„FLUX“ Sound Pack für Elektron Digitone II enthält:

• 213 Presets für elektronische Genres wie Dub Techno, Techno, Progressive
• 17 Demo Patterns (aka 17 Kits)

Presetkategorien

• Pads: 19
• Leads: 22
• Arp: 7
• Bass: 19
• Dub Chords und Pads: 26
• FX: 27
• Kick: 17
• Snare: 16
• Rimshot: 6
• Clap: 4
• Percussion: 15
• Open / Cl HiHat: 31
• Cymbal: 4

Das Soundpaket umfasst 19 verschiedene Pad-Sounds mit kühlen Texturen, warmen Ambient-Flächen, bis hin zu rhythmischen Streicherklängen. Ergänzt wird das Angebot durch über 40 Bässe und Leads sowie sieben Arpeggiator-Linien, die sich perfekt für hypnotische Techno-Produktionen eignen.

Darüber hinaus stehen 26 Dub-Chords und Pads zur Verfügung. Im aktivierten Keyboard-Modus lassen sich die Presets direkt mit klassischen Akkord-Voicings spielen.

Digitone-Drums

Ein besonderer Schwerpunkt bei der Entwicklung von „FLUX“ liegt auf einer vielseitigen Drum- und FX-Library für elektronische Musik. Das Soundpaket beinhaltet daher eine breite Auswahl an Kicks, Effekt-Sounds, Cymbals und weiteren Klangelementen.

Zuweisung von Aftertouch, Modwheel und Velocity

Wie bei anderen Digitone-Paketen von Limbic Bits verfügen die meisten Presets des „Flux“ Sound Pack über Zuweisungen für Aftertouch, Modulationsrad und Anschlagdynamik, was ein ausdrucksstarkes Spiel ermöglicht.

Zum Lieferumfang gehören zudem 17 Patterns, die einen direkten Einstieg ermöglichen. Die Patterns bieten eine schnelle Inspiration und erleichtern den Einstieg in eigene Produktionen, ohne dass Presets zunächst aufwendig gesucht und angepasst werden müssen.

Falls ihr euch für diese Digitone II Presets interessiert, könnt ihr euch das Sound Pack hier kaufen: Limbic Bits „Flux“ Digitone 2 Sound Pack

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Mittlerweile ist das Portfolio an Behringer Synthesizern auf ein beachtliches Ausmaß angewachsen. Und nahezu im Monatsturnus stellt das Unternehmen neue Ideen und Konzepte vor. Zeit, etwas Licht ins Dunkle zu bringen. In dieser Übersicht werde ich mich allerdings nur auf Behringer Synths konzentrieren, die es tatsächlich in die Läden geschafft haben. Produktankündigungen werden also erst dann aufgenommen, wenn sie de facto erhältlich sind.

Zudem limitiere ich mich einerseits auf polyfone (parafone) Synthesizer und andererseits auf Mono-Synths. Die Behringer Modularsysteme kommen dann in einem späteren Artikel.

Polyfone und parafone Behringer Synthesizer

Und wir starten die Übersicht gleich mit den poly- und parafonen Synths. Dieser Bereich wird sukzessive erweitert, sobald auch die lang angekündigten Modelle UB-XA, Clones des CS-80, PPG Wave, und viele andere mehr erhältlich sind.

Deepmind 6, 12 , 12R

Der Deepmind war der erste vollwertige kommerziell erhältliche Synthesizer von Behringer. Klanglich hat man sich unter anderem den Roland Juno 106 als Vorbild genommen. Und wenn man sich auf die Basics beschränkt, kann man dem Deepmind auch durchaus Roland-Charakter nachsagen.

Allerdings geht der Deepmind mit seiner umfangreichen Ausstattung und Effektabteilung deutlich weiter. Um das volle Potential auszuschöpfen, sollte man tief in die Untermenüs abtauchen. Denn sobald man die Modmatrix und nahezu modulare Effektabteilung erforscht, steht man fast vor einem speicherbaren Modularsystem: und das polyfon!

Den leicht lieblichen Klangcharakter des Deepmind kann man mögen oder hassen. Aber man kann Behringer nicht absprechen, mit dem Deepmind einen durchdachten Synthesizer mit sensationellem Preis-Leistungsverhältnis veröffentlicht zu haben.

Behringer Deepmind Übersicht

Behringer JT-4000M Micro

Der Behringer JT-4000 Micro ist ein Budgetsynthesizer im Miniaturformat. Am Ende der digitalen Klangerzeugung mit vierfacher Parafonie steht ein 12dB Tiefpassfilter mit Resonanz. Das günstige Gerät nimmt nicht viel Platz auf dem Tisch ein und lässt sich problemlos mitnehmen. Allerdings geht man hier sehr viele Kompromisse ein, die einem professionellen Einsatz als Standalone-Unit entgegen stehen.

Trotz des niedrigen Preis kann ich ihn aber auch nicht uneingeschränkt fürs DAW-basierte Studio empfehlen. Dafür sind neben lahmen Hüllkurven, digitale Artefakte und dem mäßig gut klingenden Filter die Nachteile einfach zu groß. Für breite Flächen oder sanfte Bässe mit Tiefenschub hat der kleine aber durchaus seine Berechtigung.

