Der zweite Ansatz richtet sich an alle, die beim Produzieren auf einen Computer verzichten wollen. Hierbei gehe ich von zwei unterschiedlichen Budgets aus: einmal Low-Budget und einmal Mid-Budget. Beide Setups versetzen dich in die Lage, komplett ohne Computer Tracks zu erstellen. Selbstverständlich lassen sich beide Varianten, „Computer-only“ und „Hardware-only“, problemlos miteinander kombinieren, was im Großteil der Studios auch genauso gehandhabt wird.

Elektronische Musik mit dem Computer produzieren ohne viel Geld auszugeben

Ein halbwegs aktueller Rechner steht in den meisten Haushalten. Wenn man etwas auf den Leistungsbedarf der Software-Instrumente und -Effekte achtet, kommen selbst betagte Computern nicht so schnell an ihre Grenzen.

Ein Tipp am Rande: Möchte man auf ein bestimmtes PlugIn partout nicht verzichten, empfiehlt es sich zu prüfen, ob sich die interne Sample-Rate heruntersetzen lässt. Bei PlugIns von Native Instruments geschieht dies zum Beispiel über die Einstellungen. U-He wiederum bietet etwa bei der diva oder beim Repro-1 einen HQ-Modus an, der sich bei Bedarf deaktivieren lässt. In vielen Fällen reichen 48 kHz aus und man kann die Standardeinstellung von 96 kHz entsprechend halbieren. Das führt zu einer geringeren Prozessorauslastung.

Welche Grundausstattung für elektronische Musik mit dem Computer?

Insofern ist die Empfehlung in diesem Fall recht einfach: Eine solide Grundausstattung hat man bereits, indem man in ein besseres Audio-Interface inklusive DAW investiert. Zwar reicht für die allerersten Schritte meistens die interne Soundkarte. Allerdings müsste auch in diesem Fall früher oder später eine DAW (Software zum Produzieren von Musik wie z.B. Ableton oder Bitwig) angeschafft werden. Preislich nehmen sich Lite-Version und Soundkarte nicht viel, und letztere liefern häufig eine Lite-Version von DAWs gleich mit. Warum also doppelt investieren?

Ich empfehle gerne die Scarlett-Serie von Focusrite, da diese neben vernünftigen Wandlern und Treibern bereits ein attraktives Software-Angebot für den Start mitbringt. Unter anderem umfasst das Paket eine leistungsfähige Einsteigerversion von Ableton Live (Lite), Samples, sowie ein paar gute PlugIns zur Sound-Bearbeitung. Zusätzlich benötigt ihr dann nur noch Monitorboxen und / oder gute Studiokopfhörer und ihr könnt mit dem Produzieren starten.

Ist das Budget anfangs sehr begrenzt, rate ich erstmal dazu nur gute Kopfhörer zu nutzen, statt Monitorboxen anzuschaffen. Vernünftige Modelle gibt es bei den Kopfhörern ab 130 €, selbst mäßig gute Studiomonitore sind zu dem Preis schlichtweg nicht drin.

Für die übrigen rund 120 € könnte man sich nun noch einen USB-MIDI-Controller zulegen, der das Musik machen zum einen ziemlich sicher beschleunigt. Zum anderen ist es schlicht angenehmer, Drums und Melodien einzuspielen statt sie mit der Mouse einzuzeichnen. Das Launchkey von Novation liegt genau in unserem Budget. Mit 25 Minitasten, Pads und Drehreglern ist der Controller flexibel einsetzbar. Mit Ableton Live Lite und Softube-Effekten ist zudem ein gutes Software-Paket für den Start mit dabei.

Techno produzieren ohne Computer und ohne dabei viel Geld auszugeben

Die zweite Variante richtet sich an alle, die komplett auf einen Computer verzichten wollen. Sei es, weil man ohnehin den ganzen Tag vor dem Bildschirm sitzt, man die Arbeit mit einem Computer als umkreativ empfindet, oder sich das Ziel gesetzt hat, Live-Auftritte nur mit Hardware-Geräten zu bestreiten.

Einzelne Hardware-Instrumente müssen im Gegensatz zu einem Computer erst einmal angeschafft werden, wodurch erstmal höhere Anschaffungskosten entstehen. In diesem Fall ist die Flexibilität der Empfehlungen daher etwas eingeschränkter und ich beschränke mich auf zwei Szenarien: a) ein Low-Budget-Setup, für das maximal 400 € zur Verfügung steht und b) ein Mid-Budget, für das uns 1000 € zur Verfügung stehen.

a) Techno produzieren mit Minimal-Equipment für unter 400 €

Für dieses Setup legen wir unser maximales Budget auf 400 € fest. Zusätzlich wollen wir ohne einen Computer produzieren, so dass sich unsere Auswahl auf Hardware-Klangerzeuger beschränkt. Unser Setup muss in erster Linie in der Lage sein, ausreichend Drums wiederzugeben und idealerweise auch die ein oder andere Synth-Spur bereitstellen.

Öffnen wir uns zudem dem Gebrauchtmarkt wäre meine Top-Kombination wohl ein Novation Circuit (rund 200-220 € gebraucht), ein kleiner Mixer (rund 40 -50 €), sowie ein weiterer Analogsynthesizer für Bässe.

Da wir noch rund 130 – 150 € übrig haben, ist die Auswahl begrenzt. Möglich wären der semimodulare Crave von Behringer, der neben einem ausgezeichneten Klang auch über einen internen Sequencer verfügt, sowie die Volca-Serie von Korg.

Allen voran würde ich hier Volca-Bass und Volca Modular sehen. Beide sind gebraucht für unter 150 € zu haben, klingen gut und bieten einen internen Sequencer. Volca Modular ist sicherlich etwas frickelig in der Bedienung. Durch den West-Coast-Ansatz ist dieser Synth aber ein Garant für schmutzige, düstere Bässe mit ordentlich Experimentierpotential.

Sollen Acid-Elemente mit einfließen, ist auch der TD-3 (oder Behringer TD-3 MO) von Behringer eine klare Empfehlung. Den TB 303 Clone gibt es gebraucht mittlerweile hin und wieder für unter 80 €.

Beim Mischpult würde ich mich auf dem Gebrauchtmarkt nach einem Modell von Mackie, Allen & Heath oder Yamaha umsehen. Kleinmixer werden einem förmlich hinterhergeworfen. Und da die Preise der besseren Modelle sich auch nicht mehr so sehr von den Mitbewerbern Behringer und Alto Pro unterscheiden, würde ich klar die oben genannten Marken vorziehen.

b) Techno produzieren mit mittlerem Budget

In unserem dritten Szenario verfügen wir über ein Budget von rund 1000 €, mit dem sich schon einiges anfangen lässt. Hier ist es schon schwerer, die eine perfekte Kombi zu empfehlen. Ich habe daher vier Ausgangszenarien skizziert, die für sich schon sehr gut funktionieren, gerne aber dem eigenen Geschmack angepasst werden sollten.

Ganz klassisch: Roland TR-8 plus ein, zwei Synthesizer

Fangen wir mit dem wohl direktestem Konzept an: Rolands TR-8 Drum Machine vereint eine Vielzahl der Drum-Klassiker in einem Gerät und erweitert diese mit erweiterten Möglichkeiten fürs Sounddesign. Die Farbgebung in Giftgrün mag nicht jeden Geschmack treffen. Dafür überzeugt die TR-8 mit sehr intuitivem Live-Sequencing und Club-tauglichem Sound direkt aus dem Gerät. Die Fader zur Einstellung der Lautstärke sind gerade live ein echter Segen, da man mehrere Kanäle auf einmal ein- und ausfallen kann. Probiert das mal mit Potis.

