simulation mit Tonhöhenschwankungen. Dieses Leiern kommt besonders gut, wenn man es mit höheren Feedback-Werten kombiniert. Fährt man das Delay dabei knapp bis zur Selbstoszillation, entstehen recht schöne Übergänge.

Sehr wichtig ist dann ein Multimode-Filter (oder ein EQ), das direkt hinter dem Delay eingeschliffen wird. Ein Bandpassfilter mit 12 dB Flankensteilheit und mittlerer Resonanz ist ein guter Ausgangspunkt. Je tiefer ihr das Filter schließt, umso muffiger wird der Klang und umgekehrt.

Tipp: Einige Delay-PlugIns wie etwa das fantastische Echo von Ableton bringen Multimode-Filter für das Delay-Signal direkt mit. Hier kann man Hochpass und Tiefpass gut miteinander kombinieren und separat die Resonanz einstellen.

Spring-Reverb und weitere Delays

An dieser Stelle haben wir schon einen Großteil des Pflichtprogramms erfüllt. Jetzt streuen wir noch etwas Sternenstaub on top. Nach dem Filter fügt ihr optional ein weiteres Delay ein. Auf diese Weise könnt ihr schön treibende Grooves erzeugen, ohne kompliziert einzelne Noten einzugeben.

Im Anschluss folgt mit dem Reverb eine weitere wichtige Komponente. Als Algorithmus empfehle ich ein Shimmer Reverb oder ein warm klingendes Room-Preset. Wer den authentischen Retrosound sucht, greift besser direkt zu einer Federhall-Simulation oder einem Plattenhall. Gerade Spring-Reverbs (Federhall) kann man in unzähligen Dub-Produktionen heraushören, denn ihr markant metallener Hall-Sound ist unverwechselbar.

Phaser, Flanger und Sidechain-Compression

Am Ende der Effektkette addieren wir noch einen Phaser oder Flanger. Dezent eingesetzt verpasst dieser Effekt dem Signal noch zusätzliche Tiefe. Allerdings würde ich hier keine allzu extremen Einstellungen auswählen, damit sich der Klang insgesamt homogen in den Mix einfügt. Zumal wir mit der umfangreichen Effektbatterie davor schon ordentlich Bewegung im Sound haben.

Eine einfache Möglichkeit, Mixing-Probleme zu umgehen, ist der Einsatz eines Kompressors am Ende der Signalkette. Per Sidechaining wird dann die Lautstärke beim Einsetzen der Kick heruntergedrückt, wodurch sich der Dub Chord recht einfach in den Mix integriert.

Noch ein Tipp für Elektron Digitone User: In meinem Digitone-Tutorial zeige ich, wie man mit dem FM Synthesizer dubbige Effektketten erstellt.

Hardware-Empfehlungen für Dub Techno / Ambient Dub

Die hier vorgestellten Tipps gelten natürlich gleichermaßen für die Hardware-Pendants. Wer lieber mit Hardware produziert und nach guten Synthesizern und Effekten für Dub Techno und Ambient Dub sucht, findet hier noch ein paar meiner Favoriten.

Synthesizer für Dub Techno

Delays für Dub Techno

Kostenloses Dub Chord Instrument Rack für Ableton Live

Hier könnt ihr euch ein komplettes Instrument-Rack für Ableton Live herunterladen, das ich erstellt habe. Enthalten sind zum einen ein Dub Chords Patch für Operator, sowie eine komplette Effektkette, die alle hier beschriebenen Stationen enthält. Für Live-Performer gibt es ein Makro, das euch direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter bietet.

Sound Packs mit Dub, Techno und Ambient Patches

• Novation Circuit „Elements“
• Novation Peak „Permafrost“
• Elektron Digitone „Epigenetics“ und „Nemesis“
• Twisted Electrons MEGAfm „Magnitude“
• u-he Diva „ReVolution“: Presets für Melodic Techno & Ambient
• Die besten Synthesizer für Dub Techno

Der Beitrag Dub Chords und Pads erstellen Workshop erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Tiefe Frequenzen nicht aufgeräumt

Der Bass- und untere Mittenbereich ist wohl einer der problematischsten Kandidaten, wenn ein Mix professionell klingen soll. Zum einen hat dieser Bereich recht viel Energie, was sich schnell negativ auf die mögliche Gesamtlautstärke des Mix auswirken kann, wenn man es hier übertreibt. Diese ist wiederum essentiell, damit der Track im Club gegen andere Produktionen mithalten kann.