Hier geht es zum Behringer JT-4000 Micro Test.

Behringer JT-4000 Micro Übersicht

Behringer JT-mini

Der Behringer JT mini ist ein Budgetsynthesizer im Miniaturformat. Am Ende der analogen Klangerzeugung mit dreifacher Parafonie steht ein umschaltbares 12/24 dB Lowpassfilter mit Resonanz.

Zwar bietet der JT Mini drei VCOs, aber man kann die Wellenform (Sinus, Sägezahn, PWM, Rechteck) für alle drei nur gleichzeitig auswählen. Die VCOs klingen recht gut, insbesondere die Pulswelle, die diesen klassischen Roland-artigen hohlen Klang liefert.

Die Hüllkurve reicht von extrem schnell bis hin zu langsam genug für einfache Pad-Sounds. Wer seinen Presets etwas Bewegung hinzufügen möchte, kann entweder den internen Motion-Recorder oder den LFO nutzen. Die LFO-Rate reicht nicht bis in den hörbaren Bereich. Was ich beim JT mini aber noch mehr vermisst habe, war die Möglichkeit, den LFO mit dem BPM zu synchronisieren.

Unterm Strich handelt es sich um einen soliden Minisynth mit kräftigem Sound, wenngleich mir der JT mini für intensive Klangforschung aber etwas zu limitiert ist.

Hier geht es zum Behringer JT-mini Test.

Behringer JT-mini Übersicht

Behringer MonoPoly

Neben dem Poly-D hat Behringer mit dem MonoPoly einen weiteren parafonen Synth im Rennen. Hierbei handelt es sich nicht um eine freie Interpretation, sondern um den optischen und klanglichen Nachbau eines echten Klassikers: den Korg MonoPoly.

Allerdings ist auch Behringers MonoPoly wie das Original „nur“ vierfach parafon. Das bedeutet, dass die vier Oszillatoren zwar polyfon als Akkorde gespielt werden können. Spätestens beim Filter und den Modulationen teilen sich aber alle Oszillatoren die selbe Baugruppe.

Klanglich kommt der MonoPoly in den Mitten und im Bass etwas definierter um die Ecke als der Poly-D. Gleichzeitig reichen seine Features noch einmal deutlich weiter. Durch XMOD, Sync und FM gelingen auch experimentelle Sounds. Besonders gelungen ist das in Kombination mit dem Arpeggiator. Die aufgebrochenen Akkorde spielen dann alle Oszillatoren nacheinander durch, was je nach Setting wunderbar subtile oder krasse klangliche Änderungen mit sich bring. Selbst Pausen lassen sich simulieren, indem man einfach den entsprechenden Oszillator stumm dreht.

Behringer MonoPoly Übersicht

Poly-D

Beim Behringer Poly-D handelt es sich um einen parafonen Analogsynthesizer, der stark in der Tradition eines Minimoog steht. Zusätzlich zu dessen typischer Klangerzeugung wurde der Poly-D aber ein Stück aufgebohrt. Neben einem vierten Oszillator, durch den auch die vierfache Parafonie ermöglicht wird, findet sich hier ein LFO, sowie ein 32-Step-Sequenzer und eine rudimentäre Effektabteilung. Diese beherbergt analoges Distortion und einen BBD-Chorus, der an Rolands Juno-Chorus angeleht ist.

Die Effektabteilung ist nicht weiter spektakulär, aber rein klanglich weiß der Behringer Poly-D zu überzeugen. Fette Bässe, Leads und simple Stringsounds und Pads entstehen hier im Handumdrehen. Die Verarbeitung geht absolut in Ordnung und über die Tastatur ist der Poly-D sogar anschlagdynamisch spielbar, sofern man eine Kabelverbindung über die Rückseite herstellt.

Behringer Poly-D Übersicht

Behringer PRO-800

Nach dem Vorbild des Sequential Circuits Prophet 600 wurde der Behringer PRO-800 entwickelt. In diesem Fall gibt es aber im Gegensatz zur damaligen Ausstattung acht statt sechs Stimmen. Auch wurde die Gigli-Mod mit schnelleren Hüllkurven und ein paar weiteren Extras direkt integriert.

Der PRO-800 zeichnet sich durch einen organischen Retroklang aus, perfekt für Genres wie Synthwave, Ambient oder Synth Pop. Eingeschränkt lässt er sich dank analoger FM auch für experimentellere Sounds einsetzen, wobei es hier sicherlich bessere Kandidaten gibt. Wichtig! Damit ihr den PRO-800 wirklich sinnvoll einsetzen könnt, solltet ihr unbedingt die aktuelle Firmware installieren. Diese beschleunigt die Hüllkurvenzeiten noch einmal erheblich und ermöglicht somit auch perkussivere Sounds und kräftige Bässe.

Hier geht es zum Behringer Pro-800 Test

Behringer PRO-800 Übersicht

Behringer Pro VS mini

Bei dem Pro VS mini ließ sich Behringer vom Sequential Prophet VS inspirieren, einem Hybridsynth, der erstmals Vektorsynthese nutzte. Dabei werden insgesamt vier digitale Oszillatoren per XY-Controller überblendet, was zu spannenden Klangverläufen führt.