Rolands TR-Serie hat die Entwicklung elektronischer Musik maßgeblich beeinflusst. Wer sich die TR-Sounds ins Studio holen möchte, macht mit der Anschaffung einer TR-8 nichts verkehrt. Soll es etwas mehr sein, ist die größere Variante Roland TR-8S eine Überlegung wert. Diese bietet die Klangerzeugung der TR-8 und erweitert diese noch um die Möglichkeit, eigene Samples zu nutzen.

Einen Synthesizer sollte man sich noch dazustellen

Mit der TR-8 deckt ihr die Drum-Sektion eures Setups bereits gut ab. Techno produzieren ist damit alleine allerdings unspektakulär, wenn man nicht gerade Jeff Mills heißt. Zur Erstellung von Melodien, Bassläufen oder atmosphärischen Klängen benötigt man noch ein bis zwei Synths. Und da beide TR-8 und TR-8S keinen internen Sequencer zur Ansteuerung externen Instrumente bieten, müsst ihr entweder live spielen oder auf Synthesizer mit internem Sequencer setzen. Eine gute Ergänzung wäre sicherlich eine Novation Bass Station 2.

Zusätzlich sollte ein Synthesizer für Flächen und Atmos am Start sein. Bei polyphonen Synthesizern wird die Auswahl schnell dünn, wenn man auf das Budget achten muss. Daher würde ich hier von vornherein auf eine digitale Lösung setzen, die meistens günstiger zu bekommen ist.

Für den Preis fast unschlagbar liefert der Roland AIRA S-1 Tweak Synth einen guten Sound im praktischen Jackentaschenformat. Der Roland S-1 verfügt über eine überraschend umfangreiche Klangerzeugung, die einerseits den klassischen Roland SH-101 abdeckt, andererseits auf Oszillatorenebene noch ein gutes Stück weiterreicht.

Hinzu kommt vierfache Polyfonie, eine gut klingende Effektsektion und ein interner Sequencer inklusive Motionrecording. So bekommt ihr neben klassischen Analogbässen – und Leads auch warme Pad-Sounds, Dub Chords und Drones mit ins DAW-less Setup, ohne viel Reisegepäck einplanen zu müssen.

All-in-a-Box mit Akai Pro MPC One MKII

Die MPC-Serie von Akai Pro muss man nach über 30 Jahren Bestehen eigentlich nicht mehr großartig vorstellen. Die Kombination aus Sampler, Sequencer und guten Pads zum Live spielen war in etlichen Produktionen zu hören.

Vor der Generation um Live, One und X erlebten MPC-User eine ernüchternde Software-Controller-Durststrecke, die sicherlich nicht besser wurde, als Akai mit dem Rhythm Wolf ihren ersten analogen Drumcomputer vorstellte. Diese Eskapaden führten am Ende allerdings zur MPC One, die ich in dieser Liste ebenfalls nennen möchte.

MPC One bietet flexible Möglichkeiten, Samples zu verbiegen und zeichnet sich durch einen druckvollen Sound aus, hochwertige Samples natürlich vorausgesetzt. Das große Touch-Display erleichtert einem die gezielte Soundbearbeitung, neigt aber dazu, bei höherer Luftfeuchtigkeit nicht immer zuverlässig zu reagieren. Dafür überdachte Akai zum Glück die Menüführung und spendierte wichtigen Parametern dedizierte Taster auf der Oberfläche, die vorher noch vergraben in Untermenüs lagen.

Glücklicherweise verfügt die MPC One noch über drei vollwertige Klangerzeuger: Ein E-Piano, ein VA-Röhrensynth,. eine Bassline und es kommen immer mehr hinzu.

Damit ist man für die meisten Anwendungen schon exzellent gerüstet und Techno produzieren kann man damit natürlich auch. Sollte ein weiterer Synth ins Setup integriert werden, liefert die MPC neben zwei Eingänge auch genug Möglichkeiten ihn via MIDI oder CV perfekt einzubinden. Im Vergleich zu den größeren Modellen verfügt MPC One mit rund 750 € über das beste Preis-Leistungsverhältnis. Schade nur, dass der interne Akku der MPC Live hier nicht dabei ist.

Für Frickler: Elektron Digitone II und Elektron Model:Samples

Zugegebenermaßen bin ich ein großer Fan von Elektron-Produkten. Nur wenige Geräte auf dem Markt bieten so einen Funktionsumfang bei gleichzeitig Live-tauglicher Bedienung. Für ein mittleres Budget empfehle ich eine Kombination aus Digitone II und Model:Samples. Dadurch erhält man umfangreichen Synthesemöglichkeiten und einen intuitiven Sample-Sequencer.

Hin und wieder wird der Digitone als reiner FM-Synthesizer gesehen, was nicht zutrifft. Vielmehr vereint er 4OP-FM, Waveshaping auf Oszillatorebene und klassische subtraktive Synthese. Dadurch lassen sich mit dem Synthesizer auch typische Analogsounds problemlos umsetzen.

Ein weiterer Vorteil sind die externen Eingänge beim Digitone sowie die zusätzlichen MIDI-Spuren, um externe Instrumente anzusteuern. Model:Samples ließe sich somit direkt durch den Digitone schleifen, wodurch ein zusätzliches Mischpult live nicht zwingend notwendig ist. Möchtet ihr später euer Set doch einmal in einem Computer aufnehmen, könnt ihr den Digitone zudem als gutes Audio-Interface verwenden. Diese Kombination gibt es neu für knapp 1000 €, bei Gebrauchtkauf wäre sogar noch ein weiterer Synthesizer oder ein kleiner Mixer drin.

Die Nerdlösung: Polyend Tracker Mini + Analogsynth

Für die Nerds unter uns ist der Tracker Mini von Polyend sicherlich ein spannender Kandidat. Polyend vereint in dem Tracker Mini Sampler, Granularsynth und Sequencer in Form eines Trackers. Ältere Jahrgänge kennen das Prinzip vielleicht noch von ihren ersten musikalischen Gehversuchen am C-64 oder Amiga.

Bei einem Tracker Mini laufen die Sequenzen von oben nach unten in mehreren Spuren in einzelnen Schritten herunter. Jedem Schritt lässt sich ein Sample, eine Note, Anschlagdynamik und andere CC-Werte zuweisen. Das Prinzip scheint auf den ersten Blick etwas in die Jahre gekommen, bietet aber für elektronische Musik einen einzigartigen Ansatz. Dieser bringt einen mitunter sogar direkter zum Ziel, als Lauflicht-Sequencer.

Besonders empfehlenswert ist ein Tracker Mini meiner Meinung nach, wenn man viel mit Samples arbeitet und diese schnell in einer Spur austauschen möchte. Das mag einer der Gründe sein, warum man Tracker in den Genres IDM, Ambient oder Drum and Bass recht häufig sieht. Techno produzieren kann man mit dem Tracker natürlich auch.

Auch beim Tracker Mini sollte ein weiterer Hardware-Synth eingeplant werden. Zwar bietet Tracker Mini mit seiner flexiblen Sample-Engine ausreichend Möglichkeiten, Flächen, Atmos oder Bässe abzuspielen. Für den Spaßfaktor ist ein Synthesizer mit vielen Reglern eine Bereicherung im Setup. Einen Sequencer muss dieser nicht zwingend haben, da Tracker auch externe MIDI-Geräte ansteuern kann. Bei rund 700 € Anschaffungspreis ist dafür zu unserer 1000 €-Grenze glücklicherweise noch Platz nach oben.

Techno produzieren im Budgetstudio – Fazit

Für welche Lösung ihr euch auch entscheidet – mit den hier vorgeschlagenen Setups könnt ihr auf jeden Fall arbeiten. Mit der Zeit findet ihr dann den perfekten Workflow für euch.

