Im Gegensatz zu anderen Lösungen soll diese hier unkomprimiert sein. Damit das gelingt, kommt mit RealSound eine eigene Technologie zum Einsatz. Ob der knapp 600 € teure Kopfhörer die hohen Erwartungen erfüllt, erfahrt ihr im Lewitt LW6 Test.

LEWITT LW6 in Kürze

• Geschlossener Referenzkopfhörer mit verschiedenen Betriebsmodi: Kabellos (losless), Bluetooth, Analog, Digital über USB-C
• 358 g Gewicht, Memory Foam Ohrpolster
• Frequenzgang 20-20000 Hz und ausgewogener Klang
• Interner DSP speichert EQ-Profile
• Lautstärkeregler und zuweisbare Taster am Kopfhörer

LEWITT LW6: Warum ist dieses Wireless jetzt anders?

Kabellose (Studio-)Kopfhörer gibt es schon länger, allerdings musste man hier entweder Kompromisse beim Sound oder der Latenz eingehen. Der entscheidende Punkt beim LW6 ist die Trennung zwischen Bluetooth, analog und der eigentlichen Studio-Funkverbindung: Für den mobilen Einsatz gibt es Bluetooth 5.3 und die klassische Kabelübertragung der Audiosignale, im Studio kommt dagegen LEWITTs neu entwickeltes „RealSound“ zum Einsatz.

RealSound arbeitet im Ultrabreitbandbereich und überträgt unkomprimiertes PCM-Audio. LEWITT gibt für die Funkstrecke eine Latenz von 5,8 Millisekunden an, wodurch sich der LW6 auch fürs Monitoring beim Recording und Einspielen eignet.

Gerade beim Recording ist das interessant: Wer während einer Aufnahme nicht an das Kopfhörerkabel gebunden sein möchte, kann sich innerhalb der (Sicht-)Reichweite frei bewegen und bekommt das Monitorsignal trotzdem ohne relevante Verzögerung übertragen.

Die Reichweite liegt laut LEWITT bei bis zu fünf Metern. Hindernisse und die Position des Transmitters können die Funkverbindung allerdings negativ beeinflussen, was ich hier anhand einer Stahlbeton-Säule im Raum bestätigen kann.

LEWITT LW6 – umfangreicher Lieferumfang

Erste positive Überraschung war der Lieferumfang. Denn neben dem LW6 und dem LW TX RealSound Transmitter fanden sich neben zwei USB-C-Kabeln (1,5 m und 3 m), zwei 3,5-mm-TRS-Kabel, zwei Klinken-Adapter, ein USB-C-auf-USB-A-Adapter, ein Gewindeadapter für den Transmitter, sowie eine Transporttasche.

Vermisst habe ich Ersatzohrpolster, wie es bei einigen anderen Herstellern der Fall ist. Da man die Polster recht einfach abnehmen kann, hätte ich mich über eine Velours-Alternative gefreut. Das Material finde ich im Dauereinsatz deutlich angenehmer, aber möglicherweise wird das bald separat angeboten.

LEWITT LW-6: Tragekomfort

Womit wir direkt beim nächsten Punkt sind, dem Tragekomfort. Der LW6 ist ein geschlossener Over-Ear-Kopfhörer mit 40-mm-Treibern. Die Ohrpolster sind aus Memory-Foam, überzogen mit einer Kunststoffoberfläche. Für heiße Sommer wäre hier die eben erwähnte Velours-Alternative praktisch. Das unauffällige Kopfband ist angenehm zu tragen und lässt sich in Stufen schnell an die Kopfform anpassen. Auch an größere Köpfe.

Im Praxiseinsatz sitzt der Kopfhörer angenehm mit einem moderaten Anpressdruck. Die weichen Memory-Foam-Polster verteilen den Druck grundsätzlich gut, wenngleich die Situation mit Brille etwas differenzierter zu betrachten ist. Die Polster drücken zwangsläufig leicht auf die Bügel, was nach längerer Tragedauer spürbar wird. Auch das Gewicht von 358 Gramm macht sich bei längerer Tragedauer bemerkbar.

Als Akkulaufzeit gibt LEWITT bis zu 21 Stunden an, sicherlich abhängig vom Betriebsmodus und der Lautstärke. Eine Schnellladung von knapp 15 Minuten soll zusätzliche drei Stunden Wiedergabe ermöglichen.

Verschiedene Wiedergabemodi: Analog, Digital, Bluetooth, Realsound

Der LW6 deckt mehrere typische Szenarien ab: RealSound für kabelloses Studio-Monitoring, USB-C für die direkte digitale Verbindung, analog für klassische Setups und Bluetooth für den mobilen Einsatz.

RealSound – Wireless mit minimaler Latenz

Der LW6 lässt sich auf mehrere Arten betreiben: Für den kabellosen Studioeinsatz dient der LW TX Transmitter. Wird der Transmitter per USB-C mit dem Computer verbunden, kann er dort direkt als Audioausgabegerät ausgewählt werden.

Alternativ lässt sich der Transmitter über USB-C mit Strom versorgen und an den Kopfhörerausgang eines Audio-Interfaces oder einer anderen Audioquelle anschließen. Tatsächlich war das in meinem Fall die häufigste Anwendung.

Die Übertragung vom Transmitter zum Kopfhörer erfolgt lossless mit einer Latenz von unter 6ms. Für diesen Test habe ich direkt den Härtefall ausgepackt: Seit einiger Zeit übe ich mit der App Melodics Finger Drumming. Wenn das Audiosignal hier nicht direkt kommt, kann man die Übungssession knicken. Zwar wäre die Audioübertragung hier nicht ganz so kritisch, das direkte Feedback kam aber ähnlich schnell, wie ich es sonst kenne. Direkt an der DAW dann das gleiche Spiel und auch hier war der Sound direkt da.

Nun muss ich zugeben, dass ich im klassischen Studiobetrieb den LW6 dennoch meistens ganz klassisch per Kabel betrieben habe – wahrscheinlich aus Gewohnheit. Wenn ich aber ohne Rechner produzierte, kam der LW TX Transmitter oft zum Einsatz. Denn sich komplett frei im Maschinenpark zu bewegen ohne hängende Kabel an den Armlehnen, ist schon ein berfreiendes Gefühl. Und das Ganze mit geringer Latenz und gutem Sound.

Übrigens: Falls ihr Gäste im Studio habt, könnt ihr über den analogen Ausgang des Transmitters noch einen weiteren Kopfhörer anschließen, um dasselbe Monitoring-Signal zu teilen.

Per USB-C-Übertragung …

Der LW6 selbst lässt sich auch direkt per USB-C betreiben. In diesem Szenario werden unkomprimiertes PCM-Audio, ASIO und Abtastraten von 44,1, 48 und 96 kHz bei 24 Bit unterstützt. Alternativ steht ein klassischer analoger 3,5-mm-Eingang zur Verfügung.

… und per Bluetooth 5.3 mit SBC und AAC

Falls ihr euch traut, könnt ihr den LEWITT LW6 auch unterwegs einfach zum Musikhören mitnehmen. Mir wäre es zwar etwas zu riskant mich mit einem 600 € Gerät draußen von der Umwelt abzuschotten, aber wer will… Nur bei stömenden Regen würde ich das Teil eher in der Tasche lassen.

Der Sound des LW6 in der Praxis

Und damit kommen wir zum wichtigsten Kriterium bei einem Studiokopfhörer: Dem Klang. Anders als bei den meisten Consumer-Kopfhörern muss dieser möglichst neutral sein, damit man seinen Mix gut beurteilen kann. Eine Akzentuierung von Bass oder Höhen sind da kontraproduktiv. Und diesem Anspruch wird der LW6 durchaus gerecht.

Ich empfinde den Sound als ausgewogen, ohne spitze Höhen und mit definiertem Bassbereich. Die Bühne kam mir allerdings etwas kompakt vor. Das kann auch mit der geschlossenen Bauweise zusammenhängen, die konstruktionsbedingt häufig einen etwas weniger offenen Raumeindruck vermittelt. Trotz der eher kompakten Bühne bieten die LW6 aber eine ausreichende Stereobreite und eine nachvollziehbare Tiefenstaffelung.

Die geschlossene Bauweise des LW6 reduziert den nach außen dringenden Schall ausreichend. Das ist vor allem bei Aufnahmen hilfreich, weil weniger Schall vom Kopfhörer ins Mikrofon gelangen kann.

Parallel ist man weniger Ablenkungen von außen ausgesetzt, allerdings empfinde ich geschlossene Kopfhörer im stundenlangen Einsatz gerne auch etwas anstrengender als die offenen Vertreter. Aber dafür gibt es ja Pausen.

Fürs abschließende Mastering würde ich den LW6 dennoch nicht als alleinige Abhöre verwenden. Denn gerade bei Entscheidungen über Räumlichkeit, Stereoabbildung und Tiefenstaffelung ist ein Gegencheck über eine zweite Abhöre sinnvoll. Falls das vorübergehend nicht möglich ist, könnten die zusätzlichen DSP-Funktionen und die im Lieferumfang enthaltene Space Replicator Essential App dabei helfen, verschiedene Hörsituationen und Kontrollmöglichkeiten abzubilden.

DSP und EQ: Was kann die Software?

Mit der LEWITT HEADPHONES App kann man den Sound mit einem vollparametrischen 5-Band-EQ individuell anpassen und direkt auf dem Kopfhörer speichern. Insgesamt bis zu drei Custom-EQ-Profile können im LW6 hinterlegt werden. Dank des DSP-Chips muss nach erfolgter Konfiguration also auch keine Software im Hintergrund laufen.

Neben dem EQ stehen weitere sinnvolle Monitoring-Funktionen zur Verfügung. Dazu gehören Mono, Left/Right Swap, Side Mono, Side Stereo, Zielpegel und Loudness Guard. Mit letzterem wird ein Schwellenwert für den Lautstärkeschutz definiert.

Frei belegbare Tasten

Neben dem Lautstärkeregler, Tastern für die Wahl des Betriebsmodus und der Wiedergabetaste, verfügt der LW6 verfügt außerdem über zwei frei belegbare Tasten. Über die mitgelieferte LEWITT Headphones Software lassen sich ihnen verschiedene Funktionen zuweisen. Das ist praktisch, um schnell einen Mono-Check oder andere Monitoring-Funktion direkt am Kopfhörer aufzurufen.

Alternativen zum LEWITT LW6

Im rein analogen Betriebsmodus gibt es etliche Alternativen, wenn die Hauptanwendung aber im kabellosen Betrieb liegt, ist der stärkste Mitbewerber wohl AiAiAi mit dem TMA-2 Studio Wireless. Von der Ausstattung her sind sich beide Modelle recht ähnlich: Auch der geschlossene TMA-2 Studio Wireless kommt mit einer Sendeeinheit, Memory-Foam-Ohrpolster, und einer App zur Klanganpassung. Die Details machen dann aber den Unterschied.

AiAiAi gibt für ihren TMA-2 Wireless eine minimale Latenz von unter 10 ms an. Das ist für die meisten Anwendungen ausreichend, liegt aber noch einmal gute 4 ms über den Werten des LW6 – und das kann in der Praxis dann doch zu viel sein.

Auch ist die Audioübertragung beim AiAiAi nicht lossless, sondern auf 320 kbps, 48 kHz und 24-bit begrenzt. Dafür liegt der TMA-2 Kopfhörer preislich bei der Hälfte. Wenn ihr also nur gelegentlich mal kabellos produzieren wollt, könnte der TMA-2 Studio Wireless für euch ausreichen. Falls ihr hingegen dauerhaft im kabellosen Betrieb arbeitet und keine Kompromisse beim Klang eingehen wollt, seid ihr mit der lossless-Übertragung des LW6 auf der sicheren Seite.

LEWITT LW6 Test – Fazit

Derzeit ist der LEWITT LW6 mit seiner unkomprimierten PCM-Audio Übertragung und sehr geringen Latenz eigentlich alternativlos – wenn man genau dieses Feature möchte. Gerade beim Jammen oder bei Aufnahmen ist das ein realer Vorteil. Wenn man hingegen ohnehin die meiste Zeit am Abhörplatz sitzt, muss es nicht zwingend kabellos sein.

Aber auch hier schlägt sich der Kopfhörer mit seinem ausgewogenen Sound gut, wenngleich ich offene Studiokopfhörer im Dauereinsatz beim Mixing vorziehe. Da diese aber bei Mikrofonaufnahmen kaum nutzbar sind, versteht man, warum sich LEWITT beim LW6-Konzept für eine geschlossene Bauweise entschieden hat.

Auch bei den Anschlüssen zeigt sich der LEWITT LW6 flexibel: RealSound, USB-C, analoger Eingang und Bluetooth 5.3 decken praktisch alle relevanten Einsatzbereiche ab.

Hinzu kommt eine umfangreiche DSP-Ausstattung: 5-Band-EQ mit eigenen EQ-Profilen, sinnvolle Monitoring-Tools und frei belegbare Tasten. Durch dieses Gesamtpaket wird der LW6 zu einem umfangreichen Studiotool, das weit über den Einsatz als reines Wiedergabegerät hinausgeht.

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Wer gerne unterwegs produzieren möchte, oder einfach mal auf dem Balkon jammen, ohne gleich meterweise Kabel zu verlegen, kann mittlerweile auf eine Auswahl an Powerbanks für Synthesizer und Batterien zurückgreifen. Zwar eignen sich die meisten Modelle grundsätzlich, allerdings unterscheiden sie sich für die professionelle Anwendung dann doch im Detail. Manchmal erfordert ein Synth oder eine Groovebox eine Spannung, die über den mittlerweile verbreiteten 5V-USB-Standard hinausgeht. Aber auch hierfür gibt es mittlerweile Lösungen, die dieser Artikel vorstellt.

Grundsätzlich: Was sollte eine Powerbank für Synthesizer leisten?

Bevor ich ein paar Modelle vorstelle, die ich hier auf Praxistauglichkeit geprüft habe, noch ein paar Worte, worauf man bei einer Powerbank für Synths achten sollte.

• Ausreichend Ausgangsspannung
• Hohe Ladekapazität
• Verschiedene Anschlussmöglichkeiten
• Geringes Gewicht
• Stabile Spannungsversorgung ohne Unterbrechungen

Ausreichend Ausgangsspannung

Viele Synthesizer unterstützen mittlerweile einen Betrieb über USB. Bei diesen Modellen müsst ihr euch keine großen Gedanken über die Ausgangsspannung eurer Powerbank machen. So könnt ihr euch direkt auf Ladekapazität oder Anschlüssmöglichkeiten fokussieren.

Will man aber Synthesizer mit 9V, 12V etc. an einer Powerbank betreiben, sieht die Sache schon etwas komplizierter aus. Auch hier gibt es dedizierte Akkus und mobile Spannungsversorgungen. Häufig sind diese aber recht klobig und konterkarieren den Gedanken an ein mobiles Setup. Mit entsprechendem Zubehör wie USB-Spannungswandlern kann man diese Synths aber ebenfalls an eine Powerbank anschließen.

Hier müsst ihr akribisch darauf achten, dass euer Adapter a) die richtige Größe der Steckverbindung hat und b) die korrekte Polarität auweist. In vielen Fällen dürfte das ein 12 V (Polarität: + innen) Spannungswandler wie die Ripcord-Modelle von myVolts sein. Dieses unterstützt zumb Beispiel Novation Circuit Mono Station, Behringer Crave, Elektron Digitone / Digitakt und vieles mehr. Aber noch einmal: Verlasst euch nicht auf diese Aussage, sondern überprüft erst einmal ganz genau, was auf dem Netzteil eures jeweiligen Synths steht.

Hohe Ladekapazität

Die Kapazität gibt an, wie viel Leistungsreserve die Powerbank für Synthesizer zur Verfügung stellt. Mit anderen Worten: Je mehr Ladekapazität die Powerbank hat, umso länger könnt ihr eure Synthesizer damit betreiben. Gleichzeitig dauert es in der Regel länger, bis eine leere Powerbank mit viel Ladekapazität wieder vollständig aufgeladen ist.

Verschiedene Anschlussmöglichkeiten

Wollt ihr mehr als einen Synthesizer mit der Powerbank betreiben, solltet ihr neben ausreichender Ladekapazität auch darauf achten, dass die Powerbank verschiedene Anschlussmöglichkeiten bietet. Zwar könnt ihr mit entsprechenden Adaptern viel kompensieren. Allerdings holt ihr euch damit gleichzeitig mehr Gewicht und mögliche Fehlerquellen ins Haus. Oder ihr habt schlicht das Risiko, die kleinen Adapter nicht zu finden, wenn ihr sie benötigt. Je mehr also direkt vorhanden ist, umso besser.

Bei einem Setup, das rein auf USB-Anschlüssen basiert, müsst ihr eigentlich nur auf die Anzahl achten (mindestens zwei, damit ihr auch eine kleine Reserve habt). Idealerweise ist der Ladeanschluss USB-C, da ihr diesen dann umgekehrt auch zur Spannungsversorgung eurer Synths nutzen könnt. Zukünftige und aktuelle Synths wie Roland S-1, SH4D oder die Polyend-Plus-Serie haben ebenfalls eine USB-C-Schnittstelle: hier könnt ihr euch also einen Adapter sparen.

Möchtet ihr zusätzlich noch Effektpedale oder Synthesizer mit 9V oder 12 V an der Powerbank betreiben, benötigt ihr entweder wieder Adapter wie der Spannungswandler von myVolts (s.u.). Oder ihr setzt gleich auf eine Hybridlösung, die neben USB-Anschlüssen auch Anschlüsse für 9V etc. Geräte bieten.

Geringes Gewicht

Möglicherweise ist das nicht unbedingt ein Faktor für euch, aber wenn eine Lösung wirklich mobil sein soll, ist zu großes Gewicht ein Ausschlusskriterium. Die Batpack-Serie von Palmer ist total solide und liefert neben dem USB-Out mit 9V-Ausgängen auch ordentlich Power für andere Gerätegattungen. Im Handgepäck ist die Powerbank dann aber auch ein ganz schöner Klotz, den man mit sich herumschleppt. Dann lieber eine kompakte Variante, die sich mit entsprechenden Adaptern auch auf andere Spannungen anpassen lässt.

Stabile Spannungsversorgung ohne Unterbrechungen

Bis ich mir eine (bzw. zwei) Powerbank für den mobilen Betrieb meines Polyend Play+ zugelegt hatte, wusste ich nicht einmal, dass eine unterbrechungsfreie Spannungsversorung überhaupt ein Thema sein kann. Jedenfalls schaltete sich direkt nach dem Hochfahren der Groovebox diese sofort wieder aus. Zunächst dachte ich ein Montagsgerät bekommen zu haben, doch auch die Ersatz-Powerbank litt unter dem plötzlichen Spannungsabfall.

Mit einer anderen Powerbank ging der Betrieb mit dem Polyend Play+ dann problemlos und ich konnte die Ursache klar auf die Modellreihe zurückführen. Kurioserweise unterschied sich die problematische Variante nicht großartig von der funktionierenden Variante: 10500 mAh, 22.5 W im Gegensatz zu der geringfügig schwächeren Lösung mit 10000 mAh und 22.5 W. Und um die Sache noch verwirrender zu machen: Beide Powerbanks kamen vom gleichen Vertrieb (INIU).

Hier kann ich also nur raten, es selbst auszuprobieren, oder gleich die Variante zu bestellen, die bei mir mit verschiedenen Geräten erfolgreich getestet wurde (s.u. bei Empfehlungen)

Das Test-Setup

Eigentlich ist das hier kein klassischer Vergleichstest, sondern vielmehr aus der Praxis geboren. Denn bei vielen Sounddesign-Projekten wollte ich nicht stationär gebunden sein. Angefangen hatte die Suche nach einer mobilen Spannungsversorgung für die MPC One und ging dann über verschiedene Instrumente bis zuletzt der neuen Polyend Play+ und Tracker+ Modelle.

Und am Anfang hatte ich schlicht Glück, weil ich anscheinend durch Zufall gleich auf ein richtiges Pferd gesetzt hatte. Denn als es bei einem später angeschafften Akkupack ständig zu Spannungsaussetzern kam, merkte ich, dass es durchaus gravierende Unterschiede gibt. Ein Montagsmodell kann ich dabei ausschließen, denn ich hatte mir ein Ersatzgerät des gleichen Typs besorgt.

Damit ihr nicht in die gleiche Falle tappt, bekommt ihr jetzt Empfehlungen, die sich in der Praxis bewährt haben.

Powerbank für Synths: Empfehlungen

Falls ihr vorhabt, lediglich Geräte mit USB-Spannungsversorgung zu betreiben, reichen häufig die typischen Powerbanks aus dem Computer-Fachhandel. Kapazität und Ladegeschwindigkeiten sind hier ein Faktor. Vor allem aber auch die kontinuierliche Spannungsversorgung, damit euch nicht mitten in der Produktion plötzlich ein Ausfall die Arbeit vernichtet.

Gute Erfahrung habe ich hier mit dem Modell „INIU Power Bank 22.5W, 10000 mAh“ gemacht, die über mehrere Stunden an Polyend-Grooveboxen hingen. Gleichzeitig ist diese Powerbank mit rund 25 € noch relativ günstig. Falls ihr vorhabt, auch 9- oder 12 Volt-Geräte mit dieser Powerbank zu betreiben, solltet ihr noch Zubehör wie Ripcord Spannungswandler einplanen.

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Falls ihr euch Adapterkabel sparen wollt oder viele direkte Anschlussmöglichkeiten bevorzugt, wird die Auswahl zwar bedeutend kleiner. Dennoch gibt es auch hier sehr gute Lösungen. Spezialisiertes Zubehör wie die Harley Benton PowerPlant Powerbank liefern neben dem 5V USB-Anschluss auch 9Volt-Ausgänge für Gitarrenpedale. Soll damit auch ein Synth betrieben werden, müsst ihr auch auf die Polarität achten.

Den Anschluss-Overkill bei Powerbänken liefert schließlich das Joyo JP-05 Power Bank Supply 5. Das Modell von Joyo liefert an einem Ausgang variabel 9, 12 und 18 Volt, hinzu kommt ein 5V-USB-Ausgang, sowie sieben 9V-Ausgänge für Gitarreneffektpedale. Auch hier müsst ihr jedoch wieder auf die Polarität eurer Geräte achten. Wollt ihr das Joyo etwa mit Elektron-Geräten betreiben müsst ihr noch einen (oder mehrere) Polaritätswechsler in der korrekten Größe einplanen.

Auch bei Akkus sollte man nicht sparen

Bietet euer Synthesizer optional Batteriebetrieb an, ist das natürlich auch eine Möglichkeit, mobil Musik zu produzieren. Und viele Synths wie z.B. der Roland SH-4d oder der Teenage Engineering PO-133 K.O. II lassen sich gleichermaßen über USB via Powerbank, oder mit Batterien betreiben. Andere wiederum wie der Sonicware Lofi-12 XT oder die LIVEN-Modelle haben nur ein Batteriefach neben dem Netzbetrieb, oder werden sogar komplett ohne Netzteil ausgeliefert.

In diesem Bereich habe ich viel zu viele Akkuvarianten durch: von günstigen NoName-Artikeln bis hin zu „Spitzenmodellen“ aus der Drogerie. Bisher konnte mich allerdings wirklich nur die eneloop-Pro-Serie von Panasonic voll überzeugen. Die AA-Batterien zeichnen sich durch lange Laufzeit aus und sollen ihre volle Leistung bis zu 500 Ladezyklen lang garantieren. Bei Sonicware -Synths fiel mir z.B. auf, dass ich mit diesen Akkus insgesamt 5 Stunden (30 % länger) arbeiten konnte. Und das im im Vergleich zu den ebenfalls nicht schlechten Akkus Varta AA 2600 mAh NiMH.

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Ladestation für Akkus

Wer sich gute Akkus zulegt, sollte auch bei der Ladestation nicht sparen. Features wie intelligentes Laden etc. sorgen dafür, dass ihr schnell wieder einsatzbereit seid und Akkus länger betreiben könnt. Zusätzlich solltet ihr darauf achten, dass die Ladestation mehrere Akkutypen laden kann, also neben den weit verbreiteten AA-Batterien auch AAA unterstützt, und vielleicht sogar USB-Buchsen zum Laden von Smartphones oder internen Akkupacks wie beim Roland S-1 mitbringt.

Nützlich ist zudem eine Ladeanzeige. So habt ihr direkt im Blick, welche Akkus wann wieder einsatzbereit sind. Ein Farbdisplay ist für die meisten Anwendungen eher ein nettes Gimmick und treibt den Preis nur unnötig in die Höhe.

Das VARTA Akku-Ladegerät LCD Plug-Charger kann bis zu vier AA oder AAA Akkus separat voneinander laden. Zusätzlich besteht die Möglichkeit auch einen 9V Akkublock aufzuladen oder mit dem USB-Ladeanschluss weitere Peripherie zu versorgen.

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Das Ansmann Powerline 8 hat Ladekapazität für bis zu acht AA oder AAA Batterien und eine Anschlusstelle für USB-Geräte. LEDs auf der Oberseite geben den Ladestatus an und smarte Funktionen wie automatische Abschaltung, Temperaturüberwachung, Entladung und Prüfung auf Defekte erweisen sich im Alltag als nützlich.

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Powerbank für Synthesizer: Worauf sollte man noch achten?

Im Betrieb solltet ihr vermeiden, dass Lithium-Ionen-Akkus – was wohl für die meisten Powerbanks zutrifft – nicht über 35 Grad warm werden. Starke Hitze wirkt sich negativ auf die Kapazität der Powerbank aus. In der prallen Sommersonne Musik machen und die Powerbank offen ins Gras zu legen, ist also keine gute Idee.

Ebenso ist es natürlich nicht so schlau, die Powerbank herumzuwerfen oder fallen zu lassen. Wird die Powerbank längere Zeit nicht genutzt, solltet ihr vor dem Wegpacken sicherstellen, dass sie über die Hälfte geladen ist. So vermeidet ihr eine Tiefenentladung oder unnötigen Stress für die Zellen, weil die Powerbank zu stark aufgeladen ist.

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Das Musikmachen am Rechner ist für die meisten Producer Standard und viele Einsteiger machen so ihre ersten Erfahrungen. Wenn man allerdings auf den Rechner verzichten möchte, oder einfach nach neuen Wegen bei der Erstellung von Tracks sucht, können Hardware Sequencer eine praktische Alternative sein. Worauf man dabei achten sollte und welches die derzeit besten Hardware Sequencer sind, zeigt dieser Artikel.

Hardware Sequencer: Worauf sollte man grundsätzlich achten?

Wenn ihr ganz am Anfang der Suche seid, solltet ihr euch vor allem folgende fünf Fragen Stellen:

• Anzahl der Tracks: Wie viele Spuren brauche ich?
• Patternlänge: Wie lange muss ein Pattern mindestens sein?
• Anschlüsse: Wie viel Geräte möchte ich mit dem Hardware Sequencer ansteuern?
• Modulations-Tracks: Benötige ich Werkzeuge zur Automation?
• Matrix-Sequencer vs Step-Sequencer: Welches Konzept liegt mir mehr?

Matrix-Sequencer vs klassische Step-Sequencer

Ein Step-Sequencer ist ein lineares System, bei dem Noten (oder Ereignisse) Schritt für Schritt eingegeben werden, normalerweise in einer einzigen Reihe oder Spur. Jeder Schritt entspricht meist einer rhythmischen Unterteilung (z. B. 16 Schritte für ein 16tel-Notenmuster in einem 4/4-Takt). 

Step-Sequencer sieht man häufig in Drum Computern oder auch monophonen Synths wie dem Erica Synths Bassline. Früher waren die einzelnen Steps häufig begrenzt auf  Tonhöhe und Gate. Heute bieten viele Hersteller aber auch Parameter Locks an, also die freie Zuweisung beliebiger Parameter pro Step.

Ein Matrix-Sequencer ist ein rasterbasiertes System, bei dem Zeilen und Spalten verschiedene Parameter darstellen. Die einzelnen Zeilen stehen dabei oft für verschiedene Instrumente, Noten oder Parameter. Spalten stehen in der Regel für Schritte in einer Sequenz. Das ermöglicht komplexere Muster, polyphone Sequenzen und Modulationszuweisungen.

Beispiele für Matrix Sequencer sind OXI One und Hapax, aber auch Grooveboxen wie der Synthstrom Deluge bieten diese Art der Programmierung.

OXI Instruments One mkII: Hardware-Sequencer mit Akku

Nicht mehr als einen Zentimeter hoch, solides Gehäuse aus Aluminium und interner Akku: Der OXI Instruments One mkII ist ein zuverlässiger Begleiter für mobile Setups, macht aber auch im Studio eine gute Figur.

Der Matrix-Sequencer bietet 8 CV/Gate Anschlüsse, dazu bis zu drei MIDI In/Out (mit Expander), ein kleines Display, sowie acht Reihen mit jeweils 16 hintergrundbeleuchteten RGB-Pads. Leider sind diese werder anschlag- noch druckempfindlich. Allerdings ist das etwas, was die meisten Matrix-Sequencer vermissen lassen und soll hier kein spezieller Nachteil des OXI One sein.

Die Programmierung erfolgt in Echtzeit, per Step-Eingabe oder über verschiedene Algorithmen. Ein Track kann bis zu 128 Steps enthalten, wobei auch längere Varianten möglich sind, indem man unterschiedliche Subdivisions nutzt.

Diese Vielfalt muss man sich allerdings auch erst einmal erkämpfen. Die Lernkurve beim OXI One ist etwas steiler, allerdings wird man mit vielen Funktionen und toller Produktpflege belohnt.

Squarp Instruments Hapax: Zentrale Unit für größere Setups

Den Hapax von Squarp Instruments sieht man in immer mehr Studios, und auch ich habe mich am Ende für diesen Sequencer entschieden. Denn die Verbindung aus intuitivem Workflow mit zwei Displays und vielen Anschlüssen ist ideal für mittlere bis größere Setups.

Falls man sehr tief ins Sequencing einsteigen möchte, kann man aus einer Vielzahl an MIDI-Effekten wählen. Darunter finden sich unter anderem Arpeggiatoren, Scaler, euklidische Sequencer, MIDI Echos und mehr.

Hapax ist derzeit auch einer der wenigen (der einzige?) Hardware-Sequencer, die MPE-verarbeiten und abspielen können. Leider gilt das nicht für die internen Pads. Denn die reagieren weder auf Velocity noch auf Druck. Poly-Aftertouch wird ebenfalls nicht unterstützt, soll aber in einem Update kommen.

Ein Highlight für DAW-less Performer ist die Möglichkeit, zwei Projekte im direkten Zugriff zu haben. Dadurch können auch ausufernde Live-Sets verwaltet und Projekte (Songs) permanent nachgeladen und überblendet werden.

Arturia Keystep Pro

Der Keystep Pro von Arturia ist ein MIDI Controller Keyboard mit Hardware Sequencer. Der Keystep Pro überzeugt mit einer umfangreichen Anschlusssektion, die neben MIDI und CV/Gate noch 8 Drum Trigger für bis zu 24 Drum Tracks umfasst.

Praktisch ist die direkte Eingabe über die anschlagdynamischen Minitasten, die auch Aftertouch senden. Etwas sporadisch hingegen fällt die maximale Anzahl von 64 Steps aus. Auch im Bereich Parameter-Automationen schneidet der Keystep Pro mit lediglich einem Control-Track und bis zu 5 CC-Spuren im Vergleich eher bescheiden ab.

Der Keystep Pro wäre daher eher meine Empfehlung für alle, die eine gute Drum- / Melodie-Sequencer-Kombi suchen. Komplexe Arrangements und Klangänderungen laufen hier eher übers Live-Spiel.

Sequentix Cirklon2: Unobtanium Hardware Sequencer

Sequentix Cirklon ist seit Jahren ein Geheimtipp, wenn es um Standalone Sequencer mit umfangreicher Ausstattung geht. Das Gerät überzeugt durch wertige Verarbeitung und einen intuitiven Workflow. Mit fünf 5-Pol MIDI In/Outs, bis zu 64 Tracks und optionaler CV-Erweiterung kann man mit dem Cirklon2 auch große Setups bequem steuern.

Die Tracks können bis zu 256 Steps lang sein, und werden über die Step-Taster oder externes MIDI programmiert. Der Cirklon2 bietet neben den MIDI Ins auch USB Host Funktionalität, sodass man einen USB-MIDI-Controller direkt mit dem Sequencer verbinden kann.

Dieses Paket hat allerdings auch seinen Preis: So geht der Cirklon 2 in der CVIO-Variante inklusive Breakoutbox für knapp 2800 € über die virtuelle Theke. Ein Preis, der aufgrund der Verarbeitung, Entwicklung und Kleinstauflage vielleicht gerechtfertigt sein mag.

Alternativen: Groovebox mit Sequencer

Hardware-Sequencer haben den Vorteil, sich mit einem spezialisierten Gerät voll auf die Performance konzentrieren zu können. Zusätzlich bieten sie häufig eine Vielzahl an Anschlüssen, um direkt mehrere externe Geräte auf einmal zu steuern.

Falls ihr aber mit einem kleineren Fuhrpark performt, oder euch ein Sequencer zu teuer ist, könnt ihr auch auf eine Hybridlösung setzen. Denn viele Grooveboxen sind in der Lage, einen oder mehrere der internen Tracks alternativ zur Steuerung weiterer Geräte zuzuweisen.

Bei größeren Projekten mit mehr als zwei externen Geräten würde ich zur Übersicht noch einen MIDI-Thru-Splitter empfehlen, falls die Groovebox nur über einen MIDI-Out verfügt. Dann kann so eine Hybridlösung durchaus eine gute Alternative zu einem Hardware-Sequencer darstellen.

Elektron Digitone II / Digitakt II

Den Auftakt machen hier direkt die beiden Elektron Digitone II und Digitakt II. Sowohl die FM Synth Digitone II als auch der Sampler Digitakt II bieten nicht nur eine flexible Klangerzeugung, die perfekt auf elektronische Musik zugeschnitten ist.

Auch der legendäre Elektron-Sequencer lässt sich gut zur Steuerung von externen Instrumenten nutzen. Polymetrik, umfangreiches Step-Editing und komplexe Parametermodulationen sind hier ähnlich umfangreich vorhanden, wie bei vielen spezialisierten Hardware-Sequencern. Selbst euklidische Modi finden sich hier.

Abstriche muss man hier vor allem bei den Anschlüssen machen und sich mit einem MIDI-Out begnügen. Auch sind hier ausgeklügelte Skalen, Chord-Modi oder Zufalls-Pattern nicht vorhanden. Falls ihr darauf verzichten könnt, bekommt ihr mit der Digi-Serie aber nebst einer guten Klangerzeugung einen flexiblen Hardware Sequencer frei Haus.

Polyend Tracker+ oder Play+

Ebenfalls erwähnenswert sind die beiden Grooveboxen Polyend Tracker+ und Play+, da sie noch einen etwas anderen Ansatz verfolgen. Zwar bieten sie wie die Elektrons nur einen MIDI-Ausgang, aber für den Einsatz als Hardware Sequencer im MIDI-Setup bieten sie ebenfalls eine recht umfangreiche Ausstattung.

Wermutstropfen bei beiden Geräten ist, dass bei der Einbindung von externen MIDI-Controllern ein paar Dinge versäumt wurden. So tun sich beide Geräte schwer beim Durchleiten von MPE- und Poly-AT, von der Aufnahme ganz zu schweigen. Für mich ist aber das Handling mit Polyphonie fast ein K.O.-Kriterium. Denn sowohl Play+ als auch Tracker+ sind nicht in der Lage, in derselben Spur Akkorde über externes MIDI aufzuzeichnen.

Dabei verfügen beide sogar über Chord-Effekte. Man kann also einen Akkord an der Unit selbst einprogrammieren und auch über MIDI wiedergeben. Nur das Aufzeichnen über MIDI geht nicht. Selbst im Polyend-Forum ist das immer wieder Thema, aber aus irgendeinem Grund sperrt sich das Unternehmen, dieses Feature einzubauen. Vielleicht können wir noch darauf hoffen. Denn sobald das implementiert ist, wären beide Units hervorragende Hardware Sequencer.

Polyend Tracker+

Tracker+ orientiert sich, der Name deutet es bereits an, am klassischen Tracker-Konzept. In der Urform gibt man bei einem Tracker Step für Step die Werte ein. Dazu zählen neben Noten-Informationen auch das Sample, wodurch man auch mit wenig Spuren sehr komplexe Arrangements erzielt.

Das ist beim Tracker+ grundsätzlich auch so, nur gibt es hier noch integrierte Klangerzeuger, sowie bis zu acht MIDI-Spuren für externe Instrumente. Pro Step können verschiedene MIDI-Channels angesteuert werden, CC-Werte programmiert und zwei MIDI-Effekte hinzugefügt werden. Von diesen stellen sowohl Tracker+ als auch Play+ eine umfangreiche Auswahl zur Verfügung.

Polyend Play+

Polyend Play+ bietet einen Matrix-Sequencer der neben der internen Klangerzeugung mit bis zu acht MIDI-Spuren externe Synths ansteuern kann. Hier gibt es eine Menge intelliger Remix-Funktionen inklusive Fills, durch die das Arbeiten mit dem Play+ sehr inspirierend sein kann.

Den Encodern kann man in den MIDI-Spuren seine Wunsch-CCs zuweisen und diese auch im Sequencer aufzeichnen. Dadurch kann der Play+ gut zur direkten Steuerung von Synths verwendet werden.

Fazit: Die besten Hardware Sequencer für elektronische Musik

Den richtigen Sequencer zu finden, ist wie so oft eine sehr persönliche Entscheidung. Denn so ein zentrales Element muss einfach zum eigenen Workflow und Setup passen. Für mich ist es der Hapax durch seine Kombination aus Feature-Umfang und intuitivem Workflow. Aber auch der OXI One lässt nur wenig Wünsche offen. Hier sind es die kompakte Größe und der Akkubetrieb, die neben den Features überzeugen.