Diese Idee lebt auch in der parafonen Miniatur weiter, allerdings sollte man – schon gar nicht bei dem Preis – davon ausgehen, hier eine Prophet VS vor sich zu haben. Zwar sind die Schwingungsformen des Originals auch hier drin zu finden. Aber man sollte den Pro VS mini eher als eigenständigen Synth sehen, der zu einem sehr günstigen Preis eine Vielzahl an Features bietet.

Der Sound ist hier eher auf der LoFi-Seite – vor allem, wenn man zum Vintage-Mode wechselt – aber durchaus spannend. Die Engine ermöglicht neben kräftigen Bässen auch experimentellere Sounds und warme Flächen. Spätestens bei der Bedienung merkt man aber den günstigen Preis, denn die Minipotis liegen einfach nicht so gut in der Hand. Dennoch sollte man den Pro VS mini nicht unterschätzen; und mit einem angeschlossenen MIDI-Controller macht die Klangforschung gleich deutlich mehr Spaß.

Hier geht es zum Behringer PRO VS mini Test

Behringer Pro VS mini Übersicht

Behringer UB-Xa

Der UB-Xa dürfte wohl eines der ambitioniertesten Projekte von Behringer gewesen sein. Jedenfalls lässt die lange Vorlaufzeit zwischen Produktankündigung und Erstauslieferung darauf schließen. Mittlerweile ist der 16-fach polyfone und bitimbrale Analogsynth erhältlich und erfreut sich weitgehend positivem Feedback.

Dazu tragen einerseits die analoge Klagerzeugung bei, die sich an den Oberheim-Klassikern OB-X und OB-Xa orientiert. Andererseits dürfte hier auch der Preis eine wesentliche Rolle spielen. Denn 16 Stimmen kombiniert mit einer Tastatur mit polyfonem Aftertouch und weitgehende Möglichkeiten, den Sound zu individualisieren sind in dieser Preislage einmalig. Puristen sagen immer wieder, dass der Sound der Originalvorlagen noch ein gutes Stück gewaltiger ist. Nichtsdestotrotz erhält man mit dem UB-Xa ein rundes Gesamtpaket mit gutem Klang zu einem Kompetitiven Preis.

Der Sound ist hier klar auf der Retro-Seite mit breiten Flächen, fetten Bässen und weichen Leads. Aggressivere Sounds sind sicherlich nicht die Stärke des UB-Xa, aber über die Modulationsmatrix lassen sich dem UB-Xa auch experimentellere Klänge umsetzen.

Behringer UB-Xa Übersicht

Behringer UB-Xa mini

Der Behringer UB-Xa Mini ist eine verkleinerte Version seines größeren UB-Xa-Polysynths. Reduziert auf das, was Behringer als den wesentlichen Kern ansieht, bekommt man einen paraphonen Synthesizer mit drei Oszillatoren, Ringmodulation, einem 12/24-dB-Filter mit ADSR-Hüllkurve sowie einem LFO mit mehreren Wellenformen (Dreieck, Sägezahn, Rechteck).

Die VCOs lassen sich paraphon, Unisono, Oktave, Quinte, Ringmodulation und via Poly-Ringmodulation spielen. Im letzteren Modus wird die Obertonstruktur durch die Frequenzen der gespielten Noten bestimmt. Die VCOs bieten Sägezahn und Puls (mit PWM) und können so geschaltet werden, dass man entweder einen oder beide Oszillatoren gleichzeitig hört.

Der LFO-Bereich reicht nicht in die Audiofrequenz-Modulation hinein, weshalb er sich weniger für experimentelleres Sounddesign eignet. Das ist nicht unbedingt schlecht, aber einige Filter-FM-Möglichkeiten wären dennoch wünschenswert gewesen. Die Hüllkurve ist weder besonders knackig noch erlaubt sie sehr lange Phasen.

Für alle, die hoffen, mit dem UB-Xa Mini diesen klassischen Oberheim-Sound einzufangen… nun ja, wenn ich einen Blindtest machen müsste, um seinen Klangcharakter zu bestimmen, würde ich ihn wohl nicht als Oberheim erkennen. Aber vielleicht sagt das mehr über mich aus als über den Synth selbst.

Behringer UB-Xa mini Übersicht

Behringer Vocoder VC340

Ebenfalls an ein Original angelehnt ist der Behringer Vocoder VC340. Im Gegensatz zu den bisherigen Polysynths ist der VC340 aber ein Hybrid aus Vocoder und String-/Choir-Ensemble. Als Vorlage diente der Roland VP330 Plus, der es seit seiner Markteinführung im Jahr 1979 in etliche Produktionen geschafft hat.

Der markant weiche Vocodersound überzeugt zwar nicht durch seine Sprachverständlichkeit. Aber für smoothe Air-Vocoder-Chöre ist der VC340 die ideale Besetzung. Auch die Strings und Synthchöre überzeugen weder durch Authentizität noch durch flexibles Sounddesign. Hier ist es eher der charmant kratzige Retrosound, der sich trotz des sperrigen Charakters gut in den Mix einfügt.