Ihr wollt ohne DAW elektronische Musik produzieren? Dann könnte der Artikel die besten Grooveboxen für Techno, Ambient und House etwas für euch sein.

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• Groovebox für Techno, Ambient und Electronica: Die besten Modelle
• Die besten MIDI Controller für FL Studio
• MIDI Controller für Ableton Live
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MIDI Controller für Ableton Live – Worauf sollte man achten?

Folgende Funktionen sollte ein guter Controller für Ableton mitbringen:

• Clip Launch Matrix
• Transport-Taster zur Steuerung von Start, Stop, Pause
• Fader und / oder Drehregler zur Steuerung von Parametern und Mixing
• Pads oder Klaviatur zum Einspielen von Instrumenten, gerne anschlagdynamisch
• Ein Display, damit man Werte auch direkt am Controller ablesen kann
• Wenig versteckte Funktionen, um sich bei Performances nicht auf Shift-Befehle konzentrieren zu müssen
• Beleuchtete Bedienelemente wie RGB-LEDs, damit man auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club noch zurechtkommt
• Taster für Mute / Arm / Solo

Je mehr Haken bei dieser Liste gesetzt werden, umso flexibler sind die Möglichkeiten, die der Controller bietet. Jetzt hängt es natürlich auch vom jeweiligen Einsatzgebiet ab, wie wichtig jeder einzelne Punkt ist. Für einen Live-Instrumentalisten werden anschlagdynamische Pads bzw. Klaviatur deutlich wichtiger sein, als beispielsweise Transport-Taster. Letztere sind wiederum im Studio unheimlich praktisch, wenn man nicht ständig auf die Mouse zurückgreifen möchte. Im Clubeinsatz ist häufig der direkte Zugang, also kein Navigieren durch Submenüs, essentiell. Wenn jemand den Controller zum Auflegen mit Ableton Live nutzen möchte, kann ein Crossfader praktisch werden.

So vielseitig die Einsatzgebiete sind, so umfangreich ist auch das derzeitige Angebot an MIDI Controllern für Ableton. Die folgenden Controller bieten (fast) alle der aufgelisteten Funktionen und können daher ohne Bedenken empfohlen werden. Die Details folgen.

Ableton Push 3

Aus dem Hause Ableton selbst kommt der wunderbare Push 3 Controller, den man alternativ sogar als komplette Standalone-Unit kaufen kann. Dank schickem, hochauflösenden Display, hervorragend reagierenden Pads mit MPE und vielen Elementen zur Steuerung der wichtigsten Parameter findet man Push 3 in vielen Studios als zentralen Controller für Ableton Live.

Und das aus gutem Grund: Denn Ableton hat mit der Version 3 das Bedienkonzept der Vorgänger noch einmal optimiert, MPE hinzugefügt und die mitunter etwas anfällige Hardware – hier sei vor allem die klebrige Oberflächenbeschichtung genannt – gegen hochwertigeres Material ausgetauscht. Dadurch fühlt sich Push 3 nicht nur besser an, sondern ermöglicht es jetzt, sämtliche Parameter zu steuern, ohne überhaupt eine Mouse berühren zu müssen. Selbst PlugIns können nun komfortabel über den Controller ausgewählt und einzelnen Kanälen hinzugefügt werden. Dadurch ist es Ableton gelungen, mit Push 3 ein Gerät zu schaffen, das sich eher wie ein Instrument verhält.

Wo so viel Licht ist, muss auch etwas Schatten sein. Als Negativpunkt für Live-Performances sehe ich das Fehlen von Fadern. Gerade beim Aufbau von Übergängen mittels Fade-Ins und -Outs sind diese praktisch, denn so kann man mal eben z.B. die komplette Hi-Hat-Sektion aus- und einfaden. Mit einer geschickten Zuweisung von Groups kann man zwar mehrere Spuren auf einmal mit einem Poti erfassen. Allerdings verlangt das einiges an Organisation vorab und das ist sicherlich nicht jedermanns Sache. Immerhin kann man sich problemlos einen Fader-Controller wie Novation Launch Control XL MK3 dazustellen, um dieses Problem zu lösen.

Ableton Push 3 – Übersicht

Novation Launch Control XL MK3

Als umfangreich ausgestatteten Einsteiger-Controller kann man den Launch Control XL MK3 bezeichnen. Hier wurde zwar auf eine Cliplaunch-Matrix verzichtet. Dafür bietet der Launch Control XL acht Fader, sechzehn Taster und 3 x 8 frei belegbare Drehregler zur Steuerung von Parametern. Diese Anordnung ist nicht nur für Live-Performer interessant. Denn zum schnellen Einstellen von EQs (Low / Mid / High), Effektanteilen und Lautstärkeverhältnissen ist dieses Layout mega praktisch.

Aber auch als Add-on macht der Launch Control XL MK 3 total Sinn. Hiermit ließen sich Launchpad Pro oder Push 3 mit Fadern ausstatten, die man in der Grundausstattung doch schnell vermisst.

Novation Launch Control XL MK3 – Übersicht

Novation Launchpad Mini MK3

Als günstige Empfehlung für Einsteiger sei noch das Launchpad Mini genannt. Wie viele Controller im höheren Preissegment bietet auch dieser eine 8 x 8 Clip-Launch-Matrix, Transportbutton, sowie die Möglichkeit, Effektsends und Lautstärken über Shiftfunktionen zu steuern. Hierbei sollte man sich nur im Klaren darüber sein, dass Parameterwerte aufgrund der Eingabe über acht Pads eben auch nur in acht Stufen auflösen. Zudem sind die Pads nicht anschlagdynamisch.

Auf der Habenseite stehen eine gute Verarbeitung bei geringem Gewicht und ein sehr günstiger Preis. Da das Launchpad Mini zusätzlich noch mit Ableton Live Lite eine Einsteigervariante der populären DAW, sowie weitere gute Mixing-PlugIns mitliefert, kann man das Preis-/Leistungsverhältnis fast schon als sensationell bezeichnen.

Novation Launchpad Mini MK3 – Übersicht

Novation Launchkey MKIV

Wer einen Ableton Live Controller sucht, der nebenbei noch eine gute Klaviatur mitbringt, sollte sich die Novation Launchkey MKIV Serie näher ansehen. Die Tastatur-Controller fügen sich nahtlos in Ableton Live ein und können ohne umständliche Installation direkt eingesetzt werden.

Auch hier gibt es zahlreiche Fader, Pads und Drehregler zur Steuerung von Live. Zusätzlich spendierte Novation den USB-Controllern Arpeggiator, Chord Mode und ein 5 Pin-MIDI-Interface zur umfangreichen Kontrolle von externen Synths und Samplern.

Die Klaviatur spielt sich sehr gut, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand. Keine Frage, die Launchkey-Serie ist sowohl von der Verarbeitung als auch von den Features her am oberen Ende angesiedelt.

Und dafür, dass Novation seiner Linie eine 37-Tasten-Variante spendiert hat, gehört ihnen ein Orden verliehen. Wer viel reist oder bei begrenztem Platz im Club trotzdem eine vernünftige Tastatur sucht, kann damit aufatmen. Handgepäck freundlich und genug Tastenumfang, um auch mal beidhändig zu spielen. Danke Novation!

Novation Launchkey MKIV Übersicht

Wer nicht so viel Patz hat oder eine günstige kleine Einspieltastatur sucht, dem sei noch das Launchkey Mini MKIV ans Herz gelegt. Die Verarbeitung ist Top, alles fühlt sich gut an. Selbst die Minitasten geben ein ausreichend angenehmes Gefühl, solange man darauf natürlich keine anspruchsvollen Stücke spielen will.