Wer aufs Budget achten muss, erhält auch mit dem Keystep Pro einen soliden Hardware-Sequencer, wird aber früher oder später bei der Erstellung kompletter Tracks viele Funktionen der größeren Sequencer vermissen.

Wem ein dedizierter Hardware-Sequencer noch zu speziell oder zu teuer ist, sei auch die Option nahegelegt, sich einfach eine gute Groovebox zuzulegen. Ein Digitone 2 oder Polyend Play+ bieten ebenfalls ausgereifte Sequencer-Funktionen. Nur bei den Anschlüssen muss man hier Abstriche machen.

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Der zweite Ansatz richtet sich an alle, die beim Produzieren auf einen Computer verzichten wollen. Hierbei gehe ich von zwei unterschiedlichen Budgets aus: einmal Low-Budget und einmal Mid-Budget. Beide Setups versetzen dich in die Lage, komplett ohne Computer Tracks zu erstellen. Selbstverständlich lassen sich beide Varianten, „Computer-only“ und „Hardware-only“, problemlos miteinander kombinieren, was im Großteil der Studios auch genauso gehandhabt wird.

Elektronische Musik mit dem Computer produzieren ohne viel Geld auszugeben

Ein halbwegs aktueller Rechner steht in den meisten Haushalten. Wenn man etwas auf den Leistungsbedarf der Software-Instrumente und -Effekte achtet, kommen selbst betagte Computern nicht so schnell an ihre Grenzen.

Ein Tipp am Rande: Möchte man auf ein bestimmtes PlugIn partout nicht verzichten, empfiehlt es sich zu prüfen, ob sich die interne Sample-Rate heruntersetzen lässt. Bei PlugIns von Native Instruments geschieht dies zum Beispiel über die Einstellungen. U-He wiederum bietet etwa bei der diva oder beim Repro-1 einen HQ-Modus an, der sich bei Bedarf deaktivieren lässt. In vielen Fällen reichen 48 kHz aus und man kann die Standardeinstellung von 96 kHz entsprechend halbieren. Das führt zu einer geringeren Prozessorauslastung.

Welche Grundausstattung für elektronische Musik mit dem Computer?

Insofern ist die Empfehlung in diesem Fall recht einfach: Eine solide Grundausstattung hat man bereits, indem man in ein besseres Audio-Interface inklusive DAW investiert. Zwar reicht für die allerersten Schritte meistens die interne Soundkarte. Allerdings müsste auch in diesem Fall früher oder später eine DAW (Software zum Produzieren von Musik wie z.B. Ableton oder Bitwig) angeschafft werden. Preislich nehmen sich Lite-Version und Soundkarte nicht viel, und letztere liefern häufig eine Lite-Version von DAWs gleich mit. Warum also doppelt investieren?

Ich empfehle gerne die Scarlett-Serie von Focusrite, da diese neben vernünftigen Wandlern und Treibern bereits ein attraktives Software-Angebot für den Start mitbringt. Unter anderem umfasst das Paket eine leistungsfähige Einsteigerversion von Ableton Live (Lite), Samples, sowie ein paar gute PlugIns zur Sound-Bearbeitung. Zusätzlich benötigt ihr dann nur noch Monitorboxen und / oder gute Studiokopfhörer und ihr könnt mit dem Produzieren starten.

Ist das Budget anfangs sehr begrenzt, rate ich erstmal dazu nur gute Kopfhörer zu nutzen, statt Monitorboxen anzuschaffen. Vernünftige Modelle gibt es bei den Kopfhörern ab 130 €, selbst mäßig gute Studiomonitore sind zu dem Preis schlichtweg nicht drin.

Für die übrigen rund 120 € könnte man sich nun noch einen USB-MIDI-Controller zulegen, der das Musik machen zum einen ziemlich sicher beschleunigt. Zum anderen ist es schlicht angenehmer, Drums und Melodien einzuspielen statt sie mit der Mouse einzuzeichnen. Das Launchkey von Novation liegt genau in unserem Budget. Mit 25 Minitasten, Pads und Drehreglern ist der Controller flexibel einsetzbar. Mit Ableton Live Lite und Softube-Effekten ist zudem ein gutes Software-Paket für den Start mit dabei.

Techno produzieren ohne Computer und ohne dabei viel Geld auszugeben

Die zweite Variante richtet sich an alle, die komplett auf einen Computer verzichten wollen. Sei es, weil man ohnehin den ganzen Tag vor dem Bildschirm sitzt, man die Arbeit mit einem Computer als umkreativ empfindet, oder sich das Ziel gesetzt hat, Live-Auftritte nur mit Hardware-Geräten zu bestreiten.

Einzelne Hardware-Instrumente müssen im Gegensatz zu einem Computer erst einmal angeschafft werden, wodurch erstmal höhere Anschaffungskosten entstehen. In diesem Fall ist die Flexibilität der Empfehlungen daher etwas eingeschränkter und ich beschränke mich auf zwei Szenarien: a) ein Low-Budget-Setup, für das maximal 400 € zur Verfügung steht und b) ein Mid-Budget, für das uns 1000 € zur Verfügung stehen.

a) Techno produzieren mit Minimal-Equipment für unter 400 €

Für dieses Setup legen wir unser maximales Budget auf 400 € fest. Zusätzlich wollen wir ohne einen Computer produzieren, so dass sich unsere Auswahl auf Hardware-Klangerzeuger beschränkt. Unser Setup muss in erster Linie in der Lage sein, ausreichend Drums wiederzugeben und idealerweise auch die ein oder andere Synth-Spur bereitstellen.

Öffnen wir uns zudem dem Gebrauchtmarkt wäre meine Top-Kombination wohl ein Novation Circuit (rund 200-220 € gebraucht), ein kleiner Mixer (rund 40 -50 €), sowie ein weiterer Analogsynthesizer für Bässe.

Da wir noch rund 130 – 150 € übrig haben, ist die Auswahl begrenzt. Möglich wären der semimodulare Crave von Behringer, der neben einem ausgezeichneten Klang auch über einen internen Sequencer verfügt, sowie die Volca-Serie von Korg.

Allen voran würde ich hier Volca-Bass und Volca Modular sehen. Beide sind gebraucht für unter 150 € zu haben, klingen gut und bieten einen internen Sequencer. Volca Modular ist sicherlich etwas frickelig in der Bedienung. Durch den West-Coast-Ansatz ist dieser Synth aber ein Garant für schmutzige, düstere Bässe mit ordentlich Experimentierpotential.

Sollen Acid-Elemente mit einfließen, ist auch der TD-3 (oder Behringer TD-3 MO) von Behringer eine klare Empfehlung. Den TB 303 Clone gibt es gebraucht mittlerweile hin und wieder für unter 80 €.

Beim Mischpult würde ich mich auf dem Gebrauchtmarkt nach einem Modell von Mackie, Allen & Heath oder Yamaha umsehen. Kleinmixer werden einem förmlich hinterhergeworfen. Und da die Preise der besseren Modelle sich auch nicht mehr so sehr von den Mitbewerbern Behringer und Alto Pro unterscheiden, würde ich klar die oben genannten Marken vorziehen.

b) Techno produzieren mit mittlerem Budget

In unserem dritten Szenario verfügen wir über ein Budget von rund 1000 €, mit dem sich schon einiges anfangen lässt. Hier ist es schon schwerer, die eine perfekte Kombi zu empfehlen. Ich habe daher vier Ausgangszenarien skizziert, die für sich schon sehr gut funktionieren, gerne aber dem eigenen Geschmack angepasst werden sollten.

Ganz klassisch: Roland TR-8 plus ein, zwei Synthesizer

Fangen wir mit dem wohl direktestem Konzept an: Rolands TR-8 Drum Machine vereint eine Vielzahl der Drum-Klassiker in einem Gerät und erweitert diese mit erweiterten Möglichkeiten fürs Sounddesign. Die Farbgebung in Giftgrün mag nicht jeden Geschmack treffen. Dafür überzeugt die TR-8 mit sehr intuitivem Live-Sequencing und Club-tauglichem Sound direkt aus dem Gerät. Die Fader zur Einstellung der Lautstärke sind gerade live ein echter Segen, da man mehrere Kanäle auf einmal ein- und ausfallen kann. Probiert das mal mit Potis.

Rolands TR-Serie hat die Entwicklung elektronischer Musik maßgeblich beeinflusst. Wer sich die TR-Sounds ins Studio holen möchte, macht mit der Anschaffung einer TR-8 nichts verkehrt. Soll es etwas mehr sein, ist die größere Variante Roland TR-8S eine Überlegung wert. Diese bietet die Klangerzeugung der TR-8 und erweitert diese noch um die Möglichkeit, eigene Samples zu nutzen.

Einen Synthesizer sollte man sich noch dazustellen

Mit der TR-8 deckt ihr die Drum-Sektion eures Setups bereits gut ab. Techno produzieren ist damit alleine allerdings unspektakulär, wenn man nicht gerade Jeff Mills heißt. Zur Erstellung von Melodien, Bassläufen oder atmosphärischen Klängen benötigt man noch ein bis zwei Synths. Und da beide TR-8 und TR-8S keinen internen Sequencer zur Ansteuerung externen Instrumente bieten, müsst ihr entweder live spielen oder auf Synthesizer mit internem Sequencer setzen. Eine gute Ergänzung wäre sicherlich eine Novation Bass Station 2.

Zusätzlich sollte ein Synthesizer für Flächen und Atmos am Start sein. Bei polyphonen Synthesizern wird die Auswahl schnell dünn, wenn man auf das Budget achten muss. Daher würde ich hier von vornherein auf eine digitale Lösung setzen, die meistens günstiger zu bekommen ist.

Für den Preis fast unschlagbar liefert der Roland AIRA S-1 Tweak Synth einen guten Sound im praktischen Jackentaschenformat. Der Roland S-1 verfügt über eine überraschend umfangreiche Klangerzeugung, die einerseits den klassischen Roland SH-101 abdeckt, andererseits auf Oszillatorenebene noch ein gutes Stück weiterreicht.

Hinzu kommt vierfache Polyfonie, eine gut klingende Effektsektion und ein interner Sequencer inklusive Motionrecording. So bekommt ihr neben klassischen Analogbässen – und Leads auch warme Pad-Sounds, Dub Chords und Drones mit ins DAW-less Setup, ohne viel Reisegepäck einplanen zu müssen.

All-in-a-Box mit Akai Pro MPC One MKII

Die MPC-Serie von Akai Pro muss man nach über 30 Jahren Bestehen eigentlich nicht mehr großartig vorstellen. Die Kombination aus Sampler, Sequencer und guten Pads zum Live spielen war in etlichen Produktionen zu hören.

Vor der Generation um Live, One und X erlebten MPC-User eine ernüchternde Software-Controller-Durststrecke, die sicherlich nicht besser wurde, als Akai mit dem Rhythm Wolf ihren ersten analogen Drumcomputer vorstellte. Diese Eskapaden führten am Ende allerdings zur MPC One, die ich in dieser Liste ebenfalls nennen möchte.

MPC One bietet flexible Möglichkeiten, Samples zu verbiegen und zeichnet sich durch einen druckvollen Sound aus, hochwertige Samples natürlich vorausgesetzt. Das große Touch-Display erleichtert einem die gezielte Soundbearbeitung, neigt aber dazu, bei höherer Luftfeuchtigkeit nicht immer zuverlässig zu reagieren. Dafür überdachte Akai zum Glück die Menüführung und spendierte wichtigen Parametern dedizierte Taster auf der Oberfläche, die vorher noch vergraben in Untermenüs lagen.

Glücklicherweise verfügt die MPC One noch über drei vollwertige Klangerzeuger: Ein E-Piano, ein VA-Röhrensynth,. eine Bassline und es kommen immer mehr hinzu.

Damit ist man für die meisten Anwendungen schon exzellent gerüstet und Techno produzieren kann man damit natürlich auch. Sollte ein weiterer Synth ins Setup integriert werden, liefert die MPC neben zwei Eingänge auch genug Möglichkeiten ihn via MIDI oder CV perfekt einzubinden. Im Vergleich zu den größeren Modellen verfügt MPC One mit rund 750 € über das beste Preis-Leistungsverhältnis. Schade nur, dass der interne Akku der MPC Live hier nicht dabei ist.

Für Frickler: Elektron Digitone II und Elektron Model:Samples

Zugegebenermaßen bin ich ein großer Fan von Elektron-Produkten. Nur wenige Geräte auf dem Markt bieten so einen Funktionsumfang bei gleichzeitig Live-tauglicher Bedienung. Für ein mittleres Budget empfehle ich eine Kombination aus Digitone II und Model:Samples. Dadurch erhält man umfangreichen Synthesemöglichkeiten und einen intuitiven Sample-Sequencer.

Hin und wieder wird der Digitone als reiner FM-Synthesizer gesehen, was nicht zutrifft. Vielmehr vereint er 4OP-FM, Waveshaping auf Oszillatorebene und klassische subtraktive Synthese. Dadurch lassen sich mit dem Synthesizer auch typische Analogsounds problemlos umsetzen.

Ein weiterer Vorteil sind die externen Eingänge beim Digitone sowie die zusätzlichen MIDI-Spuren, um externe Instrumente anzusteuern. Model:Samples ließe sich somit direkt durch den Digitone schleifen, wodurch ein zusätzliches Mischpult live nicht zwingend notwendig ist. Möchtet ihr später euer Set doch einmal in einem Computer aufnehmen, könnt ihr den Digitone zudem als gutes Audio-Interface verwenden. Diese Kombination gibt es neu für knapp 1000 €, bei Gebrauchtkauf wäre sogar noch ein weiterer Synthesizer oder ein kleiner Mixer drin.

Die Nerdlösung: Polyend Tracker Mini + Analogsynth

Für die Nerds unter uns ist der Tracker Mini von Polyend sicherlich ein spannender Kandidat. Polyend vereint in dem Tracker Mini Sampler, Granularsynth und Sequencer in Form eines Trackers. Ältere Jahrgänge kennen das Prinzip vielleicht noch von ihren ersten musikalischen Gehversuchen am C-64 oder Amiga.

Bei einem Tracker Mini laufen die Sequenzen von oben nach unten in mehreren Spuren in einzelnen Schritten herunter. Jedem Schritt lässt sich ein Sample, eine Note, Anschlagdynamik und andere CC-Werte zuweisen. Das Prinzip scheint auf den ersten Blick etwas in die Jahre gekommen, bietet aber für elektronische Musik einen einzigartigen Ansatz. Dieser bringt einen mitunter sogar direkter zum Ziel, als Lauflicht-Sequencer.

Besonders empfehlenswert ist ein Tracker Mini meiner Meinung nach, wenn man viel mit Samples arbeitet und diese schnell in einer Spur austauschen möchte. Das mag einer der Gründe sein, warum man Tracker in den Genres IDM, Ambient oder Drum and Bass recht häufig sieht. Techno produzieren kann man mit dem Tracker natürlich auch.

Auch beim Tracker Mini sollte ein weiterer Hardware-Synth eingeplant werden. Zwar bietet Tracker Mini mit seiner flexiblen Sample-Engine ausreichend Möglichkeiten, Flächen, Atmos oder Bässe abzuspielen. Für den Spaßfaktor ist ein Synthesizer mit vielen Reglern eine Bereicherung im Setup. Einen Sequencer muss dieser nicht zwingend haben, da Tracker auch externe MIDI-Geräte ansteuern kann. Bei rund 700 € Anschaffungspreis ist dafür zu unserer 1000 €-Grenze glücklicherweise noch Platz nach oben.

Techno produzieren im Budgetstudio – Fazit

Für welche Lösung ihr euch auch entscheidet – mit den hier vorgeschlagenen Setups könnt ihr auf jeden Fall arbeiten. Mit der Zeit findet ihr dann den perfekten Workflow für euch.

Ihr wollt ohne DAW elektronische Musik produzieren? Dann könnte der Artikel die besten Grooveboxen für Techno, Ambient und House etwas für euch sein.

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Ein wichtiger, aber oft übersehener Bestandteil eines DAW-basierten Studios sind externe Festplatten. Sei es für die Verwaltung oder Mitnahme von großen Sample-Libraries, Recording-Sessions, oder als Datenträger für Videoaufnahmen. Dabei ist es gar nicht schwer, gute Lösungen zu finden. Das sind die besten externen Festplatten und SSDs für die Musikproduktion und Video-Bearbeitung.

Worauf sollte man bei einer externen Festplatte für die Musikproduktion achten?

• Speicherplatz (4 TB oder mehr)
• Geschwindigkeit: HDD vs SSD
• Anschlüsse (USB-C-Anschluss)
• Energieverbrauch
• Robustheit (IP55-Schutz) und Langlebigkeit
• Formatierung APFS vs ExFat

Speicherplatz

Die meisten HDD (mechanische Festplatten) und SSDs gibt es in Größen von 500 GB bis 8TB und teilweise mehr. Während für die meisten Datensicherungen 1-2 TB reichen, kommen bei Musikproduktion, Sample-Librarien und Videoprojekten schnell größere Datenmengen zusammen. Um eine längere Zeit entspannt zu arbeiten, empfehle ich daher eine Größe von mindestens 4 TB.

Geschwindigkeit

Der nächste wichtige Faktor ist die Geschwindigkeit der Festplatte. Genau genommen unterscheidet man hier noch einmal in Lese-/und Schreibgeschwindigkeit. Bei der Musik- oder Videoproduktion sind beide Faktoren relevant.

Verwendet man man zum Beispiel viel Diskstreaming, wird eine externe Festplatte schnell mal zum Nadelöhr, wenn die Lesegeschwindigkeit nicht ausreicht. Fürs Aufzeichnen mehrerer hoch aufgelöster Audiospuren oder Videos ist eine hohe Schreibgeschwindigkeit ein doppelter Boden, um keine Disk-Drop-Outs zu kassieren. Zwar dauert es bei Audioaufnahmen eine Zeit, bis man diesen Punkt mit aktuellen HD oder langsameren SSDs erreicht. Trotzdem würde ich auch hier auf Nummer sicher gehen und bei SSDs auf mindestens 1000 mb/s (Lesen / Schreiben) setzen.

Anschlüsse

Die meisten SSD Festplatten auf dem Markt sind mittlerweile mit einem USB-C-3.2 (Gen2)-Anschluss erhältlich. Daher reicht beim Kauf ein kurzer Blick auf die Specs, um absolut sicher zu sein, um welchen Typ es sich handelt.

Dabei sei noch erwähnt, dass ein USB-C-Anschluss nicht immer gleichzusetzen ist mit einer hohen Datentransferrate. Hier wird zusätzlich noch unterschieden zwischen USB 3.0 / 3.1 und 3.2. Zwar ist ist auch USB 3.0 mit Datentransferraten von 5 Gbit/s ausreichend schnell für die meisten Audioprojekte. Sobald aber Streaming von großen Sample-Libraries, Video- oder hoch aufgelöste Mehrspuraufnahmen mit ins Spiel kommen, sind Festplatten mit USB-C / 3.2 empfehlenswert, das Datentransferraten von bis zu 20 Gbit/s erlaubt.

USB-C ist einerseits zukunftssicherer, andererseits spart ihr euch die Anschaffung von Adapterkabeln oder -steckern, wenn ihr die Festplatte an einem aktuellen Macbook oder Tablet betreibt, oder mit dem Smartphone Videoaufnahmen machen wollt. Preise für Adapter sind überschaubar, aber sich die elendige Sucherei in der Kabelkiste zu ersparen ist unbezahlbar.

Bei den mechanischen, externen HDDs ist die Situation etwas anders. Da diese Festplatten systembedingt ohnehin nicht die hohen Geschwindikeiten einer SSD erreichen, spielt der Anschluss hier keine große Rolle. Trotzdem ist es praktisch, wenn man auch hier keine speziellen Kabel oder Adapter benötigt und ebenfalls auf den USB-C-Standard setzt.

Energieverbrauch

Im Dauereinsatz im Studio ist der (ohnehin schon geringe) Energieverbrauch einer externen Festplatte kein Thema. Im mobilen Recording-Einsatz kann jedoch jede Komponente relevant werden, die Energie zieht.

Wie gesagt, wir reden hier über Nuancen. Aber da sich schon die Performance-hungrige Video- und Mehrspuraufnahme reichlich Energie aus dem Akku holt, wäre das ein Faktor, den man zumindest auf dem Schirm haben sollte.

Robustheit und Zuverlässigkeit im Dauereinsatz

Wer Musik und Videos produziert, stellt hohe Ansprüche an die Zuverlässigkeit und Robustheit einer Festplatte. Gerade wenn man viel unterwegs ist, sollte man auf gut geschützte Modelle setzen. Manche Hersteller wie Samsung bieten spezielle Varianten ihrer Modelle an, bei denen ein gummiertes Gehäuse zusätzlichem Schutz bietet und Verrutschen verhindert. Spritzwasserschutz ist ebenfalls eine gute Sache, wenn ihr Getränke in der Nähe des Rechners aufstellt, oder Regen in euren Rucksack dringt.

Zuverlässigkeit im Dauereinsatz ist bei Festplatten natürlich immer so eine Sache. Denn wie alle technischen Geräte nutzen sich auch Festplatten mit der Zeit ab, je häufiger und intensiver man damit arbeitet. Das dürfte auch einer der Hauptgründe sein, warum man bei der Anschaffung nicht auf billige Alternativen setzen sollte. Zudem sollte man auch regelmäßige Backups seiner wichtigen Daten machen.

Wer ganz sicher gehen will, sichert seine Daten also regelmäßig auf einer Backup-Festplatte. Hierfür riecht eine mechanische Festplatte allemal.

Formatierung: APFS vs. exFAT

Bevor wir zu den Kaufempfehlungen kommen, noch ein kurzer Tipp zur Formatierung. Manchmal steht in der beschreibung, dass die Festplatte „perfekt für Mac, iOS, Xbox“ etc. ist. Das könnt ihr eigentlich ignorieren, denn das Formatieren der Festplatte könnt ihr auch selbst mit den entsprechenden Apps erledigen. Für den Betrieb einer SSD am Mac empfehle ich auf APFS zu setzen.

Wenn ihr hingegen häufig Daten zwischen Mac und Windows transportieren müsst, solltet ihr auf maximale Kompatibilität achten. Datenträger, die als exFAT formatiert sind, werden von beiden Systemen unterstützt.

Das sind die besten SSDs und Festplatten für die Musikproduktion – Kaufempfehlungen

Damit kommen wir zu den konkreten Kaufempfehlungen. Für Musik- und Videoanwendungen empfehle ich grundsätzlich SSDs. Hier ist genügend Performance vorhanden, damit die Festplatte im Studiobetrieb nicht zum Nadelöhr wird.

Crucial X10 Pro: Schnelle Festplatte für die Musikproduktion

Mit Geschwindigkeiten von bis zu 2100MB/s Lesen und 2000MB/s Schreiben gehört die Crucial X10 Pro derzeit zu den schnellsten SSDs auf dem Markt. Hinzu kommt ein iP55 Staub- und Spritzwasserschutz, sowie eine angegebene Fallsicherheit aus zwei Metern. Das würde ich zwar niemals freiwillig ausprobieren, aber nett, dass es zumindest auf dem Papier gewährleistet ist.

Was ich aber aus der Praxis bestätigen kann ist, dass es sich bei der Crucial X10 Pro um eine extrem performante SSD handelt. Hiermit lassen sich selbst größere Videoprojekte in 4K und mehr problemlos stemmen. Ganz zu schweigen vom blitzschnellen Sample-Streaming größerer Libraries oder dem Datentransfer größerer Backups.

Und so könnte ich diese Liste mit der Empfehlung der Crucial X10 Pro eigentlich schon abschließen, wenn es nicht immer wieder auch gute Angebote von alternativen SSDs gäbe.

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Samsung Portable SSD T9 4TB: Alternative zur Crucial X10 Pro

Und damit komme ich zur nächsten Variante. Ebenfalls mit beeindruckenden Daten schickt Samsung die portable SSD T9 mit 4 TB ins Rennen. In der Regel liegt die Crucial X10 Pro in der 4 Terabyte Version preislich ein gutes Stück unter der Samsung-Variante. Trotzdem solltet ihr gerade bei Black Friday oder Prime-Day-Angeboten diese SSD im Auge behalten.

Denn mit Geschwindigkeiten von bis zu 2.000 MB/s Lesen, 2.000 MB/s Schreiben eignet sich diese SSD perfekt für komplexe Videoproduktionen in 4K (und mehr), sowie für große Libraries, die per Disk-Streaming wiedergegeben werden sollen.

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Samsung Portable SSD T7 Shield: Für unterwegs

Wenn es etwas langsamer zugehen darf, euch aber ein robustes und rutschfestes Gehäuse wichtig ist, könnt ihr auch gut zur Samsung Portable SSD T7 Shield greifen. Diese war gemeinsam mit der normalen Variante SSD T7 bei mir mehrere Jahre im Einsatz und hat auch Videoprojekte und Musikproduktionen problemlos gemeistert.

Zwar liefert die Crucial X10 Pro noch einmal einen wahrnehmbaren Performance-Schub, für die meisten Projekte sind aber auch die T7-Varianten mehr als ausreichend. Wer also etwas Geld sparen möchte, sollte hier auf gute Angebote (220-270 €) warten.

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Mechanische Festplatten HDDs: Perfekt für Backups und kleinere Sample-Libraries

Nach den SSDs möchte ich noch kurz auf mechanische Festplatten (HDD) eingehen. Da schnelle und große SSDs mittlerweile in erschwingliche Preisregionen vorgedrungen sind, sind mechanische Festplatten bestenfalls zweite Wahl, wenn man vorhat, sie intensiv in der Musikproduktion einzusetzen.

Dennoch spielen sie nachwievor eine wichtige Rolle im Studio-Kosmos. So sind sie die perfekte Lösung für Backups oder kleine Projekte. Mein Workflow ist meistens so, dass ich die Video- (Audio)bearbeitung erst auf einer SSD mache. Nach dem Export sichere ich das finale Final Cut-Projekt inklusive aller Daten auf einer großen, mechanischen Festplatte und anschließend das Projekt von der SSD lösche. Das schafft einerseits Platz auf dem teuren Datenträger und andererseits habe ich immer noch Zugriff auf das komplette Projekt. Als zuverlässige Lösungen kann ich diese Modelle empfehlen:

Western Digital My Passport: 6TB für Backups

Viel Speicher, ausreichend schnell und auch über mehrere Jahre hinweg zuverlässig: Festplatten von Western Digital sind ein guter Standard, wenn man eine überzeugende Backup-Lösung sucht, die auch das Budget nicht sprengt. Abstriche macht man hier bei der maximalen Schreibgeschwindigkeit von 60 MB/s und der Notwendigkeit, den mitgelieferten USB-C-Adapter zu nutzen.

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Seagate Ultra Touch HDD 5TB

Mit 5 TB liegt diese Variante der Seagate Ultra Touch zwar unter den Möglichkeiten der Western Digital. Dafür bringt sie neben dem USB 3.0 Standard ebenfalls eine USB-C-Schnittstelle mit. Dadurch ist sie mit den meisten Endgeräten auch in den nächsten Jahren noch kompatibel. Die Schreibgeschwindigkeit von 120 MB/s ist guter Standard, und auch für den Dauereinsatz als Backup-Medium sind Modelle von Seagate ein verlässlicher Partner.

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Fazit: Die besten Festplatten und SSDs für die Musikproduktion

Mein Favorit aus dieser Liste ist klar die Crucial X10 Pro, da sie nicht nur überzeugend schnell ist, sondern auch das beste Preis-/Leistungsverhältnis bei den SSDs aufweist. Trotzdem rate ich, immer wieder mal nach Angeboten zu gucken. Denn auch die Samsung SSDs sind perfekt für die Musikproduktion geeignet, selbst die älteren T7-Modelle.

Am besten ist, ihr schafft euch direkt zwei Festplatten an: eine schnelle SSD für die Musikproduktion und eine weitere HDD zur Datensicherung. Denn für reine Backup-Anwendungen sind SSDs einfach zu teuer. Und sobald ihr eure Projekte finalisiert habt, könnt ihr die Daten einfach auf der günstigeren Festplatte sichern.

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Welche Features sollten Reverb Pedale für Synthesizer haben?

• Stereo Ein- und Ausgänge
• Regler zur Echtzeitsteuerung der Parameter
• Flexible Ausstattung inklusive mehrerer Hall-Varianten
• True Bypass, damit das Audiosignal auch bei ausgeschaltetem Effekt ohne Verluste durchgeschliffen wird

Sehen wir uns also an, welche Reverb-Pedale sich besonders für den Einsatz mit Synthesizern eignen.

Source Audio Ventris Dual Reverb

Die Pole Position bekommt Source Audio mit dem Ventris Dual Reverb, auch wenn die Abstände im Spitzensegment sehr eng sind. Das Effekt-Pedal überzeugt durch hervorragenden Klang, direkten Zugriff und solider Verarbeitung. Richtig besonders wird es aber durch die versteckten Optionen. Denn in seinem Inneren schlummern gleich zwei Halleffekte, die sich wahlweise einzeln oder parallel betreiben, und somit zu außergewöhnlichen Hallräumen schichten lassen. Eine Kombination aus Federhall und Shimmer-Reverb? Das ist mit dem Source Audio Ventris kein Problem.

Und für Sounddesigner hat Source Audio noch an ein weiteres Extra gedacht: Mit der Neuro App lassen sich die Effekte umfangreich editieren und abspeichern. Über diese App steht noch einmal eine Vielzahl an Parametern zur Verfügung, an die man nicht direkt über das Pedal gelangt. Die App gibt es als Desktop- und iPhone-Version. Eine sehr runde Sache mit großartigem Klang: perfekt für Ambient, Techno und andere elektronische Musik!

Strymon Big Sky

Seit der Markteinführung 2013 hat sich das Big Sky von Strymon zum Quasistandard für Ambient und Chillout entwickelt. Und das aus gutem Grund: Denn das hervorragend verarbeitete Effektpedal liefert nicht nur die beliebten Shimmer-Reverbs. Der flexible Klang, der auch außergewöhnliche Hallvarianten umfasst, legt sich wie Seide um Synthesizer-Sounds. Egal was man da hereinschickt, es klingt eigentlich immer gut.

Allerdings ist das meiner Meinung nach auch der größte Kritikpunkt am Big Sky: Es hat einen starken Eigencharakter, sodass man es schnell aus einem Mix heraushört. Wenn man diesen Sound mag, ist das Big Sky von Strymon aber eine uneingeschränkte Kaufempfehlung.

Eine etwas günstigere Alternative für alle, die den Strymon-Sound suchen, aber kein Geld für ein Big Sky haben, könnte das Cloudburst Reverb sein. Das Cloudburst ist von der Feature-Anzahl zwar stark abgespeckt, liefert aber dennoch den typischen Shimmer-Sound, eine gute Bedienung und solide Verarbeitung.

Hier geht es zum Strymon Cloudburst Test

Meris Mercury X: Reverb-Modularsystem in Pedalform

Mit seinen hervorragenden Hall- und Raum-Algorithmen wird der Mercury X dem Hype definitiv gerecht. Das flexible Mercury X ist ein All-in-One Reverb Pedal für Synthesizer mit einem wahnsinnig guten Sound.

Der Mercury X ist nicht gerade günstig, aber dank seiner Flexibilität kann dieses Effektpedal mehrere andere Effektgeräte in deinem Setup ersetzen. Allerdings hat diese Flexibilität ihren Preis: Wer mit dem Mercury X tief ins Sounddesign einsteigen möchten, wird sich früher oder später durch zahlreiche Menüs hangeln müssen. Die sind zwar relativ logisch aufgebaut, richtig Spaß macht es trotzdem nicht. Falls ihr ohnehin vorhabt, das Reverb Pedal im Studio einzusetzen, könnt ihr es bei Bedarf aber auch bequem über den kostenlosen Editor programmieren.

GFI Specular Tempus Reverb & Delay

Das Specular Tempus Reverb & Delay Effektpedal ist ein echter Geheimtipp für die Nutzung mit Synthesizern. Glasklare Shimmer-Reverbs für Ambient, weiche Hallräume für Pads und eine Soundqualität, die selbst noch in HiEnd-Setups überzeugt.

Die kompakte Einheit verfügt über 32 unterschiedliche Effektalgorithmen, ein helles Display, sowie Regler für die wichtigsten Parameter. Über den MIDI-Eingang lässt sich das Delay bequem zur Clock syncen. Wer richtig tief ins Sounddesign einsteigen möchte, kann dies über den kostenlosen Editor SpecLab tun.

Kompakte Ausmaße, gute Delay und Halleffekte, und nicht zuletzt sein Funktionsumfang machen das Specular Tempus Reverb & Delay zu einem idealen Effektpedal für Live-Acts und Studio.

Mittlerweile ist das Specular Tempus nur noch gebraucht erhältlich. Wer einen Nachfolger mit den guten Anlorithmen des Specular Tempus sucht, sollte sich das GFI System Solis Ventus mal ansehen. Zwar lässt sich dieses nicht mehr ganz so intuitiv bedienen wie das Specular Tempus. Dafür gibt es hier deutlich mehr Features.

Zur Webseite von GFI

Empress Effects Reverb

Das Empress Effects Reverb ist ein Nachzügler in dieser Liste, weil ich bisher keine Gelegenheit hatte, das Reverb auszuprobieren. Nachdem ich es jetzt erstmals am SH-01a gehört habe, bin ich hin und weg.

Das Teil klingt einfach nur sensationell. Wahnsinnig breite und warme Hallräume schmiegen sich um die Synthesizer-Sounds. Im Gegensatz zu einem Big Sky bringt das Empress Reverb noch einmal eine grazile Fragilität mit in den Klang, die man auch woanders schwer findet. Klanglich ist das Empress Reverb absolute Oberliga, weiß aber auch bei experimentellen Einstellungen zu überzeugen. Ebenfalls sollte man hier die guten kleineren Räume und Spring Reverbs erwähnen. Eine Disziplin, bei der viele der Ambient-Shimmer Reverbs nicht überzeugen.

Death by Audio Rooms

Betrachtet man nur die Features, ist das Rooms Effektpedal von Death by Audio erstmal ziemlich unspektakulär. Zieht man dann noch den ziemlich sportlichen Preis heran, muss man schon verrückt sein, sich ausgerechnet das Rooms zuzulegen. Oder?

Tatsächlich hat der Boutique-Hersteller Death by Audio ein Reverb-Pedal im Programm, das wie perfekt zu Synthesizern passt. Shimmer-Algorithmen sucht man hier vergeblich, ebenso ausgefallene Kreativeffekte. Rooms beschränkt sich auf Hall- und Room-Algorithmen, die es dafür aber richtig gut beherrscht. Der Sound klingt unglaublich warm und voll und wenn man die Decay-Zeit und Wet-Regler auf Maximum stellt, entsteht ein dichter Hallteppich, den man bei anderen Pedalen vergeblich sucht. Rooms ist ein richtig gutes Pedal, aber bei dem Preis muss man schon genau diesen Sound wollen.

Beim Testen sollte darauf geachtet werden, das Pedal nicht zu laut anzufahren. Im Vergleich zu den anderen Kandidaten ist Rooms diesbezüglich eine ziemliche Diva und quittiert zu laute Pegel gerne mal mit digitaler Verzerrung. Kurioserweise klingt die Verzerrung bei hoher Intensität spannend, bei geringerer Übersteuerung aber wiederum unbrauchbar.

UAFX Golden Reverberator

Das UAFX Golden Reverberator von Universal Audio ist perfekt für alle, die ein flexibles Reverbpedal mit authentischem Retrosound suchen. Im soliden Metallgehäuse beherbergt das Pedal drei (vier, wenn man sich nach der Registrierung ein weiteres Modell hereinlädt) Simulationen von legendären Studioreverbs.

Zur Auswahl stehen ein ausgezeichneter Federhall, eine breite Plate-Simulation, sowie eine Emulation des legendären Lexikon 224 inklusive dessemm körnigen Sound. Mit den sechs Drehreglern kann man das Signal schnell in die gewünschte Richtung biegen, etwa um störende Tieffrequenzen zu eliminieren oder die Höhen zu boosten. Beim UAFX Golden Reverberator lohnt es sich mitunter, auch auf ein günstiges Angebot zu warten. Universal Audio hat schon häufig Aktionen, in denen das Pedal für unter 300 € zu haben war.

Zum Test Universal Audio UAFX Golden Reverberator

Electro Harmonix Oceans 12 Reverb

EHX Oceans 12 hat alles im Programm, was das Ambient-Herz wünscht. Riesige Hallräume, Shimmer-Effekte und Reverb/Chorus-Kombinationen. Das Oceans 12 ist aber auch ein guter Begleiter für Clubmusik. Hierfür stehen synchronisierbare Ducking- und Delay-Reverbs zur Verfügung. Dub Techno Produzenten werden sich über die gut klingenden Emulationen von Feder- und Plattenhall freuen.

Die Oberfläche ist gut strukturiert und die solide Verarbeitung schafft Vertrauen selbst bei ständigem Einsatz auf Reisen. Bei der Klangqualität muss man gegenüber GFI und Source Audio ein paar Kompromisse eingehen. Diese Klasse klingt einfach noch einige Nuancen voller und edler. Dafür kostet das Pedal mit knapp 250 € auch gerade mal die Hälfte.

TC Electronic Hall of Fame 2

Bisher lag ein Großteil der vorgestellten Reverb Effekte für Synthesizer bei einem Preis von (deutlich) über 200 €. Als letzter Kandidat kommt mit dem Hall of Fame 2 noch eine gute Budget-Empfehlung in diese Liste.