Behringer VC340 Übersicht

Monofone Behringer Synthesizer

Und damit kommen wir zu den mono-(duo-)fonen Synths. Hier hat Behringer in den letzten Jahren eine beachtliche Auswahl zusammengestellt. Darunter befinden sich gute Nachbauten von Klassikern, aber auch ein paar Neukreationen.

Behringer 2-XM

Der Behringer 2-XM (Test) ist ein kompakter, zweistimmiger, Eurorack-kompatibler Synthesizer, der vom klassischen Oberheim SEM inspiriert ist. Der 2-XM bietet zwei analoge Signalpfade, Unisono-, Split- und Duo-Modi und kann für Polyphonie kaskadiert werden.

Die Filter des 2-XM klingen gut, haben aber nicht dieses High-End des Originals. Während sich das Original in solchen Situationen fast wie ein Exciter verhält, tendiert der 2-XM eher zu einem pfeifenden Charakter, der sich nicht so harmonisch in das restliche Signal einfügt – zumindest im Vergleich zu anderen SEM-ähnlichen Filtern, mit denen ich gearbeitet habe. Auch die Oszillatoren des 2-XM klingen etwas härter und moderner. Das ist nicht unbedingt schelcht, aber mir fehlte dieser schwer fassbare, vintageartige Flair.

Besonders gefällt mir die Möglichkeit, beide Einheiten gegenseitig zu modulieren, was VCO-FM, Filter-FM und ein paar andere Tricks ermöglicht. Was mir allerdings fehlte, war ein Noise-Ausgang (es gibt aber einen Workaround, wie in einem der Beispiele gezeigt) sowie ein LFO-Frequenz-Eingang im Patchfeld – das hätte die Modulationsmöglichkeiten erweitert oder z. B. Keytracking erlaubt.

Der Behringer Synth 2-XM liefert solide, von Oberheim inspirierte Klänge, erreicht aber nicht ganz die Magie des Originals. Dennoch bietet er zwei gut klingende analoge Stimmen zu einem erschwinglichen Preis.

Behringer 2-XM Übersicht

Behringer 2600

Wahrscheinlich gehörte der 2600 zu einem der am meisten herbeigesehnten Behringer Synths. Hierbei handelt es sich um einen semimodularen Synth, der stark an den Arp 2600 angelehnt ist. Dank etlicher Patchpunkte, drei Oszillatoren, kräftigen Filtern, und vielem mehr ist er der perfekte Synthesizer für alle, die tief ins Sounddesign mit dem Behringer 2600 einsteigen wollen.

Allerdings muss man sich schon einige Zeit mit dem 2600 beschäftigen. Denn einige Wege sind hier anfangs etwas unintuitiv. Vor allem, wenn man etwa mit dem Moog- oder Roland-Workflow vertraut ist. Zudem überfordert der Funktionsumfang gerade Einsteiger gerne mal.

Trotzdem lohnt es sich. Denn der Behringer 2600 liefert einen herrlich kräftigen Analogsound, der sich gut im Mix durchsetzt. Insgesamt kommt er schneidender daher als etwa Moog oder Roland, aber das kann auch ein spannender Kontrastpunkt sein.

Meine Empfehlung ist, sich den 2600 als Grey Meanie oder Blue Marvin zu holen. Der analoge Federhall und das minimalere Design (Geschmackssache) sind den geringen Aufpreis sicherlich Wert.

Behringer 2600 Übersicht

Behringer Cat

Beim Cat hat Behringer den Clone eines Clones geklont. Denn ursprünglich sorgte auch „The Cat“ vom Hersteller Octave für Streit mit ARP, da sich dieser maßgeblich vom Odyssey inspirieren ließ. Vermutlich konnte man in der Entwicklungsabteilung von Behringer deshalb hier gleich Zeit sparen. Schließlich war der Odyssey ebenfalls bereits im Portfolio.

Und so gibt es beim Cat und Odyssey auch einige klangliche Überschneidungen, wenngleich beim Cat die mischbaren Oszillator-Ausgänge plus Suoboszillator noch einmal mehr Tiefenschub erzeugen. Ob das eine zusätzliche Anschaffung rechtfertigt, muss jeder für sich entscheiden.

Der Behringer Cat kommt im typischen Behringer Desktopformat daher, ließe sich also auch problemlos im Eurorack-Modularsystem einbauen. Allerdings gibt es hier weder Sequencer noch Arpeggiator, oder eine Effektabteilung. Trotzdem erzeugt der Cat einen spannenden rohen Analogsound, der gerade im Bassbereich überzeugend abliefert.

Behringer Cat Übersicht

Behringer Crave

Ebenfalls semimodular aber deutlich kompakter als der Neutron, ist auch der Crave eine Neukreation. Die nachgesagte Nähe zum Moog Mother 32 ist hier weitestgehend konzeptionell. Denn auch wenn es hier und da Überschneidungen gibt, sind beide Modelle klanglich doch recht weit voneinander entfernt.

Mit seinem Prophet-VCO und 24dB Tiefpassfilter liefert der Behringer Crave kräftige Bässe und Leads mit Punch, obwohl er nur über einen VCO verfügt. Mit etwas Patching kann man allerdings auch den LFO als Zweitoszillator verwenden, der dabei recht gut der Tonhöhe folgt.