Novation Launchkey Mini MKIV Übersicht

Akai Pro APC64

Wo andere Controller einige Funktionen in Shift-Konfigurationen oder Menüs verstecken, bietet Akai Pro APC64 einen eher direkten Ansatz. Acht Touch-Strips, Transporttaster und eine Clip-Launch-Matrix mit 64 anschlagdynamischen Pads mit Poly-Aftertouch ermöglichen die intuitive Kontrolle von Ableton auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club.

Im Unterschied zu vielen Mitbewerbern setzt Akai auf Touchstrips inklusive LED-Meter. So geben sie einerseits ein visuelles Feedback der aktuellen Werte. Andererseits – und das ist bei Performances noch wichtiger – werden Parametersprünge vermieden, wenn man etwa zwischen zwei Tracks umschaltet, der Regler aber noch auf dem vorher eingestellten Wert ruht.

Außerdem bietet der APC64 rudimentäre 32 Step-Sequencer, mit denen man über 8 CV/Gate und 2 MIDI-Outs einen mittelgroßen externen Gerätepark ansteuern kann. Wer sich mit diesem Feature noch nicht beschäftigt hat, sollte das auf jeden Fall mal für die nächste Performance nachholen.

Akai Pro APC 64 – Übersicht

touchAble Pro – Ableton Live Controller für Tablets und Smartphones

Viele von euch werden ein Android, Surface, iPhone oder ein iPad nutzen. Für diese Tablets und Smartphones gibt es ebenfalls gute Ableton Live Controller. Die App touchAble Pro enthält eigentlich alles, was man zur Steuerung von Ableton Live benötigt, inklusive der Synths und Sampler. Eine Mixer-Ansicht, Session View mit Clip Launch Matrix, selbst Noten lassen sich direkt eingeben und mit dem Piano-Roll-Editor später korrigieren.

Wenn man Touchscreens gegenüber nicht abgeneigt ist, sollte man die rund 29 € für die App investieren. Selbst als Zweitgerät zur Steuerung wichtiger PlugIns im Live-Einsatz ist die Software eine tolle Ergänzung zu einem Hardware-Controller.

Weitere Infos zu touchAble Pro gibt es hier.

Controller für Ableton Live – Fazit

Einen klaren Gewinner aus dieser Auswahl zu küren ist aufgrund der unterschiedlichen Einsatzgebiete nur schwer möglich. Als Controller für elektronische Musik im Club würde ich wohl am ehesten zum APC 64 greifen, da dieser den direktesten Zugriff bei überschaubarem Preis ermöglicht. Ergänzt um ein kompaktes Einspielkeyboard wie Launchkey Mini MK 4 geht damit schon einiges.

Als Performance-Instrument und Controller Hybride ist der Push 3 die umfangreichste Lösung. Hervorragend spielbare Pads mit MPE, ein gutes Display und alle Funktionen über den Controller erreichbar: Mit dem Push 3 kann sogar der Bildschirmschoner angehen und man findet sich immer noch problemlos zurecht.

Die beste Lösung für Einsteiger sind wahrscheinlich das Launchkey Mini oder ein Launch Pad Mini. Beide bieten eine solide Verarbeitung, sowie ausreichend Funktionen. Ein gutes Software-Paket erleichtert den Einstieg.

Weitere Inhalte

• Die besten Studiomonitore für elektronische Musik
• Audio-Interface für Techno, Ambient und Electronica
• USB Hubs für Audio-Anwendungen: Welche Modelle lohnen sich?
• Die besten Synthesizer für Einsteiger
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Du möchtest Techno, Ambient, House oder andere elektronische Musik mit dem Computer produzieren? Wenn du noch ganz am Anfang stehst, wirst du dir neben ein paar Grundanschaffungen wie Kopfhörer, Studiomonitore oder Audio-Interface natürlich auch die Frage stellen: Welche DAW für elektronische Musik passt am besten für die eigenen Zwecke?

Zunächst empfehle ich erstmal zu schauen, was eventuell schon vorhanden ist. Denn im Lieferumfang vieler Soundkarten und Controllern findet sch bereits eine abgespeckte Version der bekanntesten DAWs. Häufig sind das Ableton Live Lite, Bitwig Studio 8-Track, Presonus Studio One Artist oder Cubase LE.

Die besten DAWs für Techno, Ambient und co.

• Ableton Live
• ImageLine FL Studio
• Cubase, Logic & Co
• Bitwig Studio
• Renoise
• Reason
• Gleetchlab Berna

Ableton Live

Ableton Live hat die elektronische Musikszene seit dem ersten Release im Sturm erobert. Der intuitive Zugang und die flexiblen Möglichkeiten setzten sich damals von den linearen Konzepten der Mitbewerber ab. Vor allem die Session-View von Ableton lädt zum jammen ein und verhält sich dabei eher wie ein Instrument. Wer es klassischer mag, kann von vornherein auch die Arrangement-View nutzen, bei der sich Ableton wie eine klassische DAW verhält, also die einzelnen Spuren in einem großen Fenster von links nach rechts wiedergibt.

Hinzu kommt noch, dass sich im Lieferumfang vieler Hardware-Produkten wie Audio-Interfaces oder MIDI-Controllern mit Ableton Live Lite eine Einsteigerversion der populären DAW findet. Viele Anfänger dürften damit auch erste Berührungspunkte haben und dann häufig bei der DAW bleiben. Zumal das Internet voll ist mit Ableton Tutorials für elektronische Musik.

Intuitiver Wokflow für elektronische Musik

Ich empfehle Ableton Live ganz klar für elektronische Musik. Der Workflow erschließt sich schnell und die Möglichkeiten sind auch nach Jahren der Nutzung noch nicht ausgereizt. Die internen Synthesizer und Sampler klingen ebenso wie Abletons Effekte sehr gut, wobei gerade bei Mastering- und Mixing-Aufgaben die Bordmittel von DAWs wie Logic noch einen minimalen klanglichen Vorsprung haben.

Im Endeffekt werden die meisten User früher oder später aber ohnehin noch spezialisierte PlugIns von Drittanbietern nutzen, insofern fällt dieser Punkt nicht so stark ins Gewicht. In Kombination mit der modularen Programmiersoftware Max4Live gibt es zudem noch eine Vielzahl an weiteren Klangerzeugern, MIDI-Tools und Effekten. Oder um es abschließend mal etwas drastischer zu formulieren: Wenn man es mit Ableton nicht schafft Produktionen auf Profi-Niveau zu erstellen, wird es wahrscheinlich auch mit anderen DAWs nicht klappen. Ich empfehle bei Ableton gleich auf die große Version „Suite“ zu gehen, da diese Max4Live und alle Instrumente / Effekte enthält. Auch wenn man vielleicht nicht gleich am Anfang alles nutzt, kommt man doch schneller an den Punkt, mehr zu wollen.

Ein kleiner Tipp: Solltet ihr noch kein Audio-Interface oder MIDI Controller besitzen, guckt mal, ob euer Wunschkandidat Ableton Live Lite im Lieferumfang hat. Ein Upgrade ist günstiger als direkt die Vollversion zu kaufen.

Herstellerseite Ableton

Imageline FL Studio

Als zweiter Platzhirsch hat sich FL Studio für elektronische Musik etabliert. Mittlerweile in der Version 20 angekommen, entstand aus der damals noch Fruity Loops genannten eine umfangreich ausgestattete DAW inklusive Synthesizern, Audio-Aufnahme, Effekten usw.

Auch wenn FL Studio optisch nach wie vor noch stark den Charme der 90er-Jahre versprüht, kann man damit hervorragende Tracks produzieren. Der Workflow orientiert sich hier etwas stärker am Groovebox-Konzept. Wer sich mit Pattern-Programmierung und Arrangement wohl fühlt, wird sich auch bei FL Studio schnell zurechtfinden. Dieses Erbe ist in der Software zwar omnipräsent, lässt sich mittlerweile aber auch gut umschiffen. Wenn man eher auf den Workflow einer klassischen DAW Wert legt, ist das mit FL Studio aber ebenso möglich.