Die acht Raum- und Hallvariationen des Hall of Fame 2 inklusive Federhall, Shimmer und LoFi-Varianten überzeugen mit vollem Klang. Dazu bietet das Hall of Fame 2 direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter und die Möglichkeit, mithilfe einer App eigene Hallvarianten zu erstellen und auf einem von drei User-Speicherplätzen zu sichern. Für rund 100 € ist das Reverb Pedal eine klare Empfehlung, die zudem auch noch recht platzsparend ist.

Reverb Pedale für Synthesizer – Fazit

Die Spitzenreiter dieser Auswahl sind für mich ganz klar Source Audio Ventris Dual Reverb, Empress Reverb und das UAFX Golden Reverberator. Die drei Pedale bieten einen wahnsinnig guten Sound, der eigentlich jedes Eingangsmaterial veredelt. Egal ob riesige Hallräume, Spezialeffekte oder kleine Räume: Die Reverbs überzeugen in sämtlichen Disziplinen und sind ideale Reverb Pedale für Synthesizer.

In der Budgetklasse sind Oceans 12 und Hall of Fame 2 ein guter Kompromiss aus Preis, Leistung und Qualität. Wer nicht viel Geld zur Verfügung hat, macht mit dem Hall of Fame 2 sicherlich nichts falsch. Ich würde dennoch dazu raten, etwas mehr anzusparen und gleich auf das Oceans 12 zu gehen. Klanglich und von der Ausstattung her liegt das doch zu deutlich über dem, was TC Electronic mitbringt.

Weitere Links

• Strymon Nightsky Test
• Die besten Delay-Pedale für Synthesizer
• Studiokopfhörer für elektronische Musik: die besten Kopfhörer für Techno
• Test: Polyend MESS – Kreativeffekt für elektronische Musik
• UAFX Golden Reverberator Test

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Delay Effekte für Synthesizer – Worauf sollte man beim Kauf achten?

Delay-Varianten: Retro vs. Digital

Ganz grob kann man Delays in zwei Richtungen einteilen: Zum einen gibt es die modernen HiFi-Delays, die ohne Artefakte das Eingangssignal verzögert wiederholt abspielen. Zum anderen gehören die Retro-Delays und hier vor allem sogenannte BBD-Delays und Tape-Delays, die erfrischend charaktervolle Gegenseite. Bei aktuell erhältlichen Delays kann man dem Klang glücklicherweise häufig noch mit Filtern, Bitcrushern oder EQs zu Leibe rücken, sodass selbst ein HiFi-Delay noch ordentlich Schmutz bekommt.

Ich bin sogar der Ansicht, dass es schwieriger ist, eine gute Retro-Emulation zu finden, als sauber klingende HiFi-Delays. Gerade bei hohen Feedbackwerten und manueller Änderung der Geschwindigkeit neigen die Originale dazu, herrlich zu eiern oder mit lebendiger Übersteuerung zu reagieren. Das war übrigens auch eines der Hauptkriterien für diese Bestenliste: Falls ein Delay in dieser Disziplin versagt, kommt es gar nicht erst in die engere Auswahl.

Analoge Komponenten

Hier stellt sich die Frage, wie wichtig dir ein echt analoger Aufbau ist. Viele Analogdelays sind mit einer sogenannten Eimerkettenschaltung ausgestattet. Dabei kommen ein hochfrequenter Clock-Generator für die Verzögerungszeit und nahezu immer noch ein Tiefpassfilter zum Einsatz, das die hochfrequenten Clocksignale wieder aus dem Audiokanal entfernt. Durch das Tiefpassfilter klingen diese Effektpedale oftmals etwas muffig, sorgen aber gleichzeitig für ein schönes Analogfeeling, wenn es in die Sättigung gefahren wird.

Der zweite populärer Vertreter dieser Gattung ist das Bandecho, bei dem das Audiosignal auf einem Tonband aufgenommen und im Loop wiedergegeben wird. Häufig fangen ältere Bänder irgendwann an leicht zu leiern oder verlieren an Höhen was einen Anteil an dem gefragten Retrocharme hat. Indem man bei laufendem Band die Delay-Rate ändert, wird das aufgenommene Signal langsamer oder schneller abgespielt. Dadurch ändert sich dann auch die Tonhöhe entsprechend, was zu den wunderbaren Dub-Delays führt.

Obwohl gerade Delay-Emulationen mittlerweile richtig gut sind, ist das Erlebnis eines laufend schnurrenden Bandes nur schwer zu reproduzieren. Da sich Tape-Delays aber sowohl auf dem Gebrauchtmarkt als auch neu gekauft oftmals außerhalb der Budgetgrenzen befinden, habe ich mich in dieser Liste nur auf gute digitale Kopien konzentriert. Wenn du diesen Sound unbedingt ohne Kompromisse haben möchtest, empfehle ich dir das Echo Fix Tape Echo. Das liegt allerdings auch schon über dem Preis, den man für ein gut erhaltenes Original-Tape-Echo zahlen muss. Dafür allerdings mit Garantie.

Echter Stereo-Signalweg

Hier muss man tatsächlich etwas aufpassen, denn viele der Delay-Pedale sind für Monosignale ausgelegt. Wir wollen aber einen Synthesizer daran anschließen und möglichst flexibel bleiben. Umso wichtiger ist es, dass Delay Effekte für Synthesizer einen echten Stereo-Signalweg, also zwei Eingangs- und zwei Ausgangskanäle haben.

Ausreichend Bedienelemente

Neben dem Klang und der Unabhängigkeit vom Rechner ist ein wesentlicher Grund für Hardware der direkte Zugriff. Deshalb sollte das Delay-Effektpedal auch eine gute Auswahl an Drehreglern, Tastern oder Fadern bereitstellen. Hierbei kommt es weniger auf die Anzahl insgesamt an. Vielmehr ist es wichtig, dass die wichtigsten Parameter ohne Menünavigation auskommen. Bei Delays sind das vor allem Verzögerungszeit, Feedback, Auswahl des Algorithmus und Effektanteil. Falls das Delay darüber hinaus ein Filter besitzt ist es gut, den Cutoff direkt einstellen zu können.

Speicherplätze

Falls du vorhast, das Delay live einzusetzen, sind Speicherplätze ein echter Segen. Während man im Studioalltag schnell mal alternativ auf PlugIns zurückgreifen kann, ist das Tourgepäck in der Regel möglichst kompakt gehalten. Umso praktischer ist es, wenn man an einem Effektpedal schnell mal zwischen verschiedenen Settings hin- und herschalten kann.

MIDI-Synchronisation

Wenn man vorhat, die Delay Effekte rhythmisch exakt auf den Beat zu setzen, bieten sich zwei Möglichkeit besonders gut an: Entweder man nutzt einen Taster um das Tempo nach Gehör per Hand einzutippen, oder man speist das Delay Pedal über MIDI mit einer Clock. Natürlich kann man das Tempo mit etwas Geduld auch nach Gehör anpassen. Falls man sich aber – etwa während einer hektischen Live-Performance – lieber auf andere Dinge konzentrieren möchte, ist es gut, wenn das Pedal einen MIDI-Input besitzt.

Damit kommen wir auch direkt zu den besten Delay Effekten für Synthesizer. Die Liste habe ich mit Fokus auf elektronische Musik wie Techno, Ambient oder Deep House erstellt. Und natürlich spielt bei solchen Bestenlisten der persönliche Geschmack immer auch mit rein. Wenn du also noch weitere Vorschläge hast, freue ich mich über Anregungen in der Kommentarsektion.

Die besten Delay Effekte für Synthesizer: Übersicht

Source Audio Nemesis: Der Preis-/Leistungstipp

Falls du auf der Suche nach einem echten Allrounder bist, solltest du dir das Source Audio Nemesis einmal genauer ansehen. Denn das unscheinbare Effektpedal bietet auf platzsparendem Raum 24 unterschiedliche Delay-Algorithmen. Die Palette reicht hier vom trashigen Lo-Fi-Delay, über eine Auswahl an BBD- und Tape-Delays bis hin zu edlen Stereo-Delays.

Zusätzlich bietet die Editor-App „Neuro Mobile“ die Möglichkeit, sich seine eigenen Delay-Kombinationen zusammenzustellen und in einem der 128 Speicherplätze abzulegen. Zwar lassen sich diese nur per MIDI-Befehl aufrufen, aber über die Oberfläche lassen sich immerhin acht Presets direkt abrufen.

Das Source Audio Nemesis findet seinen Platz im Studio ebenso wie in Live-Situationen. Dafür sorgt eine gute Auswahl an Drehreglern, über die man etwa Verzögerungszeit, Effektanteil oder Feedback einstellt. Zu einem Preis von rund 300 € bekommt man ein vielseitiges Stereo-Delay, das klanglich absolut überzeugt.

Strymon Volante: Das perfekte Retro-Delay für Synthesizer?

Strymon emuliert mit dem Volante den Sound klassischer Magnet-Delays und bietet dafür drei verschiedene Algorithmen. Während sich Studio und Tape auf die Nachbildung von Bandechos konzentrieren, hat sich der Modus „Drum“ der Nachbildung des legendären Binson Echorec Trommelechos spezialisiert. Jedes Modell färbt mal stärker, mal weniger den Klang. So oder so: Was am Ende rauskommt hat ordentlich Charakter und lässt Synthesizer-Sounds richtig aufleben.

Da die insgesamt vier emulierten Tonköpfe frei verschaltet, mit Filtern bearbeitet und separat im Panorama verteilt werden können, sind selbst komplexere Delays möglich. Daher sind auch groovigere Delay-Lines schnell umgesetzt.

Durch seine robuste Verarbeitung, echten Stereosignalweg und einem großartigen Klang ist das Strymon Volante das perfekte Retro Delay für Synthesizer. Hatte ich eigentlich schon erwähnt, dass das Strymon Volante zusätzlich noch über eine gute Federhall-Emulation verfügt?

Erica Synths Zen Delay: Perfekte Dub Delays

Das Zen Delay von Erica Synths mag nicht so flexibel sein wie die anderen Kandidaten dieser Liste. Was es macht, macht es jedoch richtig gut: Hervorragend klingende Dub- und Retro-Delays mit viel Charakter.

Das Zen Delay ist ein Hybrid aus digitaler Emulation von Delays und analogen Komponenten. Das Eingangssignal kann dabei mit Röhrensättigung ziemlich heiß angefahren werden. Zusätzlich verpasst ein analoges Multimode-Filter mit Hochpass, Bandpass und Tiefpass dem Sound eine ordentliche Portion Lebendigkeit. Besonders gelungen ist beim Zen Delay die Bedienung. Durch die großen Regler findet man sich auch in dunklen Live-Situationen nahezu blind zurecht.

Guter Sound und intuitive Bedienung – das Zen Delay macht von den hier vorgestellten Delay Effekten für Synthesizer sicherlich am meisten Spaß. Dafür fällt mit fast 600 € allerdings auch ein ziemlich sportlicher Anschaffungspreis an.

Zum Test Erica Synths Zen Delay.

UAFX Starlight Echo Station: Tape-Echo mit Schmutz

Wer beim Sound keine Kompromisse eingehen möchte und mit wenigen, aber dafür gut klingenden Delay-Algorithmen zurechtkommt, sollte sich das Starlight Echo Station einmal ansehen.

Das Starlight Echo Station ist Tape-Delay, Analogdelay, sowie modernes HiFi-Delay in einem. Egal für welchen Algorithmus man sich entscheidet, es klingt eigentlich immer ausgezeichnet.

Zudem sind die Parameterwerte perfekt aufeinander abgestimmt, sodass man immer im Sweetspot bleibt. Von subtilen Delays, die Einzelsignale rhythmisch vorantreiben bis hin zum mächtigen Dub-Delay auf kompletten Dubtechno und Ambient-Tracks: Das Starlight Echostation überzeugt in einer Vielzahl von Anwendungen.

Hier geht es zum UAFX Starlight Echo Station Test.

GFI Specular Tempus

Zugegebenermaßen ist es etwas unfair, eine Kombination aus Delay und Reverb in diese Liste mit aufzunehmen. Zumal das GFI System Specular Tempus bereits einen Ehrenplatz im Artikel die besten Reverb-Pedale für Synthesizer bekam. Trotzdem darf das Specular Tempus auch in diesem Artikel nicht fehlen. Denn das Teil klingt einfach unfassbar gut.

Deutlich sichtbar ist das große LC-Display auf der Oberseite, das einerseits praktische Informationen liefert, andererseits aber auch zur Navigation hinab in tiefere Menüebenen dient. Und das ist gleichzeitig auch der einzige Wermutstropfen an diesem Pedal: Denn bei gerade mal vier Drehreglern sind die Möglichkeiten zur intuitiven Steuerung begrenzt. Zumal einer davon lediglich den Effektanteil bestimmt und ein weiterer frei zugewiesen wird. Wenn man die Zuweisung intelligent macht, ist das sicherlich ein guter Kompromiss. Aber ich bleibe dabei: In stressigen Live-Situationen ist es besser, fest zugewiesene Parameter pro Regler zu haben.

Andererseits hat man durch den Zugriff über das Menü zumindest die Wahl, auch ohne Editor-Software tief ins Sounddesign einzusteigen. Wenn man das nicht möchte, liefert GFI mit der SpecLab-Software einen kostenlosen Editor, mit dem eigene Effekt-Settings bequem über den Rechner programmiert werden. Insgesamt stehen dafür 32 Algorithmen und ebenso viele Speicherplätze zur Verfügung.

Meris Polymoon: der Breitermacher

Als ich das erste Mal für einen Test das Polymoon in den Händen hielt, wirkte die Effektkombi aus Delay, Phaser und Flanger eher unscheinbar auf mich. Das änderte sich jedoch schlagartig in dem Moment, als ich das Signal aus dem Peak durch schickte: So ein hochaufgelöstes Stereobild hatte ich bis dahin noch in keinem Effektpedal gehört. Das Polymoon klingt einfach nur edel und verleiht jedem Audiosignal zusätzlich Glanz. Aber genug der Euphorie – gucken wir uns an, was das Pedal kann.

Zum einen sind da die beiden Effekte Phaser und Flanger. Beide lassen sich einzeln oder zusammen aktivieren und umfangreich durch LFOs steuern. Gerade Modulationseffektpedale haben oft den Nachteil, eher auf Gitarren hin optimiert zu sein und viele Synthsounds daher eher unangenehm näseln. Beim Polymoon hingegen klingen sie fast immer gut. Zum anderen handelt es sich beim Polymoon um ein Multi-Tap Delay.

Durch unterschiedliche Abstände zwischen den einzelnen Verzögerungen entstehen spannende Rhythmusmuster und bringen auf neue Ideen. Die Art des Rhythmus wird dabei mit einem der sechs Drehregler bestimmt.

Die Bedienung des Polymoon ist trotz der Möglichkeiten immer noch sehr intuitiv, zumal hier fast jeder Parameter seinen eigenen Regler hat. Nur bei der Auswahl der LFOs oder dem EQ des Delays muss man den Shift-Taster benutzen.

Electro Har­monix Deluxe Memory Boy: Analoge Unperfektheit

Sobald klassische Analogdelays gefragt sind, darf ein Effektpedal natürlich nicht fehlen: Die Memory Man bzw. Memory Boy Serie von Electro Harmonix. Das hier vorgestellte Delay Deluxe Memory Boy bietet als günstigere Alternative zu der Memory Man Reihe immer noch eine Menge guter Features für die Verwendung mit Synthesizern.

Zum einen kann man Dank des internen LFOs das Deluxe Memory Boy auch als Chorus, Flanger oder für Vibratos nutzen. Hierfür stehen sowohl die Schwingungsformen Dreieck als auch Rechteck zur Verfügung, die sich zudem frei überblenden lassen. Zum anderen reagiert das Pedal auch auf heißere Eingangssignale recht gnädig mit einer angenehmen Übersteuerung.

Sehr cool bei diesem Pedal ist übrigens, dass man über den Expression-Eingang auch Steuerspannung nutzen und frei zuweisen kann. Die Ziele werden dabei per Taster auf der Oberfläche bestimmt. Dadurch macht das EHX Memory Boy Pedal auch eine sehr gute Figur in Verbindung mit einem Modularsystem.

Der Budget-Tipp: TC Electronic Flashback

Kommen wir nun zu einer Empfehlung für schmalere Budgets. Das tc electronic Flashback II überzeugt sowohl durch eine gute Auswahl an Delay-Algorithmen also auch durch seinen runden Klang. Alleine diese zwei Argumente würden schon ausreichen, um sich das rund 110 Euro teure Pedal mal genau anzusehen.

Neben den acht Delay-Modellen stehen Musikern aber noch drei weitere Speicherplätze für eigene Delay-Kreationen zur Verfügung. Hierfür liefert tc electronic eine kostenlose Toneprint App mit, über die man sich eigene Delays zusammenbauen und anschließend in das Pedal laden kann.

Meris LVX: Ein kleines Delay-Modularsystem?

Am Ende dieser Liste möchte ich noch meinen persönlichen Favoriten hinzufügen. Das Meris LVX Modular System macht seinem Namen alle Ehre. Denn unter der schicken weißen Oberfläche steckt ein enorm flexibles Delay mit hochwertigem Sound.

Fazit: Die besten Delay Effekte für Synthesizer

Dank der hohen Beliebtheit im Gitarrensektor gibt es hunderte mögliche Pedalkandidaten auf dem Markt. Unter der großen Auswahl findet sich zum Glück auch eine Reihe guter Delay Effekte für Synthesizer, die viele der genannten Anforderungen erfüllen. Die Preisspanne ist hierbei enorm und reicht von einmal Essen gehen bis hin zu einem Urlaub zu zweit. So bekommt man etwa mit dem tc flashback II ein echt günstiges Delay-Pedal, das zudem gut klingt und flexibel ist. Das wäre auch direkt mein Tipp, wenn das Budget etwas geringer ist.

Falls man etwas Geld zum investieren hat, wären meine Favoriten das Strymon Volante und das Meris LVX. Während sich das Strymon Volante an Fans des echten Retrosounds richtet und diese Disziplin auch ausgezeichnet beherrscht, bekommt man mit dem Meris LVX ein extrem gut klingendes Pedal mit flexiblen Möglichkeiten. Das LVX bringt jeden Synthesizer zum glänzen und sorgt für eine beeindruckende Stereobreite.

Preis-Leistungs-Sieger ist das Nemesis von Source Audio. Das Pedal bringt alles mit, was ein Delay Effekt für Synthesizer haben sollte. Klanglich muss man zwar minimale Abstriche gegenüber Spezialisten wie Volante oder Polymoon machen. Durch seine Vielseitigkeit sollte es dennoch in die engere Auswahl genommen werden.

Und noch ein Lesetipp am Ende: Wenn dir dieser Artikel gefallen hat, solltest du dir unbedingt auch mal „die besten Reverb Pedale für Synthesizer“ ansehen. Suchst du eine Software-Empfehlung? Dann könnte der Artikel die besten Delay-PlugIns etwas für dich sein.

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Checkliste: Was sollte eine Groovebox für elektronische Musik mitbringen?

Zunächst einmal sollte eine Groovebox alles mitbringen, um komplette Tracks ohne zusätzliches Equipment zu produzieren. Also Drums, Synthesizer, Sequencer und vielleicht sogar noch Sampling. Das ist nicht nur wichtig, wenn man einfach mal ohne Computer Musik machen möchte, sondern auch dann, wenn man sich ohne großen Equipmentfuhrpark auf seine Ideen konzentrieren möchte. Ebenso kann man mit einer gut ausgestatteten Groovebox komplette Live-Performances bestreiten.

1. Eigene Klangerzeugung
2. Drum-Sektion
3. Ausreichend Polyphonie
4. Sampling
5. Viele Anschlüsse
6. Einzelausgänge
7. Sequencer mit Step- und Live-Programmierung
8. Viele Regler

1. Groovebox mit eigener Klangerzeugung

Ganz am Anfang mag man sich noch über eine Menge guter Factory-Presets freuen. Spätestens aber wenn man eigene Tracks performen möchte, sollte eine flexible Klangerzeugung fürs Sounddesign zur Verfügung stehen. Denn das hilft sehr, um seinen Tracks eine persönliche Note mitzugeben. Ob die Sound-Engine der Groovebox nun analog oder digital aufgebaut ist, spielt erstmal keine Rolle: Gut klingen muss sie und der Workflow muss inspirierend sein. Klang ist dabei oftmals subjektiv und so kann sich der eine für einen Digitone oder Circuit begeistern, während ein anderer auf den analog-melancholischen Sound eines Analog Four schwört.

2. Eine Drum-Sektion

Wer elektronische Musik macht, kommt an guten Drum- und Percussion-Sounds kaum vorbei. Umso wichtiger ist es, dass die Groovebox in der Lage ist, diese zu liefern. Idealerweise bietet das Gerät einen speziellen Bereich, in dem mehrere Drum-Tracks zur Verfügung stehen. Ebenso funktionieren Parameter Locks wie bei Elektrons Digitone, bei dem man pro Step einen Sound auswählen und abspielen kann.

3. Ausreichend Polyphonie

Je mehr Stimmen die Groovebox gleichzeitig wiedergeben kann desto besser! Wer komplexere Arrangements fahren möchte, benötigt unbedingt Reserven bei der Polyphonie. Ansonsten werden Pads abgeschnitten oder Drum-Sounds einfach verschluckt.

4. Sampling

Zusätzlich zur Drum-Sektion kann Sampling oder zumindest das Importieren eigener Samples eine echte Bereicherung sein. Schnell mal eine optimierte Kick aus dem Rechner importieren ist so problemlos möglich.

5. Vielseitige Anschlussmöglichkeiten

USB, MIDI und Audio über USB: Je mehr Anschlussmöglichkeiten eine Groovebox bietet, umso einfacher ist es, diese später einmal in bestehende Setups zu integrieren. Besonders das klassische MIDI-Interface mit Ein- und Ausgang ist spätestens dann essentiell, wenn man komplett ohne Computer mit mehr als einem Gerät performen möchte.

6. Einzelausgänge

Falls eine Groovebox über eine gute Mixing-Sektion verfügt, ist es nicht so tragisch, wenn keine separaten Ausgänge für jede einzelne Spur vorhanden sind. Trotzdem können Einzelausgänge in Verbindung mit einem externen Mischpult sehr hilfreich sein, wenn man bei einer hektischen Performance nicht immer zwischen Menüs hin- und herspringen möchte. Zusätzlich ermöglichen separate Outs die Bearbeitung einzelner Instrumente mit externen Effekten.

7. Pattern-basierter Sequencer mit Step-Programmierung

Natürlich muss eine Groovebox über einen Sequencer verfügen, ansonsten wird es schwer, komplexere Tracks damit zu produzieren. Nicht selbstverständlich ist allerdings die Möglichkeit, Melodien und Drums per Step-Eingabe zu programmieren. Das erhöht zusätzlich den Spaßfaktor und gemeinsam mit Lauflicht gibt diese Programmierung auch ein nützliches visuelles Feedback. Wichtig ist nur, dass die Groovebox sich nicht auf starres Step-Sequencing beschränkt, sondern außerdem in der Lage ist, in Echtzeit aufzunehmen. Schließlich sorgen nicht 100 % akkurat sitzende Noten erst für den nötigen Groove.

8. Regler zur spontanen Klangbearbeitung

Elektronische Musik lebt vom Sounddesign. Und um das sowohl beim Produzieren als auch bei Live Performances gut umzusetzen, benötigt man Drehregler, Fader oder andere Eingabemöglichkeiten.

Dabei ist es gar nicht mal so wichtig, wie viele Regler zur Verfügung stehen. Vielmehr muss die Auswahl Sinn ergeben. Also entweder auf häufig genutzte Parameter wie Cutoff abzielen oder – was noch besser ist – frei konfigurierbar sein. Mit einem intelligent zusammengestellten Set aus acht Drehreglern eines Novation Circuit oder eines Elektron Analog Four lassen sich Sounds beeindruckend verbiegen.

Nachdem jetzt die wichtigsten Features herausgestellt wurden, können wir uns jetzt die besten Grooveboxen ansehen. Nicht alle davon bieten immer die komplette Ausstattung. Trotzdem ist jede auf ihre Art perfekt auf elektronische Musik zugeschnitten. Welche Groovebox es letztlich werden soll, entscheiden persönliche Präferenzen und nicht zuletzt auch immer das verfügbare Budget. Abschließend hierzu noch ein Tipp: Solltest du dich schwer in ein Modell verliebt haben das oberhalb deines finanziellen Rahmens liegt: Versuche lieber, noch ein paar Monate länger zu sparen, als mit einem Kompromiss zu leben.

Novation Circuit – Die perfekte Groovebox für Einsteiger

Novations Circuit Tracks – bzw. die Circuit-Serie – erfreut sich seit Jahren großer Beliebtheit. Das liegt vor allem am direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter, der Reduktion auf das Wichtigste, sein geringes Gewicht und dem verhältnismäßig günstigen Preis von rund 350 €.

Circuit Tracks ist eine ideale Groovebox, um schnell mal Ideen festzuhalten oder komplette Tracks darauf zu programmieren. Falls man vorhat unterwegs zu produzieren, kann man das Dank interner Spannungsversorgung über den Akku über Stunden ohne Steckdose tun.

Richtig spannend wird es allerdings, wenn man die vorgefertigten Presets beiseite lässt, und sich mit dem Editor an die Erstellung eigener Patches macht. Denn unter der intuitiven Oberfläche verstecken sich zwei vollwertige digitale Synthesizer, deren Engine auf der Nova-Reihe basiert. Daher klingt der Novation Circuit Tracks auch immer eher digital, das aber im positiven Sinne.

Überblick Novation Circuit Tracks

Abgerundet wird die Ausstattung des Circuit durch die Möglichkeit, eigene Samples zu importieren. Diese lassen sich in insgesamt vier Spuren programmieren, was erstmal nicht nach besonders viel klingt.

Seit dem letzten Betriebsystem-Update bietet der Circuit aber Sample Switch, was die Möglichkeiten noch einmal erheblich erweitert. Denn dabei werden genau die Samples aufgezeichnet, die man live über die Pads einspielt, sodass auch komplexere Drum-Arrangements möglich sind. Falls man allerdings viel mit Sampling arbeiten möchte, sollte man eher zu einem Elektron Digitakt oder Polyend Tracker greifen.

Synthstrom Deluge

Synthstrom Audio Deluge ist eine flexible Kombination aus Sequencer, Sampler, subtraktivem Synthesizer und einer zusätzlichem FM-Klangerzeugung. Das kompakte Kraftpaket ist also perfekt für elektronische Musik jeder Art geeignet. Allein der umfangreich ausgestattete Sequencer bietet nahezu unbegrenzt lange Tracks, Polyrhythmik, sowie eine schlaue Auswahl an Features für Live-Performances. Darunter finden sich Track Mutes, Note Repeat, Nudge und vieles mehr.

Die Klangerzeugung besteht aus klassischer subtraktiver Synthese inklusive spezielleren Features wie Ring Modulation und Sync, sowie Frequenzmodulation. Zudem ist wohl geplant, dass der Deluge in Zukunft noch Waveshaping beherrscht. Darüber hinaus ist es möglich, eigene Samples einzubinden.

Die Samples lassen sich dabei direkt von der SD-Karte abspielen und das ist leider keine Selbstverständlichkeit. Schließlich haben es selbst Industriegiganten wie Akai Pro oder Native Instruments immer noch nicht geschafft, dieses wichtige Feature in ihre Geräte (MPC-Serie, Maschine+) zu implementieren.

Abgerundet wird die Ausstattung des Deluge noch durch eine umfangreiche Effekt-Engine, die neben den Standards sogar exotischere Algorithmen wie Live Stutter und Bit Crusher bereithält. Das ist besonders erfreulich, zumal man auch externe Instrumente anschließen und durch die Effekte jagen kann.

Den Synthstrom Deluge kann man für rund 800 € inklusive Transportkosten – aber ohne Zoll und Einfuhrsteuer – im Onlineshop von Synthstrom bestellen. Wer sich eine Groovebox für elektronische Musik zulegen möchte, sollte sich den Deluge auf jeden Fall mal näher ansehen.

Überblick Synthstrom Deluge

Elektron Digitone – Ein FM Synthesizer als Groovebox?

Elektron Digitone ist doch keine Groovebox! Grundsätzlich würde ich diesem Statement zustimmen, schließlich handelt es sich beim Digitone um einen waschechten FM-Synth mit angedocktem Sequencer. Dennoch ist der Digitone durchaus in der Lage, ein komplettes Live-Set abzufeuern.

Denn dank Parameter-Locks, Track Mute-Funktionen und subtraktiver Filter-Sektion geht mit dem Digitone extrem viel. Von komplexen Drum-Arrangements für IDM bis hin zu sphärischen Melodic Techno Tracks bietet der Digitone alles, was man für eine Performance benötigt.

Überblick Elektron Digitone

Elektron Model:Samples

Wer überhaupt nichts mit FM-Synthese anfangen kann, sollte sich den Model:Samples aus gleichem Hause ansehen. Denn Elektron hat es geschafft, eine immer noch recht flexible Sampling-basierte Soundengine in ein Format zu gießen, das auch in hektischen Live-Performances noch ausgezeichnet bedienbar bleibt.

Anstatt viele Funktionen in Untermenüs zu verstecken hat beim Model:Samples nahezu jeder Parameter einen dazugehörigen Drehregler. Dazu gibt es eine Kombination aus Tief- und Hochpassfilter, eine gut klingende Effektsektion mit Delay und Reverb, sowie eine Verzerrungsstufe.

Überblick Elektron Model:Samples

Keine Frage: Der Model:Samples ist eine perfekte Groovebox, wenn man schnell auf den Punkt kommen möchte. Falls man sich doch eine umfangreichere Klangerzeugung wünscht, hat Elektron mit dem umfangreicher ausgestatteten Digitakt eine wunderbare Alternative am Start. Zwar sind hier einige Funktionen in Menüs versteckt. Wenn man sich aber einmal in den Workflow eingearbeitet hat, wird man mit einer mächtigen Sampling-Groovebox belohnt, die zudem als zentrales Element in einem größeren Setup eine gute Figur macht.

Roland SH-4d – Groovebox von Roland

Roland lieferte Mitte der 90er Jahre mit der MC-303 den Prototypen für diese Gerätegattung. In dieser Tradition sind immer wieder Nachfolger auf den Markt gekommen, die meistens am Kürzel „MC“ zu erkennen sind. Aber auch der Roland SH-4d steht in dieser Groovebx-Linie, vereint er doch eine ausgewachsene Synthengine mit einer gut klingenden Drumsektion und Sequencer.

Der SH-4d lädt mit zahlreichen Bedienelementen zum Soundschrauben ein. Aus elf unterschiedlichen Synthesizermodellen lässt sich in vier Parts jeweils ein Modell auswählen und vom internen 64-Step-Sequencer oder live gespielt ansteuern. Hinzu kommt eine umfangreiche und gute Effektabteilung, mit der man seinem Sound eine gute Politur verpasst.

Überblick Roland SH-4d

Polyend Tracker Mini – Die etwas andere Groovebox

Polyend verfolgt mit dem Tracker Mini ein etwas anderes Konzept als die Lauflicht-basierten Sequencer der bereits vorgestellten Modell. Trotzdem gehört er in diese Liste, denn die Andersartigkeit eines Trackers kann einem beim Produzieren völlig neue Wege eröffnen.

Im Gegensatz zur Lauflichtprogrammierung durchläuft der Sequencer seine Positionen von oben nach unten. Dabei kann pro Step nicht nur Note, Anschlagdynamik etc. bestimmt werden, sondern auch, welches Sample er gerade an dieser Position abspielt. Der klassische Ansatz, jedem Track ein Instrument zuzuweisen, würde hier zwar funktionieren. Richtig spannend wird es aber dann, wenn man zum Beispiel einen Drumloop zerschneidet und ihn in einer Spur komplett neu zusammensetzt. Daher verwundert es nicht, dass das originale Tracker-Konzept bereits in den 90er Jahren sehr stark im Drum and Bass oder Jungle genutzt wurde.

Aber auch im Ambient, Techno oder anderen Spielarten elektronischer Musik macht der Polyend Tracker Mini eine gute Figur. Schließlich bestimmt der User, welche Samples im internen Speicher landen und weiterbearbeitet werden. Dazu stehen im Tracker übrigens mehrere Möglichkeiten zur Verfügung. Die Samples lassen sich durch subtraktive Synthese mit Filtern etc. verarbeiten oder mit Granularsynthese verändern. Dazu sieht der Tracker Mini einfach nur schick aus und passt mit wenig Gewicht und Umfang gut ins Reisegepäck.

Überblick Polyend Tracker Mini

Die besten Grooveboxen für elektronische Musik – Fazit

Falls du dich entscheiden solltest, elektronische Tracks nur mit einer Groovebox zu produzieren aber noch ganz am Anfang stehst, sind Novations Circuit Tracks, Elektron Model:Samples oder der MC-707 von Roland ein guter Einstieg. Für das aufgerufene Budget bieten sie genügend Möglichkeiten selbst für komplexeres Sounddesign und abwechslungsreiche Tracks. Trotzdem – und das ist fast noch wichtiger – machen alle drei Kandidaten direkt Spaß, ohne sich erst lange in die Materie einarbeiten zu müssen.

Wenn du schon etwas länger dabei bist und einfach mal komplett ohne den Computer produzieren möchtest, wären meine Favoriten der Elektron Digitone, sowie der Synthstrom Deluge. Beide besitzen eine vielseitige Klangerzeugung und ausreichend Spuren um weiteres Equipment anzusteuern.

Der Polyend Tracker Mini mag auf den ersten Blick nicht ganz so flexibel wie etwa ein Deluge erscheinen. Trotzdem sind sein außergewöhnlicher Ansatz als Tracker, sein kompaktes Format und nicht zuletzt seine Limitierungen eine ideale Inspirationsquelle, wenn man ausgetretene Pfade verlassen möchte. Eine Liebe zum Sampling sollte in diesem Fall natürlich vorhanden sein.

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Bevor ich konkrete Modelle vorstelle, möchte ich aber noch einen Gedanken loswerden. In vielen Studios sehe ich Synthesizer und Outboard-Equipment dessen Gesamtwert nicht selten mehrere Tausend Euro übersteigt. Ich kann das verstehen, denn Hardware-Klangerzeuger machen beim Produzieren oftmals mehr Spaß als die Peripherie drum herum. Hinzukommt, dass Synthesizer den Klang direkt haptisch begreifbar machen. All das ist etwas, was ein Studiomonitor nicht sofort bietet.

Nun ist es aber häufig so, dass neben den Synthesizer-Burgen dann ein paar Billigbrüllwürfel stehen. Ihr trauriges Dasein fristen diese entweder in der Ecke ganz an der Wand, oder halb versteckt hinter dem Computer-Bildschirm. Und an dieser Stelle stellt sich dann doch die Frage, wozu ständig vom besseren Hardware-Sound die Rede ist, wenn auf der anderen Seite die Mittel fehlen, diesen vernünftig zu beurteilen.

Gute Raumakustik und hochwertige Lautsprecher sind essentiell

Oder um es mit anderen Worten auszudrücken: In einem guten Studio sollten erst zwei grundsätzliche Dinge vorhanden sein, bevor man in teure Klangerzeuger investiert. 1. Eine vernünftige Raumakustik. Da kann man mit DIY-Maßnahmen bereits für deutlich unter 1000 € wahre Wunder bewirken. Wenn Punkt 1 erfüllt ist, kann man sich dem zweiten Punkt widmen, gute Studiomonitore. Bis diese beiden Punkte abgehakt sind, kann man problemlos mit einem Computer, DAW, Softsynths und einem guten Paar Studiokopfhörer sensationell klingende Tracks produzieren.

Damit möchte ich niemandem absprechen, sich einen Hardware-Synth für den Spaßfaktor oder den direkten Zugriff anzuschaffen. Das klangliche Argument lasse ich in einem suboptimalen Setting aber nur bedingt gelten.

Die Studiomonitore müssen zum Raum passen

Ergänzend zum vorher gesagten sollte auch die Raumgröße bei der Anschaffung der Monitore beachtet werden. In einem kleinen Raum machen Midfield-Monitore wenig Sinn.

Ebensowenig ist es ratsam, mit dem Kauf eines Subwoofers darauf zu hoffen, dass man einen fehlenden Bassanteil ausgleichen kann, der auf die Größe des Raums zurückgeht. Man dreht dann immer mehr Bass rein, um endlich auch mal etwas zu hören. Am Ende nimmt man am Studiotisch dann ein paar Tieffrequenzen lauter wahr, während der Bass in der Küche am Ende des Flurs die Tassen aus den Schränken fegt.

Die besten Studiomonitore für elektronische Musik: Aktuelle Marktübersicht

Presonus Eris Studio 5

Den Auftakt dieser Liste macht PreSonus mit ihrer Eris-Reihe. Das hier vorgestellte Modell Eris Studio 5 ist mit rund 250 € pro Paar recht günstig und dürfte sich damit vor allem an Einsteiger richten.

Die aktiven Nahfeldmonitore erzeugen bis zu 102 dB. Der Frequenzbereich reicht von 48 bis 20.000 Hz, was allerdings für eine gute Beurteilung des Bassbereichs nicht ausreichen wird. Aber das ist ein Problem, mit dem die meisten Monitore in diesem Preissegment zu kämpfen haben.

Früher oder später sollte man daher einen Subwoofer mit einkalkulieren, wenn es der Raum zulässt. Auf der Rückseite findet sich noch ein rudimentärer EQ inklusive LowCut-Schalter, um die Lautsprecher etwas besser an den jeweiligen Raum anpassen zu können.