Dank seines runden Sounds, kombiniert mit Sequencer und Patchmöglichkeiten ist der Crave eine echte Empfehlung, und das nicht nur als Synthesizer für schmale Budgets. Hier geht es zum Behringer Crave Test.

Behringer Crave Übersicht

Behringer K-2: Der MS-20 Clone

Als Clone des semimodularen Korg MS-20 schickt Behringer den K-2 ins Rennen. Mit zwei Oszillatoren, Hoch- und Tiefpassfilter, sowie einer umfangreich ausgestatten Patchmatrix lädt der Behringer K-2 zum Experimentieren ein. Und dabei liefert er einen herrlich eigenwilligen Klang, den man als mittig-roh, aggressiv oder knarzig bezeichnen kann.

Kurioserweise ist der K-2 noch ein gutes Stück näher am Originalsound dran, als der noch erhältliche MS-20 mini aus dem Hause Korg. Allerdings fehlt auch dem K-2 noch ein letztes Stück Knurrigkeit im Vergleich zum Vintage-Original. Das fällt besonders dann auf, wenn man Ringmodulator und hohe Resonanz-Settings bei beiden Filtern (HP/LP) miteinander kombiniert. Dafür muss man entweder nach einem Original Ausschau halten, oder einen Korg MS-20 FS ergattern. Der meistert auch diese Disziplinen mit Bravour.

Trotzdem ist der K-2 mit einem Preis von rund 300 € eine Empfehlung für Industrial-Fans, oder Techno-Produzenten, die ihren Tracks aggressive Charakternoten verpassen wollen. Mehr Infos gibt es im Behringer K-2 Test.

Behringer K-2 Übersicht

Behringer K-2 MKII: Der erweiterte MS-20 Clone

Der Behringer K-2 MKII ergänzt den MS20-Clone-Update um Funktionen wie Filter-FM, PWM, Sync, sowie 1V/Oct, und ermöglicht so eine bessere Integration in Eurorack-Systeme. Die neuen Features erweitern die Flexibilität des K2 MKII erheblich. Gleichzeitig wurde der Preis auf unter 200 € gesenkt, sodass es kaum einen Grund gibt, ihn sich nicht anzusehen.

In Bezug auf die Authentizität des Sounds im Vergleich zum Original fehlt ihm zwar immer noch das letzte Quäntchen „Knurren“ in der Filtersektion, insbesondere bei der Kombination hoher Resonanzeinstellungen auf beiden Filtern und der Verwendung von Ringmodulation.

Ein günstiger und flexibler Monosynth mit Charakter zu einem budgetfreundlichen Preis. Er kommt nah an den MS20 heran, erreicht aber nicht ganz dessen Aggressivität. Dennoch lassen sich damit viele MS20-Vibes erzeugen. Mit all den zusätzlichen Features ist er selbst für MS20-Puristen einen genaueren Blick wert.

Behringer K-2 MKII Übersicht

Kobol Expander

Die Vorlage des Kobol Expanders ist der gleichnamige Synthesizer des französischen Unternehmens RSF. Zwar ist der Synth unter Nerds durchaus bekannt, der Kobol erlangte aber nie den Ruhm eines Minimoog, SH-101 oder Pro One.

Trotzdem hat sich Behringer auch diesem Exot angenommen und mit dem Behringer Kobol Expander (TEST) einen hervorragend klingenden, semimodularen Analogsynth auf den Markt gebracht. Überblendbare Schwingungsformen, LFO mit Geschwindigkeiten bis in den hörbaren Bereich und nicht zuletzt die schnellen Hüllkurven sprechen hier eine klare Sprache. (Nicht nur) Für den Preis von knapp 170 € klingt der Kobol Expander sensationell gut.

Behringer Kobol Expander Übersicht

Behringer Model 15

Auf den Spuren eines unbezahlbaren Klassikers versucht sich Behringer mit dem Model 15 am gleichnamigen Modell von MOOG. Herausgekommen ist ein gut klingender semimodularer Analogsynth, der auf kompaktem Raum eine Menge Features vereint. Der Klang geht hier eindeutig in Richtung Retro. Dabei helfen vor allem die Sättigungsstufen im Mixer und Filter, sowie die rund klingenden Oszillatoren.

Nicht so gelungen ist die virtuelle Nachbildung eines Federhalls. Dafür gibt es einen inspirierenden Stepsequencer mit drei Speicherplätzen für jeweils bis zu 256 Steps, eine gut ausgestattete Modulationsmatrix, sowie einen LFO, der bis in den hörbaren Bereich schwingt, wodurch auch Dreiklang-Akkorde (auch Dub Chords) möglich sind.

Hier geht es zum Behringer Model 15 Test.

Behringer Model 15 Übersicht

Behringer Model D

Model D war Behringers erster monofoner Direktnachbau der auf den Markt kam. Hierbei handelt es sich, wie es Name und Aufbau deutlich vermuten lassen, um einen günstigen Minimoog Model D Clone. Zwar muss man auf die Tastatur und das imposante Erscheinungsbild eines echten Minimoog verzichten.