FL Studio gibt es in verschiedenen Versionen, wobei ich für den Start die Producer Edition empfehlen würde. Hierin enthalten ist eine gute Auswahl an Klangerzeugern, Samples und Effekten. Bei dem Preis von rund 240 € erhält man zudem lebenslange Updates.

Zur Webseite von Imageline

Cubase, Logic & Co

Cubase und Logic Pro (nur für Mac) habe ich parallel aufgeführt, da sie stellvertretend für die klassischen DAWs stehen. Dazu gehören auch PreSonus Studio One, Avid Pro Tools oder Cockos Reaper. Im Gegensatz zu Ableton, Bitwig, FL Studio etc. konzentrierten sich klassische DAWs zunächst am Prinzip älterer Studios. Das äußert sich darin, dass man zunächst in einem Arrangement-Fenster arbeitet, das linear von links nach rechts durchläuft. Das gibt es zwar auch bei den anderen DAWs. Dort findet der Erstkontakt meistens aber im Session-Fenster statt, den ich durch den nicht-linearen Zugang für inspirierender halte. Das haben anscheinend auch die Entwickler traditioneller DAWs erkannt. Und so findet sich mittlerweile auch in Logic ein nicht linearer Clip-Launch-Modus wie bei Ableton oder Bitwig.

Natürlich sind die Möglichkeiten immens und die Unterschiede zwischen den DAWs meistens eher in den Details versteckt. Elektronische Musik kann man mit allen DAWs machen. Neben der linearen und nicht linearen Wiedergabe von Clips ist ein weiterer größerer Unterschied, dass meistens nur die klassischen DAWs Noten auch als Partituren ausgeben. Wie relevant das für euch ist, müsst ihr selbst entscheiden.

Audiobearbeitung

Ein weiterer erwähnenswerter Unterschied liegt in der Bearbeitung von Audio-Dateien. Das ist vor allem dann relevant, wenn man viel mit Stems arbeitet oder live mal eben einen Loop importieren möchte. PreSonus punktet hier bei Studio One Professional mit einer Integration der populären Vocal-Bearbeitungssoftware Melodyne essentials. Wenn ihr vorhabt, viel mit Vocals zu arbeiten, wäre dieses wichtige Tool dafür bereits in der DAW enthalten.

Bitwig

Bitwig hatte seinen Ursprung als Projekt ehemaliger Ableton-Entwickler. In Bitwig finden sich viele Ideen, die man im Ableton-Konzept anscheinend nicht vorgesehen hatte. Und so ist es nicht verwunderlich, dass Bitwig anfangs noch sehr stark an Ableton erinnerte, allerdings mit einigen Abweichungen im Detail.

So unterstützt Bitwig die Möglichkeit, mehrere Fenster auf einem Bildschirm darzustellen. Daher kann man hier Session- und Arrangement-Fenster auch gleichzeitig im Blick behalten, was gerade in Verbindung mit einem zweiten Monitor vorteilhaft ist. Zudem unterstützt Bitwig Touchscreens vollständig, sodass man die DAW bequem mit einem Tablet-PC oder einem Touch-fähigen Monitor ohne Mouse bedienen kann.

Im Laufe der Jahre kamen weitere Optimierungen hinzu, wie der fast komplett modulare Aufbau, der spätestens mit „The Grid“ in Version 3 perfektioniert wurde. Das gibt es zwar auch bei Ableton mit Max4Live, bei Bitwig ist diese Modularität aber fest integrierter Bestandteil der Software. Man kann also wie bei einem Modularsystem einzelne Komponenten, seien es Sequencer, Effekte oder Klangerzeuger erstellen und frei miteinander verbinden.

Bitwig ist neben Windows und Mac außerdem kompatibel mit Linux und liegt mit rund 390 € preislich im Mittelfeld.

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Renoise

Einen ganz anderen Ansatz verfolgt Renoise. Diese DAW steht in der Tradition von sogenannten Trackern. Dabei werden Instrumente, Tonhöhe , Velocity und andere Werte pro Step programmiert. Die visuelle Wiedergabe läuft hier nicht von links nach rechts, sondern von oben nach unten.

Das ist zwar ein gutes Unterscheidungsmerkmal zu anderen DAWs, für sich genommen aber noch nichts wirklich besonderes. Am Ende unterscheidet sich schließlich nur die Wiedergabedarstellung. Was den Tracker nun so außergewöhnlich macht, ist die völlig flexible Zuweisung von Samples pro Step. Man kann sich natürlich pro Track auf ein Instrument reduzieren, wie es etwa bei einer Kick spätestens im Mixing-Kontext sinnvoll sein dürfte. Richtig spannend wird es aber, wenn man pro Track komplexe Instrumenten-Arrangements aufbaut und sie nacheinander abfeuert.

In vielen Fällen werden Tracker gerne in der IDM und Breakbeat-Szene genutzt, da man mit einem Tracker extrem schnell und gut Beats neu arrangieren kann. Auch spielt hier das Zufallselement stark mit rein. Wenn man zum Beispiel die Elemente eines vorher zerschnittenen Drumloop mit jedem Step (halb) zufällig neu anordnet, entstehen sehr schnell aufregende Beats, die man beim manuellen Programmieren so nicht umsetzen würde. Gleiches gilt auch für Melodien. Wie bei einem Step Sequencer beschäftigt man sich beim Tracker gerne mal etwas länger mit einzelnen Noten und probiert herum, bis es perfekt passt.

Dieser ungewöhnliche Ansatz mag mitunter etwas fremdartig erscheinen, bringt einen auf der anderen Seite aber auch auf völlig neue Ideen. Renoise führt den Tracker-Gedanken zudem noch weiter und bietet etliche Performance-Möglichkeiten, sodass man damit auch gut auf die Bühne gehen oder entspannt jammen kann. Probiert aber vor dem Kauf auf jeden Fall einmal die Demo-Version aus.

Zur Produktseite Renoise

Reason

Reason verfolgt noch einmal einen ganz anderen Ansatz. Hier befüllt man ein virtuelles Studiorack mit Klangerzeugern, Sequenzern, Mixern und Effektgeräten. Dadurch kann man sich sein Rack frei zusammenstellen und für zukünftige Projekte speichern.

Seit der Version 9.5 ist Reason ebenfalls in der Lage, VSTs zu integrieren. Damit steht es in Sachen Flexibilität den anderen DAWs kaum nach, ist aber durch den etwas anderen Ansatz fur Umsteiger zunächst etwas gewöhnungsbedürftig. Einsteigern dürfte das aber egal sein, da jede DAW eine gewisse Lernphase voraussetzt. Hier könnte Reason sogar Vorteile gegenüber anderen DAWs haben. Durch das etwas geschlossenere Konzept ist die Gefahr nicht so groß, zu schnell den Fokus zu verlieren.

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Zur Webseite Reason Studios Reason

Gleetchlab – Berna

Elektronische Musik ist längst nicht nur auf den Club beschränkt, sondern hat ihren Ursprung vor rund hundert Jahren. In den 50er Jahren des letzten Jahrhunderts wurde über den Globus hinweg intensive Klangforschung betrieben. Damals noch mit dem akademischen Charme eines Messlabors, entstanden dort aufwändige Klanglandschaften.

Für Ambient- und Drone-Künstler, aber auch für alle, die sich für die Historie elektronischer Musik interessieren, hat Gleetchlab diesen Ansatz virtuell umgesetzt. Die Software Berna bietet etliche Oszillatoren, Rauschen, Bandpassfilter, rudimentäre Impulsgeber usw. Zusätzlich gibt es einen Federhall, Bandecho und eine Vierspur-Bandmaschine, um seine Kreationen authentisch festzuhalten.