Focal Alpha 65 EVO

Focal hat mit den Alpha 65 Evo gut klingende Studiomonitore im Programm, die sich mit einem Anschaffungspreis von rund 650 Euro das Paar auch an Einsteiger richten. Der Frequenzbereich geht runter bis 40 Hz, wodurch auch Bässe noch einigermaßen gut abgebildet werden. Für die Beurteilung eines guten Clubmix fehlt nach unten zwar noch etwas, weshalb man hier ebenfalls über einen Subwoofer nachdenken könnte.

Auf der Rückseite der Boxen findet sich ein grafischer EQ. Mit diesem kann man die Lautsprecher noch etwas an den Raum anpassen. Dadurch kann man Über- oder Unterbetonungen einzelner Frequenzbereiche entgegenwirken. Einen optimierten Raum ersetzt ein EQ natürlich nicht, aber etwas Optimieren geht damit schon. Mit einem Schalldruck von maximal 106 dB (bei 1m) erzeugen die Focal Alpha 65 Evo auch genügend Lautstärke, wenn einem mal danach ist.

Yamaha HS-8

Yamaha hat jahrzehntelange Erfahrung in der Herstellung von professionellen Studiolautsprechern. In dieser Tradition steht auch die Lautsprecher der HS-Serie, die mittlerweile in unzähligen Home- und Projektstudios zu finden sind. Und das aus gutem Grund: Für rund 550 € pro Paar bietet das hier empfohlene Modell HS-8 ein echt gutes Preis-Leitungsverhältnis.

Insgesamt 120-Watt Leistung wird über zwei Lautsprecher abgegeben. Dank 8″ Tieftöner und Bass-Reflex-System reichen die HS-8 runter bis 38 Hz, was man vor allem bei höheren Lautstärken angenehm im Bassbereich merkt.

Die Speaker klingen recht ausgewogen, machen dabei aber trotzdem noch Spaß. Zur Anpassung an den Raum gibt es auf der Rückseite der HS-8 zwei Schalter zur Absenkung und Erhöhung der Bässe und hohen Frequenzen. Nicht ganz so glücklich gelöst finde ich die Ausführung des Bass-Reflex-Rohrs nach hinten heraus. Im Gegensatz zur Frontvariante ist es hier bei naher Wandaufstellung wahrscheinlicher, dass es zu Phasenschweinereien kommt. Wenn man das beachtet und den Abstand variiert, bis es am Hörplatz gut klingt, ist das aber kein großes Thema.

Adam Audio A7V

Die Adam Audio A7V werden gerne als Studiomonitore für elektronische Musik empfohlen. Mit einem Frequenzbereich von 41 – 42.000 Hz decken sie ein breites Spektrum ab, das auch Bässe noch gut wiedergibt. Ansonsten gilt hier auch die Empfehlung, für eine gute Beurteilung des Subbass-Bereichs von Club-Tracks noch einen Subwoofer dazuzustellen. Bis dahin sind die A7V aber ein sehr verlässlicher Partner, wenn man mit etwas Erfahrung mischt und sich teilweise auf Analyzer verlassen möchte.

Adam Audio setzt bei ihren Lautsprechern auf ein eigenes Hochtönerkonzept (X-ART). Diese sind in der Lage, hohe Frequenzen sehr detailliert abzubilden, werden von einigen Produzenten im Dauerbetrieb aber als etwas anstrengend empfunden. Hier lohnt es sich unter Umständen, die hohen Frequenzen für die Abhörsituation etwas abzusenken. Ich konnte diese Kritik nicht nachvollziehen, wollte es aber dennoch hier aufführen.

Zur Anpassung an den jeweiligen Raum spendierte Adam Audio den A7V auf der Rückseite EQs für hohe und tiefe Frequenzen, die sehr effizient wirken. Mit maximalem Schalldruck von 105 dB (Peak / 1m) kann man die Monitore recht laut betreiben. Zu beachten ist noch, dass die A7V mit 8,7 kg pro Speaker bereits ein recht hohes Eigengewicht haben.

Genelec 8040 BPM

Als zweites Paar in der Klasse zwischen 1000-2000 € kommen die Genelec 8040 BPM mit einem Paarpreis von rund 1800 € ins Rennen. Die 8040 zeichnen sich durch einen recht analytischen Klang aus, dessen Stärken vor allem eine hohe Impulstreue und recht gute Tiefenstaffelung sind.

Die Raumapassung erfolgt etwas ungewöhnlich über DIP-Schalter auf der Gehäuserückseite. Das ist nicht ganz so intuitiv wie mit einem Drehregler, erfüllt Dank umfangreicher Beschaltungsmöglichkeiten seine Aufgabe aber gut.

Im Direktvergleich mit den Adam Audio A-8X klingen die Genelec direkter klingen und machen etwas weniger „Spaß“. Dafür lösen sie aber noch einen Tick besser auf. Hier muss jeder für sich entscheiden, was ihm lieber ist. Für elektronische Musik wichtig ist der Tiefbassbereich, der bei den 8040 BPM bis 45 Hz reicht. Hier haben also die Adam A8X wieder die Nase vorn. Wer den Sound der Genelecs bevorzugt, aber nicht auf den Tiefenschub verzichten möchte, sollte sich das nächst größere Modell Genelec 8050 mal ansehen. Der 8″ Tieftöner reicht hier herunter bis 38 Hz, was sich definitiv bemerkbar macht.

Adam Audio S3H: Wenn das Budget keine Rolle spielt

Zum Abschluss noch eine Studiomonitor-Empfehlung im höheren Preissegment. Zugegeben, diese Lautsprecher hauen mit einem Paarpreis von mehreren tausend Euro ein ziemliches Loch ins Konto. Ich wollte sie trotzdem in diese Liste aufnehmen, da es in diesem Preissegment kaum Alternativen gibt, die a) so eine geniale Stereobreite, b) akkurate Impulstreue und c) Spaß bei der elektronischen Musikproduktion bieten.

Adam hat mit den S3H ein sensationelles Produkt auf den Markt gebracht, das sowohl als Nahfeld- als auch als Midfield-Monitor eine gute Figur macht. In höheren Lautstärken kommt Club-Feeling auf, ohne dass man jedoch den Überblick verliert, weil sich etwa Frequenzen zu starküberlagern. Die Auflösung ist erstaunlich und legt im Vergleich zu den Lautsprechern im Preissegment bis 3000 € noch einmal ganz schön drauf: Transienten werden exakt wiedergegeben, man hört selbst kleinste Veränderungen bei der Anpassung von Dynamikprozessoren, EQs oder Reverbs.

Was mich aber fast noch mehr beeindruckte war die Tiefenstaffelung bei geringen Lautstärken. Nur wenige Studiomonitore schaffen es, Audiosignale auch bei geringer Zimmerlautstärke so wiederzugeben, dass man den Mix zuverlässig beurteilen kann.

Die S3H beherrschen beides und treten damit in Konkurrenz zu Lautsprechern, die noch einmal das doppelte Kosten. Natürlich sind rung 6700 € sehr viel Geld. Wenn man einige Zeit eisern spart, ist das aber vielleicht doch im Rahmen des Möglichen. Und dann sind die S3H wahrscheinlich das letzte Paar Studiomonitore, das man sich anschafft.

Fazit: Studiomonitore für elektronische Musik

Neben den hier gezeigten Modellen gibt es selbstverständlich noch unzählige andere Vertreter, die infrage kommen. Die hier vorgestellten Lautsprecher sind eine Auswahl derer, die ich entweder selbst im Einsatz hatte, oder die ich aus anderen Studios kenne.

Über die Jahre habe ich gelernt, dass gute Lautsprecher das wesentliche Element im Studio sind. Hier sollte man also eigentlich am wenigsten sparen. Es geht natürlich immer nur so viel, wie es das jeweilige Budget erlaubt.

Mein Tipp daher: Nehmt keinen Kredit auf, aber kauft auch nicht zu günstig. Ab einer (Low-Budget) Leistungsklasse lohnt es sich echt mehr, das Geld in gute Kopfhörer zu investieren, statt in semigeilen Studiomonitoren zu verbrennen.

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Polyend MESS – das wichtigste in Kürze

• Multieffekt-Gerät mit vier Effekten gleichzeitig
• Über 120 Effektalgorithmen
• Effektsteuerung über internen Sequencer
• Sequencer polymetrisch
• Solide verarbeitet, aber noch fehlen ein paar Features
• Perfekt für kreative Effektsettings, aber auch überzeugend bei Standardanwendungen

7.8 TOTAL SCORE

Polyend MESS

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Sound 9

Features 7

Bedienung 8

Preis/Leistung 7

Pro

• Über 120 hochwertige Stereo-Effekte
• Polymetrischer 4-Track-Sequencer
• Hochwertige Verarbeitung mit attraktivem Display
• Ideal für Live-Performer und Sounddesigner

Contra

• Parametertiefe oft zu limitiert
• Keine Glättung zwischen Steps
• Gelegentliche Audioaussetzer bei sehr komplexen Presets (mit viel Reverb & Granular)

Polyend MESS Test – Erster Eindruck und Verarbeitung

Einmal angeschlossen fällt sofort das helle und kontrastreiche Farbdisplay auf. Hier werden die wichtigsten Informationen auf maximal zwei Menüseiten dargestellt. Das robuste Aluminiumgehäuse, die sauber eingelassenen Bedienelemente und das helle, kontrastreiche Display machen sofort klar: Der MESS ist ein Live-Gerät.

Die Bedienoberfläche ist aufgeräumt, logisch angelegt und lässt sich auch ohne Handbuch schnell erfassen.
Die Potis wackeln zwar minimal, überzeugen aber durch einen angenehmen Drehwiderstand. Auch die kleinen Steptaster aus Gummi reagieren zuverlässig und geben den Status per LED wider. Die gummierte Unterseite sorgt bei hektischen Live-Performances dafür, dass der MESS stabil auf dem Tisch bleibt.

Anschlüsse

An der Rückseite finden wir alles, was man in einem modernen Setup braucht:

• Stereo Out (L/R, 6,3 mm Klinke)
• Stereo In (6,3 mm Klinke)
• Expression-Pedal-Eingang
• MIDI In/Out (3,5 mm TRS)
• USB-C

Erwähnenswert ist, dass man über den USB-C-Port auch MIDI-Clock senden und empfangen kann. Dazu muss man den Port zwar kurz im Display anwählen, aber die zusätzliche Flexibilität kam mir schon sehr gelegen.

Die Effektalgorithmen

Im Mess gibt es über 125 Stereo-Effektalgorithmen – mit einer beeindruckenden Bandbreite, die Standards ebenso abdeckt, wie ausgefallene Effektvarianten. Lediglich Dynamikprozessoren wie Kompressor hätte ich mir noch gewünscht, da diese im Verbund sehr spannende Ergebnisse liefern.

Dabei stellt der Polyend MESS Effekte der folgenden Kategorien bereit:

Reverbs

Das reichhaltige Sortiment von Reverbs reicht von kleinen Räumen bis zu großen Halllandschaften, wobei die großen Ambiences mich mehr überzeugen, als kleine Räume.

Delays

Das Angebot reicht hier von klassischen Digital-Delay, Simulationen anloger BBDs, bis hin zurhythmischen Multi-Delays. Gerade hier hätte ich mir häufig gewünscht, tiefer in den Klang eingreifen zu können. Bei Delays benötige ich oft Feedback, Time (links & rechts), sowie EQ (im Feedback-Weg). Und so gibt es einige Algorithmen, die mir klanglich richtig gut gefallen, für den Live-Einsatz dann aber z.B. Feedback fehlt.

Granular & Glitch

Texturen, Zerstückelungen und zerfallene Audiofragmente, perfekt für experimentelles Sounddesign. Sobald Granular-Effekte aktiviert sind, muss man allerdings etwas auf Audio-Dropouts achten. Denn in Verbund mit großen Hallräumen scheint dem Polyend MESS dann doch etwas die Puste auszugehen.

Wave-Shaper, Overdrive & Filter

Sättigungen, Bitcrushing, Distortion, Formantfilter – alles, was Klangcharakter formt. Wem das Filter zu zahm klingt, kann das Audiosignal mit Waveshaper und Overdrive in wirkliche Extreme fahren.

Pitch Shift & Spectralize

Harmonizer-artige Strukturen und spektrale Transformationen. Die Qualität des Pitch Shifters ist eher durchschnittlich und es wird schnell körnig. Wenn man diesen Effekt eher als Kreativtool und nicht als matürlich klingenden Harmonizer begreift, geht das Gebotene aber völlig in Ordnung.

Slicers & Microloopers

Rhythmische Repeater, Stutter- und Loop-Effekte, mit denen sich Beats oder Melodien komplett umformen lassen. Von kurzen Loops, bis hin zu rückwärts laufenden Stereo-Effekten, die einem gestoppten Tape ähneln – diese Algorithmen spielen ihre Stärken im Verbund mit dem Sequencer aus.

Die Qualität der Algorithmen liegt klar über dem Durchschnitt: Die Reverbs klingen dicht und dreidimensional, Delays sind musikalisch und definierbar, und die spektralen sowie granularen Effekte öffnen klanglich echte Welten.

Einziger Kritikpunkt: Manche Algorithmen bieten nur begrenzten Parameterzugriff. Hier wünscht man sich teils tiefere Editiermöglichkeiten oder sogar einen optionalen Software-Editor.

Interner Sequencer – Das Kernelement des Polyend MESS

Hier spielt der MESS seine wahre Stärke aus. Jeder der vier Effekt-Tracks lässt sich unabhängig voneinander sequenzieren – mit eigener Länge, Geschwindigkeit und Startpunkt.

Das bedeutet: Polymetrische Strukturen sind problemlos umsetzbar und helfen dabei, Sequenzen über die Zeit hinweg spannend zu gestalten.
Jeder Step kann Parameteränderungen enthalten – etwa Feedback, Reverb-Time oder Filterfrequenz – und diese lassen sich mit Wahrscheinlichkeiten und Zufallsfunktionen versehen. Dadurch entstehen sich ständig wandelnde Klanglandschaften, die im Live-Betrieb ebenso funktionieren wie im Studio.

Man kann Effekte pro Step aktivieren, automatisieren oder komplett durchwechseln. So verwandelt sich ein statischer Hall schnell in ein dynamisches Pattern aus Raum, Delay und Zerstörung.

Beim Sequencer haben mir vor allem drei Dinge gefehlt. Ein Parametersmoothing zwischen einzelnen Steps, damit man abrupte Änderungen bei Bedarf weichzeichnen kann.

Zusätzliche Modulationsquellen wie LFOs, die man beliebig auf Parameter routen kann, würden noch mehr Bewegung ermöglichen. Und drittens fand ich es schade, dass man den Transportbefehl nicht pro Preset speichern kann. Live möchte ich nicht immer, dass der Sequencer gleicht mitläuft. Per Play-Taster die Wiedergabe zu stoppen, ist zwar ein Kompromiss, im hektischen Live-Setup bin ich aber froh über jede Automation.

Polyend MESS Test – Fazit

Der Polyend MESS ist mehr als ein Multi-FX-Gerät – er ist ein Effekt-Instrument. Seine Kombination aus hochwertigen Algorithmen und einem leistungsstarken, polymetrischen Sequencer hebt ihn deutlich von der Konkurrenz ab. In Verbindung mit Drum Machines (z. B. Elektron, Polyend Play) oder einem Synth-Rig entfaltet der MESS eine enorme Ausdruckskraft. Für Live-Performer, Ambient-Künstler und Sounddesigner ist das Teil ein echtes Kreativlabor.

Die Verarbeitung ist top, die Bedienung intuitiv, und die Vielzahl unterschiedlicher Effekte lädt zum Experimentieren ein. Wer klassische Multieffekte sucht, wird hier zwar auch bedient, nutzt aber bei weitem nicht das vorhandene Potential. Wer Klang als bewegtes, performatives Material versteht, wird den MESS schnell ins Herz schließen.

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MIDI Controller für Ableton Live – Worauf sollte man achten?

Folgende Funktionen sollte ein guter Controller für Ableton mitbringen:

• Clip Launch Matrix
• Transport-Taster zur Steuerung von Start, Stop, Pause
• Fader und / oder Drehregler zur Steuerung von Parametern und Mixing
• Pads oder Klaviatur zum Einspielen von Instrumenten, gerne anschlagdynamisch
• Ein Display, damit man Werte auch direkt am Controller ablesen kann
• Wenig versteckte Funktionen, um sich bei Performances nicht auf Shift-Befehle konzentrieren zu müssen
• Beleuchtete Bedienelemente wie RGB-LEDs, damit man auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club noch zurechtkommt
• Taster für Mute / Arm / Solo

Je mehr Haken bei dieser Liste gesetzt werden, umso flexibler sind die Möglichkeiten, die der Controller bietet. Jetzt hängt es natürlich auch vom jeweiligen Einsatzgebiet ab, wie wichtig jeder einzelne Punkt ist. Für einen Live-Instrumentalisten werden anschlagdynamische Pads bzw. Klaviatur deutlich wichtiger sein, als beispielsweise Transport-Taster. Letztere sind wiederum im Studio unheimlich praktisch, wenn man nicht ständig auf die Mouse zurückgreifen möchte. Im Clubeinsatz ist häufig der direkte Zugang, also kein Navigieren durch Submenüs, essentiell. Wenn jemand den Controller zum Auflegen mit Ableton Live nutzen möchte, kann ein Crossfader praktisch werden.

So vielseitig die Einsatzgebiete sind, so umfangreich ist auch das derzeitige Angebot an MIDI Controllern für Ableton. Die folgenden Controller bieten (fast) alle der aufgelisteten Funktionen und können daher ohne Bedenken empfohlen werden. Die Details folgen.

Ableton Push 3

Aus dem Hause Ableton selbst kommt der wunderbare Push 3 Controller, den man alternativ sogar als komplette Standalone-Unit kaufen kann. Dank schickem, hochauflösenden Display, hervorragend reagierenden Pads mit MPE und vielen Elementen zur Steuerung der wichtigsten Parameter findet man Push 3 in vielen Studios als zentralen Controller für Ableton Live.

Und das aus gutem Grund: Denn Ableton hat mit der Version 3 das Bedienkonzept der Vorgänger noch einmal optimiert, MPE hinzugefügt und die mitunter etwas anfällige Hardware – hier sei vor allem die klebrige Oberflächenbeschichtung genannt – gegen hochwertigeres Material ausgetauscht. Dadurch fühlt sich Push 3 nicht nur besser an, sondern ermöglicht es jetzt, sämtliche Parameter zu steuern, ohne überhaupt eine Mouse berühren zu müssen. Selbst PlugIns können nun komfortabel über den Controller ausgewählt und einzelnen Kanälen hinzugefügt werden. Dadurch ist es Ableton gelungen, mit Push 3 ein Gerät zu schaffen, das sich eher wie ein Instrument verhält.

Wo so viel Licht ist, muss auch etwas Schatten sein. Als Negativpunkt für Live-Performances sehe ich das Fehlen von Fadern. Gerade beim Aufbau von Übergängen mittels Fade-Ins und -Outs sind diese praktisch, denn so kann man mal eben z.B. die komplette Hi-Hat-Sektion aus- und einfaden. Mit einer geschickten Zuweisung von Groups kann man zwar mehrere Spuren auf einmal mit einem Poti erfassen. Allerdings verlangt das einiges an Organisation vorab und das ist sicherlich nicht jedermanns Sache. Immerhin kann man sich problemlos einen Fader-Controller wie Novation Launch Control XL MK3 dazustellen, um dieses Problem zu lösen.

Ableton Push 3 – Übersicht

Novation Launch Control XL MK3

Als umfangreich ausgestatteten Einsteiger-Controller kann man den Launch Control XL MK3 bezeichnen. Hier wurde zwar auf eine Cliplaunch-Matrix verzichtet. Dafür bietet der Launch Control XL acht Fader, sechzehn Taster und 3 x 8 frei belegbare Drehregler zur Steuerung von Parametern. Diese Anordnung ist nicht nur für Live-Performer interessant. Denn zum schnellen Einstellen von EQs (Low / Mid / High), Effektanteilen und Lautstärkeverhältnissen ist dieses Layout mega praktisch.

Aber auch als Add-on macht der Launch Control XL MK 3 total Sinn. Hiermit ließen sich Launchpad Pro oder Push 3 mit Fadern ausstatten, die man in der Grundausstattung doch schnell vermisst.

Novation Launch Control XL MK3 – Übersicht

Novation Launchpad Mini MK3

Als günstige Empfehlung für Einsteiger sei noch das Launchpad Mini genannt. Wie viele Controller im höheren Preissegment bietet auch dieser eine 8 x 8 Clip-Launch-Matrix, Transportbutton, sowie die Möglichkeit, Effektsends und Lautstärken über Shiftfunktionen zu steuern. Hierbei sollte man sich nur im Klaren darüber sein, dass Parameterwerte aufgrund der Eingabe über acht Pads eben auch nur in acht Stufen auflösen. Zudem sind die Pads nicht anschlagdynamisch.

Auf der Habenseite stehen eine gute Verarbeitung bei geringem Gewicht und ein sehr günstiger Preis. Da das Launchpad Mini zusätzlich noch mit Ableton Live Lite eine Einsteigervariante der populären DAW, sowie weitere gute Mixing-PlugIns mitliefert, kann man das Preis-/Leistungsverhältnis fast schon als sensationell bezeichnen.

Novation Launchpad Mini MK3 – Übersicht

Novation Launchkey MKIV

Wer einen Ableton Live Controller sucht, der nebenbei noch eine gute Klaviatur mitbringt, sollte sich die Novation Launchkey MKIV Serie näher ansehen. Die Tastatur-Controller fügen sich nahtlos in Ableton Live ein und können ohne umständliche Installation direkt eingesetzt werden.

Auch hier gibt es zahlreiche Fader, Pads und Drehregler zur Steuerung von Live. Zusätzlich spendierte Novation den USB-Controllern Arpeggiator, Chord Mode und ein 5 Pin-MIDI-Interface zur umfangreichen Kontrolle von externen Synths und Samplern.

Die Klaviatur spielt sich sehr gut, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand. Keine Frage, die Launchkey-Serie ist sowohl von der Verarbeitung als auch von den Features her am oberen Ende angesiedelt.

Und dafür, dass Novation seiner Linie eine 37-Tasten-Variante spendiert hat, gehört ihnen ein Orden verliehen. Wer viel reist oder bei begrenztem Platz im Club trotzdem eine vernünftige Tastatur sucht, kann damit aufatmen. Handgepäck freundlich und genug Tastenumfang, um auch mal beidhändig zu spielen. Danke Novation!

Novation Launchkey MKIV Übersicht

Wer nicht so viel Patz hat oder eine günstige kleine Einspieltastatur sucht, dem sei noch das Launchkey Mini MKIV ans Herz gelegt. Die Verarbeitung ist Top, alles fühlt sich gut an. Selbst die Minitasten geben ein ausreichend angenehmes Gefühl, solange man darauf natürlich keine anspruchsvollen Stücke spielen will.

Novation Launchkey Mini MKIV Übersicht

Akai Pro APC64

Wo andere Controller einige Funktionen in Shift-Konfigurationen oder Menüs verstecken, bietet Akai Pro APC64 einen eher direkten Ansatz. Acht Touch-Strips, Transporttaster und eine Clip-Launch-Matrix mit 64 anschlagdynamischen Pads mit Poly-Aftertouch ermöglichen die intuitive Kontrolle von Ableton auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club.

Im Unterschied zu vielen Mitbewerbern setzt Akai auf Touchstrips inklusive LED-Meter. So geben sie einerseits ein visuelles Feedback der aktuellen Werte. Andererseits – und das ist bei Performances noch wichtiger – werden Parametersprünge vermieden, wenn man etwa zwischen zwei Tracks umschaltet, der Regler aber noch auf dem vorher eingestellten Wert ruht.

Außerdem bietet der APC64 rudimentäre 32 Step-Sequencer, mit denen man über 8 CV/Gate und 2 MIDI-Outs einen mittelgroßen externen Gerätepark ansteuern kann. Wer sich mit diesem Feature noch nicht beschäftigt hat, sollte das auf jeden Fall mal für die nächste Performance nachholen.

Akai Pro APC 64 – Übersicht

touchAble Pro – Ableton Live Controller für Tablets und Smartphones

Viele von euch werden ein Android, Surface, iPhone oder ein iPad nutzen. Für diese Tablets und Smartphones gibt es ebenfalls gute Ableton Live Controller. Die App touchAble Pro enthält eigentlich alles, was man zur Steuerung von Ableton Live benötigt, inklusive der Synths und Sampler. Eine Mixer-Ansicht, Session View mit Clip Launch Matrix, selbst Noten lassen sich direkt eingeben und mit dem Piano-Roll-Editor später korrigieren.

Wenn man Touchscreens gegenüber nicht abgeneigt ist, sollte man die rund 29 € für die App investieren. Selbst als Zweitgerät zur Steuerung wichtiger PlugIns im Live-Einsatz ist die Software eine tolle Ergänzung zu einem Hardware-Controller.

Weitere Infos zu touchAble Pro gibt es hier.

Controller für Ableton Live – Fazit

Einen klaren Gewinner aus dieser Auswahl zu küren ist aufgrund der unterschiedlichen Einsatzgebiete nur schwer möglich. Als Controller für elektronische Musik im Club würde ich wohl am ehesten zum APC 64 greifen, da dieser den direktesten Zugriff bei überschaubarem Preis ermöglicht. Ergänzt um ein kompaktes Einspielkeyboard wie Launchkey Mini MK 4 geht damit schon einiges.

Als Performance-Instrument und Controller Hybride ist der Push 3 die umfangreichste Lösung. Hervorragend spielbare Pads mit MPE, ein gutes Display und alle Funktionen über den Controller erreichbar: Mit dem Push 3 kann sogar der Bildschirmschoner angehen und man findet sich immer noch problemlos zurecht.

Die beste Lösung für Einsteiger sind wahrscheinlich das Launchkey Mini oder ein Launch Pad Mini. Beide bieten eine solide Verarbeitung, sowie ausreichend Funktionen. Ein gutes Software-Paket erleichtert den Einstieg.

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Inhalt

• Wann ergibt ein Controller für FL Studio überhaupt Sinn?
• Worauf sollte man beim Kauf eines FL Studio Controller achten?
• Die besten Modelle im Überblick
• Die besten MIDI Controller für FL Studio: Fazit

FL Studio Controller: Wann wird ein USB MIDI Controller überhaupt benötigt?

Grundsätzlich könnt ihr komplett ohne Controller arbeiten, wenn euch der Platz oder das Budget fehlt. MIDI Controller sind aber immer dann sinnvoll, wenn man weg von der Computerarbeit mit der Mouse und hin zu einem direkteren Zugriff möchte. Ein Controller beschleunigt zum einen den Workflow deutlich. Bereits bei so banalen Dingen wie der gleichzeitigen Steuerung von zwei Parametern, müssen Touchpad und Mouse passen. Zum anderen vermittelt ein Controller durch den direkteren Zugang eine Nähe zur Musik, die man mit Mouse und Computertastatur nur schwer erlangt.

Ebenso ist ein USB MIDI Controller in Live-Situationen häufig die bessere Wahl. Und sei es nur um dem anwesenden Publikum nicht das Gefühl zu geben, ihr macht auf der Stage eure Steuererklärung.

MIDI Controller für FL Studio: Worauf sollte man achten?

Bei dieser Frage wird es schon deutlich persönlicher. Verschiedene Anforderungen verlangen unterschiedliche Lösungen, soweit klar. Wenn ihr auf der Bühne Melodien einspielen möchtet, wird euch ein Mixing-Controller fürs Studio oder ein USB Controller für die Drum-Programmierung nichts bringen. Ebenso ist ein Keyboard-Controller nicht die erste Wahl, wenn es darum geht, mal schnell rhythmische Drumloops zu programmieren und leicht zu verändern. Die erste Frage sollte also lauten: Wofür möchte ich den Controller in erster Linie einsetzen?

Sobald ihr euch für eine grobe Richtung entschieden habt, solltet ihr euch vor allem an folgenden Spezifikationen orientieren:

1. Tastaturumfang

Braucht ihr einen großen Notenumfang oder legt ihr eher Wert auf einen kleinen Controller für unterwegs? Das Angebot reicht von 25 Minitasten bis hin zur Pianoklaviatur mit 88 hammergwichteten Tasten.

2. Ist Plug-and-Play in FL Studio vorhanden?

Das ist wichtig, wenn ihr den Controller nur anschließen und direkt loslegen wollt. Wenn der Controller bereits von FL Studio erkannt wird, entfällt nämlich die manuelle Zuweisung von Parametern.

3. Anzahl der Pads

Pads kann man einerseits nutzen, um Beats und Melodien direkt einzuspielen. Hier reichen häufig schon 16 Pads. Sobald man andererseits aber lange Lauflicht-Sequenzen programmiert, sind 32 oder gar 64 Pads praktischer, da ihr auch längere Beats immer im Blick habt.

4. Transport-Taster

Transport-Taster dienen der Fernsteuerung von Start, Stop, Pause, Aufnahme etc. Die sind besonders dann praktisch, wenn man weitestgehend ohne Mouse arbeiten möchte.

5. Anzahl der Echtzeit-Controller fürs Mixing oder Sounddesign

Wenn ihr den Controller zur Steuerung von Soundparametern nutzen wollt, sind Echtzeit-Controller wie Drehpotis oder Fader wichtig. Neben dem Sounddesign eignen sich diese auch hervorragend für Mixing-Aufgaben, etwa zur Lautstärkeregelung, Panorama-Einstellungen oder dem Zumischen von Effekten.

6. Größe und Gewicht (Studioeinsatz vs. Einsatz unterwegs)

Größe und Gewicht eines MIDI Controllers werden spätestens dann entscheidend, wenn ihr vorhabt, diesen auch unterwegs häufiger einzusetzen. Je kompakter und leichter das Modell ist, umso besser. Im Studio ist das natürlich anders, wobei auch hier der Platzbedarf eine Rolle spielen kann.

7. Enthaltenes Software-Paket

Als letztes solltet ihr noch einen Blick auf das mitgelieferte Software-Paket werfen. In der Regel ist der Lieferumfang nicht so wesentlich, da man meistens entweder schon über eine gute Auswahl verfügt, oder sich später seine Wunschkonfiguration ohnehin zusammenstellt. Falls ihr euch aber einmal partout nicht zwischen zwei Controllern festlegen wollt, ist die enthaltene Software eine gute Entscheidungshilfe.

Die besten Controller für FL Studio im Überblick

Nachdem nun die Eckdaten bekannt sind, kommen wir jetzt zu den konkreten Empfehlungen. Bei der Zusammenstellung der Auswahl ging es mir darum, Controller auszuwählen, die möglichst viele der genannten Kriterien erfüllen.

Novation FLKey Serie: Optimierte FL Studio Controller mit Tastatur

Mit der FL Key-Serie schickt Novation Controller ins Rennen, die perfekt auf FL Studio zugeschnitten wurden. Die Novation FLKey-Serie wird direkt von FL Studio erkannt und umfangreiche Zuweisungen entfallen.

Auch die Ausstattung kann sich sehen lassen: Die größeren Modelle bieten eine gut spielbare Tastatur mit Anschlagdynamik, während sich die budgetfreundliche Variante „FLkey mini“ eher für Studios mit wenig Platz und kompakte Live-Setups eignet. Über die anschlagdynamischen Pads werden u.a. Racks und Instrumente gesteuert, die Drehregler helfen beim Sounddesign.

Akai Pro Fire

Akai Pro Fire ist der erste Controller, der speziell auf FL Studio zugeschnitten wurde. Zwar ließe sich Fire auch mit anderen DAWs wie Ableton Live koppeln, aber die Plug-and-Play-Integration mit FL Studio ist hier besonders gut gelöst.

Hierfür bietet der Akai Pro Fire insgesamt 64 anschlagdynamische RGB-Pads. Darüber könnt ihr entweder im Notenmodus Melodien einspielen, oder im Drum-Modus wie bei einer Roland TR-909 einzelne Drumspuren im Lauflichtverfahren programmieren. Vier Endlosdrehregler geben euch zudem Zugriff auf insgesamt 16 Parameter in vier Bänken. Das ist praktisch, denn so hat man im Studio oder bei Live-Sessions die wichtigsten Parameter immer im Zugriff.

UPDATE: Mittlerweile gibt es den Akai Pro Fire nur noch gebraucht. Wenn ihr euch für den Controller interessiert, solltet ihr hier also auch gleich noch die FL Studio Lizenz mit einplanen. Falls ihr die bereits habt, ist der Fire aber eine super Empfehlung.

Nektar Impact LX-Serie

Obwohl die Impact-LX-Serie von Nektar optisch eher unscheinbar daherkommt, stellt sie gerade für FL Studio User eine echte Alternative zu den Controllern der Big Player Novation, M-Audio etc dar. Denn Nektar hat auf die Wünsche der User reagiert und bietet als einer der wenigen Hersteller eine umfangreiche Plug-and-Play-Integration in FL Studio an.

Auch sonst ist die Ausstattung hier solide: Mit einer guten Auswahl an Pads, Potis und Fadern, dazu einer anschlagdynamischen Tastatur, sowie fünf Speicherplätzen für eigene Konfigurationen ist die Nektar-Serie ein idealer FL Studio Controller für Einsteiger. Das spiegelt auch der geringe Preis wider. Denn für gerade mal 149 € bekommt man einen gut ausgestatteten Keyboard-Controller mit 61 Tasten, mit dessen Fadern und Drehreglern auch Zugriff auf die wichtigsten Parameter in FL Studio hat.

Novation Launchkey mini mkIV

Mit dem Launchkey mini mk3 hat Novation einen flexibel ausgestatteten Minikey-Controller im Sortiment. Zwar punktet dieser Controller besonders im Zusammenspiel mit Ableton Live. Er lässt sich aber mit etwas Zuweisungen auch hervorragend mit FL Studio verwenden.

Das kompakte Gerät bietet acht Drehregler, 16 RGB Pads mit Anschlagdynamik, Transporttaster und eine okaye Tastatur. Natürlich lassen sich auf den 25 Minitasten keine virtuosen Sprünge erzielen. Als Sketchpad für eigene Ideen reicht es aber allemal. Zumal Novation in ihr Launchkey mini mkIV sogar noch einen Arpeggiator eingebaut hat.

Dank MIDI Ausgang kann man sich mit dem Launchkey Mini MKIV übrigens ein weiteres MIDI-Interface sparen, falls man vorhat auch externe MIDI-Klangerzeuger mit FL Studio anzusteuern.

Novation Launchpad Pro MK 3

Damit komme ich zum Novation Launchpad Pro MK3. Dieser Controller ist ideal für Beat-Produzenten und Finger Drummer. Denn die 64 anschlagdynamischen Pads mit RGB-Hintergrundbeleuchtung reagieren nicht nur präzise auf Anschlagdynamik, sondern bieten auch Aftertouch.

Das Launchpad Pro MK3 eignet sich zudem auch gut zur Steuerung von FL Studio, da es direkt von der DAW unterstützt wird. So habt ihr in unterschiedlichen Modi Zugriff auf Mixer-Einstellungen, Session-Parameter oder Sound-Einstellungen.

Da wir gerade bei den Modi sind: Auch zum Einspielen eigener Melodien bietet das Launchpad unterschiedliche Ansätze. So findet sich etwa neben dem klassischen Drum-Pad-Layout auch ein Keyboard-Mode. Damit werden vier Oktaven untereinander im Grid abgebildet. Falls man eine richtige Klaviatur sucht, ist das Launchpad Pro MK3 sicherlich kein Ersatz. Jedoch inspiriert das ungewöhnliche Layout der Klaviatur zu Melodien, die man auf diese Weise niemals mit einer Klaviatur gespielt hätte.

Arturia Keystep Pro

Arturia bietet mit dem Keystep Pro eine umfangreiche Controller-Station, mit der sich ein kompletter Gerätefuhrpark fernsteuern lässt. Zwar ist der Keystep Pro nicht speziell auf FL Studio ausgerichtet. Trotzdem empfehle ich ihn vor allem Produzenten, die sich einen soliden Hardware-Park um FL Studio herum aufbauen.

Denn genau hier spielt der Keystep Pro seine Stärken aus. Natürlich kann man ihn auch als Controller verwenden. Mit den 37 gut spielbaren Minitasten mit Anschlagdynamik und Aftertouch, sowie den fünf Drehreglern und Transporttastern lässt sich FL Studio bequem fernsteuern.

Richtig lustig wird es meiner Meinung nach aber erst, wenn man von den massiven Sequencer-Möglichkeiten des Keystep Pro Gebrauch macht. So könnt ihr gleichzeitig mehrere externe Analog- oder Digitalsynths anspielen, während ihr Drums von FL Studio mit dem Sequencer des Keystep Pro abfeuert. Damit ist Arturias Controller für mich definitiv der heißeste Kandidat für Hybrid-Studios und Live-Sessions.

Die besten MIDI Controller für FL Studio – Fazit

Obwohl man grundsätzlich jeden MIDI-Controller an FL Studio anpassen kann, erleichtern einem bereits zugewiesene Controller den Alltag erheblich. Während Nektar mit der LX+-Serie günstige Allrounder im Portfolio hat, sschickt Akai Pro mit dem Fire einen Controller ins Rennen, der perfekt auf FL Studio zugeschnitten ist. Beide Controller verzichten jedoch auf einen MIDI-Ausgang, sodass zur Integration externen MIDI-Hardware ein weiteres Interface angeschafft werden muss. Aber wenn ihr ohnehin In-the-Box arbeiten wollt, sind beide Modelle aber eine gute Empfehlung.