Der Klang des Model D überzeugt dafür umso mehr. Denn dieser kleine Desktopsynth liefert voluminöse Bässe, typische Moogleads und alles, wofür auch das Original bekannt ist. Insgesamt muss man ihn etwas zähmen, damit er sich gut in den Mix einfügt. Aber das gelingt schnell, wenn man es mit den Lautstärken der Oszillatoren nicht übertreibt.

Wer also schon immer auf einen Originalmoog geschielt hat, aber nicht die nötigen finanziellen Mittel besitzt, kann hier zugreifen. Die meisten Sounds des Originals deckt der Model D ziemlich gut ab und kostet dabei nur einen Bruchteil.

Mehr Infos gibt es im Behringer Model D Test.

Behringer Model-D Übersicht

Behringer MS-1

Der MS-1 ist dem SH-101 von Roland nachempfunden. Optisch sind zwar viele Parallelen zum Original erkennbar. Aber bei der Authentizität hat der SH-01a aus dem Hause Roland die Nase vorn.

Damit soll nicht gesagt werden, dass der Behringer MS-1 schlecht klingt. Ganz im Gegenteil. Und wer auf eine Tastatur und normalgroße Bedienelemente Wert legt, liegt mit diesem Behringer Synthesizer nicht verkehrt. Wer aber das letzte Quäntchen SH-101-Sound sucht, ist mit dem Roland SH-01a – oder natürlich dem Original – besser beraten.

Denn der SH-01a liefert den breiten Sweet Spot mit dem melancholisch runden Grundsound, der durch die dominanteren Höhen des MS-1 etwas verloren geht. Aber nur um das klarzustellen: Es handelt sich hierbei um Nuancen. Insgesamt liefert der Behringer MS-1 zu dem Preis schon ein gutes Gesamtpaket.

Behringer MS-1 Übersicht

Behringer MS-5

Angelehnt an den Roland SH-5 bietet der Behringer MS-5 einen Sweetspot-Sound mit umfangreichen Möglichkeiten zum Sounddesign. Dazu zählen zwei VCOs mit Sync und Ringmodulation, Rauschen (weiß/rosa), 2 LFOs mit unterschiedlichen Wellenformen, sowie S&H. Richtig spannend wird es dann in der Filterabteilung, wo ein Multimodefilter mit Resonanz auf ein zusätzliches Bandpassfilter, ebenfalls mit Resonanz trifft.

Das Filterrouting wird beim Behringer MS-5 in der Mixersektion vorgenommen. Hier kann man jedes Signalelement entweder nur einem der beiden Filter, seriell in beide Filter, oder ganz am Filter vorbei routen.

Zwar sind die Hüllkurven des MS-5 nicht von der schnellsten Sorte – das gilt vor allem für die AR-Variante. Trotzdem ist der MS-5 in der Lage, kräftige Bässe und Leads zu erzeugen. Wer es klickend möchte, muss sich jedoch woanders umsehen oder mit einem Kompromiss leben. Beide Hüllkurven lassen sich auf verschiedene Weisen retriggern, unter anderem auch über die LFOs. In diesem Fall kann man mit der ADSR-Hüllkurve mit kurz eingestellter A/D-Zeit durchaus auch Klickendes erzeugen.

–> Zum Behringer MS-5 Test

Behringer MS-5 Übersicht

Neutron

Wenige Zeit nach der Markteinführung des Deepmind erblickte der Neutron das Licht der Welt: ein semimodularer Desktopsynth mit vielseitigen Möglichkeiten fürs Sounddesign.

Für den Grundklang des Neutrons zeichnen sich zwei CEM3340-Oszillatoren (Nachbauten) verantwortlich, die bereits in Synths wie dem SH-101 oder dem Prophet 5 eingesetzt wurden. Ebenfalls sind Sync und Noise vorhanden. Die weitere Bearbeitung übernimmt dann ein zackiges 12dB Multimodefilter. Alles zusammen lässt sich entweder direkt über das Bedienpanel mit LFO, schnellen ADSR-Hüllkurven und S&H formen, oder eben per Patchverbindung neu zusammensetzen.

Neben Leads gelingt mit dem Neutron analoge FM und damit auch eine Menge an Percussion-, und FX-Sounds. Ebenso sind düstere Drones und Texturen eine Stärke des Neutron. Basssounds gelingen zwar auch, aber hierfür würde ich andere Kandidaten in dieser Liste vorziehen, etwa den Model D, Pro-1 oder Cat.

Behringer Neutron Übersicht

Odyssey

Die Vorlage dieses Synths, der Arp Odyssey, wurde damals als Gegenentwurf zum populären Minimoog auf den Markt gebracht. Sein roher und fetter Klang geht in eine aggressivere Richtung als Moog und seine zahlreichen Routing-Möglichkeiten lassen auch tiefere Klangexperimente zu.

Das ist beim Behringer Odyssey nicht anders, wenngleich dieser im Vergleich zum Original etwas weniger Schub mitbringt. Aber es ist immer noch mehr als ausreichend, um Wände wackeln zu lassen. Wie schon beim Original bezahlt man die erweiterten Sounddesign-Optionen mit dem Suchen nach Sweetspots. Im Gegensatz etwa zu einem Model-D oder MS-1 kann man hier schneller falsch abbiegen und klangliche Grütze erhalten.