Fast noch wichtiger ist allerdings, dass unaufgeräumte unteren Mitten fast immer hauptverantwortlich für einen matschigen Mix sind. Häufig liegt es daran, dass sich ein Großteil der Instrumente diesen Frequenzbereich teilt, seien es Drum- und Percussion-Sounds, Pads, Bässe oder Vocals. Lässt man alle einzelnen Spuren unbearbeitet passieren, schichten sie sich zu einer undefinierten Gesamtmasse auf, die am Ende den ganzen Mix überlagert.

Die effektivste Möglichkeit, dieses Problem zu lösen, ist eine Radikalkur mit dem Low Cut. Diesen wendet ihr auf alle Spuren an, bei denen die unteren Mitten nicht unmittelbarer Bestandteil des jeweiligen Instruments sind. Und das dürften einige sein. Geht beim Einstellen der Low-Cut-Frequenz so vor, dass ihr langsam die Frequenz immer höher zieht, bis sich dieses Instrument „eigenartig“ anhört. Wichtig dabei ist, die Bearbeitung immer im Gesamtmix zu analysieren. Denn beim solo abgehörten Instrument tritt dieser Zeitpunkt recht früh ein, während man im Kontext des Gesamtmix den LowCut durchaus noch ein paar Hertz weiter oben ansetzen kann, ohne dass am Ende etwas fehlt.

Boosten statt Absenken

Einer der häufigsten Fehler den man am Anfang macht, ist das Boosten von einzelnen Frequenzen um einzelne Instrumente hervorzuheben, ohne die weniger wichtigen Bereiche abzusenken. Früher oder später führt diese Technik dazu, dass ihr euren Mix zumüllt und am Ende nur noch miteinander konkurrierende Instrumente ab.

Zielführender ist es, statt einen Frequenzbereich mehrere dB lauter zu machen, die Lautstärke der anderen Bereiche abzusenken. Der akustische Effekt ist derselbe: Durch die Absenkung arbeitet ihr den Charakter des Instruments heraus und nehmt weniger wichtige Bestandteile zurück.

Die Phasen ignoriert

Als Phase eines Audiosignals wird die Lage des Signals auf der Zeitachse im Verhältnis zu einem anderen Audiosignal bezeichnet. Ist diese verschoben oder invertiert, kann es zu Auslöschungen kommen. Klanglich äußert sich das in Phasing, Flanging oder gar dem kompletten Signalverlust dieser Spur.

Je nach eingesetztem Equalizer tritt dieser Effekt mal mehr, mal weniger auf. Ohne zu sehr in technische Details abzudriften empfehle ich daher für die meisten Anwendungen einen Linear Phase EQ. Da dieser immer auch eine leichte Verzögerung mit sich bringt, ist es wichtig, dass du die Latenzkompensation in deiner DAW aktivierst. Auf diese Weise wird die Verzögerung des EQs ausgeglichen, und die Spur die mit dem EQ bearbeitet wird zeitgleich mit dem Rest wiedergegeben.

Frequenzstaffelung ignoriert

Für jedes Musikgenre haben sich über die Jahre Hörgewohnheiten herausgebildet, die es beim Mixing zu beachten gilt. Bei elektronischer Musik sind dies vor allem ein starkes Bassfundament inklusive Subbassbereich, ein homogener Gesamteindruck und nicht zu dominante Höhen. Um so einen Mix zu erzielen, sollte jedes Instrument gemäß seines Frequenzbereichs optimal im Mix platziert werden.

Diese Regel ist natürlich nicht auf elektronische Musik beschränkt, sondern gilt als Leitfaden allumfassend für Produktionen. Kann man bei „handgemachter“ Musik mit traditionellen Instrumenten die wichtigsten Frequenzbereiche noch klar abgrenzen, ist das bei der Dominanz von synthetisch erzeugten Sounds bei elektronischer Musik nicht immer ganz klar.

Daher lohnt es sich, in Gedanken einzelne Sounds klanglich bestimmten Instrumentengattungen zuzuordnen, um später im Mix eine klare Mixingstruktur zur Hand zu haben. Dabei kann man sich gut an vorhandenen Frequenzdiagrammen orientieren. Diese geben einen Überblick, in welchen Frequenzbereichen die Instrumente später im Mix sitzen sollen.

Habt ihr eure Sounds klanglich vorsortiert, fangt ihr an, alles Überflüssige wegzuschneiden. Bei dieser Radikalkur dürft ihr ruhig ordentlich zupacken, denn es geht bei dieser Übung darum, den Mix schlanker zu machen. Setzt EQs flächendeckend ein und schneidet im ersten Schritt mit einem recht steilflankigen (24 dB) LoCut überall die Bässe und unteren Mitten heraus, wo sie nicht benötigt werden.