Berna ist definitiv keine Software, um schnell mal intuitiv ein paar Beats umzusetzen. Trotzdem ist Berna als Exotentipp eine tolle Möglichkeit, die Komfortzone in seinem Studio zu verlassen. Zumal man das virtuelle Experimentalstudio „Berna“ bereits für 12 € bekommt.

Fazit – Die besten DAWs für elektronische Musik

Die beste DAW für elektronische Musik gibt es nicht. In erster Linie muss die Software zu eurem Workflow passen und da hilft es meiner Meinung nach nur, ein paar Proberunden zu drehen. Für den Start würde ich einerseits gucken, was eventuell schon vorhanden ist. Viele Audio-Interfaces und Controller enthalten bereits abgespeckte Intro-Versionen verschiedener DAWs. Sollte das noch nicht vorhanden sein, würde ich mir erst einmal Demo-Versionen zulegen und gucken, ob einem die Software überhaupt zusagt.

Am Anfang sind vor allem so banale Dinge wie Look & Feel, Performance oder schlicht die Kompatibilität mit dem genutzten Betriebssystem entscheidend. Wenn euch also FL Studio mehr zusagt als etwa Cubase, Bitwig euch optisch besser gefällt als Ableton, dann geht erstmal diesen Weg und lernt, die DAW zu nutzen. Das angelernte Wissen ist weitgehend übertragbar, solltet ihr euch einmal doch für eine andere DAW entscheiden. Am wichtigsten ist es aber, dass ihr erstmal Spaß am Musikmachen habt und dadurch am Ball bleibt. Alles andere sind nur Werkzeuge.

Weitere Links

• Die besten MIDI Controller für Ableton Live
• Studiomonitore für Techno, Ambient und House – Welche sind die besten Modelle?
• Die besten MIDI Controller für FL Studio
• Audio-Interfaces für elektronische Musik: Die besten Soundkarten für Techno, Ambient und co
• Studiokopfhörer für elektronische Musik: die besten Kopfhörer für Techno

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Ableton Vocoder Tutorial: Das richtige Ausgangsmaterial

Nahezu ebenso wichtig wie die Qualität des Vocoder-Effekts ist die richtige Auswahl und Vorbereitung des Ausgangsmaterials. Dabei unterscheidet man zwischen Modulator- und Carrier-Signal. Die technischen Hintergründe erspare ich mir in diesem Tutorial.

Der Modulator kann eine Stimme sein, Drums oder jedes andere Audiosignal. Das Carrier-Signal ist das, was vom Vocoder in einzelne Bänder zerlegt werden. Diese Bänder werden dann von dem Modulator, also der Stimme etc., in ihrer Lautstärke gesteuert.

Doch bevor ihr überhaupt mit den Einzelkomponenten beginnt, zieht ihr den Vocoder-Effekt in die Spur, in der die Audiodatei liegt, die ihr bearbeiten wollt.

Modulator vorbereiten

Das Modulatorsignal sollte möglichst homogen sein, bevor es in den Vocoder geleitet wird. Nur so wird garantiert, dass die Sprachverständlichkeit konstant bleibt. Im Gegensatz zu vielen Vocal-Bearbeitungen ist hier also nicht das Ziel, eine (emotionale) Dynamik zu erreichen, sondern vielmehr, das Signal zum einen möglichst stark zu komprimieren. Zum anderen sollten hier bereits Noise Gate und ein Equalizer am Start sein, die das Sprachsignal bestmöglich entschlacken.

Equalizer

Zunächst entfernt ihr ihr alle Frequenzen, die das Ergebnis negativ beeinflussen. Vor allem sind das tieffrequente Ausreißer, die mit ihrer Energie das Signal überlagern. Eventuell lohnt es sich, hier Höhen reinzuziehen, um die Sprachverständlichkeit zusätzlich positiv zu beeinflussen.

Noise Gate

Nach der Bearbeitung durch den Equalizer kommt dann ein (Noise-)Gate mit dem ihr alle verbleibenden Atmer, Hintergrundgeräusche und ähnliches herausfiltert. Geht hier gerne grob zur Sache, denn der anschließende Kompressor muss das Signal stark verdichten.

Kompressor

Damit ihr das Signal stark komprimiert, sollte der Threshold-Wert des Kompressors möglichst niedrig sein. Dieser bestimmt, ab welcher Lautstärke der Kompressor anfängt zu arbeiten. Mit Ratio stellt ihr dann die Intensität der Komprimierung ein. Auch hier empfehle ich, eher hohe Werte zu verwenden, mind. 4:1 oder mehr.

Wie gesagt geht es hier nicht darum, schicke Gesangsaufnahmen zu produzieren, sondern eine gut verdichtete Basis für euren Vocoder vorzubereiten. Bei Attack und Release müsst ihr etwas experimentieren, bis es sitzt. Startet mit geringen Attack- und Release-Zeiten und tastet euch an das Optimum heran. Falls euer Kompressor über automatische A/R-Zeiten verfügt, solltet ihr das einmal probieren.

Ableton Vocoder – Carrier einstellen

In eure Vocalspur zieht ihr nun den Ableton Vocoder. Beim Carrier-Signal könnt ihr nun zwei Wege gehen. Entweder ihr nutzt den internen Carrier des Ableton Vocoder, bei dem besonders PitchTracking und Noise interessante Ergebnisse liefern. Um aber gezielte Melodien und klassische Roboter-Electro-Voices zu erzielen, empfehle ich die Einspeisung eines externen Signals.

Dazu wählt ihr unter Carrier „External“ aus. Anschließend bestimmt ihr mit „Audio From“ die Spur, in die euer Synthesizer oder das Sample liegt, die später die Basis (Carrier) eurer Vocoder-Sounds sein sollen.

Rauschen (unvoiced) kann man optional hinzufügen, was ich besonders dann empfehle, wenn Sprachverständlichkeit im Fokus steht. Denn mit diesem Rauschen werden die Transienten betont, also Explosivlaute wie T, P, S etc. Das unterstützt ihr zusätzlich, indem ihr den Enhance-Taster links oben aktiviert.

Das geeignete Carrier-Signal finden

Beim Carrier, also dem Signal, das am Ende euren Vocoder-Sound ausmacht, gibt es eigentlich kein richtig oder falsch. Je nach Einsatzgebiet – etwa synthetische Vocal-Flächen, prägnante und klar verständliche Stimmen etc. – muss man häufig den Carrier-Sound noch einmal ordentlich anpassen. In erster Linie wird das ein Beschneiden der tiefen Frequenzen und Boosten der Höhen sein; vor allem dann, wenn Sprachverständlichkeit das Ziel ist.

Das kann mitunter dazu führen, dass ein optimales Carriersignal für sich alleine sehr harsch und deplatziert wirkt. Aber genau dieser obertonreiche Sound führt am Ende dazu, dass eure Vocoderspur optimal klingt. In Vintage-Vocodern mit eigener Klangerzeugung findet sich an dieser Stelle daher häufig nur ein obertonreicher Sägezahn-Oszillator oder eine Rechteckschwingung mit variabler Pulsbreite. Letztere macht das Signal aber schon verwaschener und schiebt das Ergebnis in Richtung Vocoder-Pads.

Experimentiert also an dieser Stelle bereits kräftig und übertreibt es auch gerne mit Hilfsmitteln wie Distortion, Bitcrusher, oder extremeren EQ-Einstellungen. Im nächsten Schritt könnt ihr dann mit Absenken und Anheben der einzelnen Bänder im Vocoder euer Signal perfekt an den Mix anpassen.