Sowohl Novations Launchkey FLKey-Serie als auch Launch Pad Pro 3 fügen sich gut in FL Studio ein. Durch die direkte Integration der FLKey-Serie sind diese für komplette Einsteiger möglicherweise die derzeit beste Wahl, wenn man eine Kombination aus Tastatur und Bedienelementen für FL Studio sucht. Trotzdem sind beide eine gute Empfehlung, wenn ihr viele Features auf sehr geringem Raum benötigt. Die Verarbeitungsqualität ist top und als Pad-Controller lassen die guten Pads des Launchpad Pro die Mitbewerber klar hinter sich.

Der Keystep Pro schließlich eignet sich als zentrale Steuereinheit für hybride Studios. Hierüber lässt sich nicht nur FL Studio steuern, sondern auch externe MIDI-Synthesizer und selbst komplett analoge Modularsysteme einbinden. Falls ihr so ein Studio plant, empfehle ich den zusätzlichen Aufwand der Einrichtung.

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Allerdings ist das eine Disziplin, bei der auch viele günstige Referenzmonitore nicht besonders gut abschneiden. Zusätzlich fehlt den Einsteigermodellen noch eine gute Stereoauflösung oder es gibt Probleme bei der Mittenwiedergabe. Meine Empfehlung ist daher, sich erstmal gute Kopfhörer anzuschaffen, dann Geld zu sparen und lieber in ein vernünftiges Paar Studiomonitore plus abgestimmter Raumakustik zu investieren. Worauf ihr bei Studiokopfhörern für Techno, Ambient, House etc. achten solltet, erfahrt ihr in diesem Artikel. Im zweiten Teil stelle ich noch ein paar Modelle vor, die ich teilweise selbst seit Jahren nutze und die ich auch immer wieder bei Kollegen im Studio sehe.

Worauf sollte man bei einem Studiokopfhörer für elektronische Musik achten?

Studiokopfhörer: Offen vs. geschlossene Bauweise

Das offensichtlichste Merkmal bei Studiokopfhörern ist ihre Bauweise. Hier wird vor allem zwischen offenen und geschlossenen Kopfhörern unterschieden. Und die Bezeichnung ist fast selbsterklärend. Während ein geschlossener Kopfhörer nur wenig bis keine Audiosignale in die Umgebung abgibt, beziehungsweise man Geräusche von außen kaum mitbekommt, sind die Ohrmuscheln eines offenen Referenzkopfhörers – nun ja – „offen“.

Ob man nun geschlossene oder offene Kopfhörer bevorzugt, ist wie so oft Geschmacksache. Ich würde euch empfehlen, mittelfristig beide Varianten anzuschaffen, damit ihr immer mal wechseln könnt.

Dadurch habt ihr nicht nur mehr Testumgebungen für euren Mix, sondern könnt z.B. auch unterwegs produzieren, ohne etwa im Zug andere Passagiere zu stören. Der offene Studiokopfhörer kommt dann wiederum hauptsächlich im Studio zum Einsatz, wenn ihr mehrere Stunden am Stück produziert.

Wenn ihr aber noch ganz am Anfang der Studioeinrichtung steht, empfehle ich euch erstmal einen offenen Studiokopfhörer. Und hier bin ich der Ansicht, dass es sich eher lohnt, in einen etwas teureren Studiokopfhörer zu investieren, als in günstige Studiomonitore. Letztere machen vielleicht mehr Spaß, dafür kann man auf diesen einen Mix meistens nicht vernünftig beurteilen.

Frequenzgang

Ein weiterer wichtiger Aspekt bei Referenzkopfhörern ist die Signaltreue. Denn zur vernünftigen Beurteilung vom Mix sollte das Signal möglichst linear wiedergegeben werden. Je linearer der Frequenzband, umso besser.

Jetzt ist es so, dass spätestens im Tieftonbereich irgendwann die Treiber im Kopfhörer aussteigen, weil sie physikalisch gar nicht dazu in der Lage sind, bestimmte Frequenzen wiederzugeben. Trotzdem empfiehlt es sich, vor dem Kauf einen genauen Blick auf die technischen Spezifikationen zu werfen.

Wer sich nicht blind auf den Frequenzgang der Studiokopfhörer verlassen möchte, dem empfehle ich noch die App Reference von Sonarworks. Ziel dieser Software ist es, Studiomonitore und Kopfhörer per EQ und Laufzeitausgleich so zu kalibrieren, dass die Wiedergabe möglichst linear geschieht.

Klirrfaktor

Der Klirrfaktor beschreibt das Verhältnis von ungewollten harmonischen/nichtlinearen Verzerrungen zum Originalsignal. Nichtlineare Verzerrungen fügen dem Signal Obertöne hinzu und verfälschen daher den Klang.

Der Klirrfaktor (manchmal wird der sehr ähnliche Wert THD angegeben, ohne jetzt auf die exakten Unterschiede einzugehen) wird in Prozent angegeben. Je niedriger dieser Wert ist, umso besser.

Allerdings ist es mittlerweile auch so, dass vernünftige Studiokopfhörer hier ohnehin keine Probleme bereiten. Denn ein niedriger Klirrfaktor muss einfach gegeben sein, wenn es darum geht, professionell Abzuhören. Das wissen natürlich auch die Hersteller und liefern entsprechend ab. Mittlerweile spielt der Klirrfaktor daher eher eine untergeordnete Rolle bei der Kaufentscheidung.

Tragekomfort

Wichtiger ist dann schon der Tragekomfort, denn je nach Hersteller und Modell kann sich das stark unterschieden. Hierbei solltet ihr euren persönlichen Präferenzen folgen. Auch die Kopfform spielt beim Tragekomfort eine große Rolle: Drückt der Kopfhörer irgendwo? Wird er im längeren Betrieb zu schwer? Ist mir der Kopfhörer insgesamt zu groß?

Denkt daran, dass ihr Studiokopfhörer zum Abmischen oder Produzieren häufig über mehrere Stunden am Stück aufhabt. Umso wichtiger ist der Tragekomfort.

Kann man die Pads beim Studiokopfhörer wechseln?

Zusätzlich spielt auch das Material der Pads eine Rolle. Je nach Hersteller besteht die Oberfläche aus Velours, Kunstleder oder anderen Stoffen. Was euch am meisten zusagt, werdet ihr spätestens im Sommer herausfinden, wenn die Temperatur im Studio steigt. Ich schwitze zum Beispiel unter Pads mit Kunstlederbezug deutlich stärker als unter Velours.

Nicht zuletzt aus hygienischen Gründen solltet ihr also darauf achten, dass es für euer Modell einerseits Ersatzpolster gibt, die sich leicht austauschen lassen. Andererseits ist es praktisch, wenn der Hersteller gleich mehrere Varianten anbietet, sodass ihr etwa zwischen Kunstleder und Velours wechseln könnt. Übrigens kann sich auch die Wahl des Ohrpolstermaterials auf den Sound auswirken. Hersteller wie Sennheiser mit dem HD-490 PRO legen ihrem Kopfhörer zwei Varianten bei, die auch unterschiedliche Klangeigenschaften besitzen.

Referenzkopfhörer für elektronische Musik – die besten Modelle

Nachdem wir uns durch die grundsätzlichen Anforderungen und Unterschiede durchgearbeitet haben, wird es jetzt konkret. Die nachfolgenden Studiokopfhörer kann ich entweder aus eigener Erfahrung oder aufgrund von Gesprächen mit Künstlern bedenkenlos empfehlen. Wenn ihr noch Ideen oder Fragen habt, hinterlasst gerne einen Kommentar unter diesem Artikel.

AKG K-701

Die K-701 Referenzmonitore sind schon einige Jahre auf dem Markt und haben seit ihrer Veröffentlichung nichts an Popularität verloren. Und das aus gutem Grund: Denn vor allem die sehr detaillierte Auflösung und exzellente Stereobreite ermöglichen analytisches Abhören auch über mehrere Stunden hinweg.

Lediglich im Bassbereich ist der K-701 etwas schmalbrüstig, was bei der Beurteilung von Clubtracks schon mal stören kann. Hier könnte man sich entweder mit dem bereits angesprochenen Sonarworks Reference behelfen. Oder man lernt einfach, im Kopf das leichte Defizit beim Mixing auszugleichen.

Zudem hat sich der Preis der Kopfhörer im Laufe der Zeit sogar noch nahezu halbiert, weshalb ich den K-701 sofort empfehlen würde, wenn man einen präzisen offenen Studiokopfhörer benötigt, der nicht zu teuer sein darf.

Audio-Technica ATH-M50 X

Sozusagen als Gegenentwurf zum AKG K-701 kommt der Audio-Technica ATH-M50 X daher. Dieser geschlossene Kopfhörer erzeugt auch im Bassbereich mächtig Druck. Daher wäre dieser meine erste Wahl, wenn es um einen flexiblen Allrounder geht, den man einerseits im Studio für Aufnahmen nutzen kann und der andererseits auch bei Performances im Club funktioniert.

Zur Beurteilung eines Mix empfinde ich den ATH-M50 X auf Dauer allerdings zu anstrengend. Hier macht sich der starke Bassanteil und die geschlossene Bauweise bemerkbar, sodass Arbeiten mit dem Kopfhörer schnell anstrengend wird. Dazu treiben auch die recht scharfen Höhen bei. Keine Frage: Der ATH-M50 X macht sicherlich mehr Spaß als ein stark analytischer Kopfhörer, sollte im Studioalltag aber eher als Zweitreferenz genutzt werden.

beyerdynamic DT-770 PRO / 80 Ohm

Damit kommen wir zu einem weiteren Klassiker, dem beyerdynamic DT-770 PRO. Die DT-Serie von beyerdynamic ist seit Jahrzehnten stilübergreifend in etlichen Studios im Einsatz. Die hier geschlossene Variante DT-770 PRO sieht man häufig auf dem Kopf von Sängern oder Schlagzeugern, nicht so häufig jedoch am Arbeitsplatz des Sound-Engineers.

Und das hat seine Gründe: Wie der ATH-M50 X zeichnet sich der DT-770 PRO durch einen kräftigen Bass aus, der hier nicht ganz so akzentuiert kommt, aber dennoch Durchsetzungsvermögen beweist. Im Vergleich zum AKG K-701 schneidet der DT-770 PRO hinsichtlich Stereobreite und analytischem Klang aber ein gutes Stück schlechter ab. Ich habe jahrelang nur mit einem DT-770 PRO gemixt bis ich dann einen AKG K-701 ausprobierte. Es war, als hätte jemand eine Wolldecke von den Membranen gezogen und Details entblößt, die vorher nicht mal im Ansatz zu waren.

Also gilt auch beim DT-770 PRO mein Kurzfazit: Als Aufnahmekopfhörer und Zweitreferenz top, aber kein Kopfhörer für den längeren Mixing-Einsatz.

Sennheiser HD-490 PRO

Als teuerstes Modell schließt der Sennheiser HD-490 PRO die Liste der besten Studiokopfhörer für Techno, Ambient und House ab. Mit rund 350 € ist der HD-490 PRO sicherlich schon recht teuer. Dazu möchte ich allerdings einen Gedanken kurz anführen.

Wie bei nahezu jedem Produkt fürs Studio sind auch bei Kopfhörern dem Preis nach oben kaum Grenzen gesetzt. Und häufig fördert ein Kopfhörer im Segment Ü-1000-Euro noch mehr Details zutage, als Kopfhörer im mittleren Preissegment. ABER! Mit zunehmendem Anspruch bezahlt man für jedes Zehntel Prozent mehr Sound dann auch einen deutlichen Aufpreis. Hier bin ich der Meinung, dass man sich das Geld eher sparen kann und dafür in bessere Studiomonitore und Raumakustik stecken sollte.

Beim HD-490 PRO jedoch ist der doppelte Preis gegenüber den vorangegangenen Modellen gerechtfertigt. Denn hier bekommt man noch einmal einen ordentlichen Qualitätsschub mit. Der Kopfhörer zeichnet sich durch eine hervorragende Tiefenstaffelung aus. Trotz der offenen Bauweise liefert er zudem noch einen kräftigen und definierten Bass, was für elektronische Musik essentiell ist.

Die Höhen tendieren hier eher in Richtung HiFi, die gut aufgelösten Mitten erscheinen etwas dominanter als etwa bei einem AKG-701, sind aber auch auf Dauer nicht anstrengend. Hervorzuheben ist auch noch das geringe Gewicht des HD-490 PRO. Gemeinsam mit dem AKG 701 fand ich diesen Kopfhörer im Dauereinsatz am angenehmsten zu tragen.

Studiokopfhörer für elektronische Musik: Fazit

Bei der Wahl des richtigen Studiokopfhörers für Techno, Ambient etc. hilft nur ein: Ausprobieren. Falls ihr die Möglichkeit habt, probiert erstmal zwei oder drei verschiedene Modelle aus. Sei es bei Freunden, im Laden vor Ort oder – was ich persönlich eher unschön finde – mithilfe der 30 Tage Money-Back-Frist im Onlinehandel.
Dabei ist es wichtig, dass ihr die Kopfhörer mit Tracks ausprobiert, die ihr bereits sehr gut kennt. Ansonsten ist es schwer, den Klang vernünftig einzuschätzen.

Aus der oberen Liste kann ich jeden Kopfhörer empfehlen. Allerdings ist es sinnvoll, erstmal eine offene Variante zu wählen, insofern ihr nicht vorhabt, Mikrofonaufnahmen zu machen. In dieser Kategorie ist der AKG K-701 der beste Kompromiss aus Preis, Klang und Neutralität. Falls es die finanziellen Mittel erlauben, würde ich aber zum Sennheiser HD 490 PRO raten, der den bereits guten Klang des K-701 noch einmal übertrifft. Der HD-490 PRO bietet einerseits die Möglichkeit, analytisch zu arbeiten, liefert aber auch für einen offenen Kopfhörer genug Bass, wodurch er bei der Produktion von elektronischer Musik etwas mehr Spaß macht.

Als geschlossene Variante bietet der Audio-Technica ATH-M 50 X für mich den größten Mehrwert. Dieser Kopfhörer lässt sich einerseits flexibel im Studio einsetzen und macht andererseits auch im Club eine gute Figur. Hier kommt lediglich der Nachteil der geschlossenen Bauweise ins Spiel, denn im Dauerbetrieb sind diese Kopfhörer dann doch etwas zu anstrengend.

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Erica Synths Nightverb in Kürze:

• Kompaktes Stereo-Reverb mit eigenem Charakter
• Regler für fast jede Funktion
• Preset-Morphing
• Exzellent für experimentelle Klänge und Ambient
• Kein Werkzeug für neutrale Räume , sondern ein echtes Sounddesign-Tool

Erica Synths Nightverb: Erster Eindruck

Das relativ große Gerät misst etwa 23 × 14,5 × 7 cm, wiegt rund 830 Gramm und kommt in einem stabilen, schwarzen Metallgehäuse mit gummierten Füßen. Die Steuerung erfolgt über 14 dedizierte Potis und einen Endlos-Encoder mit Push-Funktion, unterstützt durch ein kleines OLED-Display für Presets und Menüführung. Insgesamt stehen 100 Presets zur Verfügung, wovon knapp 30 bereits ab Werk vorprogrammiert sind.

Die Verarbeitung hinterlässt einen soliden Eindruck: Die Potis haben einen angenehmen Widerstand, alle Elemente sitzen fest, und auch die Line-Anschlüsse auf der Rückseite vermitteln Langlebigkeit.

Die Klangerzeugung im Nightverb

Die Nightverb basiert auf einem eigens entwickelten Stereo‑Algorithmus, der extrem lange Hallfahnen erlaubt , ohne dabei an harmonischer Klarheit zu verlieren. Die Reverb-Parameter steuern u.a. Größe, Feedback, Pre‑Delay (bis 200 ms), sowie zwei separate EQs für High- und Low. Letzteres ist immer dann praktisch, um den Sound in einer Live-Situation schnell von unnötigem Ballast zu befreien, oder den Höhen etwas mehr Glanz mitzugeben.

Hinzu kommen ein „Shape“-Regler für das Verhältnis von Early- zu Late‑Reflektionen, und ein Regler für die Stereo-Breite, die beim Nightverb von mono bis 200 % reicht.

Modulation & Freeze

Mit dem Spin-Regler kann man dem Hall subtile Modulationen hinzufügen, was besonders bei langen Decay-Zeiten für etwas Bewegung und Leben im Klang sorgt, insgesamt aber eher subtil eingreift.

Shape verändert das Verhältnis der frühen und späten Reflexionen und erlaubt dadurch eine weitreichende Gestaltung des Raumcharakters. Das Feedback lässt sich von kaum merklich bis hin zu nahezu unendlich langem Sustain einstellen.

Ein besonderes Feature ist die Freeze-Funktion, mit der sich eine laufende Hallfahne einfrieren lässt. Diese lässt sich anschließend über MIDI sogar (monofon) chromatisch spielen – ein kreatives Werkzeug, das für Ambient-Performer und Sounddesigner interessant sein dürfte.

Preset-Morphing

Damit das Reverbsignal beim Preset-Wechsel nicht plötzlich unterbrochen wird, hat Erica Synths das Preset-Morphing implementiert. Einmal aktiv, legt man einen Zeitraum zwischen 0,1 und 10 Sekunden fest, innerhalb dessen der Übergang zwischen zwei Presets nicht hart, sondern musikalisch weich verläuft.

So eine Überblendung hätte ich mir auch beim Wechsel in den 12-Bit-Modus gewünscht. Mit diesem wird der Klang des Reverb deutlich körniger. Ein Umschalten hat aber auch immer zur Folge, dass die Reverbfahne für einen Moment komplett abreißt.

Klang & Reverb-Charakter

Das Nightverb klingt künstlich – und das im besten Sinne. Der Klang ist groß, dicht, texturiert, manchmal fast metallisch oder synthetisch. Er erinnert mitunter an eine Mischung aus Vintage-Digitalräumen und einer düsteren Variante eines Strymon Big Sky, und bringt dennoch einen ganz eigenen Charakter mit. Wem das noch nicht reicht, kann dem Signal im 12-Bit-Modus noch mehr Schmutz mitgeben.

Während auch kleine Räume möglich sind, liegt die wahre Stärke des Geräts ganz klar im Bereich der weitläufigen, atmosphärischen Hallräume und Ambient-Soundscapes. Wer ein neutrales, transparentes Reverb sucht, wird hier nicht fündig – stattdessen bekommt man ein Effektgerät, das sich stark in den Gesamtklang einmischt und ihn färbt. Das ist nicht immer subtil, aber dafür umso musikalischer. Im Gegensatz zu anderen Charakter-Reverbs geht das Nightverb dabei eher eine Symbiose mit dem Ausgangsmaterial ein, statt sich wie eine separate Schicht darüber zu legen.

Studioalltag mit dem Erica Synths Nightverb

Das Bedienkonzept überzeugt durch seine Direktheit: Fast jeder wichtige Parameter hat seinen eigenen Regler, was nerviges Menü-Diving weitgehend überflüssig macht. Die Presetverwaltung ist klar strukturiert, das OLED-Display klein, aber übersichtlich. Besonders praktisch ist der Morph-Zeitraum beim Preset-Wechsel, der klangliche Übergänge fließend macht – ideal für Live-Performances.

Über den Magic-Button lassen sich alle Parameter zufällig neu einstellen – perfekt für Inspiration und Experiment. Etwas störend wirkt jedoch, dass beim Umschalten zwischen dem normalen und dem „Dirty“-Modus der Effekt abrupt unterbrochen wird. Eine weichere Übergangsphase wäre hier wünschenswert gewesen – ob das technisch möglich wäre, bleibt offen.

Erica Synths Nightverb: Welche Alternativen gibt es?

Im Vergleich zu Reverb-Klassikern wie Strymon Big Sky oder Eventide Space ist das Nightverb deutlich charakterstärker und weniger hi-fi-orientiert. Wer möglichst transparente, natürliche Räume sucht, wird bei anderen Anbietern wie etwa BOSS besser bedient.

Wer jedoch den Hall-Effekt als kreative Klangquelle, ja als eigenes Instrument versteht, findet im Nightverb eine inspirierende Alternative. Auch im Vergleich zu vielen modularen Reverb-Modulen bietet es deutlich mehr Bedienkomfort bei vergleichbarem Soundpotential – und das ganz ohne Patchkabel.

Fazit: Erica Synths Nightverb Test

Das Erica Synths Nightverb ist ein expressives, intuitives Reverb mit starkem Charakter; kein reiner Raumklangprozessor, sondern ein aktives Klangwerkzeug. Ob für Ambient, experimentelle elektronische Musik oder expressive Live-Performances: Wer sich auf das Nightverb einlässt, wird mit einzigartigen Klangwelten belohnt.

Die Freeze- und Morphing-Funktionen eröffnen neue kreative Ansätze, und die durchdachte Oberfläche sorgt für einen flüssigen Workflow. Einschränkungen gibt es bei der klanglichen Neutralität – aber genau das ist es, was dieses Gerät so besonders macht.

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Echo Fix EF-X3 Test: Vorabüberlegung

Als Tape-Delay-Fan bin ich auf diesen Test besonders gespannt. Denn einerseits hat der prägnante Sound Dub Techno und andere Spielarten elektronischer Musik maßgeblich mitgeprägt. Andererseits findet man gut erhaltene Bandechos mit einer vergleichbaren Ausstattung wie bei einem Roland RE-XXX Space/Chorus Echo nur selten zu einem moderaten Preis.

Zwar ist das Echo Fix EF-X3 mit knapp 3000 € alles andere als günstig. Aber zumindest ist das vergleichbar mit den Gebrauchtmarktpreisen, die man für ein generalüberholtes Roland Chorus Echo RE-XXX im guten Zustand bezahlt. Neben der Garantie könnten auch die komplett neuen Bauteile wie Tonköpfe oder das Tape wichtige Argumente für das Echo Fix sein. Zwar entfällt das „Marken-Mojo“ – einigen ist es einfach wichtig, dass Roland auf dem Kasten steht -, aber auch in diesem Fall muss man erst einmal ein Modell finden, das wirklich so gut erhalten ist wie ein Neugerät.

Echo Fix EF-X3 Verarbeitung

Gleich nach dem Herauswuchten des 12 Kg schweren Klotz wird klar: Das Teil ist grundsolide. Und der erste Eindruck bestätigt sich sofort, wenn man die verschraubten Klinkenbuchsen, festen Kippschalter oder Potis mit angenehmem Drehwiderstand in der Hand hat. Auch von den räumlichen Dimensionen kommt das Echo Fix EF-X3 mit 420 x 290 x 185 mm recht imposant daher. Falls ihr schon ein Space Echo vor euch hattet, kann das als Größenreferenz heranziehen.

Laufgeräusche

Wer schon einmal ein echtes Bandecho nutzte, weiß, dass die mechanischen Geräusche im Einsatz mitunter ganz schön laut sind. Die Laufgeräusche des Echo Fix EF-X3 bei eingeschaltetem Betrieb halten sich aber absolut in Grenzen. Wo sich das T-Rex Replicator ähnlich geräuschvoll präsentierte wie mein in die Jahre gekommenes Dynacord, schnurrt das Laufwerk im Echofix angenehm leise vor sich hin. Eine Mikrofonaufnahme von sensiblem Material würde ich dennoch nicht im gleichen Raum machen, aber da dürften auch viele andere Geräte mit Lüfter ähnlich ungeeignet sein.

Anschlüsse des Echo Fix EF-X3: Die Vollausstattung

Zur Integration ins Studio bietet das EF-X3 die Komplettausstattung. Neben der obligatorischen (Mono) Ein- und Ausgänge für Line/Gitarrensignale gibt es separate Ausgänge für Chorus und Reverb, für die vier einzelnen Tonköpfe, sowie zusätzliche symmetrische Ein-und Ausgänge auf der Rückseite.

Darüber hinaus – und das dürfte Modularsynthesizer-User freuen – gibt es auf der Vorderseite noch zwei CV-Eingänge. Diese sind der Delay-Zeit und dem Feedback zugewiesen und lassen sich mit 0-5V Steuerspannung betreiben. So kann man mit einem langsam schwingenden LFO etwa das Leiern eines alten Tapes emulieren. Leider deaktiviert ein extern anliegendes Steuersignal die beiden Regler auf der Front. Man muss sich also für eine Variante entscheiden.

Echtes Tape-Delay mit sieben Wiedergabemodi

Mit dem großen Wahlschalter links mit der dezenten LED-Beleuchtung legt man den Delay-Modus fest. Oder um es präziser auszudrücken: Hierüber wird bestimmt, welcher Tonkopf aktiv ist und wieviele davon gleichzeitig. Je nach Modus sind Delay-Zeiten von sehr kurzen 56 ms bis hin zu 800 ms Verzögerung möglich, bei Aktivierung des Sound on Sound Modus sogar bis zu 1,2 Sekunden.

Wie es sich für ein Tapedelay gehört, kann man die Tonköpfe in verschiedenen Kombinationen nutzen, so dass auch mehrere Delay-Zeiten gleichzeitig zur Verfügung stehen.

Stereo-Delay dank individueller Tape-Head-Ausgänge

Und damit nicht genug: Denn auf der Rückseite stehen für alle Tonköpfe auch symmetrische Einzelausgänge bereit. Auf diese Weise kann man das Echo Fix EF-X3 auch als PingPong-Delay in Stereo, drei oder vier Kanälen betreiben. Das ist neben dem analogen Chorus übrigens auch ein wesentlicher Unterschied zu den günstigeren Modellen von Echo Fix. Leider kann man hier kein Mischverhältnis bestimmen, sodass die Einzelausgänge immer nur das Wet-Signal zur Verfügung stellen. Wer also das Signal dazu mischen möchte, muss das Delay entweder als Sendeffekt nutzen, oder parallel das Direktsignal des Klangerzeugers abnehmen.

In der Praxis finde ich dieses Feature extrem hilfreich. Denn gerade im echten Stereobetrieb geht noch einmal die Sonne auf, wenn sich das warme analoge Delay auch in der Stereobühne (oder Quad) verteilt.

Der Klang des Echo Fix im Einsatz

Natürlich bringt so ein Tape-Delay ein gewisses Rauschen im Signalweg mit sich. Mit optimalem Einpegeln kann man sich zwar etwas behelfen, ganz entfernen lässt sich der Rauschteppich aber nie.

Wer sich diesen Test durchliest, weiß wahrscheinlich, dass das bei einem echten Bandecho systembedingt einfach dazu gehört. Trotzdem sei es an dieser Stelle explizit erwähnt: Wer klinisch saubere Signale sucht, sollte sich besser nach einer digitalen Simulation umsehen, bei der man das Rauschen fein dazu mischen kann (oder eben nicht).

Pre Amp

Mit dem gut klingenden PreAmp lässt sich das Signal vor der Bandaufnahme noch einmal ordentlich übersteuern. Und auch ohne nachgeschaltetes Delay fand ich den Sound hervorragend, um Kicks oder Bässe wuchtiger zu formen, oder um aggressive Flächen und Leads zu erstellen.

Selbstoszillation eher zahm

Bei vielen Tape- und Analogdelays führen hohe Feedback-Einstellungen dazu, dass eine Selbstoszillation einsetzt. Bei den alten Roland Space Echos resultiert das in einem angenehm gesättigten Overdrive-Sound, der mit der Zeit immer mehr in den unteren Mitten verliert und dem Signal gleichzeitig harmonische Obertöne mitgibt.

Selbstoszillation ist auch beim Echofix möglich, allerdings werden hier die Höhen sehr schnell beschnitten. Im Gegensatz zu den alten Roland Bandechos haben wir es hier vor allem mit einem mittig resonierenden Sound zu tun. Das klingt nicht besser oder schlechter, nur ein Stück anders als z.B. bei einem RE-201. Wer genau dieses Verhalten erwartet, sollte also lieber auf eine RE-201-Emulation wie das UAFX Galaxy ausweichen.

Analoger BBD Chorus und Federhall

Das Chorus Echo EF-X3 erhielt seinen Namen auch aufgrund des echt analogen BBD-Delays, das neben dem ebenso analogen Federhall verbaut wurde. Chorus und Reverb lassen sich beliebig aktivieren und in ihrer Intensität regeln, beim Chorus gibt es zusätzlich noch einen Regler für die Modulationsrate.

Möchte man nur den Federhall oder den Chorus einsetzen, kann man die Bandecho-Funktion auch deaktivieren. Dadurch werden die mechanischen Komponenten nicht dauerhaft beansprucht und das Echo Fix EF-X3 bleibt länger frisch. Dazu bietet das Echo Fix EF-X3 einen Automatismus, der das Laufwerk nach fünf Minuten Passivität abschaltet. Wer nicht so lange warten möchte, kann es alternativ auch manuell anhalten und löst damit logischerweise auch den Tape-Stop-Glitch-Effekt aus.

Klanglich fand ich sowohl Chorus als auch Federhall ordentlich, wenngleich hier rein von der Parametrisierung Standardkost serviert wird. Der Chorus legt sich nahtlos um das Signal, und eignet sich besonders dafür, Bässen und Leads angenehme Schwungen zu verleihen.

Der Federhall ist eher ein subtiler Vertreter der Gattung, fügt sich klanglich aber perfekt mit den anderen Abteilungen des Echofix zusammen. Selbst ein hoher Reverbanteil sitzt noch gut im Gesamteffektmix, was bei vielen anderen Vertretern dieser Gattung schnell mal zu viel sein kann. Den metallisch scheppernden Federhall-Sound wie man ihn aus manchen Dub-Produktionen kennt, konnte ich mit dem Echofix allerdings nicht nachbauen.

Echo Fix EF-X3 Alternativen

Um es gleich vorweg zu nehmen: Echte analoge Bandechos gibt es neu – soweit mir bekannt ist – nur noch von T-Rex mit dem Replicator und dieses Pedal verfolgt mit der Kassette einen anderen Ansatz. Der Sound ist viel roher als der des Echo Fix EF-X3 und dieser Charakter ist immer präsent. Zusätzlich verzichtet man beim Replicator auf den Federhall.

Wer also Space-Echo-Sound sucht, das EF-X3 aber schlicht außerhalb des Budgets liegt, findet in der simulierten Welt durchaus gute Alternativen, allen voran das UAFX Galaxy. Das sehe ich klanglich als stärkste Alternative. Wenn es noch etwas günstiger sein muss, kann man sich auch das NUX NDD-7 Tape Echo (Test) ansehen. Das klingt ebenfalls ordentlich und ist günstig, ist aber noch ein deutliches Stück von der Qualität eines Galaxy entfernt.

Echo Fix EF-X3 Chorus Echo Test: Fazit

Es ist teuer, es ist solide verarbeitet und es klingt wahnsinnig gut. So könnte man das Echo Fix EF-X3 in wenigen Worten beschreiben. Klanglich liefert das Tape Delay absolut ab und ist für mich eine echte Alternative zu den Originalen.

Wer sich das EF-X3 nicht leisten möchte oder kann, oder wem es nur um den Sound geht, kann diesen mittlerweile auch sehr ordentlich z.B. mit einem UAFX Galaxy oder dem UAD Plugin bekommen. Ein Echo Fix werden sich Tape-Delay-Puristen zulegen, die das Gesamtpaket ohne Kompromisse sucht, aber keine Lust auf eine gebrauchte Originalversion (mit den verbundenen Risiken) haben.

8.3 TOTAL SCORE

Echo Fix EF-X3 Chorus Echo Test

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Sound 9

Features 8

Bedienung 10

Preis/Leistung 6

PROS

• Hervorragender Tape-Echo-Sound
• Geringe Betriebslautstärke
• Einzelausgänge für jeden Tape-Head

CONS

• Selbstoszillation etwas zu zahm

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Erster Eindruck Akai MPK Mini Plus

Mit knapp 1,25 Kilo ist der Controller zwar kein Leichgewicht mehr, aber immer noch ausreichend kompakt für die Reise. Insgesamt vermittelt der MPK Mini Plus einen soliden Eindruck. Eine andere Qualität hätte mich nach der jahrelangen Erfahrung Akais im Controller-Bau aber auch überrascht.

Die Potis sind angenehm schwergängig, Mod- und Pitchwheel sitzen solide, nur der X/Y-Joystick hätte für meinen Geschmack noch etwas mehr Widerstand haben können. Das ist letztlich aber Geschmacksache. Ebenso wie die Spielbarkeit der 37 Minitasten. Hier empfand ich den Keystep 37 von Arturia etwas besser, da mir Akais Minitasten immer etwas zu „weich“ liefen.

Das OLED-Display ist eine nette Dreingabe, aber bei der Zeichengröße muss man schon Adleraugen oder zumindest eine gute Brille haben, um damit vernünftig zu arbeiten. Wenn man dann noch Sequencerfunktionen im Live-Stress vernünftig ablesen möchte, ist man allerdings häufig auf verlorenem Posten. Da sich der MPK Mini Plus weitestgehend ohne Display bedienen lässt, sollte man das Display daher eher als optionale Hilfe sehen und sich nicht ärgern.

Anschlussfreudig: Der MPK Mini Plus

Auf der Rückseite verfügt der MPK Mini Plus neben einem 5-Pin-MIDI-Duo über eine USB-Schnittstelle, sowie einen Sustain-Pedal-Eingang. Ist das schon eine willkommene Erweiterung zu den üblichen USB-only-Tastaturen, punktet der MPK Mini Plus vor allem durch seine zwei CV-Outs und einen Gate-Ausgang. Damit lassen sich rein analoge Geräte mit entsprechender Schnittstelle zuverlässig ansteuern.

Möchte man dann noch eine analoge Drum-Machine oder einen Sequencer hinzufügen, bietet der MPK Mini Plus Sync-Ein-und Ausgänge. Natürlich kann man im analogen Kontext nie genug CV-/Gate-Schnittstellen haben. Aber mit dem hier Gebotenen schafft der MPK Mini Plus schon eine gute Basis für kleinere Hybrid-Setups.

Encoder & Co.

37 anschlagdynamische Minitasten ohne Aftertouch, dazu acht MPC-Drumpads mit LED-Beleuchtung, sowie zahlreiche Taster und Encoder bilden eine gute Basis für Live-Performer und kleine Studios. Hinzu kommen Pitch- und Modulationsräder, und ein X/Y-Joystick.

Die meisten Elemente lassen sich frei konfigurieren und eigenen Bedürfnissen anpassen. Ich hätte mir hier zwar eine zweite Ebene oder gar Bänke gewünscht, zwischen denen man umschalten kann um die Anzahl an Parametern zu erhöhen. Andererseits deckt die Anzahl der Controller in ihrer Gesamtheit schon eine breite Basis ab, wenn man die Zuweisung geschickt vornimmt. Zumal gerade im Live-Kontext weniger gerne mal mehr ist.

Plug and Play?

Zur Bedienung von DAWs oder dem internen Sequencer finden sich auf der Oberfläche zahlreiche Taster zur Transportsteuerung. Der Controller wird direkt von den DAWs als MIDI-Gerät erkannt und man kann erste Noten einspielen. Das klingt auf den ersten Blick gut, aber leider wird der MPK Mini Plus (noch?) nicht vollständig nativ von Ableton Live unterstützt. Das bedeutet, viele der sinnvollen Funktionen wie etwa die Transportsteuerung müssten erst zugewiesen werden. Meine Recherche ergab, dass das wohl auch andere DAWs wie Logic betrifft.

Man muss hier also erstmal manuell ein Skript hereinladen, um den Zugriff auf alle wesentlichen Funktionen zu erhalten. Das Skript ist auf der Webseite von Akai-Pro erhältlich und die Einbindung selbst ist ebenfalls unkompliziert. Dass es auch besser geht, zeigen andere Hersteller, und selbst bei Akai-Controllern wie dem MPK Mini MKIII ist das besser gelöst.

Arpeggiator und Sequencer

Mit dem MPK Mini Plus verfügt das erste Modell dieser Serie nun auch über einen Sequencer. Besser gesagt sind es sogar zwei, einmal 8-fach polyfon für Noten und ein zweiter mit 16 facher Polyfonie z.B. für Drums. Letzterer wird über die Pads gesteuert, Sequencer Nr. 1 über die Tastatur. Das ist ziemlich smart gelöst, zumal beide Sequencer auch auf unterschiedlichen MIDI-Kanälen senden können.

Der Sequencer bietet bis zu 64 Steps, die sich entweder live einspielen, oder pro Step programmieren lassen. Für die Bearbeitung der Steps ist man auf das sehr kleine OLED-Display angewiesen. Mit dem Mikroformat gezielt zu arbeiten erfordert allerdings eine ausgezeichnete Sehschärfe, denn das Display ist schon arg klein geraten. Immerhin besser als komplett ohne Display, aber in der Praxis eben auch nicht viel besser.

Der Arpeggiator im MPK Mini Plus ist solide Standardkost mit sieben unterschiedlichen Abspielrichtungen, unterschiedlichen Taktmaßen und Gate-Längen, sowie einstellbarem Swing.

Alternativen zum MPK Mini Plus

Den MPK Mini Plus kann man in seiner Ausstattung schon fast als Spätzünder bezeichnen. Denn das Segment mit CV/Gate-fähigen Mini USB Controllern ist bereits seit einigen Jahren gut besetzt. Berühmtester Mitbewerber dürfte Arturia mit dem Keystep 37 sein.

Dieser ist zwar etwas platzsparender in der Tiefe, bietet dafür aber weniger Encoder und keine Pads. Dafür ist im Lieferumfang des Keystep 37 mit Ableton Live Lite eine DAW enthalten, die selbst in ihrer Sparversion besonders im elektronischen Bereich viele Fans gefunden hat.

MPK Mini oder MPK Mini Plus: Wo liegen die Unterschiede?

Abgesehen vom Tastaturumfang dürften die Hauptunterschiede bei den Anschlüssen liegen. Der MPK Mini Plus setzt auf maximale Konnektivität und Unterstützung von traditioneller MIDI-Hardware und analogem Equipment. Hier bietet der MPK Mini lediglich einen USB-Anschluss, wodurch er sich eher als Budget-und Platz-sparende Lösung im DAW-Studio anbietet.