Im zweiten Schritt knüpft ihr euch die Höhen vor, wobei ihr hier sowohl HiCut als auch Hi-Shelf ausprobieren würde. Auch bei der Flankensteilheit würde ich beim Absenken der Höhen nicht ganz so hoch ansetzen und eher bei 6-12 dB landen. Dadurch vermeidet ihr, dass der Mix schnell zu dumpf klingt.

Höhen zu stark geboostet

Je länger man im Mixing-Prozess steckt, umso stärker werden am Ende die Höhen geboostet. Klar kann man das nicht ganz so krass verallgemeinern, aber mit zunehmender Zeit im Studio ermüden auch die Ohren.

Als Folge nimmt unser Hörapparat Höhen immer weniger gut wahr, was dazu führt, dass man gegen diesen Effekt abmischt und die Höhen immer stärker betont. Am Ende hat man einen Mix, der unangenehm zischt und häufig auch unerwünscht kalt klingt. Ganz zu schweigen von dem Effekt, den ein Mix mit überpräsenten Höhen auf einer großen Anlage im Club hat.

Hier sind zwei Dinge empfehlenswert: Erstens solltet ihr darauf achten, regelmäßig Pausen zu machen; mindestens alle zwei Stunden, besser noch jede Stunde. In dieser 30-60 Minuten langen Pause ist Lärm tabu. Also keine Musik, kein akustischer Stress von der Baustelle nebenan, einfach nur angenehme Stille.

Zweitens solltet ihr immer auch mal flüsterleise abhören. Dominante Elemente treten in diesem Fall besonders deutlich hervor. Habt ihr über der Hörschwelle nur noch zischelnde Hihats, solltet ihr diese Spur höchstwahrscheinlich ein paar dB absenken.

Weitere Artikel

• Kick und Bass abmischen: So geht’s
• Techno und Ambient abmischen: Stereobreite verbessern
• Die besten Studiomonitore für elektronische Musik
• Die besten EQ Plug-Ins: Equalizer VST für Techno, Ambient und co
• Techno Bass abmischen: Die richtigen Equalizer Einstellungen

Der Beitrag Diese EQ-Fehler solltet ihr beim Mixing elektronischer Musik vermeiden erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Obwohl der Tyrell N6 erstmals 2013 vorgestellt wurde, gehört er ohne Zweifel zu den Synths, die heute noch am häufigsten empfohlen werden. Und das aus gutem Grund. Denn mit seiner intuitiven Oberfläche und gutem Klang lässt er immer noch manch kommerzielles Produkt hinter sich. Die Kombination von Ringmodulation, FM und Sync lässt zudem auch komplexere Klänge zu, die man auf den ersten Blick nicht von dem Synth erwartet.

Die geringe Prozessorauslastung auf aktuellen Rechnern ist dabei ein willkommener Nebeneffekt. Lediglich die enthaltenen Presetbänke scheinen manchmal etwas in die Jahre gekommen zu sein.

Das Molecules Sound Pack setzt hier an und liefert eine Breite Auswahl unterschiedlicher Presets. Jedes davon wurde von Grund auf neu programmiert, wobei der Fokus des Sets auf Pads (insgesamt 34) und Leads liegt (20). Natürlich finden sich in der Collection auch fette Bässe, Dub Chords und einige Effektsounds für Übergänge oder perkussive Elemente.

Damit man die Sounds live oder im Studio ausdrucksstark spielen kann, wurden Modwheel, Pitch Bend und Aftertouch relevanten Parametern zugewiesen. Da diese Verknüpfung häufig über das übliche Modwheel -> Vibrato hinausgeht, kann man Klänge in wenigen Schritten komplett umformen.

Wer auf der Suche nach der Soundästhetik von Boards of Canada, Rival Consoles, Basic Channel oder Bodzin ist, sollte sich mal das Demo anhören.

Molecules Tyrell N6 Patches

• Pads: 34
• Bass: 14
• Percussion & FX: 6
• Leads: 20

Die Molecules Tyrell N6 Patches gibt es hier zu kaufen:
https://limbicbits.com/u-he-tyrell-n6-presets-molecules-sound-pack-for-ambient-and-techno/

Das VSTi U-He Tyrell könnt ihr euch kostenlos hier herunterladen: Download-Link U-He Tyrell N6. Dort gibt es auch Soundpacks mit u-he Diva Presets und Patches für u-he RePro.

Weitere Artikel

• Die besten Freeware Synthesizer für elektronische Musik
• U-He Repro Presets für Techno und Ambient: „ReProduction“ Sound Set
• Dreadbox Polyend Medusa Patches für Techno, Ambient und Electronica
• Welches Audio Interface für elektronische Musik?
• Die besten Synthesizer für Einsteiger

Der Beitrag U-He Tyrell N6 Patches für Ambient, Dub und Techno erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.