Wenn man den Grundklang und vor allem die Routings einmal verinnerlicht hat, schraubt man sich schnell hämmernde EBM-Bässe, experimentelle Sounds oder Sync-Leads zusammen. Ebenso erzeugt der Odyssey auch analoge Percussion und FX überzeugend – dank schneller Hüllkurven, FM, RM sowie Noise.

Behringer Odyssey Übersicht

Behringer Pro-1

Ebenfalls ein unbestrittener Klassiker ist Sequential Circuits Pro One. Allerdings gab es von diesem – im Gegensatz zum Minimoog – lange Zeit keine wirkliche Alternative auf dem Markt. Gleichzeitig schossen die Gebrauchtmarktpreise in die Höhe, und vollständig intakte Exemplare zu finden, war auch eher Glückssache.

Umso mehr freuten sich viele über die Nachricht, dass sich Behringer mit dem Pro-1 nun diesem Klassiker angenommen hatte. Zwar ging bis zur Veröffentlichung einige Zeit ins Land, aber das Warten lohnte sich. Denn der Pro-1 klingt fantastisch: Zackige Hüllkurven, fest zupackende Filter und ein kräftiger Analogsound, für den der Pro-1 (nicht nur) in Techno- und Industrialkreisen so beliebt war.

Als Bonus stattete Behringer den Pro-1 noch mit einer kleinen Patchbay und Duofonie aus. Letztere ist dann besonders spannend, wenn man sie mit Sync und dem Sequencer kombinert. –> Zum Behringer Pro-1 Test

Behringer Pro-1 Übersicht

Behringer Proton

Quasi als Schwestermodell zum Neutron wurde der Proton mit einer umfangreichen Soundengine ausgestattet. Neben zwei Multimodefiltern, vier Envelopes und zwei LFOs mit unterschiedlichen Schwingungsformen besitzt der Proton zwei VCOs, jeweils mit eigenem Suboszillator.

Hinzu kommen Sync, FM und ein Wavefolder, um den Klang bereits auf dieser Ebene stark zu beeinflussen. Experimentierfreudige erwartet eine vielseitige Modulationsmatrix. Leider wurde auf einen richtigen Mixer verzichtet und so lassen sich die Oszillatoren nicht komplett aus dem Signalpfad entfernen. Da das Filter zudem recht heiß angefahren wird, muss man entweder mit einem recht schmutzigen Fuzz-Overdrive leben. Oder man nutzt den Abschwächer in der Modulationsmatrix, um dieses Problem zu umgehen.

Insgesamt ist der Behringer Proton ein spannendes Gesamtpaket für alle, die sich auch mit modularer Synthese auseinander setzen möchten, ohne dafür aber gleich einen Kredit aufzunehmen. Klanglich besitzt der Proton viel Charakter, den man allerdings auch mögen muss.

Behringer Proton Übersicht

Behringer Syncussion SY-1

Beim Syncussion SY-1 knöpft sich Behringer einen Klassiker der elektronischen Musik vor. Der Drum Synthesizer bietet zwei unabhängige Klangerzeugungs-Stränge mit überraschend flexiblem Klang. Dank seines durchsetzungsfähigen Sounds wurde der originale Pearl SY-1 in den 90ern viel im IDM und Techno eingesetzt.

Mit einem Preis von unter 200 € und einer überraschend flexiblen Klangerzeugung ist der Behringer Syncussion SY-1 eine tolle Ergänzung im elektronischen Musikhaushalt.

(zum Behringer Syncussion SY-1 Test)

Behringer Syncussion SY-1 Übersicht

Behringer Spice

Funktional angelehnt an das Subharmonicon von Moog, handelt es sich beim Behringer Spice um einen semimodularen Analogsynth. Besonders beim Spice sind die zwei internen 4-Step-Sequencer, mit denen man polymetrisch die VCOs und / oder deren Suboszillatoren ansteuern kann.

Im direkten Vergleich mit der Originalvorlage klingt der Spice etwas obertonreicher und damit weniger Vintage. Trotzdem kann man mit ihm gut erforschen, ob einem der experimentelle Ansatz des Subharmonicons liegt. Denn die grundsätzliche Frage ist hier, ob man sich den Synth wegen der Klangerzeugung oder eben wegen der Besonderheiten des Sequencers anschafft. Ist ersteres der Fall, würde ich eher zu einer Kombination aus Edge und Crave raten, die klanglich einfach flexibler ist.

Behringer Spice Übersicht

Behringer TD-3

Acid und andere Spielarten elektronischer Musik wurden maßgeblich durch den Sound der Roland TB-303 beeinflusst. Und mit steigenden Gebrauchtmarktpreisen kamen auch immer mehr TB-303-Clones hervor.

Ich denke, zu der TB-303 von Roland muss man nicht zu viel sagen. Wahrscheinlich ist die 303 auch einer der am häufigsten gecloneten Synths der letzten zwanzig Jahre (die besten 303-Clones im Vergleich). Also überrascht es nicht, dass es auch unter den Behringer Synths eine Version gibt, bzw. sogar gleich zwei.