Dennoch würde ich wohl eher zur größeren Variante greifen. Denn nicht nur die 37 Minitasten, sondern auch Features wie Stepsequencer und die Möglichkeit, zukünftig eventuell doch einmal einen externen Klangerzeuger anzusteuern, wären für mich klare Argumente für diesen Aufpreis.

Akai MPK Mini Plus: Fazit

Mit dem MPK Mini Plus hat Akai eine wichtige Lücke im eigenen Portfolio geschlossen. Der solide USB-Keyboard-Controller fühlt sich wohl als kompakte Steuerzentrale von DAW-basierten Hybridstudios und glänzt gleichermaßen als transportables MIDI-Keyboard mit Sequencer für Live-Anwendungen.

Die universelle DAW-Integration ist allerdings noch ausbaufähig und es wäre schön, hier bald Anpassungen für alle gängigen DAWs zu sehen. Gerade Einsteiger freuen sich über echtes Plug-and-Play ohne großartige Setups. Wer es etwas kompakter will und auf die zusätzlichen Pads und Controller verzichten kann, findet mit dem Keystep 37 eine ebenso gute Alternative mit Fokus auf Ableton Live.

8.3 TOTAL SCORE

Akai MPK Mini Plus Test

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Features 8

Bedienung 9

Preis/Leistung 8

PROS

• Sinnvolles Feature-Paket für kleine Studios und Live-Performer
• Solide Verarbeitung

CONS

• Sehr kleines Display
• fehlende universelle DAW-Unterstützung

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Strymon Cloudburst Test: Erster Eindruck

Wie schon bei anderen Strymon-Pedalen, ist auch die Verarbeitung des Cloudburst makellos. Das Reverb-Pedal sollte auch einem robusten Einsatz einiges entgegenzusetzen haben.

Die fünf Drehregler auf der Oberseite bieten einen angenehmen Widerstand. Sowohl der kleine Kippschalter zur Aktivierung des Ensemble-Effekts als auch der Fußschalter sind solide verarbeitet. Da wir gerade beim Fußschalter sind: Das Cloudburst verfügt neben True Bypass auch über Buffered Bypass. Letzteres ist eine Technologie, die auch bei langen Kabelwegen Signaltreue gewährleisten soll (nicht getestet, daher der Konjunktiv).

Wenn man sich die Rückseite des Cloudburst ansieht, findet man dort drei Klinken-Anschlüsse – zwei davon für Audiosignale und ein weiterer Eingang zur Parametersteuerung -, sowie eine USB-C-Buchse fürs Preset-Management und Fernsteuerung via DAW.

Der eingesenkte Schalter über den Klinken-Eingängen ermöglicht die Wahl zwischen reinem Mono-Betrieb, Dual-Stereo, oder Mono-Ein auf Stereo-Ausgang. Zwar benötigt man für den Stereobetrieb noch TRS-Kabel, allerdings ist das bei dem kompakten Format wohl nicht anders machbar.

Strymon Cloudburst Test: Die Klangerzeugung

Einen entscheidenden Part in der digitalen Klangerzeugung des Cloudburst übernimmt der Decay-Regler. Statt nun lediglich die Decay-Zeit zu beeinflussen, werden hierüber mehrere Parameter gleichzeitig angesteuert. So transformiert man einen kleinen Raum in ein großes Stadium und nimmt auf dem Weg alles dazwischen mit.

Während sich MIX- und Pre-Delay von selbst erklären, bestimmt man mit Tone den Frequenzanteil oder die Dichte des Ensemble-Effekts. Mod regelt dann die Intensität und Geschwindigkeit des Modulationseffekts. Dabei übernimmt die erste Hälfte des Regelwegs die Intensität, während man über die 12-Uhr-Stellung hinaus dann die Modulationsgeschwindigkeit bestimmt.

Ensemble oder Shimmer?

In der Mitte des oberen Bereichs sitzt ein kleiner Kippschalter für den Ensemble-Effekt. Dieser schaltet zwischen inaktiv, mittlerer Intensität und Forte um. Der Ensemble-Effekt analysiert in Echtzeit 48 Frequenzbänder und fügt diesen harmonische Obertöne hinzu.

Dabei reagiert der Ensemble-Effekt schnell und sensitiv auf dynamische Eingangssignale, was an dieser Stelle für mich den wesentlichen Unterschied zum klassischen Shimmer-Effekt ausmacht. Letzterer reagiert mitunter deutlich träger, was vor allem bei schnellen Tonhöhenwechseln und perkussiven Signalen nicht immer optimal ist. Da wirkt das Ergebnis vom Cloudburst schon etwas exakter.

Allerdings sind die klanglichen Unterschiede zu einem Shimmer-Reverb – gerade wenn man den Effekt dezent einsetzt – nicht so riesig, als dass es ein zusätzliches Effektpedal genau für diesen Zweck benötigen würde. Am stärksten hört man den Unterschied, wenn man den Ensemble-Effekt in Extremeinstellungen nutzt. Dann klingt es tatsächlich sehr danach, als ob eine (verhallte) Stringmachine konstant als zweites Instrument mitläuft. Gut umgesetzt von Strymon, aber mir war das wiederum schnell zu viel des Guten.

Strymon Cloudburst – Wie klingt es?

Damit kommen wir zum wichtigsten Part: Wie klingt das Strymon Cloudburst? In erster Linie künstlich – und das im positiven Sinn. Wer authentische Hallräume erwartet ist hier falsch. Wer ein deutlich färbendes Reverbpedal sucht, das nicht nur warm klingt, sondern auch in der Lage ist, ein breites Größenspektrum abzudecken, macht mit dem Cloudburst nichts verkehrt.

Kleine Räume klingen solide und etwas realistischer, aber da legen andere Effektpedale wie das Empress Reverb qualitativ noch etwas drauf. Die Stärken des Strymon Cloudburst liegen eher in mittleren und großen Hallräumen. Hier färbt das Cloudburst nahezu alles schön, was man hineinschickt.

Allerdings kommt auch hier wieder dieser Sternenstaub-Strymon-Charakter stark durch. Falls man mit diesem grundsätzlich nichts anfangen kann, wird auch Cloudburst daran nichts ändern können.

Strymon Cloudburst Alternativen

Die stärksten Mitbewerber zum Cloudburst sehe ich bei Strymon selbst. Allen voran die Klassiker Big Sky und Blue Sky. Beide haben zwar keinen Ensemble-Effekt, rücken aber mit ihrer Auswahl klanglich nah genug ans Cloudburst heran. Die Entscheidung für oder gegen ein Cloudburst trifft man daher am besten anhand folgender Frage: Will ich exakt diesen Ensemble-Effekt des Cloudburst, oder lege ich mehr Wert auf Flexibilität?

Und noch eine Überlegung: Cloudburst klingt im ersten Moment wirklich hervorragend. Ich kann mir aber vorstellen, dass man sich an dem Ensemble-Sound früher oder später satthört. Jedenfalls erging es mir bislang immer so mit den Shimmer-Algorithmen von Big Sky, Blue Sky und Nightsky. Es würde mich also arg überraschen, wenn es sich hier anders verhält. Zumindest beim Big Sky und Blue Sky hat man aber noch eine etwas größere Auswahl an Modellen um etwas mehr variieren zu können. Da ist das Cloudburst definitiv eingeschränkter. Andererseits punktet dieses mit einer einfachen Bedienung, was einem im hektischen Live-Einsatz wieder in die Karten spielt.

Fazit: Strymon Cloudburst Test

Daher fällt für mich das Fazit durchwachsen aus. Einerseits hat Strymon mit dem Cloudburst erneut ein wunderbar weich klingendes Hallpedal im Angebot. Andererseits sehe ich das Risko, dass Strymons Cloudburst mit seinem sedierenden Wohlfühlsound schnell zu einem One-Trick-Pony verkommt. Wer diesen Sound allerdings mag, wird mit dem Cloudburst auf jeden Fall glücklich.

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Mit dem Deco V2 hat der Pedal-Hersteller Strymon eine Bandmaschinenemulation im Portfolio. Neben der Grundfunktion als Bandsättigungseffekt finden sich hier auch Parameter für Gleichlaufschwankungen (Wobble), sowie Slapback Echo und eine Kassettensimulation. Ob und wie gut sich das Pedal auch für elektronische Musik eignet, erfahrt ihr im Strymon Deco V2 Test.

Strymon Deco V2 Test: Erster Eindruck

Ganz in der Tradition anderer Strymon-Pedale ist auch das Deco V2 hervorragend verarbeitet: Die Drehregler bieten einen angenehmen Widerstand, die Fußschalter sind auch mit der Hand noch angenehm zu bedienen. Das Ganze hinterlässt zudem den Eindruck, auch unterwegs lange Zeit zu bestehen.

Zur Kommunikation mit der Außenwelt verfügt das Strymon Deco V2 neben Stereo-Anschlüssen noch über USB-C, sowie einen MIDI-Eingang, für den allerdings ein spezielles Adapterkabel benötigt wird. Gleiches gilt auch für den Eingang. Falls dieser Stereo betrieben werden soll, muss hier ein Y-Split-Kabel mit eingeplant werden und der Eingang per Kippschalter auf der Rückseite auf Stereo gestellt werden.

Deco V2: Features

Bandsättigung: Im Deco V2 nun auch mit Kassettenmodus

Die wohl wichtigste Aufgabe des Strymon Deco V2 liegt in der Bandsättigung. Hierbei werden mit zunehmender Lautstärke und Sättigung dem Eingangssignal immer mehr harmonische Obertöne hinzugefügt. Gleichzeitig wird das Signal einerseits verdichtet, ohne andererseits aber signifikant an Dynamik einzubüßen. Diese Rolle übernimmt das Deco V2 mit Bravour, wodurch es durchaus auch in einer Subgruppe oder in einer Mastering-Kette eine gute Figur macht.

Je nach verwendetem Tape bzw. Bandmaschine kann der Effekt auch sehr unterschiedlich klingen. Das berücksichtige Strymon auch beim Deco V2. So spendierte man der Version 2 einen Kassettenmodus, in den man mit Umlegen des Kippschalters wechselt. Das Ergebnis unterscheidet sich deutlich vom Classic-Modus und der Klang kommt deutlich roher, übersteuerter und schmutziger daher. Das eignet sich nicht nur wunderbar für aggressive Kicks und Drumspuren, sondern erzeugt in Kombination mit Wobble auch den typischen Retro-Sound für Pads, ganz im Stil von Boards of Canada oder Tycho.

Wobble

Damit komme ich direkt zum nächsten Feature, dem Wobble. Hiermit lässt sich die Exaktheit der Tape-Wiedergabe manipulieren. Ist der Regler in der Nullstellung, ist der Effekt deaktiviert. Mit zunehmender Rechtsdrehung fängt das virtuelle Band an, immer stärker zu leiern. Das ist einerseits super für die eben erwähnten Retro-Sounds, andererseits super, um Modulationseffekte wie Chorus und Flanger umzusetzen.

Echo, Flanger und Chorus? Mit Double Tracker!

Womit wir direkt zum letzten Einsatzgebiet des Deco V2 kommen. Denn durch die Kombination aus Tape-Sättigung, Wobble und Double Tracker sind herrlich breite Modulationseffekte möglich. Konzeptionell bedingt muss man hierbei natürlich auf erweiterte Parameter wie Feedback oder Frequenz verzichten. Dafür stehen hier mit den unterschiedlichen Sättigungsmodi andere Färbungen zur Verfügung.

Erhöht man die Lag-Zeit, sind sogar Slapback-Echos mit einer Delayzeit von 50-150 ms möglich. Ein klassisches Delay-Pedal wird dadurch natürlich nicht obsolet. Dennoch kann dieser Echoeffekt eine spannende Nuance liefern. Vor allem, wenn man per Blend-Regler die Stereobühne sukzessive aufzieht.

Strymon Deco V2 Test: Fazit

Mit dem Deco V2 hat Strymon eine hervorragend klingende Bandemulation im Programm. Sicherlich handelt es sich hierbei um ein sehr spezialisiertes Effektgerät, was man sich wohl erst anschafft, wenn viele andere Standards bereits vorhanden sind. Gerade im DAW-less Kontext dient es zur subtilen Obertonanreicherung der Summe oder als Modulationseffekt mit großer Stereobühne. Wer auf Retro-Sounds im Stil von Boards of Canada etc. steht, findet hier eine Lösung, mit der das im Handumdrehen geht. Einzig den recht sportlichen Preis von rund 450 € muss man erst einmal verdauen. Trotzdem rate ich jedem, zur „größeren“ V2 Variante zu greifen. Denn alleine der Kassettenmodus ist den Aufpreis definitiv Wert.

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Es gibt viele Effektpedale, die sich über die Zeit zum Klassiker entwickelt haben. Und selbst unter diesen dürfte das Roland RE-201 noch herausstechen. Das legendäre Bandecho mit Federhall ist auch in etlichen Produktionen elektronischer Musikgenres zu hören. Darunter fallen etwa die typisch scheppernden Echos im Dub Techno oder die sich langsam aufschaukelnden Feedbackorgien in Trip Hop oder Ambient-Tracks. Was so gefragt ist, wird auch gerne kopiert. Und natürlich lässt es auch BOSS nicht nehmen, als Roland-Marke einen eigenen Clone auf den Markt zu bringen. Wie sich das BOSS RE-2 Space Echo schlägt, erfahrt ihr in diesem Test. Doch zuerst gibt es ein Demovideo, mit dem BOSS RE-2 und Twisted Electrons MEGAfm, sowie dem Roland SH-01a.

BOSS RE-2 Test: Erster Eindruck

Falls ihr bereits andere BOSS Effektpedale im Einsatz habt, dürfte euch auch das BOSS RE-2 sofort vertraut vorkommen. Auch der Space Echo Clone von BOSS bietet eine solide Verarbeitung und Drehregler mit angenehmem Widerstand. Leider sitzen diese recht nah beieinander, sodass man im Livebetrieb schon sehr vorsichtig drehen muss, um nicht andere Parameter mit zu vernändern.

Zusätzlich sind alle Drehregler – außer dem Moduswahlschalter – als Doppelregler ausgeführt. Dabei steuert der dünne Abschnitt des Potis eine andere Funktion als der untere, dicke Abschnitt. Um Platz zu sparen ist das super, aber im Live-Betrieb kann das echt ein Showstopper werden. Wenn man vorhat, das RE-2 intensiv zum Soundschrauben zu verwenden, ist der größere Bruder „BOSS RE-202“ wahrscheinlich die bessere Wahl.

BOSS RE-2 Test: Features

Da sich das BOSS RE-2 Space Echo an der Originalvorlage orientiert, gibt es hier wenig Überraschungen: Neben verschiedenen Delay-Settings, welche elf unterschiedliche Konfigurationen der Tonköpfe des Originals nachbilden, kann man noch eine Federhall-Simulation aktivieren.

Zusätzlich stegen Wow und Flutter zur Verfügung. Dadurch verpasst man dem virtuellen Delay eine künstliche Alterung und das Signal fängt herrlich an zu leiern bzw. leichtes Flanging zu erzeugen. Mit dem Regler Tone lassen sich die Höhen des Delay-Signals schließlich bedämpfen. Dieser Effekt nimmt zu je mehr Wiederholungen durch Feedback vorliegen und je stärker man den Toneregler zumacht.

Wie viel Space Echo steckt im BOSS RE-2?

Um es vorweg klarzustellen: Meine letzte Begegnung mit einem echten RE-201 Space Echo liegt mittlerweile über zehn Jahre zurück und zudem war das damalige Modell nicht frisch gewartet. Da sich Erinnerung leider ständig wandeln kann, ist auch meine Einschätzung hier mit Vorsicht zu genießen. Mein Eindruck war allerdings, dass das BOSS RE-2 nicht so richtig den Sound des Originals trifft.

Zum einen fehlt ihm einfach die organische Tiefe. Da helfen auch Wow und Flutter nicht wirklich weiter, denn spätestens, wenn man das RE-2 in die Selbstoszillation fährt, sind die Unterschiede schon sehr ausgeprägt. Zwar klingt das BOSS RE-2 deutlich besser als die ältere Simulation BOSS RE-20. Insgesamt finde ich aber, dass es bessere Tape-Simulationen gibt. Sogar das rund 100 Euro günstigere NUX NDD-7 Tape Echo konnte mich mehr überzeugen, wobei auch dieses Ecken und Kanten hat.

Auf dem Papier hat sich BOSS jedoch sehr am Original orientiert: So finden sich hier alle Tape-Kopf-Modi, Federhall und Wow und Flutter, um die Tape-Alterung nachzuempfinden. Ein zusätzlicher Regler für den Rauschanteil hätte ich auch noch begrüßt, aber mir ist kein Pedal bekannt, das dieses Feature bietet (Vorschläge bitte in den Kommentaren).

Delay-Agorithmen & Selbstoszillation

Wie schon bei der Originalvorlage sind auch beim BOSS RE-2 drei (virtuelle) Wiedergabeköpfe vorhanden, die im Zusammenspiel mit der Federhallemulation elf verschiedene Kombinationen zulassen. Die maximale Delay-Zeit wurde hier im Vergleich zum Roland Space Echo sogar noch etwas erweitert, allerdings immer noch eher im Normalbereich. Wer ewig lange Ambient-Delays sucht, muss auf alternative Delays umsteigen. Mit einem eingeschleiften EQ lassen sich per Tone-Regler final noch die Höhen oder Tiefen der Delays etwas bedämpfen.

Bei der Emulation der Selbstoszillation ist mir BOSS etwas zu zaghaft vorgegangen. Denn wirklich „kreischen“ will das RE-2 auch bei hohen Feedback-Werten nicht. Zwar geht das insgesamt schon in eine akzeptable Richtung. Aber die optimale Mischung aus crunchigem Overdrive, Resonanz und zunehmendem LoFi-Faktor mag dem RE-2 nicht so richtig gelingen.

Emulation des Spring-Reverbs

Da der scheppernde Federhall des Originals einen entscheidenden Beitrag zum Gesamtsound liefert, darf diese Emulation natürlich auch nicht im BOSS RE-2 fehlen. Im Gegensatz zum Original ist der Federhall des BOSS RE-2 sogar Stereo ausgelegt. Allerdings war mir dieser im Vergleich zum Original etwas zu dezent.

Wow & Flutter

Mit Wow und Flutter werden die Eigenschaften eines analogen Tonbands nachgebildet. Je weiter der Regler nach rechts gedreht wird, umso stärker ist die simulierte Gleichlaufschwankung des Tonbands. Klanglich äußert sich das in einem leichten Flanging und Tonhöhenschwankungen, perfekt für LoFi-Ambient oder Dub Techno. Aber auch hier ist mir das Gesamtergebnis wieder zu statisch. Wenn ich das etwa mit einem UAFX Starlight Echo Station vergleiche, liegen dazwischen Welten.

BOSS RE-2 Test: Fazit

Der Sound des BOSS RE-2 dürfte vielen Tape-Delay-Liebhabern sicherlich zusagen, wenngleich Puristen an einigen Stellen das gewisse Etwas fehlen wird. Denn das RE-2 kommt ingseamt etwas zu zahm und steril daher. Im Vergleich zum Vorgänger, dem BOSS RE-20, konnte BOSS den Klang immerhin noch einmal deutlich verbessern.

Wer aber vor allem crunchige und schmutzige Tape-Sättigungseffekte im Delay oder organisches Bandverhalten sucht, ist mit dem BOSS RE-2 nicht optimal beraten. Auch die Live-Fraktion wird mit den eng beieinander liegenden Reglern mit Doppelfunktion keine Freude haben. Alle anderen auf der Suche nach einer vernünftig klingenden Tape-Echo-Emulation können hier aber bedenkenlos zugreifen.

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Die meisten älteren Klangerzeuger wie Synthesizer oder Drum Machines setzen zur Datenkommunikation mit der DAW auf traditionelle 5-Pin-MIDI-Ports. Um diese in ein aktuelles Setup zu integrieren, benötigt man ein spezielles MIDI-Interface. Hierüber werden Noten-Informationen gesendet, MIDI-Clock-Befehle weitergegeben oder Klangdaten übertragen. Worauf man beim Kauf eines USB MIDI Interface achten sollte und welche MIDI-Interfaces empfehlenswert sind, sehen wir uns in diesem Artikel an.

Worauf sollte man bei einem MIDI Interface achten?

Primärer Einsatzzweck eines MIDI-Interface ist es, eine MIDI-Datenverbindung zwischen einer DAW und externen Klangerzeugern herzustellen. Insofern ist es wichtig, dass ausreichend DIN-5-MIDI-Ports zur Verfügung stehen. Das sind die runden Anschlüsse, von denen es meistens sowohl Ein-als auch Ausgänge am Synthesizer gibt.

Mittlerweile bieten viele Hardware-Geräte wie Synthesizer oder Effektpedale neben der traditionellen 5-Pin-MIDI-Schnittstelle auch MIDI über USB an. Daher ist es gut, wenn das MIDI-Interface zusätzlich eine Auswahl an aktiven USB-Anschlüssen beherbergt. Auf diese Weise könnte man sich einen USB Hub sparen.

Andersrum wird ein MIDI-Interface nicht unbedingt benötigt, wenn ihr lediglich Geräte im Einsatz habt, die bereits einen USB-Port zur MIDI-Kommunikation besitzen. Dann wäre unter Umständen eine Investition in einen guten USB-Hub für Audio und MIDI sinnvoller.

Die besten MIDI-Interfaces für elektronische Musik: Kaufempfehlungen

Je nach Studiogröße und Menge der Klangerzeuger habt ihr natürlich andere Anforderungen. In der Regel wird das Hauptkriterium aber die Anzahl der benötigte MIDI-Anschlüsse sein. Hier würde ich immer Reserven einplanen und jedem Gerät seinen eigenen MIDI-Port spendieren.

Zwar könnte man über unterschiedliche MIDI-Kanäle auch MIDI-Thru-Ketten nutzen. Spätestens aber, wenn man neben reinen Notenwerten auch umfangreiche Soundinformationen über MIDI schickt, sind Thru-Ketten alles andere als zuverlässig. Dann bleiben Noten gerne mal hängen, oder die Latenz nimmt sukzessive zu. Macht euch daher am besten vorab darüber Gedanken, wie euer Studio perspektivisch aussehen soll. Zum Glück bekommt man heutzutage selbst MIDI-Interfaces der Profiklasse zu einem recht günstigen Kurs.

MIDI Interfaces bis 100 €: Für Einsteiger und kleine Setups

Für ganz kleine Setups, bestehend aus DAW und einer Groovebox oder einem Synthesizer, reicht häufig ein MIDI Interface mit einem Ein- und Ausgang. Ich würde trotzdem immer auf mindestens zwei MIDI IN/Outs setzen, um einen kleinen Puffer für die Zukunft zu haben. Wenn dann ein weiteres MIDI-Gerät hinzukommt, ist man direkt vorbereitet.

Ein grundsolides Angebot bietet das MIDIFLEX 4 von Nektar. Hier gibt es insgesamt 4 MIDI-DIN-Anschlüsse. Diese können alternativ in einer 2 x 2 (In/Out) oder 1 x 3 (In/Out) Konfiguration geschaltet werden. Dabei wird automatisch erkannt, ob an einem Port eingehende oder ausgehende Signale anliegen.

Weiterhin lässt sich das MIDIFLEX 4 auch für Merge- und Splitfunktionen im Standalone-Betrieb nutzen. Die Spannungsversorgung muss für diesen Fall allerdings über ein externes USB-Netzteil gesichert sein.

MIDI Interfaces bis 250 €: Die Mittelklasse für Projektstudios

Mindestens vier Ein- und Ausgänge, USB-Host-Anschlüsse und Standalone-Betrieb: Die Empfehlungen aus der Mittelklasse eignen sich für mittlere Studio-Setups.

ESI M4Uex

Mit dem M4Uex hat ESI ein Mittelklasse MIDI Interface im Portfolio, das durch solide Verarbeitung und einfaches Handling überzeugt. Besonders praktisch ist hier, dass das Interface automatisch erkennt, ob ein Port MIDI-Daten empfängt oder sendet. Dadurch lassen sich die Anschlüsse auch völlig frei konfigurieren. Im Extremfall stehen euch so bis zu acht Aus- oder eben Eingänge zur Verfügung.

Auf der Rückseite bietet das M4UeX MIDI Interface noch drei USB 3.0 Anschlüsse, wodurch ihr auch aktuelle Geräte einfach einbinden könnt. Ein Standalone-Betrieb mit Merge- und Thru-Funktion rundet die Ausstattung ab.

iConnectivity mioXM

Wenn es noch komplexer sein soll, ist das iConnectivity mioXM ein vielseitiger Kandidat. Vier 5-Pol-MIDI-Eingänge und ebensoviele Ausgänge, plus noch einmal vier USB Hosts sind eine gute Basis für mittlere Setups. Richtig spannend wird es aber, wenn man die umfangreichen Routing-Möglichkeiten des mioXM nutzt.

Denn hier bietet iConnectivity zahlreiche MIDI-Filter, Merge und Kaskadierungsoptionen, die man in dieser Preisklasse woanders nicht erhält. Über Netzwerk stehen weitere „virtuelle“ MIDI-Ports bereit, um weitere Computer mit einzubinden. Via Camera Connection Kit arbeitet das mioXM auch zuverlässig mit einem iOS-Gerät zusammen. Um diesen Funktionsumfang bestmöglich zu nutzen, muss man sich aber intensiver mit der Einrichtung beschäftigen.

MIDI Interfaces bis 500 €: Die Profiklasse für große Studiosetups

In der Profiklasse spielen neben Patchbay-Möglichkeiten vor allem die Anschlussanzahl eine zentrale Rolle. Und wieder habe ich mich für MIDI Interfaces von ESI und iConnectivity entschieden. Zwar haben auch andere Unternehmen wie MOTU oder Miditech spannende Kandidaten im Portfolio. Aber wenn man das Preis/Leistungsverhältnis berücksichtigt, liegen ESI und iConnectivity einfach zu weit vorne.

iConnectivity mio XL USB Midi Interface

Denn was mit dem iConnectivity mio XL möglich ist, stellt die anderen Mitbewerber locker in den Schatten. Über acht 5-Pol MIDI-Eingänge und 12 MIDI-Ausgänge, plus noch einmal zehn USB MIDI Host Anschlüsse lassen sich bis zu 22 Geräte ansteuern. Gerade auch die USB-Host-Funktionalität unterstreicht beim mioXL den flexiblen Ansatz. Denn einmal als Preset eingerichtet und abgespeichert, kann man mit dem mioXL auch ohne Rechner dazwischen seinen Hardwarepark flexibel miteinander verschalten. Und da USB-Verbindungen nur ein statt zwei Kabel benötigen, spart man sich hier sogar etwas Kabelsalat.

Und ein weiteres Goodie im Betrieb als USB-Host, das sich allerdings auch auf mein Setup beschränken kann: Alle angeschlossenen USB-MIDI-Geräte, die vorher gerne mal mehr oder weniger stark durch die USB-Verbindung Störgeräusche produziert haben, waren flüsterleise, nachdem sie auf das mioXL umgezogen sind. Schade nur, dass die USB-Verbindung keine Audio-Signale durchlassen, wenn das Gerät es unterstützt. Aber auch so ist die Ausstattung schon beeindruckend.

Falls das nicht immer noch nicht ausreicht, können mehrere iConnectivity MIDI Interfaces kaskadiert werden. Auch iOS-Geräte lassen sich problemlos einbinden. Wobei problemlos hier etwas zu euphorisch ist. Dazu ist die Einrichtung bei komplexeren Setups schon etwas umständlich und erfordert in den meisten Fällen einen Blick in die Anleitung.

ESI M8U eX

Wer es einfach mag und auf die Routing-Funktionen verzichten kann, hat mit dem ESI M8U eX eine großartige Alternative. Bei diesem MIDI Interface erkennen die 16 Anschlüsse automatisch, ob MIDI-Signale ein- oder ausgehen. Dadurch kann man die Ein-und Ausgänge auch völlig beliebig nutzen.

Über drei USB MIDI Hosts werden aktuelle Klangerzeuger angesteuert. Einfaches Setup, solide Verarbeitung und ein geringer Preis machen dieses MIDI Interface zur klaren Empfehlung, wenn man größere Setups ohne viel Schnickschnack ansteuern will.

USB MIDI Interfaces: Empfehlungen für die Profiklasse

Conductive Labs MRCC 880 und MRCC: Die Lösung für DAW-less-Anwendungen

Wer vor allem DAW-less produzieren möchte, wird früher oder später einen guten MIDI-Router benötigen. Neben dem eben vorgestellten mioXL von iConnectivity ist auch die MRCC-Serie von Conductive Labs eine Empfehlung. Zwar ist diese trotz des höheren Preis nicht ganz so umfangreich ausgestattet wie die Lösung von iConnectivity. Allerdings hat man hier die Möglichkeit, per Knopfdruck neue Routings herzustellen, was beim mioXL nur in Verbindung mit einem Software-Editor klappt.

Das Spitzenmodell besitzt zusätzlich noch einen analogen Clock-Ausgang, Display, sowie sechs unabhängige Arpeggiatoren. Fürs Studio würde ich das mioXL als flexiblere Lösung vorziehen. Wenn spontanes Routing im Fokus steht, sind die MRCCs meiner Meinung nach unschlagbar.

Sonderfall: MIDI Interface mit SMPTE

Vorweg eine Sache: Wenn du noch nie etwas von SMPTE gehört hast, kannst du diesen Abschnitt getrost überspringen. Denn SMPTE wird (war) vor allem dann ein Thema, wenn du Videos oder Games vertonst. Denn über dieses Protokoll werden vereinfacht gesagt konkrete Zeitangaben und Positionen übertragen (MTC in SMPTE umgewandelt). War das vor zwanzig Jahren ein noch recht weit verbreitetes Feature, gibt es mittlerweile nur noch wenig Interfaces, die das unterstützen.

Und daher überrascht es nicht, dass das MOTU Midi Interface „Midi Express XT USB“ in der ersten Version bereits 1999 auf den Markt kam. Der Vollständigkeit sei es daher erwähnt, denn mit 8×8 Anschlüssen, einer Merge-Matrix und dem SMPTE-Feature bietet das MOTU ebenfalls eine solide Ausstattung. Andererseits ist etwa der komplette Verzicht auf USB-Host-Anschlüsse nicht mehr wirklich zeitgemäß.

Daher kann ich das MOTU-Interface (und auch andere aus der MOTU-Reihe) nur eingeschränkt empfehlen. Es sei denn, ihr benötigt SMPTE und / oder legt auf USB Host-Anschlüsse keinen Wert. Falls ihr euch dennoch für ein MOTU-Interface entscheidet, könnt ihr euch über einen soliden Treiber-Support mit Langzeitperspektive freuen.

Fazit: Die besten USB MIDI-Interfaces

Mittlerweile sind gute MIDI Interfaces zu recht überschaubaren Preisen erhältlich. Daher verläuft die Entscheidung am ehesten anhand der Linie: Wie komplex soll es werden und wie viele Klangerzeuger plant man mittelfristig im Studio ein.

Der Plug-&-Play-Ansatz wird von ESI hervorragend umgesetzt. Hier muss man sich wirklich kaum noch Gedanken über die korrekte Verkabelung machen. Demgegenüber liefert die mio-Serie von iConnectivity etliche Features, um auch exotische Anwendungen abzudecken.

Ein kleiner Tipp noch am Ende: Wenn ihr euch nicht sicher seid, ob euer MIDI Interface eine gute Performance liefert, könntet ihr eure Klangerzeuger mal maximal mit MIDI-Signalen befeuern. Etwa durch eine Soundübertragung. Wenn es hier Probleme gibt, solltet ihr zunächst einmal gucken, ob das Interface nicht an einem schwachen USB-Hub sitzt. Falls hier alles gut ist, würde ich ein anderes MIDI Interface ausprobieren. Die hier in der Liste vorgestellten Modelle sollten jedoch auch anspruchsvolle Datentransfers meistern.

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Akai MPK mini MK3: Erster Eindruck

Mit einer Größe die etwa einem 14″-Notebook entspricht und rund 750 Gramm ist der MPK mini nahezu prädestiniert für den Einsatz unterwegs, im Club oder in kleinen Homestudios als DAW-Controller. Die Verarbeitung ist solide und dürfte auch heftigeren Einsätzen trotzen.

Dafür sorgt auch, dass Akai den filigranen Micro-USB-Port der ersten MPK mini Reihe durch den stabileren USB-B-Anschluss ersetzt hat. Hierüber erfolgt auch die Spannungsversorgung. Neben dem USB-Anschluss findet sich auf der Rückseite noch ein Eingang für ein Sustain-Pedal. Auf einen klassischen MIDI-Anschluss wurde beim MPK mini verzichtet.

Pads und Klaviatur

Drum-Pads sind fest in der Akai-DNA verankert und seit der ersten MPC ein Bestandteil vieler Controller des Unternehmens. So überrrascht es nicht, dass auch die acht Pads im MPK mini sehr solide daherkommen. Einige der typischen MPC-Funktionen wie etwa Note Repeat und Full Level sind ebenfalls vorhanden.

Die 25 Minitasten sind anschlagdynamisch spielbar, wobei das vermittelte Spielgefühl durch die Tastengröße im direkten Vergleich mit einem Arturia Keystep etwas weniger exakt ist. Natürlich erwartet man von so einem Mini-Controller keine extrem hochwertige Tastatur für virtuose Performances. Und so ist es letztlich auch Geschmackssache welcher Kompromiss einem am meisten zusagt.

Controller

Keine Frage: Der Workflow einer DAW wie Ableton, FL Studio, Cubase etc. profitiert erheblich von externen Controllern. Damit das möglichst reibungslos funktioniert, ist es vorteilhaft wenn die DAW bereits von sich aus Templates für den MIDI-Controller mitliefert.

Beim Akai MPK mini MK3 finden sich acht Endlosdrehregler mit angenehmem Drehwiderstand. Dass es sich dabei um Endlosdrehregler handelt ist besonder bei Live-Performances praktisch, da es hier nicht zu Parametersprüngen kommt. Aber auch im Studioeinsatz, etwa beim Sounddesign, ist man mit Endlosreglern häufig schneller.

Zusätzlich gibt es einen X/Y-Joystick, der gleichzeitig die Funktion von Modwheel und Pitchbender vereint. Grundsätzlich ziehe ich es vor, wenn beide Controller unabhängig vorhanden sind. Bei dem geringen Platz muss man aber Kompromisse eingehen und diese Lösung erscheint mir durchaus besser, als darauf zu verzichten.

Software-Paket inklusive

Für viele User ist neben der Hardware-Ausstattung auch die enthaltene Software ein wesentlicher Faktor. Hier setzt man beim Software-Lieferumfang auf andere Produkte aus dem Hause inMusic. Dazu gehören neben der ohnehin kostenlosen DAW MPC Beats noch ein paar Synthesizer-Plugins von Air. Die klingen recht anständig, werden aber auch laufend in Abverkaufsaktionen für 1- 15 € angeboten.

Akai MPK mini mk3 Alternativen

Natürlich bietet nicht nur Akai einen Mini-Controller an. Gerade die Unternehmen Arturia und Novation haben mit dem Minilab mk3, respektive dem Launchkey Mini mk3 sehr spannende Alternativen zum MPK mini im Portfolio. In dieser Tabelle sind die wichtigsten Unterschiede zusammengefasst.

Akai MPK mini mk3 Test: Fazit

Bei dem MPK mini MK3 hat Akai einiges richtig gemacht. Denn einige Unzulänglichkeiten der Vorgängerversionen wurden beseitigt und der Workflow ist nach wie vor schnörkellos. Dabei stellt sich nun die Frage, wie gut das Gesamtpaket für elektronische Musik ist.

Und hier muss man sagen, dass Mitbewerber wie Arturia und Novation durch das größere Softwarepaket inklusive Ableton Live Lite und eine tiefere Integration einen Vorteil haben. Wenn man bereits eine DAW hat und nur ein Controller dazugekauft werden soll, macht man mit dem MPK mini mk3 aber nichts verkehrt. Wer neben dem reinen Betrieb mit einer DAW auch externe Klangerzeuger ansteuern möchte, für den könnte der Akai MPKmini Plus Test spannend sein. Denn dieser bietet zusätzlich noch echte MIDI-Anschlüsse und CV/Gate.

7.0 TOTAL SCORE

Akai MPK mini MK3 Test

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Features 6

Bedienung 8

Preis/Leistung 7

PROS

• Anschlagdynamische Tastatur
• Gut spielbare Pads

CONS

• Display sehr klein
• Software-Paket bei Mitbewerbern umfangreicher
• Kein (5-Pol) MIDI-Ausgang

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SOMA ist bekannt für außergewöhnliche Instrumente, die hochwertige Verarbeitungsqualität mit gutem Sound verknüpfen. Mitunter ist der Ansatz dabei etwas gewöhnungsbedürftig – wie der im SOMA Pulsar-23 Test angesprochene Sequencer zeigt -, aber dabei immer auch inspirierend. Daher überrascht es nicht, dass sich hinter dem Cosmos Effektgerät ein echter Geheimtipp für Ambient und experimentelle Musik verbirgt. Warum das so ist, erfahrt ihr im SOMA Cosmos Test. Doch zuerst gibt es ein Demovideo zur Einstimmung.

Zunächst ein paar Worte zum Konzept: SOMA Cosmos ist kein klassischer Looper, sondern kombiniert Looper-Delays, Reverb, oder Granulareffekt mit Filter, Overdrive und Kompressor. Obwohl man zunächst einmal Klänge aufzeichnen muss, damit überhaupt etwas passiert. Denn einmal aufgenommen, wird das Material laufend variiert. Da das für die beiden Stereokanäle getrennt passiert, entstehen sehr breite Klangteppiche.