Vocoder Tutorial: Die Anzahl der Bänder und weitere Parameter

Im Ableton Vocoder habt ihr die Wahl zwischen 4 und 40 Bändern. Grundsätzlich gilt: Je mehr Bänder ihr aktiviert, umso exakter könnt ihr später die einzelnen Frequenzen des Signals bearbeiten. Auch die Sprachverständlichkeit wird besser, je mehr Bänder zur Analyse zur Verfügung stehen.

Neben dem höheren CPU-Verbrauch kann es aber sein, dass ihr einen möglichst authentischen Retro-Sound generieren wollt. In diesem Fall empfehle ich, erstmal mit zwölf Bändern zu starten und das Feld „Precise“ auf „Retro“ umzuschalten.

Abschließend könnt ihr im Fenster noch die Bandbreite begrenzen, sowie die Lautstärke jedes einzelnen Bandes festlegen. Das alleine ist schon ein mächtiges Tool fürs Sounddesign.

Formantverschiebung und der Rest

Damit kommen wir zum letzten Block des Ableton Vocoder Tutorials. Mittels Formant-Regler kann man das Sprachsignal zusätzlich düsterer (tiefer) oder heller gestalten. Wenig überraschend werden damit die Formanten verschoben und mehr gibt es an dieser Stelle auch nicht zusagen, als es einfach auszuprobieren.

Mithilfe der Regler Attack / Release legt ihr das Einschwingverhalten eures Vocodersignals fest. Grundsätzlich kann man sagen, dass von höheren Zeiten eher Pads profitieren, während kurze Attack-und Releasezeiten die typischen Roboterstimmen unterstützen.

Wollt ihr das Originalsignal dazumischen, setzt ihr den Dry/Wet-Regler einfach auf einen Wert, der weniger als 100% beträgt. Soweit sollte das jedem Ableton-User klar sein. Daher hier nur abschließend als Sounddesign-Tipp: Probiert mal, einen Drumloop mit einer Fläche im Vocoder zu füttern und automatisiert dann den Dry-Wet-Regler mittels BPM-synchronem LFO.

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Mehr Schmutz durch Overdrive und co.

Analoger Sound wird gerne mal dadurch definiert, dass er roh und schmutzig klingt. Dass das mit FM-Synthese ähnlich möglich ist, ist kein Geheimnis. Etwas versteckt finden sich im Operator an zwei Stellen jedoch zusätzliche Möglichkeiten, seinen Patches noch einmal ordentlich Schmutz zu verleihen.

Hierbei handelt es sich einerseits um die Sättigungsstufe, die alle Filtermodelle außer „Clean“ mitbringen. Sobald man ein anderes Filtermodell ausgewählt hat, erscheint sie im zentralen Feld, direkt unter der Auswahlbox für Filter. Die Sättigungsstufe klingt ziemlich gut und spielt besonders in Verbindung mit höherer Resonanz ihre .tärken aus-

Andererseits findet sich rechts davon noch ein Shaper, der dem Signal mit verschiedenen Algorithmen auf die Pelle rückt. Hier reicht das Spektrum von subtiler Zerre bis hin zu körniger 4-Bit-Ästhetik.

Eigene Schwingungsformen zeichnen

Jedem dem Filter für subtraktive Synthese hat Ableton dem Operator noch Elemente der additiven Synthese spendiert. Ganz vereinfacht gesagt, erzeugt man bei additiver Synthese Klänge, indem man die gewünschten harmonischen Teiltöne frei zusammenstellt. Natürlich steckt bei einem rein additiven Synth noch einiges mehr unter der Haube, aber als Abgrenzung zur subtraktiven Synthese soll das an dieser Stelle reichen.

Der Operator hat nun genau so ein additives Element an Bord. Es befindet sich im mittleren Fenster und wird durch einen Klick mit dem Stift in die Fläche aktiviert. Egal, welche Schwingungsform hier vorher aktiviert wurde: Mit dem Klick wird automatisch die User-Waveform ausgewählt. In dem Fenster lassen sich nun 16, 32 oder 64 Teiltöne frei in ihrer Lautstärke mischen. Auf diese Weise entstehen neue Schwingungsformen, die man ansonsten nicht im Vorrat des Operators findet. Bearbeitet man diese dann noch mit Shaper, Filter und Frequenzmodulation, eröffnet das eine völlig neue Klangwelt. Um nicht zu schnell in harsche Gefilde abzudriften, ist es ratsam, erstmal mit subtilen Einstellungen zu beginnen. So kann man etwa drei bis vier Teilharmonische langsam hochziehen, um überhaupt zu verstehen, wis sich das auf den Klang auswirkt.

Hüllkurven loopen

Ein Feature, das man für die Produktion elektronischer Musik unbedingt auf dem Schirm haben sollte, sind loopbare Hüllkurven. Wenn der Loop aktiviert ist, wird eine Hüllkurve solange in der Schleife abgespielt, bis der Note-Off-Befehl kommt (die Taste oder das Pad losgelassen wird). Dabei wird nur das Segment von Attack bis Decay wiederholt, denn Release betrifft ja die Phase nach dem Note-Off-Befehl.

Jetzt gibt es in Ableton eine sehr coole Funktion: Man kann innerhalb der Sektion, in der man den Loop aktiviert, bestimmen, auf welche Weise die Hüllkurve geloopt werden soll. „Loop“ startet die Hüllkurve immer dann neu, wenn die Attack- und Decay-Phasen einmal komplett durchlaufen wurden. Da das völlig unabhängig von der BPM des Tracks läuft, eignet sich diese Variante am besten für experimentelle Texturen oder Effektsounds.

Tipp: Sehr geringe „Time“- bzw. Attack- und Decay-Werte sorgen in dieser Variante dafür, dass wir eine weitere Modulationsquelle im hörbaren Bereich haben. Auf diese Weise eröffnen wir uns noch mehr Möglichkeiten für das kreative Sounddesign.

Aber zurück zum eigentlichen Thema: Mit den Modi „Beat“ und „Sync“ lassen sich die Loop-Durchläufe an das Songtempo koppeln. Im Unterschied zu Sync, bei dem auch bei polyphon gespielten Sounds alle Hüllkurven synchronisiert laufen, ermöglicht uns der Modus „Beat“ noch eine interessante Variation: Spielt man zum Beispiel alle Noten eines Akkord nicht hundertprozentig gleichzeitig, kommt auch der Loop der Hüllkurven der einzelnen Stimmen leicht versetzt.

Kombiniert man das zusätzlich mit mehreren Operatoren und unterschiedlichen Taktarten in dem Feld „Repeat“, entstehen komplexe polyrhythmische Strukturen, die selbst über lange Zeiträume hinweg noch spannend bleiben.

LFO Tools für Modulationsorgien nutzen

Manchmal fährt man mit nur einem LFO die interne Klangerzeugung des Operators schnell an ihre Grenzen. Nicht nur, weil ein LFO insgesamt nicht sehr viel ist, sondern auch, weil die vorhandenen Modulationsziele im Operator beschränkt sind. Eine gute Abhilfe schaffen MIDI-LFOs, die es für Max4Live in mehreren Varianten gibt.

Hiermit ist es möglich, sich beliebige Parameter in Operator auszusuchen und sie dem LFO zuzuweisen. So kann man dann selbst die Operatoren-Verschaltung, Feedback oder die Schwingungsform der Operatoren modulieren. Empfehlenswerte MIDI-LFOs sind LFO, enthalten in den Max for Live Essentials, sowie der komplexere LFO 2.0 von Robert Henke.

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Template(s) einrichten

Ich beginne dieses Ableton Live Tutorial gleich mit einem unheimlich unspektakulären Tipp, der euch im Endeffekt aber sehr viel Zeit sparen wird: Nutzt die Möglichkeit, ein eigenes Template anzulegen.