Die Stärke der Varianz lässt sich dabei über mehrere Parameter beeinflussen. Zum Beispiel über den Drift der Delayzeit, Tief- und Hochpassfilter oder zunehmender Überblendung einzelner Klangsegmente. SOMA Cosmos vereint hierzu zwei unterschiedliche Delay-Varianten, einen Reverbeffekt, sowie ein Granular-Delay. Zusätzlich können aufgenommene Signale rückwärts abgespielt und, je nach gewähltem Algorithmus, auch in halber Geschwindigkeit laufen.

SOMA Cosmos Test: Erster Eindruck

Gleich nach dem Auspacken fällt das recht hohe Gewicht des Cosmos auf: Das Teil ist extrem solide verarbeitet und wirkt auch robust genug, jahrelang mit auf Tour zu gehen. Allerdings ist ein hohes Gewicht immer auch lästig, wenn man ohnehin viel Gepäck dabei hat. Es ist also immer ein Kompromiss.

Auf der Oberfläche des Cosmos sitzen insgesamt acht Drehregler, fünf Taster, sowie ein gerasteter Wahlschalter für die vier Effektalgorithmen. Alle Bedienelemente vermitteln ein angenehm hochwertiges Gefühl: Sie reagieren nicht zu schwer, andererseits aber auch nicht zu leicht, um gezielte Änderungen vorzunehmen.

Die Anschlüsse auf der Rückseite

Um das SOMA Cosmos in den Equipment-Park zu integrieren, finden sich auf der Rückseite jeweils zwei 6,3 mm Line-Ein-und -Ausgänge, sowie der Anschluss für das externe Netzteil. Ein USB-Port dient lediglich dazu, Firmwareupdates per USB-Stick durchzuführen. Hinzu kommt, und das finde ich bei einem Effektpedal bemerkenswert, ein 6,3 mm-Kopfhöreranschluss.

Jetzt könnte man sich die Frage stellen, wozu man bei einem Pedal einen Kopfhörer anschließen sollte. Aber um ehrlich zu sein, kehrte sich in der Praxis bei mir die Frage eher ins Gegenteil um: Warum gibt es den Kopfhöreranschluss nicht viel häufiger bei externen Pedals?

Denn zum spontanen Jammen am Gerät ist dieser echt praktisch. So hat man sich in wenigen Augenblicken ein kleines Setup aus Cosmos und Synth auf dem Tisch zusammengestellt. Damit kann man ganz entspannt loslegen, ohne Mixer und andere Geräte zwingend mit einzubinden.

Die verschiedenen Effektalgorithmen des SOMA Cosmos

Kommen wir zum Herzen des Cosmos. Wie eingangs erwähnt, vereint das Pedal grundsätzlich vier Effektvarianten, die alternativ zur Verfügung stehen: Zwei Delay-Varianten, ein Reverb, sowie ein Granular-Delay. Jede einzelne Variante bietet zudem drei Untervarianten, doch dazu in den einzelnen Abschnitten mehr. Der Effektalgorithmus wird beim Umschalten jeweils weich überblendet, was störende Klicks im Live-Betrieb unterdrückt.

Allen Effekten gemein sind die Regler Drive, SUP|COM und Feedback. Drive ist ein analoges Overdrive, das die Signale weich sättigt. Im Zusammenspiel mit hohen Feedback-Werten, den Filtern und dem Feedback-Regler sorgt der Drive für organische Verzerrungen. Durch den integrierten Limiter ist es dabei nahezu unmöglich, das Signal auf unangenehme Weise zu übersteuern. Eher wirkt es, als würde man sukzessive Bandsättigung hinzufügen.

Mit dem SUP|COM-Regler werden bereits aufgenommene Signale bei Linksdrehung bedämpft, sobald externe Signale hinzukommen. Eine Rechtsdrehung wiederum aktiviertiert mit zunehmender Intensität einen Kompressor, wodurch dieser aufgenommene und eingehende Signale mehr und mehr angleicht.

Delay 1 / 2

Die Varianten „Delay Two“ und „Delay Four“ bestehen aus zwei, respektive vier Delay-Lines, die sich laufend zueinander verschieben. Die Anzahl der gleichzeitig wiedergegebenen Delay-Lines ist auch der Hauptunterschied zwischen den beiden Varianten. Per Wahlschalter bestimmt man hier jeweils die Delay-Zeit, die je nach Algorithmus entweder 2,5 / 9,5 und 22 Sekunden (Delay Two) beträgt. Oder wie im Fall des Delay Four 2,5 / 8,5 und 11,5 Sekunden.

Bei den Zeiten wird schnell deutlich, dass man hier näher am Looper-Konzept als an einem typischen Delay ist. Dabei handelt es sich allerdings nur um Näherungswerte. Denn die Delay-Lines werden laufend zueinander verschoben. Damit sind auch die Delay-Zeiten nur grobe Orientierungen. Richtig gezieltes Arbeiten ist also nicht möglich, aber das macht meiner Meinung nach den Reiz des Cosmos aus.

Mit den Reglern Blur und Drift erzeugt man in diesen Modi entweder ein zunehmendes Cross-Feedback zwischen den Lines (Blur). Oder man moduliert das Panorama der Delays mit einem asynchronen LFO, der wiederum zufällig moduliert wird. Mit zunehmender Intensität wird das bearbeitete Signal immer chaotischer. Wobei das Ergebnis meistens musikalisch sinnvoll nutzbar bleibt. Es verschmilzt eher zu einer homogenen Einheit, die sich zudem schön im Stereopanorama auffächert.

Reverb

Der Modus „Reverb“ stellt mittels Effektwahlschalter die drei Größen „große Halle, supergroße Halle und unfassbar supergroße Halle“ bereit. Und das ist hier auch gleich das Besondere gegenüber traditionellen Hallsimulationen: SOMA beschreibt das zugrunde liegende Modell als kilometergroß. Das führt dazu, dass die Erstreflexionen sich wie einzelne Echos anhören. Mit der Zeit vermischen sich diese Einzelsignale dann zu einem immer dichteren Klangteppich.

Beim Reverb-Modus haben Blur und Drift übrigens keinen Einfluss auf das Klanggeschehen. Mithilfe der beiden Filter und dem Drive-Regler kann man den Sound aber dennoch ordentlich formen.

Besonders beim Reverb habe ich das zusätzliche Hochpassfilter schätzen gelernt. Denn wie so häufig bei ungefilterten Reverbeffekten, sorgt eine zunehmende Verdichtung auch dazu, dass die unteren Mitten den Mix zumatschen. Eine weitere Möglichkeit dem entgegenzuwirken, liegt in der Nutzung des SUP/COM-Reglers. Neu aufgenommene Signale unterdrücken bei Linksstellung dann die bereits im Speicher existierenden Sounds und schaffen so gleichzeitig Raum.

Granular

Der letzte Modus ist ein Granulareffekt. Ist dieser ausgewählt, wird das Eingangssignal in lauter einzelne Fragmente zerlegt. Die einzelnen Fragmente werden dann als Delay wiedergebenen.

Die drei Modi des Wahlschalters bestimmen die Größe der einzelnen Fragmente und Delays. Mit Blur und Drift verschiebt man sukzessive die einzelnen Fragmente gegeneinander. Dabei ändert Blur die Position der Grains laufend mithilfe einer Noise-Welle, während dies bei „Drift“ über einen asynchronen LFO passiert, der wiederum mit einem langsamen chaotischen Signal moduliert wird.

Dank der sehr effektiven Überblendungen kann das Grain-Delay herrlich weich klingen. Im Zusammenspiel mit Drive und Filtern entsteht dann ein warmer Klangteppich, den man hervorragend als Hintergrundatmos, oder als zentrales Element in einem Ambient-Track nutzen kann. In diesem Fall würde ich allerdings hinter das SOMA Cosmos noch ein externes Reverb-Pedal hängen. Das würde den ohnehin schon beeindruckenden Tiefeneffekt weiter intensivieren.

SOMA Cosmos Test: Fazit

Durch sein recht einzigartiges Konzept, den guten Sound und die inspirierende Reduktion auf das Wesentliche, konnte der SOMA Cosmos im Test voll überzeugen. Sicherlich ist die Kiste nicht jeden etwas. Dazu sind die Limitierungen, etwa bei BPM-orientierter Clubmusik, einfach zu präsent. Wenn man sich aber auf den Workflow einlässt, kann der SOMA Cosmos einen in stundenlangen Sessions faszinieren. Hier steht dann endlich mal wieder das Musikmachen im Vordergrund, und weniger das analytische Hin- und Herschieben von Clips.

So ist der SOMA Cosmos für mich auch eine ganz klare Empfehlung für Ambient-Musiker und Produzenten experimenteller elektronischer Musik. Aber sogar in Clubmusik kann er seinen Platz finden. Hier liefert er dann Hintergrundatmos und -Drones, die auch im Techno-Kontext gut funktionieren.

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NUX NDD-7 Tape Echo Test: Erster Eindruck

Im Vergleich mit dem kleinen Bruder NUX Tape Core Deluxe nimmt das NDD-7 fast doppelt so viel Platz ein. Das ist immer noch nicht viel, wenn man es etwa mit einem Strymon Volante vergleicht. Aber mit rund 440g und knapp 11×11 cm Fläche auch nicht mehr so kompakt, dass man es ohne Bedenken mal eben mit in die Live-Gig-Tasche packt.

Die Regler vermitteln mit ihrem smoothen Widerstand ein angenehmes Gefühl und das Display hilft dabei, gezielte Anpassungen vorzunehmen. Auch wenn die Größe wirklich grenzwertig ist.

Anschlüsse des NUX NDD-7 Tape Echo

Das NUX Tape Echo bietet neben einem Mono-Eingang einen Stereoausgang, sowie einen Anschluss für ein Expression-Pedal. Letzterer lässt sich per App einem beliebigen Parameter zuweisen. Die Verbindung zur App wiederum erfolgt über den USB-C Anschluss, der direkt über der Netzteilbuchse sitzt.

Gegenüber dem kleinen Tape Core Deluxe verfügt das NDD-7 Tape Echo nun auch über MIDI Ein- und Ausgänge. Dadurch lassen sich die Parameter per MIDI-Befehl steuern.

Die unterschiedlichen Delay-Modi des NUX Tape Echo

In der Tradition eines RE-201 stehend, verfügt das NUX NDD-7 Tape Echo über insgesamt sieben unterschiedliche Algorithmen. Jeder von ihnen stellt eine Kombination der drei unterschiedlichen Tonköpfe bereit.

Je nach ausgewähltem Preset ist von ultrakurzen Slapback-Delays mit einem Tonkopf, bis hin zu komplexeren Grooves unter Einbindung aller drei Tonköpfe einiges möglich. Die maximale Verzögerungszeit beträgt dabei 1600 ms. Falls man das Reverb ohne Delay verwenden möchte, geht das mit dem letzten Preset.

Neben der Eingabe per Tap-Tempo oder ms, kann man die Delayzeit alternativ auch als BPM-Wert bestimmen. Das ist zwar praktisch, um Tape Echo und DAW bzw. Hardware mit dem NDD-7 zu synchronisieren. Besser wäre es gewesen – und das halte ich für ein großes Versäumnis – die Delay-Zeit einfach zur MIDI-Clock zu synchronisieren. Dafür hat man doch eigentlich einen MIDI-Anschluss.

Das wichtigste Kritierium: Der Sound

Nach dem ganzen technischen Geschwafel komme ich nun zur wichtigsten Frage: Wie klingt denn das NUX Tape Echo?

Ich gebe zu, dass mich bereits der Sound des Tape Core Deluxe sehr positiv überrascht hatte. So viel Space Echo für so wenig Geld findet man sonst nirgends. Und das ist beim NUX NDD-7 Tape Echo nicht anders. Das Delay liefert einen herrlich crunchigen Analogsound, der ordentlich Wärme versprüht. Legt man Wert auf exaktere Delays, geht das, indem man Wow & Flutter, sowie Sättigung weitestgehend zurückfährt. Wirklich spannend wird es aber bei den extremeren Settings. Dann nämlich, wenn man bewusst den Sound eines betagten Tapes emulieren möchte. Bedämpfte Höhen mit viel Geleiere ver(un)edeln jedes Signal. Das Resultat erinnert dann auf perfekte Weise an den Soundtrack von Romeros Zombiefilme und andere 70-er/80er-Sünden.

Zusätzlich erhält man beim NDD-7 noch Zugriff auf (fast) alle Parameter. Etwas, was ich beim Tape Core Deluxe häufig vermisst habe. Denn externe Delays wird man wohl in erster Linie zum Live-Jammen oder DAW-less benutzen wollen. Und da ist Echtzeitzugriff ein wichtiger Faktor.

Hohe Feedbackwerte liefern die beliebt knurrigen Rückkoppelungen, wie man sie schon vom RE-201 her kennt. Und auch die Veränderungen der Delayzeit in diesem Setting sorgt für die typischen Pitching-Effekte. Wie nah das am Original ist, kann ich mangels Vergleichsexemplar nicht sagen.

Der Sound erinnert auf jeden Fall an das, was man von einem guten Space Echo erwartet. Auch wenn es mitunter zu einem Aufschaukeln des Mittenbands führen kann, was in unangenehmen Resonanzen endet. Hier sollte man bei der Performance stets das Verhältnis von Feedback, EQ und Sättigung im Blick behalten. Dann ist das Ergebnis echt gut.

Das Reverb im NUX NDD-7

Wie es sich für eine ordentliche RE-201-Simulation gehört, bietet auch das NUX NDD-7 einen Federhall. Wie auch beim Original sollte man hier keine HiFi-Räume erwarten, sondern vielmehr metallisch-scheppernden Sound, der das Ausgangssignal deutlich färbt.

Im Einsatz war mir das Reverb teilweise dann aber zu dominant, was vor allem an einer starken Betonung der Mitten lag. So landet man hier schnell bei stark resonierenden Räumen, die je nach Ausgangssignal schnell nerven können. Dezent eingesetzt ist das Reverb aber durchaus brauchbar und meiner Meinung nach auch noch ein gutes Stück besser, als beim BOSS RE-20.

Wow, Flutter & Saturation nun direkt am NUX Tape Echo editierbar

Ein weiteres Feature, das ich beim Tape Core Deluxe Pedal häufig vermisst habe, ist die Möglichkeit, die Intensität von Wow & Flutter direkt am Effektpedal einzustellen. Was bisher nur per App ging, steht nun über eine Shift-Kombination zur Verfügung.

Dadurch verpasst man den Signal im Livebetrieb schnell mal eine ordentliche Portion Schmutz, Leiern und Analogflair. Dieser Live-Zugang ist super, allerdings hat NUX gleichzeitig auf Speiecherplätze für eigene Kreationen verzichtet. Vintage-Analog-Freaks dürften sich daran nicht sonderlich stören, denn Presets waren in vielen Geräten aus der damaligen Zeit ebenfalls nicht vorhanden. Trotzdem wäre es schön gewesen, mehrere Presets in der Live-Hektik umschalten zu können. Zumal es dieses Feature über die App beim Tape Core Deluxe bereits gibt.

Mehr Features über die App?

Und weil wir gerade bei der App sind. Diese dient beim NUX NDD-7 Tape Echo lediglich der Zuweisung von MIDI-CC-Nummern. Um es präziser auszudrücken: In der App können bestehende MIDI-Zuweisungen, etwa MIDI-CC 7 für die Delay-Zeit, einer neuen MIDI-CC-Nummer zugewiesen werden. Versteckte Funktionen gibt es hier nicht. Einerseits super, weil das den Live-Gedanken unterstreicht. Andererseits schade, denn zumindest hierüber hätte man Presets einrichten können.

NUX NDD-7 Tape Echo Test: Fazit

Wie schon das Tape Core Deluxe, konnte mich auch das NDD-7 Tape Echo von NUX im Test überzeugen. Sicherlich geht klanglich immer noch mehr, aber da sprechen wir dann bereits über die Klasse Strymon Volante etc.

Für den aufgerufenen Preis von knapp 160 € ist die Kombination aus Live-Zugriff und gutem Sound nahezu unschlagbar. Jedenfalls, wenn man nach einer Bandechosimulation sucht. Und man sollte auch den Spaßfaktor nicht vergessen: Durch die vielen Regler des NDD-7 eignet sich das Delay perfekt für Live-Performances. Wer also ein Budget-freundliches Tape Delay für diesen Einsatz sucht, und sich nicht an der fehlenden MIDI-Clock stört, kann bedenkenlos zugreifen.

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Vermona Retroverb Lancet Test: Warum überhaupt ein Federhall?

Neben all den hervorragenden Hall- und Raumeffekten, sowie spezialisierteren Reverbs mit Shimmer-Alorithmen, stellt man sich möglicherweise die Frage, warum man heutzutage überhaupt noch auf eine derart alte Technologie setzen sollte.

Zum einen ist da natürlich der unvergleichbar dichte, metallische Klang, den ein analoger Federhall erzeugt. Reverb-Geräte dieser Art klingen alles andere als natürlich. Ihr charaktervoller Sound hat sich in einigen Genres – allen voran Dub und Dub Techno – zum unverzichtbaren Hall-Standard entwickelt.

Zum anderen kommt eine physikalische Eigenschaft ins Spiel, die unmittelbaren Einfluss auf den Klang hat: Ein Federhall erzeugt den Raumklang über metallene Schraubenfedern, die locker in einem Rahmen eingespannt sind. Lässt man die Vorrichtung in Ruhe, arbeitet der Federhall völlig normal. Wirkt man aber direkt auf den Rahmen ein, etwa, indem man gegen das Gehäuse stößt oder die Federn mit einem Holzstock berührt, überträgt sich das direkt auf das Audiosignal. Dadurch sind spannende Effektsounds möglich, die der ein oder andere vielleicht schon einmal als „beckenartige Snare“ in Dub-Tracks wahrgenommen hat.

Der Federhall im Retroverb Lancet

Die Steuerelemente des Federhalls befinden sich allesamt auf der linken Seite des Gehäuses. Hier bestimmt man mithilfe des Tone-Reglers den Obertonanteil des Federhalls und legt fest, ob der Federhall vor oder nach der Filtersektion, bzw. überhaupt nicht wirken soll.

Im Inneren des Retroverb Lancet befinden sich drei Federn, die eine Nachhallzeit von 2,75 bis 4 Sekunden erzeugen. Der Federhall klingt wie erwartet recht dicht, allerdings hätte ich mir gerade deswegen auch gewünscht, dass der Tone-Regler bidirektional arbeitet; Also statt nur Höhen wegzufiltern ab der 12-Uhr-Stellung vom LP-Modus in einen HP-Modus zu wechseln. Zwar ist das in der Filtersektion per HP-Betriebsart möglich, schön wäre es dennoch gewesen, hier auch über diese Option zu verfügen.

Ein witziges Add-on ist die „Crash-Taste“. Muss man bei vielen Spring Reverbs noch wie im Mittelalter mühsam mit Schmackes gegen das Gehäuse treten um den Effekt zu erzeugen, hat Vermona hierfür an einen eigenen Taster gedacht. Dieser löst das gewünschte „Sproing / Crash“ direkt aus und ist tatsächlich sogar einigermaßen sinnvoll nutzbar.

Die Filtersektion

Zur Soundbearbeitung verfügt das Retroverb Lancet über ein analoges Multimode-Filter, das wahlweise vor oder hinter dem Hall arbeitet. Das Filter ist für mich auch ein echtes Highlight in diesem Effektgerät: Es bietet einen satten cremigen Sound, wie man ihn schon von anderen Vermona-Geräten kennt.

Um der Ausdünnung bei hohen Resonanzwerten entgegen zu wirken, hat Vermona dieser Sektion zusätzlich einen „Balls“-Regler hinzugefügt, der Eingangssignalen zusätzlich ein gutes Stück Tiefenschub mitgibt. Ich habe den Regler gerne auch dann eingesetzt, wenn ich das Filter völlig geöffnet und den Hall deaktiviert hatte. Denn mit diesem Parameter kann man auch etwas zu lasche Bass-Drums ordentlich aufwerten. Zieht man dann noch den Drive-Regler nach oben, bekommt man eine Sättigung die sich besonders gut für Kick- und Bass-Sounds eignet.

Die Filtersektion hinterlässt einen sehr guten Eindruck. Wenn ich mir etwas wünschen dürfte, wäre es noch die Betriebsart „Notch“, um das Signal des Federhalls im unteren Mittenbereich gezielt ausdünnen zu können.

Modulationsmöglichkeiten

Ähnlich vielseitig wie die Filtersektion, überraschen auch die Modulationsmöglichkeiten des Retroverb Lancet. Zur Steuerung von Lautstärke und Filter-Cutoff gibt es hier neben einem umfangreichen ausgestatteten LFO noch eine Attack Decay/Release Hüllkurve, sowie externe Trigger/CV-Eingänge, um die Modulationen von außen auszulösen.

LFO

Der LFO bietet insgesamt fünf Schwingungsformen (Saw, Dreieck, Pulse), sowie Sample & Hold, und die integrierte Hüllkurve. Der LFO ist schnell genug, um auch in den hörbaren Bereich zu schwingen. Das eröffnet neben den klassischen Wah-und Tremolo-Modi ein größeres klangliches Spektrum, das duch die hohen Geschwindigkeiten auch vokale Sounds umfasst.

Hüllkurve

Neben dem LFO kann man dem Sound noch mit der Hüllkurve Bewegung mitgeben. Diese stellt regelbar Attack und Decay/Release bereit und lässt sich wahlweise über den Trigger-Eingang oder ein externes Audiosignal triggern. In letzterem Fall legt man per Drehregler fest, ab welcher Signallautstärke der Triggervorgang ausgelöst wird.

Die Hüllkurve ist schnell genug und in Kombination mit dem fein dosierbaren Threshold sind auch subtile Modulationen möglich. Übrigens kann man beim Retroverb Lancet immer beide Modulationsquellen gleichzeitig verwenden und separat dosieren.

Vermona Retroverb Lancet Test: Fazit

Mit dem Retroverb Lancet richtet sich Vermona vor allem an puristische Liebhaber des Federhall-Sounds. In dieser Disziplin liefert das Effektgerät auch kompromisslos ab. Denn der eingbaute Federhall klingt metallisch dicht und die zahlreichen Möglicheiten zur Nachbearbeitung stellen einen echten Mehrwert dar. Selbst, wenn man die Hallsektion außen vor lässt, eigent sich der Retroverb Lancet immer noch hervorragend zum Anfetten digitaler Signale.

Wer nur gelegentlich etwas Spring-Reverb-Flair in seinen Produktionen benötigt, kann auf das Retroverb Lancet verzichtzen. Viele Spring-Reverb-Emulationen sind mittlerweile einfach gut genug, solange man nicht das letzte Quäntchen Authentizität braucht. Puristen sei dieser Federhall jedoch auf jeden Fall ans Herz gelegt. Und nimmt man all die Möglichkeiten zur Klangbearbeitung hinzu, relativiert sich auch der anfangs recht hoch wirkende Preis von knapp 480 €. Dass das Retroverb zudem noch hervorragend verarbeitet ist, rundet den durchaus gelungenen Gesamteindruck ab.

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UAFX Golden Reverberator auf einen Blick

• Stereo-Reverbpedal
• Exzellente Algorithmen mit Retrocharakter
• Spring, Plate und 12-Bit Reverb (Lexikon 224)
• Robuste Verarbeitung und gute Ergebnisse mit Synths

8.3 TOTAL SCORE

UAFX Golden Reverberator

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Sound 9

Features 8

Bedienung 9

Preis/Leistung 7

PROS

• Authentischer Retro-Sound
• Intuitive und direkte Bedienung
• Solide Verarbeitung

CONS

Grundsätzliches vorweg: Anschlüsse und Verarbeitung

Die UAFX Pedale wirken extrem robust. Die Drehregler sitzen fest und haben einen angenehmen Drehwiderstand, die Kippschalter vermitteln trotz ihrer geringen Größe ein Gefühl der Langlebigkeit. Und da wir gerade dabei sind: Auch das Gehäuse scheint mir robust genug, um selbst heftigen Einsätzen im Club zu trotzen.

Zur Verbindung mit der Außenwelt gibt es jeweils zwei Ein- und Ausgänge, einen USB-Anschluss, sowie eine Bluetooth-Schnittstelle. Über die USB-Schnittstelle werden Firmware-Updates übertragen, Bluetooth dient zur Verbindung mehrer UAFX-Pedale, wobei sich das auf Global-Bypass und die Registrierung via App beschränkt.

Sämtliche Pedal der UAFX-Serie haben zudem Preset-Speicherplätze, um live schnell zwischen unterschiedlichen Settings zu wechseln. Auch hier macht sich wieder die fehlende MIDI-Schnittstelle schmerzlich bemerkbar, denn im Live-Gewusel hat man oft besseres zu tun, als sich für jede Komponente zu merken, wo welches Preset sitzt.

UAFX Golden Reverberator: Die Algorithmen

Statt wie bei den immer noch so beliebten großen Halleffekten mit Shimmer wie Big Sky oder GFI Specular Tempus setzt man beim UAFX Golden Reverberator auf echte Klassiker.

Und so findet man in der Standardkonfiguration ab Werk drei unterschiedliche Hall-Simulationen: Ein röhrenbetriebener Federhall, ein Fünfziger Jahre Plate-Reverb, sowie ein digitaler Vintage-Hall, der dem Lexikon 224 nachempfunden wurde. Wem diese Auswahl nicht reicht, kann sich nach der Produktregistrierung bei Universal Audio über die App noch weitere Algorithmen herunterladen.

Alle Effekte lassen sich mit einem EQ effektiv bearbeiten. Über einen weiteren Drehregler „MOD“ verpasst man dem Sound noch einen satt klingenden Chorus, bzw. Flanger – je nach gewähltem Reverb-Modell.

Spring Reverb

Beim Spring Reverb hat man sich mehrere Federhalle aus klassischen Gitarrenverstärkern angesehen. Daraus entstanden als Essenz drei unterschiedliche Hybride, welche die klanglichen Eigenschaften der besten Modelle miteinander kombinieren.

In der Praxis äußert sich das in einem metallisch scheppernden, warmen Klang, für die man einen Federhall so liebt. Vor allem im Dub und Dub-Techno-Bereich wird man diese nuancierten Simulationen zu schätzen wissen. Denn was Universal Audio hier abliefert, ist klanglich auf jeden Fall ganz vorne dabei. Einzig die manuelle Beeinflussung funktioniert hier logischerweise nicht: Dem Reverbtank mal eben einen Klaps zu verpassen, damit die Federn mit einem hohen Flirren antworten, ist hier also nicht möglich. In der Regel wird man das nicht vermissen, Dub-Produzenten sollten sich dessen aber bewusst sein.

Plate Reverb

Über den linken Kippschalter gelangt man zum zweiten Effekttypen, der Simulation eines Plate-Reverbs. Oder um es korrekter zu sagen: Man kann nun auf verschiedene Plate Reverbs zugreifen. Denn mit dem Kippschalter ganz rechts kann zwischen drei unterschiedlichen Hallplatten gewechselt werden.

Als Vorbild dienten hier die legendären Plattenhalle von AKG aus den 50er Jahre, die man auch heute noch in dem ein oder anderen (größeren) Studio findet. Plattenhalle haben meistens einen sehr warmen, vollen Sound, der sich perfekt für Synthesizer eignet. Und so ist dieser Algorithmus im UAFX Golden Reverberator immer dann eine gute Wahl, wenn man dem Signal räumliche Wärme verpassen möchte. Wichtig ist bei diesem Effekttyp, dass man auch die unteren Mitten und Tieftöne im Auge behält.

Gut, dass Universal Audio daran gedacht hat und mit zwei dedizierten Reglern direkten Zugriff auf Bass und Höhen ermöglicht. Das dürfte Live-User freuen, denn mit externen Reverb-Effekten kann man sich schnell den Mix versauen, wenn man die unteren Frequenzen nicht zähmt.

Hall 224

Der Hall 224 geht konzeptionell in eine andere Richtung: Hier steht der körnige Klang der ersten Digital-Reverbs mit ihren 12-Bit-Wandlern im Fokus. Insgesamt stehen wieder drei unterschiedliche Hall- und Room-Modelle bereit. Hier probiert man am besten aus, was zum jeweiligen Signal passt. Trotz der digitalen Herkunft schmiegt sich auch dieser Algorithmus hervorragend um Synthesizer-Pads und gibt Leads eine subtile räumliche Färbung mit, wenn man es nicht übertreibt.

Im Gegensatz zu den anderen Algorithmen übernehmen die Regler Bass und Treble hier übrigens eine andere Aufgabe. Statt als EQ das Signal zu korrigieren, wird hierüber nun die Nachklangzeit (Decay) des jeweiligen Frequenzbands gesteuert. Extrem lange Zeiten führen dazu, dass man die Hallfahne in die Selbstoszillation fährt.

UAFX Golden Reverberator Test: Fazit

Mit dem Golden Reverberator von Universal Audio erhält man einen Vintage-Reverb-Allrounder. Eingepackt in ein solides Gehäuse liefert er den angenehm warmen Sound der alten Klassiker.

Dank des echt Stereo aufgebauten Signalwegs lässt sich der Golden Reverberator hervorragend mit Synthesizern oder Drum Machines betreiben. Vorausgesetzt natürlich, dass man Vintage-Sound mag.

Wer eher auf der Suche nach einem Reverb-Allrounder oder gar einem Shimmer-Spezialisten ist, wird mit dem UAFX Golden Reverberator hingegen nicht glücklich. Das will das Effektpedal aber auch gar nicht sein und zum Glück gibt es hierfür etliche Reverb-Alternativen.

Mich jedenfalls konnte der Golden Reverberator überzeugen, wenngleich das Starlight Echo Station Delay Pedal von UAFX bei mir einen noch größeren Eindruck hinterlassen hat. Das ist aber eine andere Baustelle, über die ihr in dem verlinkten Test mehr erfahrt.

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Zunächst muss man festhalten, dass auch hier eher auf „Retro“ der Fokus liegt. Das Starlight Echo Station bietet zunächst drei unterschiedliche Delay-Algorithmen: Bandecho, BBD Analog Delay und HiFi Digitaldelay. Eine vierte Variante erhält man, wenn man sich auf der Webseite von Universal Audio registriert. Egal, für welches Delay-Modell man sich entscheidet, ist dieses immer in doppelter Ausführung vorhanden. Dadurch sind komplexere Stereoeffekte möglich, für die sich auch die Breite und Rhythmik bestimmen lässt.

Der äußere Eindruck: Anschlüsse und Verarbeitung

Die Pedale der UAFX-Serie wirken extrem robust. Die Drehregler sitzen fest und haben einen angenehmen Drehwiderstand. Trotz der geringen Größe traue ich auch den Kippschaltern zu, über lange Zeit problemlos zu funktionieren. Nicht zuletzt wirkt auch das Gehäuse, als könnte man bequem (mit dem Rad) darüber fahren, ohne dass es Schaden nimmt. Probieren würde ich es bei dem Preis natürlich nicht.

Zur Verbindung mit der Außenwelt finden sich jeweils zwei Ein- und Ausgänge, ein USB-Anschluss, sowie Bluetooth. Über die USB-Schnittstelle werden Firmware-Updates übertragen, Bluetooth dient zur Verbindung mehrer UAFX-Pedale, wobei sich das auf Global-Bypass und die Registrierung via App beschränkt. Wer hier MIDI vermisst, hat leider richtig gelesen. Denn MIDI fehlt bei allen Pedalen. Das mag bei dem Reverb noch zu verschmerzen sein, aber die fehlende Möglichkeit, Delays per Clock zum Sequencer zu syncen ist für den Preis dann doch etwas hart.

Sämtliche Pedale der UAFX-Serie haben Preset-Speicherplätze, um live schnell zwischen unterschiedlichen Settings zu wechseln. Auch hier macht sich wieder die fehlende MIDI-Schnittstelle schmerzlich bemerkbar, denn im Live-Gewusel hat man oft besseres zu tun, als sich für jede Komponente zu merken, wo welches Preset sitzt.

Starlight Echo Station im Einsatz

Im direkten Zugriff bietet das Starlight Echo Station Pedal die wichtigsten Parameter Delay-Zeit, Feedback, Mix, sowie Notenwert. Die zwei verbleibenden Regler sind den jeweiligen Algorithmen zugeordnet. Grob gesagt, simuliert man mit Color das Sättigungsverhalten, fügt dem Delay-Signal Obertöne hinzu oder lässt es dumpfer werden. Der letzte Drehregler gibt je nach verwendetem Algorithmus zum Beispiel Zugriff auf die Intensität von Wow, Flutter und Splice (Tape), Geschwindigkeit des Modulationseffekts (Analog Delay), oder erhöht den Bass-Anteil des Signals (Precision).

Mehr Möglichkeiten über Kippschalter

Mit diesem Kippschalter bestimmt man in drei Positionen weitere Parameter, die auf den jeweiligen Algorithmus zugeschnitten sind. Das kann die Alterung des Tapes in drei Varianten sein, Zuschalten von Chorus oder Flanger, sowie ein weiteres Filter, nur um nur ein paar zu nennen.

UAFX Starlight Echo Station: Selbstoszillation

Wie es sich bei einem guten Analogdelay gehört, kann man auch das Starlight Echo Station mit hohen Feedback-Werten in die Selbstoszillation fahren. Häufig trennt sich hier die Spreu vom Weizen und der Sound wird unangenehm schrill oder zerbröselt. Nicht so beim Delay von Universal Audio. Sobald der Kipppunkt der Selbstoszillation überschritten wurde, schwingt sich das Signal schön auf und man erhält – je nach gewähltem Modi – genau diesen crunchig warmen Analogsound der Vintage-Pendants.

UAFX Starlight Echo Station: Sound

Kommen wir zur wichtigsten Frage: Wie klingt das Teil denn nun? Mittlerweile gibt es etliche sehr gut klingende Retro-Simulationen. Mein persönlicher Favorit in dieser Klasse war bisher das Volante von Strymon, das ebenfalls in der Lage ist, herrlich scheppernde Vintage-Delays zu kreieren und den Klang noch einmal gehörig anzuwärmen. Ich mag das Volante-Delay-Pedal immer noch sehr gerne, aber das UAFX setzt für mich klanglich noch einmal 5 % drauf.

Denn hier hat Universal Audio in Sachen Detailverliebtheit mehr geliefert, als man erwarten würde. So wurde zum Beispiel sogar daran gedacht, den Schnitt des Tapes mit zu simulieren, was für mich eine echt positive Überraschung war. Dieser kurze, dumpf knackende Sound, der je nach Abnutzung des Tapes – oder schlechtem Cutter – mal stärker mal subtiler auftritt. Auch das Sättigungsverhalten wird angenehm reproduziert und führt nicht, wie bei vielen anderen analogen Delays, sofort zu einem matschig muffigen Klangbrei.

Die Reduktion auf die wichtigsten Delay-Modelle, der direkte Zugriff und der breite Sweetspot der perfekt aufeinander abgestimmten Komponenten; All das macht das Universal Audio Starlight Echo Station zum perfekten Delay-Pedal (nicht nur) für elektronische Musik. Von subtilen Delays, die Einzelsignale rhythmisch vorantreiben, bis hin zum mächtigen Dub-Delay auf kompletten Dubtechno und Ambient-Tracks überzeugt das Starlight Echostation bei einer Vielzahl von Anwendungen.

UAFX Starlight Echo Station Test: Fazit

Und so bleibt für mich nur festzuhalten: Das Starlight Echostation macht einfach wahnsinnig viel Spaß. Sicherlich gibt es in diesem Preissegment eine Menge guter Alternativen, von denen einige noch flexiblere Möglichkeiten aufweisen. Wer beim Sound aber keine Kompromisse eingehen möchte und mit wenigen, aber dafür hervorragend klingenden Delay-Algorithmen zurechtkommt, sollte sich das Starlight Echo Station einmal ansehen. Das Delay ist mein Highlight von Universal Audios Effektpedal-Trio.

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Source Audio Collider Test: Verarbeitung

Das Pedal bietet auf rund 11,5 Quadratzentimeter sieben Potis, zwei Kippschalter, einen Fußschalter zum Tappen der Delay-Zeit und einen weiteren für Bypass. Falls ihr schnell mal zwischen mehreren Presets umschalten müsst, findet sich dafür im unteren Bereich ein kleiner Taster. Hierüber habt ihr bis zu acht Presets im direkten Zugriff, allerdings könnt ihr über den MIDI-Eingang weitere Presets abrufen.

Die Potis haben einen Drehwiderstand der zwar leichtgängiger ist als etwa bei einem Nord Lead oder Behringer Pro One. Allerdings vermitteln sie immer noch ein angenehmes Feedback, sodass man Werte gezielt eingeben kann. Auch sonst ist das Pedal tadellos verarbeitet und macht auf mich den Eindruck, selbst heftigere Einsätze wegzustecken.

Während die meisten Drehregler des Colliders festen Werten zugeordnet sind, bieten Control 1 und 2 über den kostenlosen Editor „Neuro App“ die Möglichkeit, eigene Parameter zuzuweisen. Das ist ein sehr guter Kompromiss, denn die Vorauswahl der anderen Regler dürfte definitiv die wichtigsten Anwendungsszenarien abdecken. Zumal gerade bei Hardware-Effekten eine klare Struktur sinnvoll ist, weil man sich so in hektischen Live-Situationen nicht erst über die Zuweisung Gedanken machen muss.

Anschlüsse

Auch bei der Anschlusssektion kann das Collider überzeugen. Denn neben Stereo-Ein- und Ausgängen gibt es hier 5-Pol-MIDI In und sogar thru, sowie zwei Steuereingänge. Dadurch lässt sich das Collider-Pedal übrigens auch rudimentär in ein modaleres Setup integrieren und etwa die Delay-Rate mit einem LFO steuern, wodurch interessante Flutter-Effekte entstehen.