Das Template enthält alle Klangerzeuger, Effekt-PlugIns und Kanäle für externe Instrumente, die ihr regelmäßig benötigt. Zusätzlich empfehle ich, eine gewisse Anzahl an Audiokanäle hinzuzufügen für Loops, externe Audiotracks oder resamplete Phrasen. Reduziert euch dabei auf das, was ihr wirklich einsetzt. Ansonsten wird euer Template schnell zu einem Monster aufgeblasen, das viel mehr Ressourcen verschlingt, als ihr eigentlich benötigt.

Ist alles nach eurem Geschmack enthalten, speichert ihr das Template, indem ihr auf Einstellungen (Preferences) geht und hier dann den vierten Reiter „File / Folder“ auswählt. Mit einem Klick auf „Save“ in der ersten Zeile habt ihr euer Template eingerichtet. Ableton Live startet nun jedes Mal mit euren Konfigurationen.

Wenn ihr wie ich regelmäßig verschiedene Templates benötigt, ergibt es sogar Sinn, für jeden Einsatzgebiet ein eigenes Template zu haben. Eins wäre dann zum Beispiel zum Produzieren im Studio, ein weiteres für Live-Auftritte und ein drittes letztlich zum Sampling oder Sound Design. Jedes dieser drei Sets hat andere PlugIns in den Kanälen, eine andere Kanalanzahl usw. So versuche ich meine Live-Sets um maximal 16 Kanäle herum aufzubauen, während Studioproduktionen schnell mal über 50 Spuren haben.

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Neben dem Template-Hinweis vielleicht der zweitbanalste Tipp in dieser Sammlung. Aber für jemanden, der den ganzen Tag vorm Rechner sitzt dann doch eine Offenbarung. Ich habe jedenfalls sehr lange gebraucht um herauszufinden, ob das möglich ist und im Endeffekt hat es meine Arbeit mit Ableton echt angenehmer gestaltet.

Innerhalb von Ableton gibt es etwas vergraben in den Voreinstellungen unter „Look / Feel“ die Option Bildschirm-Zoom. Hiermit vergrößert oder verkleinert ihr die Anzeige sämtlicher Schriften und Elemente innerhalb von Ableton Live. Wenn ihr über exzellente Augen verfügt, könnt ihr diesen Tipp auch umgekehrt nutzen und die Bedienelemente verkleinern. Dadurch finden mehr Informationen auf dem Screen Platz, was sicherlich auch viele Vorteile mit sich bringt.

Clip Launch Modi in Ableton Live

Clip Launch Modes sind eines der ältesten Features in Ableton Live und wahrscheinlich eines der Features, die am wenigsten Beachtung finden. Dabei kann man mit dem Clip Launch Modus einige spannende Sachen anstellen. Kurz erklärt ermöglicht diese Funktion das Abfeuern und Wechseln zwischen mehreren Clips in einer Spur. Clip Launch Modi eignen sich damit nicht nur für Live-Anwendungen ziemlich gut, sondern können auch zu völlig neuen Rhythmen und Melodien führen, auf die man normalerweise nicht gekommen wäre.

Die Regeln, wann das passiert und wie häufig der neu angewählte Clip sich wiederholen soll, kann man unter dem Reiter „Launch“ einstellen. Für eine detaillierte Beschreibung aller Funktionen verweise ich an dieser Stelle auf die gute Beschreibung der verschiedenen Clip Launch Modi auf der Seite von Ableton.

Als Startexperiment empfehle ich, im Session-Fenster drei Audiosamples in eine Spur zu ziehen. Jetzt markiert ihr alle drei und klickt auf das kleine „L“ unten links in der Clip-Ansicht. Der Rest bleibt erstmal unverändert, nur unter Follow Action im unteren Teil ändert ihr das linke weiße Feld mit dem kleinen Pfeil um in „Next“. Jetzt sollten alle drei Clips nach einem Takt auf den nächsten Clip wechseln und am Ende wieder von vorne anfangen. Das ist eure Basis von der aus ihr nun wild mit den anderen Parametern unter Follow Action probieren könnt.

Tipp: Nehmt denselben Loop und kopiert ihn 5-10 mal in die Spur. Jetzt wählt ihr für alle „Next“ und direkt daneben „Any“ aus. Dadurch werden die einzelnen Loops zufällig wiederholt. Soweit ist das noch nichts besonderes. Wenn ihr nun aber für die Länge des Loops und die Startzeiten jeweils andere Werte nehmt, entstehen sehr interessante Breakbeats, die ihr wiederum resamplen könnt.

Effektwege heißer anfahren

Immer wieder kommt es vor, dass man beim Nutzen von Effekten über den Aux-Weg den Send ziemlich weit aufreißen muss, um den Effekt überhaupt zu hören. Dadurch ist eine Feindosierung nur schwer möglich.

Dieses Problem lässt sich glücklicherweise ganz leicht umgehen, indem man am Anfang der Effektkette eines Effekt-Sends ein Utility-Plugin einschleift. Bei diesem zieht ihr anschließend einfach den Gain auf + 10-18 dB hoch. Das hat nämlich zur Folge, dass schon bei geringeren Send-Einstellungen viel mehr Signalstärke in der Effektkette landet, also auch schneller hörbar ist.

Utility PlugIn

Bleiben wir gleich beim Utility-Modul. Gerade Einsteiger übersehen dieses Werkzeug in Ableton gerne. Dabei ist es ein sehr nützliches Schweizer Taschenmesser, das einem viel Arbeit erspart. Zum einen ist es die Möglichkeit, Bass-Frequenzen in einer Spur mono auszugeben und gleichzeitig die Stereobreite für Mitten und Höhen frei zu bestimmen.

Zum anderen sollte es immer dann herangezogen werden, wenn man Lautstärke-automationen im Mix-Down oder Arrangement umsetzt. Viele nutzen hierfür einfach den Kanal-Fader, was solange gut funktioniert, bis man im Mix schließlich merkt, dass die ganze Spur noch zu leise ist. Jetzt könnte man die Automationskurve händisch anpassen, oder einfach nachträglich das Utility-Modul in den Kanal ziehen. Mit diesem lassen sich schnell die fehlenden dB hinzufügen.

Noch besser ist es allerdings, wenn man von vornherein die Lautstärke-Automation mit dem Utility-Modul von Ableton macht. Statt der Channel-Lautstärke nimmt man also den Gain-Regler des PlugIns und automatisiert darüber den Pegel. Der Regler für die Kanallautstärke bleibt somit frei für Anpassungen im Mixdown, ohne dass Automationen dazwischen schießen.

Default Audio und MIDI Tracks

Ähnlich wie das Default-Live-Template kann man auch MIDI- und Audiotracks als Vorlagen speichern. In meinen Audiotracks finden sich meistens EQ, Kompressor und ein Utility-Modul. Warum sollte ich mir die Arbeit machen, die drei PlugIns jedesmal aufs Neue hineinzuziehen?

Viel praktischer ist es doch, sich einmal einen typisch genutzten Channel-Strip, inklusive einiger Grundeinstellungen bei den PlugIns, zurechtzulegen. Diesen Track kann man sich dann mit allen geladenen PlugIns und deren Einstellungen als Vorlage abspeichern. Dazu klickt man einfach rechts in den Kanal. In dem aufpoppenden Dialog ganz unten wählt man dann „Save Default Audio (oder MIDI) Track“ aus. Immer dann, wenn ihr einen neuen Audio-Track (CMD+T) oder MIDI-Track (CMD+Shift+T) auswählt, findet sich darin eure komplette Effektkonfiguration.

Wenn euch dieses kurze Ableton Live Tutorial geholfen hat, schaut euch auch mal den Artikel Kick und Bass abmischen an.

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