Zusätzlich gibt es auf der Rückseite noch einen USB-Anschluss. Dieser stellt die Verbindung zu einem Mac, PC, iOS- oder Android-Gerät her. Ich habe bewusst alle Betriebssysteme erwähnt, denn der Haupteinsatz der USB-Schnittstelle ist in Kombination mit der Neuro App, die auf all diesen Systemen läuft.

Delay-Sektion

Wie eingangs bereits erwähnt, handelt es sich beim Collider um ein Kombi-Pedal, das verschiedene Delay- und Hall-Algorithmen beherbergt. Legt man den Wahlschalter auf Delay erhält man direkten Zugriff auf fünf Delay-Modelle, die von digital bis analog reichen.

Die MIDI-synchronisierbaren Delays klingen durch die Bank weg richtig gut. Wenn es clean-neutrale Standardkost sein darf, ist Digital der richtige Algorithmus, wenn es warm analog sein soll, liefern Tape und Analog Delay perfekt ab. Auch die Selbstoszillation bei hohen Feedback-Werten oder Pitch-Schwankungen, wenn man die Delay-Zeit justiert, werden authentisch reproduziert.

Mein persönlicher Favorit ist jedoch das Oil Can Delay, das eine spezielle Delay-Variante emuliert. Dabei wurde eine rotierende Metalltrommel mit Schreib-und Lesekopf eingesetzt, bei der magnetisiertes Öl als „Speicher“ arbeitet. Mehr als bei meiner sehr vereinfachten Darstellung könnt ihr hier über Oil Can Delays erfahren. Jedenfalls klingt diese Variante richtig schön schmutzig und neigt schnell zu musikalischen Verzerrungen, wenn man das Feedback aufreißt.

Reverb-Sektion

Ähnlich wie bei den Delays setzt Source Audio auch bei den Reverbs auf eine Kombination gut klingender Standards und Exoten. Beim Collider finden sich sieben unterschiedliche Modelle, die von kleinen Räumen über klassische Halleffekte bis hin zu dichten Shimmer-Algorithmen alles abdecken, was für elektronische Musik jeder Couleur nötig ist.

Klanglich ist das Gebotene ganz weit vorne und wird eigentlich nur noch vom Empress und Ventris aus dem eigenen Haus übertroffen. In beiden Fällen liegt das in erster Linie allerdings an der Flexibilität von spezialisierten Reverb-Effekten. Das Ventris nutzt sogar identische Algorithmen wie das Collider, ist aber durch die Kombination aus zwei Hallräumen in der Lage, auch komplexe Räume zu schichten.

Für Ambient-Produzenten dürften die Shimmer und Dome Reverbs des Collider interessant sein. Beide sind trotz ihres vollen Klangs nicht ganz so aufdringlich wie ihre Pendants im Strymon Big Sky, was ich auf Dauer als angenehmer empfinde.

Das im Dub so beliebte Spring Reverb weiß ebenfalls zu überzeugen: Der Metallanteil im Klang lässt sich fein dosieren und reicht auch in extreme Bereiche, wenn es richtig scheppern soll. Allerdings fand ich hier die Emulation im Empress Reverb noch etwas authentischer. Hier handelt es aber nur um Nuancen und nicht zu letzt auch um persönlichen Geschmack.

Neuro App

Wenn man tiefer ins Sounddesign einsteigen möchte, liefert Source Audio mit der Neuro App den Zugang zu weiteren Parametern. Hier nimmt man auch Zuweisungen der Drehregler vor, falls man mit den Werkseinstellungen unzufrieden ist.

Die Neuro App dient zudem der Verwaltung eigener Presets, die sich in bis zu 128 Speicherplätzen ablegen und per MIDI abfrufen lassen. Die Verbindung von der Neuro App zum Gerät läuft je nach Endgerät über USB oder den Control-Eingang. Letzterer ist dann praktisch, wenn man die iOS-oder App-Variante nutzt. Für diesen Fall liefert Source Audio gleich ein Adapterkabel mit, das vom Line-Out des Smartphones direkt in den Control-In am Pedal geht.

Source Audio Collider Test: Fazit

Klanglich Oberklasse, intuitiv bedienbar und mit Delay und Reverb die wichtigsten Effekte für elektronische Musik gleich dabei: Das Source Audio Collider konnte im Test voll überzeugen. Gerade dann, wenn man mit wenig Gepäck reist oder nur überschaubaren Platz im Studio hat, ist das Collider eine gute Alternative zu spezialisierten Effekten. Der auf den ersten Blick recht hohe Anschaffungspreis von rund 400 € relativiert sich schnell, wenn man bedenkt, wie viel man für zwei klanglich gleichwertige Pedale ausgeben müsste.

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Der Beitrag Source Audio Collider Test: Reverb und Delay Kombi für Synthesizer erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

USB Hub für Musikproduktion – Worauf sollte man achten?

Einerseits sollte der USB-Hub natürlich ausreichend Anschlüsse mitbringen, um euer Equipment mit dem Computer zu verbinden. Da viele Hersteller mittlerweile MIDI über USB implementieren und einige Anbieter wie Elektron sogar das komplette Audiosignal über USB schicken, kann man sich im Studio etliche lästige Kabel sparen. Je mehr Hardware dann ins Haus kommt umso mehr Anschlüsse benötigt man irgendwann – logisch. Vor der Anschaffung solltet ihr euch also überlegen, wie viele Geräte bereits vorhanden sind und wie viele ihr plant in nächster Zeit anzuschaffen. Glücklicherweise sind selbst gute USB-Hubs nicht besonders teuer. Im Zweifelsfall kauft ihr später einfach einen weiteren USB Hub hinzu.

Andererseits kann es je nach Ausstattung des Rechners sinnvoll sein, gleich in einen USB Hub zu investieren, der mit unterschiedlichen Anschlusstypen ausgestattet ist. Der hervorragende Overhub von Elektron bietet etwa sieben Anschlüsse, jeder einzelne ist aber als USB-A-Variante ausgeführt. Das ist zwar immer noch der verbreitete Standard. Um aber mal eben eine Speicherkarte oder ein USB-C-Endgerät zu verbinden, benötigt man also wieder Adapter.

Sollen mehrere Geräte an dem USB-Hub hängen, ist zudem noch entscheidend, ob die Geräte vom USB-Hub mit Spannung versorgt werden müssen. Solange die Hardware eine eigene Spannungsversorgung mitbringt, entstehen meist keine Probleme. Sobald aber mehrere externe Speichermedien, USB-Controller, Audio Interfaces oder Synthesizer die Spannung ausschließlich per USB beziehen, kann es schnell knapp werden. Daher ist es ratsam gleich auf einen USB-Hub für Audio zu setzen, der eine eigene Spannungsversorgung mitbringt.

Lindy USB 3.1 Typ C Hub: die Budgetlösung

Wenn man ein überschaubares Studio-Setup hat und vorhat, das auch in nächster Zeit nicht zu ändern, kann man ohne Bedenken zum Lindy USB 3.1 Typ C Hub greifen. Der USB Hub ist schnell genug für Audio-Signale und kann mit einem optionalen externen Netzteil mit Spannung versorgt werden.

Mit zwei USB-A-Anschlüssen und noch einmal zwei USB-C-Schnittstellen ist der USB Hub auch recht zukunftssicher aufgestellt. Die Verbindung zum Mac oder PC wird hier per USB-C-Stecker hergestellt. Dieses Format setzt sich glücklicherweise immer mehr durch. Trotzdem solltet ihr darauf achten, ob euer Computer diese Schnittstelle bietet, da ansonsten noch ein Adapter fällig wird.

Satechi USB-C Multi-Port Hub: der Flexible

Der Satechi USB-C Multi-Port Hub ist das Anschlusschamäleon in dieser Liste: Mit drei USB- 3x USB-A Ports, einem USB-C Port, SD-Kartensteckplatz, Micro-SD-Kartensteckplatz, sowie Monitoranschlüssen für HDMI (4K fähig) und Ethernet ist er für die meisten Szenarien gerüstet.

Dieser USB-Hub ist daher vor allem für Macbook-User eine Empfehlung, die bei den neueren Modellen nur noch USB-C-Anschlüsse vorfinden. Mit drei USB-Ports ist der Satechi USB-C Multi Port allerdings auch recht sparsam ausgestattet. Für kleinere Setups dürfte es reichen, in größeren Studios wird aber schnell ein zweiter USB Hub fällig.

Elektron Overhub: der Solide

Elektron hat mit dem Overhub einen USB-Hub für Audio im Portfolio, den sie für ihre eigenen Produkte wie Digitone, Analog Rytm, Analog Four etc. bewerben. Aus eigener Erfahrung kann ich sagen, dass das mit diesen Geräten hervorragend funktioniert und auch dann noch zuverlässig arbeitet, wenn andere Hubs bereits aufgegeben haben. An dem Port hingen bei mir zeitweilig drei Elektron-Geräte, plus zwei externe Festplatten und ein USB-MIDI-Interface. Die Performance war gut und auch mit anderen USB-Devices arbeitet der Overhub ohne Probleme.

Mit einem Anschaffungspreis von rund 60 € liegt der Hub auch im unteren Mittelfeld, wenn man sich andere professionelle Lösungen ansieht. Andererseits benötigt man zum Betrieb mit einem aktuellen Macbook einen USB-C auf USB-A-Adapter, der am besten Apple zertifiziert ist. Auch für das externe Netzteil, das ich dringend empfehle, sind noch einmal rund 25 € fällig. In der Summe landet man dann also schnell bei 100 €.

Trotzdem ist der Overhub immer meine erste Wahl, wenn es darum geht, eine Vielzahl an USB-Audio-Geräten ohne Ärger im System unterzubringen.

Fazit: Der beste USB Hub für Audio-Interfaces und Synthesizer

Im Studioalltag ist mein klarer Sieger der Elektron Overhub. Ohne große Mühe arbeitet dieser Hub auch dann noch zuverlässig, wenn etliche Ressourcen hungrige Geräte verbunden sind. Trotzdem werden vor allem Macbook-User wohl nicht um einen zweiten Hub herumkommen. Denn spätestens dann, wenn man häufig mit (Micro-) SD-Karten arbeitet, ist ein flexibler Hub schon eine ziemliche Entlastung.

Und noch ein Tipp am Ende: Sollten in der Kombination aus verschiedenen hochwertigen USB-Hubs und Geräten trotzdem noch Störgeräusche auftreten, probiert mal die Geräte nacheinender anzuschließen, um die Störquelle auszumachen. Einmal gefunden, schließt ihr diese an an einen anderen USB Hub oder direkt an den Computer an. Manchmal hilft es leider nur, intensiv zu probieren bis es passt. Jedenfalls war das bei mir über Jahre immer wieder ein Thema. Mit der Kombination aus gutem USB-Hub und Ausprobieren konnte ich dieses Problem final aber ad acta legen.

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Erster Eindruck

Kaum angekommen, fiel mir gleich das liebevoll minimal gestaltete Verpackungsdesign auf. Nicht, dass das irgendwie wichtig wäre, aber es bringt einen gleich in die richtige Stimmung. Das Zen Delay ist nicht nur optisch sehr ansprechend, auch die Verarbeitung überzeugt auf ganzer Linie. Denn die großen Drehregler haben alle einen angenehmen Widerstand, die Taster sitzen gut und selbst die Anschlüsse vermitteln ein robustes Gefühl. Das Zen Pedal ist solide für den Tour-Einsatz und trotzdem edel genug, um im Studio als Deko-Objekt durchzugehen.

Erica Synths Zen Delay – Die Klangbearbeitung

Und damit kommen wir zum entscheidenden Abschnitt. Was bietet das Zen Delay? Und vor allem: Wie klingt es denn nun?

Das Zen Delay teilt sich in drei Sektionen auf: Die fünf Delay-Modi, ein analoges Multimode-Filter mit Resonanz und eine Verzerrerstufe „Drive“. Das Filter klingt eher weich und geschmeidig, selbst bei höheren Resonanzwerten. Selbstoszillation ist möglich, aber auch hier pfeift der Sound eher rund mit einer leichten Sättigung. Wenn man es brutaler mag, kann man auf zwei Wege das Signal noch einmal heißer fahren.

Zum einen ließe sich hierfür einfach der Gain des Eingangssignals höher ziehen. Zum anderen steht mit dem Drive-Regler fein dosierbare Röhrensättigung bereit, die jeden Klang zerstören kann. Alleine die Kombination aus Gain, Röhrensättigung und Filter klingt wahnsinnig gut und scheint mir perfekt aufeinander abgestimmt zu sein. Selbst wenn es sich beim Zen Delay um Röhrensättigung handelt, erinnert mich der obertonreiche Klang eher an ein gutes Distortion-Pedal. Das ist keineswegs schlecht, gerade für härtere Industrial-Drones oder Techno-Produktionen ist diese Variante ergiebiger. Und wenn man es doch etwas sanfter mag, kann man die Sättigung dank der großen Regler schließlich sehr fein justieren.

Die fünf Delay-Modi im Zen Delay

Unten links wählt man per gerastertem Drehpoti zwischen den verschiedenen Delay-Typen. Zur Auswahl stehen dabei Tape-Delay und Digital-Delay, jeweils einmal in mono und einmal in stereo. Die Delay-Zeiten reichen von 3ms bis hin zu langen Zyklen von bis zu 3 Sekunden. Mit dem letzten Firmware-Update kann das Zen Delay auch zur externen MIDI-Clock synchronisiert werden.

Der fünfte Modus hört auf den Namen „Vintage“ und ist eine Mischung aus Tape Delay und Bit Crusher. Vintage ist immer dann gut, wenn man das Eingangssignal auf radikale Weise zerstören möchte. Im Video kann man das bei rund 6:50 ganz gut hören.

Tape und Digital Delay

Die beiden Hauptmodi sind für die meisten Musiker sicherlich Tape Delay und Digital Delay. Das Tape Delay verhält sich genauso, wie man es von einem satten analogen Bandecho erwartet: Die Höhen werden mit zunehmender Wiederholung gedämpft und bei höheren Feedback-Einstellungen fährt man das Delay schön in eine crunchige Selbstoszillation. Hier muss man allerdings etwas aufpassen, denn die Selbstoszillation setzt vergleichsweise früh ein, nämlich bei etwa 3/5 des Regelwegs. Verändert man im laufenden Betrieb die Delay-Zeit, reagiert das Zen Delay darauf – ganz wie bei der Originalvorlage – mit einer Verschiebung der Tonhöhe.

Das digitale Delay betont insgesamt die Höhen etwas mehr, man sollte sich aber vom „Digital“ in der Modusbeschreibung nicht blenden lassen: Auch hier ist der Charakter eher mit LoFi und körnig zu beschreiben, wenngleich die Tonhöhe bei Veränderung der Delay-Zeit stabil bleibt. Der LoFi-Charakter im Digital-Modus führt leider mitunter zu einem nicht sehr angenehmen Pfeifton, der sich vor allem bei höheren Resonanzwerten bemerkbar macht.

Besonders gut gelungen finde ich, dass das Delay mit Aktivierung des Bypass-Schalters nicht stoppt. Sobald man das Delay wieder anschaltet, sind die Wiederholungen im gleichen Rhythmus wie vorher zu hören. Für Live-Anwendungen ist dieser „Kill“ ein richtig cooles Feature.

Etwas vermisst habe ich lediglich einen LFO, besser gesagt zwei: Einen für die Filtersektion und einen weiteren für die Delay-Zeit. Denn bei derart kurzen Delay-Zeiten hätte das Zen Delay auch einen richtig guten Chorus / Flanger abgegeben.

Erica Synths Zen Delay Test – Fazit

Selten hat mich ein externes Effektgerät so sehr überzeugt wie das Zen Delay von Erica Synths. Sowohl die gute Verarbeitung als auch der charaktervolle Sound sprechen für das Teil. Und das Wichtigste: Das Zen Delay lädt zum Spielen und Experimentieren ein. Ich würde sogar soweit gehen es nicht bloß als reines Delay zu sehen, sondern vielmehr als kreative Ideenschleuder für elektronische Musik. Zwar hat das Zen Delay seinen Preis, aber der Gegenwert ist auf jeden Fall vorhanden. Von meiner Seite aus also eine klare Kaufempfehlung für alle, die ihre Basics mit Synthesizern und Rechner schon abgedeckt haben.

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Verarbeitung und erster Eindruck

An der Verarbeitungsqualität lässt sich nichts aussetzen, wobei ich das bei einem Reverbpedal in dieser Preisklasse auch voraussetze. Beim Nightsky sitzen die Potis fest, das Pedal hat ein angenehmes Gewicht und vermittelt auch so den Eindruck, etliche Transporte unbeschadet zu überstehen. Lediglich die Taster die für die Wahl der Presets, sowie die Programmierung des Sequencers zuständig sind, wirken etwas wacklig.

Sobald man das erste Mal Signale durch das Nightsky schickt, wird es deutlich, warum sich Strymon über so viele Jahre einen Spitzenplatz in dieser Produktgattung sichert. Denn das Reverbpedal klingt verdammt gut. Sicherlich liegen seine Stärken eher im Bereich künstliche Hallräume. Die klingen aber dafür wahnsinnig weich und voll. Ich würde sogar so weit gehen und sagen, dass nahezu alles was man da reinschickt am Ausgang edler klingt.

Allerdings ist das ein Punkt, den ich bei Strymon immer auch etwas störend empfinde: Mit der Zeit kann es passieren, das man diesem Sound überdrüssig wird. Der Charakter des Reverbs ist schon sehr dominant und dass, obwohl Strymon dem Nightsky einige Parameter zum Sounddesign spendierte, die wir uns jetzt ansehen werden.

Sounddesign und Algorithmen

Zentrales Element des Nightsky sind natürlich die Reverb-Algorithmen. Zur Auswahl stehen hier drei Reflektions-Modi, die klanglich von räumlich exakt, über butterweich diffus bis hin zu dicht und kompakt reichen. Die Länge der Ausklingzeit kann man natürlich frei bestimmen, wobei auch endlose Hallräume möglich sind. Darüber hinaus lässt sich der tonale Anteil der Hallfahne sowohl manuell als auch per LFO und Sequencer steuern. Sehr ärgerlich ist hier, dass die Hallfahne komplett abgeschnitten wird, wenn man zwischen den drei Modi umschaltet. Ein weiches Überblenden hätte ich für den Live-Einsatz definitiv bevorzugt.

Im nächsten Schritt kann man dem Halleffekt noch den beliebten Shimmer verpassen; einen Pitch Shifter, der dem Hall zusätzlich Sternenstaub verleiht. Da wir gerade dabei sind: Im Nightsky findet sich neben Shimmer ein weiterer Parameter mit dem Namen „Glimmer“. Frei zwischen Low und High umschaltbar, betont Glimmer die Harmonischen der unteren oder oberen Frequenzen. Besonders bei der Kombination von Shimmer, Glimmer und langen Hallfahnen geht klanglich echt die Ambient-Sonne auf.

Wer noch etwas tiefer ins Sounddesign einsteigen möchte, dem stehen mit Drive, LFO und Filter weitere Möglichkeiten zur Verfügung. Das Filter ist ein klassisches LP/HP-Filter mit Resonanz, das mild zupackt. Auch der LFO ist eher von der gemächlichen Sorte. Die Frequenz ragt nicht in den hörbaren Bereich, wodurch auch radikalere Klangexperimente mit dem LFO nicht möglich sind. Das ist jetzt nicht so dramatisch, sollte aber erwähnt werden. Warum aber auch beim Wechsel der Schwingungsform gleich der komplette Hallsound kurz weg bricht, weiß nur Strymon selbst.

Das Herzstück des Strymon Nightsky – der Sequencer

Die Tonhöhe der Hallfahne lässt sich beim Nightsky frei bestimmen und sogar Skalen zuweisen. Das alleine ist schon echt praktisch. Strymon legte aber beim Nightsky noch einen drauf und spendierte dem Pedal einen 8-Step-Sequencer, bei dem man für jeden Schritt eine andere Tonhöhe festlegen kann. Das funktioniert in der Praxis recht einfach und macht auch im Live-Einsatz Spaß, wenn man mal eben einzelne Steps deaktivert.

Leider hat sich Strymon beim Sequencer aber auf diesen einen Parameter beschränkt, wodurch sie meiner Meinung nach ein gewaltiges Potential liegen ließen. So hätte ich mir gewünscht, dass man wie bei den Parameter Locks bei Elektron mehrere Werte pro Step variieren könnte. Wie spannend wäre es gewesen, neben dem Reverb-Pitch gleichzeitig noch Filter, LFO-Rate oder Effektanteil mit dem Sequencer zu steuern?

Strymon Nightsky Test Fazit

Das Nightsky ist ein hervorragend klingendes Reverb, das mit dem integrierten Sequencer und Filtermöglichkeiten ein gewaltiges Potential für elektronische Musik mitbringt. Auf der anderen Seite hat man beim Nightsky dann doch an einigen Stellen auf zu viel verzichtet. Sound-Aussetzer beim Umschalten von Parametern oder der etwas zu eingeschränkte Sequencer gehen bei dem Preis einfach nicht und lassen mich das Pedal nur mit Einschränkungen empfehlen.

Denn Strymon bietet im eigenen Portfolio mit dem Big Sky und Blue Sky gute Alternativen, die entweder deutlich mehr Features bieten (Big Sky), oder eine ganze Ecke günstiger sind und den Strymon-Sound auch so liefern (Blue Sky). Wer das Konzept mit dem Sequencer aber unschlagbar findet, wird vom Nightsky nicht enttäuscht. Edler Klang, direkte Bedienung und etliche tolle Details können überzeugen.

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• Studiokopfhörer für elektronische Musik: die besten Kopfhörer für Techno

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1. Bestimmte Elemente müssen in die Mitte

Bevor wir den Mix in die Breite ziehen, müssen wir uns erst einmal klarwerden, welche Elemente unbedingt in die Mitte gehören. Ganz vorne in dieser Liste steht natürlich die Kick, die man nicht links oder rechts im Panorama haben möchte. Zusätzlich sollte auch der Sub- und Bassbereich der Kick nicht mit Stereoverbreiterungstools bearbeitet werden, da das unnötig Probleme mit sich bringt. Ebenso gehören zentrale Elemente eines Tracks wie Gesang oder Lead-Spuren in die Mitte.

Was man allerdings durchaus mal probieren kann, ist lediglich die oberen Frequenzen eines eigentlich in die Mitte gehörenden Instruments zu bearbeiten. Das kann man entweder mit einem M/S-Frequenz-Splitter machen. Dabei wird nur der Bereich oberhalb einer bestimmten Frequenz in die Breite gezogen. Oder man stellt das Instrument durch das Schichten einzelner Layer so zusammen, dass nur die Layer der höheren Frequenzanteile mit den Stereotools bearbeitet werden.

2. Panning intelligent einsetzen

Der einfachste Weg einen Mix breiter klingen zu lassen, geht über die Verteilung der einzelnen Instrumente im Stereopanorama. Hierbei ist es wichtig, dass der Mix insgesamt ausgewogen bleibt. Das heißt Instrumente, die eher links im Panorama sitzen sollten immer einen Gegenspieler auf der rechten Seite haben. Hast du etwa deine Toms links, kannst du Congas oder andere Percussion auf der rechten Seite platzieren.

Besonders wichtig ist es, die Lautstärken entsprechend anzupassen. Nur auf diese Weise stellst du sicher, dass nicht etwa plötzlich eine scharfe HiHat ständig von links zischelt, während rechts kaum etwas passiert. Zudem solltest du nach jedem Panning die Lautstärkeverhältnisse kontrollieren. Das Entfernen eines Instruments aus der Stereomitte hat nicht selten zur Folge, dass das Instrument viel dominanter wahrgenommen wird. Eine Absenkung um ein paar dB behebt das aber recht schnell.

Ein anderer Weg ist es, einfach eine Zufallsmodulation auf das Panorama zu legen. Viele Plugins liefern so eine Funktion gleich mit, wie hier zum Beispiel der Simpler von Ableton.

3. Spuren doppeln für mehr Stereobreite

Dieser Trick eignet sich besonders gut für Pads oder Sounds, die eher im Hintergrund platziert werden. Dazu duplizierst du die Spur mit dem Pad und ziehst die zweite, duplizierte Spur ein paar Millisekunden nach hinten (Track Delay). Jetzt wird jeweils eine der Spuren hart nach links, die andere Spur hart nach rechts gepannt. Das sollte schon einen großen Unterschied machen.

Damit dieser Trick aber erst richtig gut funktioniert, bietet es sich an, die einzelnen Spuren mit Effekten zu versehen. Dafür eignen sich EQs oder Hallräume gut. Die Effekte stellst du nun jeweils minimal anders ein, sodass dem Ohr vorgegaukelt wird, es handle sich um zwei unterschiedliche Aufnahmen.

4. Minimale Verstimmungen nutzen (Pitch-Shifting)

Ähnlich wie bei dem eben beschriebenen Trick duplizieren wir wieder unsere Spur und platzieren beide Spuren ganz links und ganz rechts im Stereopanorama. Im Unterschied zur zeitlichen Versetzungen erzeugen wir dieses Mal aber Schwebungen, indem wir beide Spuren ganz leicht gegeneinander verstimmen. Wenige Cent reichen hierfür völlig aus. Diese Verstimmung sorgt für einen Choruseffekt, der in Zusammenhang mit dem Panning eine unheimlich breite Bühne erzeugt. Wen du es noch extremer möchtest, kannst du auch die Tricks 3 & 4 miteinander kombinieren.

5. Spezielle Tools um die Stereobreite zu verbessern

Auch wenn man beim Mixen der Stereobreite in erster Linie über Panorama und eine optimale Tiefenstaffelung gehen sollte, können spezialisierte Plugins manchmal das gewisse Extra liefern oder schlicht Zeit sparen.

Gute Werkzeuge um die Stereobreite zu verbessern sind zum Beispiel die Freeware Ozone Imager von iZotope oder das ebenfalls kostenlose Stereo Tool V3 von Flux. Praktischerweise verfügen beide Plugins über ein Vector Scope, das dir eine visuelle Unterstützung liefert.

6. Stereo-Delay verwenden

Zugegebenermaßen liegt dieser Tipp direkt auf der Hand: Mit einem Stereo- oder PingPong-Delay können wir selbst Monosignalen eine spannende Stereobreite verschaffen, ohne dabei große Anstrengungen auf uns zu nehmen. Für subtile Effekte ist das Stereo-Delay der optimale Kandidat, wenn die Delay-Wiederholungen rhythmisch im Panorama wandern sollen, geht das besser mit einem Ping Pong Delay.

Tipp: Wählt man sehr kurze Delay-Zeiten wird aus dem Delay ein Choruseffekt. Möchte man die Stereobreite erzielen, ohne aber den typischen Delay-Effekt zu erhalten, ist das eine einfache Möglichkeit. Oder man nimmt einfach direkt einen Chorus für diesen Zweck.

Stereobreite verbessern – Behalte die Phasen im Auge!

Bei all den Maßnahmen für einen breiteren Mix solltest du unbedingt immer auf die Phasenlage der einzelnen Instrumente und Spuren achten. Gerade Techniken wie Dopplungen und der Einsatz von Tools um die Stereobreite zu verbessern, erhöhen die Gefahr, die Phasen einzelner Spuren mitunter stark zu verschieben. Manchmal kommt es dadurch zu Auslöschungen oder Überbetonung einzelner Frequenzen. Das äußert sich dann durch unerwünschtes Phasing oder Flanging bis hin zu kompletten akustischen Löchern im Mix.

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Das ist ein berechtigter Gedanke und wenn man noch ganz am Anfang steht, kann man bereits mit den Bordmitteln des Computers experimentieren. In diesem Fall sollte zumindest ein gutes Paar Studiokopfhörer angeschafft werden um seinen Mix vernünftig beurteilen zu können. Sobald man aber externe Klangerzeuger oder MIDI-Controller nutzen möchte, wird das Thema MIDI-Latenz immer wichtiger. Sehr vereinfacht gesagt ist MIDI Latenz die Zeit, die zwischen Tastenanschlag und dem Erklingen der Note liegt. Je geringer die Latenz (ms) ist, umso natürlicher ist das Spielgefühl.

Und hier haben professionelle USB Audio-Interfaces immer noch die Nase vorn. Gute Treiber und Hardware sind neben anderen Dingen genau darauf ausgelegt, niedrige Latenzen zu ermöglichen.

Spätestens jedoch, wenn externe Signale wie Synthesizer, Drum Machines oder Gesang aufgenommen werden sollten, ist die Anschaffung eines Audio-Interface dran. Sehen wir uns mal drei mögliche Szenarien an:

DAW basiertes Studio – Elektronische Musik im Computer produzieren

Diese Variante eignet sich gut für die ersten Schritte oder Studios, die nur wenig Platz oder Budget zur Verfügung haben, denn sie kommt mit einem kleinen Audiointerface und einer Musiksoftware eurer Wahl aus. Theoretisch könnte man sogar so weit gehen und ein Audio-Interface kaufen, das lediglich zwei Ausgänge für die Studiomonitore und einen separaten Kopfhörerausgang bietet.

Dann hätte man zwar etwas Geld gespart, sich aber zugleich die Möglichkeit genommen, auch mal externe Signale aufzunehmen. Ist man sich sicher, dass das in absehbarer Zeit nicht ansteht – kann man diesen Weg gehen. In diesem Fall empfehle ich die Scarlett-Serie von Focusrite. Für gerade mal 140 € bekommt man mit dem Scarlett Solo 4th Gen ein sehr solides Audio-Interface für elektronische Musik, das nicht nur gute Latenzwerte liefert, sondern auch ordentlich klingt. Leider kann man die Lautstärke des Kopfhörerausgangs und des Line-Outs für die Studiomonitore nur zusammen regeln, was im Studioalltag echt nervt.

Für gerade mal rund 60 € mehr bietet das Scarlett 2i2 genau diese Funktion und schickt zudem zwei vollwertige Eingänge mit ins Rennen. Für kleine Budgets wäre das also meine klare Empfehlung. Zusätzlich liegt beiden Soundkarten noch ein umfangreiches Softwarepaket bei, mit dem man sofort starten kann, elektronische Musik zu produzieren: Unter anderem enthält das Paket Ableton Live Lite, sowie gute Mixing-PlugIns von Softube und Focusrite.
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Klanglich ganz weit vorne, aber definitiv keine Budgetlösung mehr ist das Duet Audio-Interface von Apogee. Die USB-Soundkarte lässt sich mit Windows, Mac OSX und iOS-Geräten betreiben, liefert extrem niedrige Latenzen und klingt wie schon erwähnt einfach hervorragend. Mit dem großen Drehregler auf der schicken Oberfläche lässt sich z.B. die Monitorlautstärke schnell und gezielt einstellen.
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Audio Interface für elektronische Musik: Projektstudios und kleine Live-Setups

Mit mehreren Instrumenten und anderem Outboard-Equipment steigen die Anforderungen an die Soundkarte. Neben guten Treibern (und langfristiger Unterstützung durch den Hersteller) ist die Anzahl der Ein- und Ausgänge das entscheidende Kriterium. Praktisch wäre zudem, wenn das Interface per USB mit Spannung versorgt wird, denn das spart auf Reisen etwas Gewicht und im Studio eine Steckdose.

Um nicht zu schnell an die Grenzen zu kommen, sollte das Audio Interface mindestens über sechs, besser noch acht Audio-Eingänge verfügen. Bei den Ausgängen sind vier das absolute Minimum, um Outboard-Equipment und externe Effekte in der DAW zu nutzen. Wenn es Platz und Budget zulassen, kann mit vier Ausgängen auch ein zweites Paar Studiomonitore zum Gegenhören angeschlossen werden. Möchte man die Ausgänge lieber für Effektwege nutzen, kann man sich hier später allerdings immer noch mit einem Monitorcontroller behelfen.

Viele Features für unter 300 €: Focusrite Scarlett 816 und MOTU M4

Aus dem Angebot der derzeit erhältlichen Varianten empfehle ich als Budgetlösung das M4 von MOTU, sowie das Focusrite Scarlett 8i6. MOTUs M4 ist ein 4-Kanal-Audiointerface für 260 € mit tollen Wandlern und Spannungsversorgung über USB, wodurch es unterwegs ein verlässlicher Partner ist. Besonders gelungen in der Preisklasse ist die Monitoringanzeige auf der Vorderseite, die man beim Scarlett 8i6 vermisst.

Dafür bekommt man für gerade mal rund 270 € bei dem Focusrite Scarlett 8i6 acht Eingänge, sechs Ausgänge und ein 5-Pin-MIDI-Duo, um ältere Synthesizer ohne weiteres ins Setup zu integrieren. Das eben erwähnte Softwarepaket inklusive Ableton Live Lite und Mixing PlugIns ist ebenfalls enthalten. Einziger Wermutstropfen hier: Der Betrieb erfordert ein Netzteil, Spannungsversorgung über den USB-Port ist also nicht möglich.

RME Babyface Pro FS

Hier punktet die zweite Empfehlung. Nicht nur, dass das Babyface Pro FS mit USVB-Spannung auskommt, das kleine Kraftpaket liefert direkt zwölf Ein- und Ausgänge mit. Allerdings steht die volle Kanalanzahl nur unter Zuhilfenahme eines AD/DA-Wandlers bereit. Denn an Bord der kompakten Unit finden sich nur vier Ein- und Audioausgänge, plus ADAT-I/O, sowie ein MIDI I/O. Ich empfehle es trotzdem für folgendes Setup:

Im Studio steht ein 8-Kanal AD/DA Wandler und stellt die weitern acht Kanäle bereit. Unterwegs nutzt man das Babyface Pro FS als Audiointerface dann als Zentrale für ein kleines bis mittelgroßes Live-Setup. Hervorzuheben ist neben dem präzisen Klang der RME Interfaces auch der herausragende Treibersupport von RME. Selbst für Interfaces, die es seit über zehn Jahren nicht mehr zu kaufen gibt, werden noch Treiber entwickelt. Sicherlich wirkt ein RME-Interface auf den ersten Blick teurer. Dafür kann man sich aber sicher sein, sich nach kurzer Zeit mangels Support ein neues Interfaces anschaffen zu müssen.

Audio Interface für elektronische Musik: professionelle Lösungen mit mindestens acht Ein- und Ausgängen

Kommen wir nun zur Königsklasse der Soundkarten. Ein gutes Audio Interface für elektronische Musik in dieser Kategorie schlägt bereits mit rund 1500- 2500 € ein Loch ins Konto. Andererseits ist das eine Investition in die nächsten fünf bis zehn Jahre, denn in der Regel sind a) die Produktlebenszyklen – also die Zeit, bis ein Nachfolger auf den Markt kommt – deutlich länger, b) der Support mit aktuellen Treibern auf lange Sicht besser, und c) die verwendeten Bauteile hochwertiger als bei Budgetlösungen. Darüber hinaus erfüllen professionelle Audio-Interfaces noch ein paar Bedingungen, die nicht immer uneingeschränkt bei den günstigen Interfaces vorhanden sind. Dazu gehören:

• gute Wandler
• hervorragende Latenzwerte
• ausreichend Ein- und Ausgänge
• flexible Ausstattung an Anschlüssen (symmetrisch, gute Pre-Amps, sowie digitale Schnittstellen)
• sowie gute Routing-Möglichkeiten, um nicht ständig per Hand alles neu verkabeln zu müssen.

Meine Empfehlungen in dieser Kategorie sind zum einen das RME Fireface UFX II, sowie das UAD Apollo X6. Beide Audio-Interfaces bieten zahlreiche Ein- und Ausgänge, eine ausgefuchste Routingmatrix, sowie gute Wandler. RME hat tendenziell einen etwas analytisch klareren Klang, während die UAD Soundkarten Signale leicht (positiv) färben.

Welche Variante man hier bevorzugt, ist letztlich Geschmacksache. Ein Vorteil der UAD sind die internen DSPs zur Berechnung spezieller PlugIns, wodurch der Computer entlastet wird. Viele der erhältlichen PlugIns klingen ausgezeichnet, was einer der Hauptgründe für den Erfolg der UAD-Apollo-Serie sein dürfte. Ebenso wie die Audio-Interfaces lässt sich UAD die PlugIns aber auch gut bezahlen. Wenn nicht gerade eine Aktion läuft, liegen die Preise gerne mal 40-60 % über denen vergleichbarer VST-PlugIns.

Fazit: Welches Audio Interface für elektronische Musik?

Hoffentlich hat euch dieser Artikel dabei geholfen, eine Vorauswahl zu treffen. Als Einsteiger wird man in der Regel kein umfangreich ausgestattetes Interface benötigen, das neben der Budgetfrage häufig einfach auch von den Features her überdimensioniert ist. Die Scarlett-Serie con Focusrite bietet hier einen hervorragenden Kompromiss. Soll es klanglich noch eine Nummer drüber sein, sind die Duets von Apogee eine gute Empfehlung.

Als jahrelanger Nutzer von RME bin ich ziemlich überzeugt von den Audiointerfaces. Die Verarbeitung ist top, die Features umfangreich und das Preis-Leistungsverhältnis überzeugend. Falls die Soundkarten auf den ersten Blick teuer erscheinen, möchte ich an dieser Stelle noch einmal den einzigartigen Support des Herstellers betonen: Meine Hammerfall hatte über 12 Jahre ihren Dienst verrichtet und wurde ständig mit neuen Treibern versorgt. Selbst dann noch, als diese Produktserie längst aus den Läden verschwunden war. Daher empfehle ich RME-Interfaces gleichermaßen als Interfaces für ambitionierte Produzenten und Profis.

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