Behringers TD-3 ist einer davon und er macht dabei eine sehr ordentliche Figur. Ob die TD-3 nun das allerletzte Quäntchen Authentizität liefert, muss jeder für sich entscheiden. Beziehungsweise hängt das auch immer ein wenig ab, welche originale 303 man gerade vor sich hat.

Im Verlgeich zu anderen TB-303-Clones fand ich bei der TD-3 gut, dass sowohl das leichte Rauschen im Attack vorhanden sind, als auch die etwas stärkere Resonanz. Im Gegensatz zu einem TT-303 Bass Bot von Cyclone zwitschert die TD-3 von Behringer auch ordentlich, was sich im 303-Overkill-Studio sogar sehr gut ergänzt.

Behringer TD-3 Übersicht

Behringer TD-3 MO

Neben der TD-3 hat Behringer noch einen 303-Clone auf den Markt gebracht, der sich vor allem die Devilfish-Mod zum Vorbild nahm (zum Behringer TD-3 MO Test). Die Behringer TD-3 MO erledigt den Job augenscheinlich gut und ist zu dem Preis echt attraktiv. Allerdings muss ich gestehen, dass ich die Devilfish nur für zwei Wochen im Studio hatte und das auch schon über fünf Jahre zurückliegt.

Wenn man sich dann noch vor Augen führt, dass es Behringers TD-3 MO nahezu zum PlugIn-Preis gibt, kann man nichts mehr sagen. Wer Acid-Sound mag, sollte hier zuschlagen; und sei es nur, um eine weitere 303-Farbe im Studio zu haben.

Behringer TD-3 MO Übersicht

Behringer WASP Deluxe

Der originale WASP von EDP war nicht gerade bekannt für seinen fetten Sound oder hochwertige Bauteile. Trotzdem schaffte es EDP, sich mit einem außergewöhnlichen Design, Billigbauteilen und noch ungewöhnlicherem Sound ein Synthdenkmal zu setzen.
Und so liefert auch der WASP Deluxe einen sehr eigenwilligen Sound, den man entweder hasst oder liebt.

Besonders das Filter ist hier eine spannende Komponente, denn mit zunehmender Resonanz bricht das Signal förmlich in sich zusammen und wird immer schmutziger. Persönlich fand ich diesen Effekt beim Doepfer-Wasp-Filter fürs Eurorack Modularsystem noch extremer (und damit für mich besser).

Der WASP Deluxe ist weder besonders fett, noch hat er seidige Höhen, und klingt auch ansonsten eher quäkig. Aber wer einen Synth mit viel Charakter sucht der die Moog-Roland-Alltagkost ergänzt, sollte sich den WASP Deluxe mal näher ansehen.

WASP Deluxe Übersicht

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Der zweite Ansatz richtet sich an alle, die beim Produzieren auf einen Computer verzichten wollen. Hierbei gehe ich von zwei unterschiedlichen Budgets aus: einmal Low-Budget und einmal Mid-Budget. Beide Setups versetzen dich in die Lage, komplett ohne Computer Tracks zu erstellen. Selbstverständlich lassen sich beide Varianten, „Computer-only“ und „Hardware-only“, problemlos miteinander kombinieren, was im Großteil der Studios auch genauso gehandhabt wird.

Elektronische Musik mit dem Computer produzieren ohne viel Geld auszugeben

Ein halbwegs aktueller Rechner steht in den meisten Haushalten. Wenn man etwas auf den Leistungsbedarf der Software-Instrumente und -Effekte achtet, kommen selbst betagte Computern nicht so schnell an ihre Grenzen.

Ein Tipp am Rande: Möchte man auf ein bestimmtes PlugIn partout nicht verzichten, empfiehlt es sich zu prüfen, ob sich die interne Sample-Rate heruntersetzen lässt. Bei PlugIns von Native Instruments geschieht dies zum Beispiel über die Einstellungen. U-He wiederum bietet etwa bei der diva oder beim Repro-1 einen HQ-Modus an, der sich bei Bedarf deaktivieren lässt. In vielen Fällen reichen 48 kHz aus und man kann die Standardeinstellung von 96 kHz entsprechend halbieren. Das führt zu einer geringeren Prozessorauslastung.

Welche Grundausstattung für elektronische Musik mit dem Computer?

Insofern ist die Empfehlung in diesem Fall recht einfach: Eine solide Grundausstattung hat man bereits, indem man in ein besseres Audio-Interface inklusive DAW investiert. Zwar reicht für die allerersten Schritte meistens die interne Soundkarte. Allerdings müsste auch in diesem Fall früher oder später eine DAW (Software zum Produzieren von Musik wie z.B. Ableton oder Bitwig) angeschafft werden. Preislich nehmen sich Lite-Version und Soundkarte nicht viel, und letztere liefern häufig eine Lite-Version von DAWs gleich mit. Warum also doppelt investieren?

Ich empfehle gerne die Scarlett-Serie von Focusrite, da diese neben vernünftigen Wandlern und Treibern bereits ein attraktives Software-Angebot für den Start mitbringt. Unter anderem umfasst das Paket eine leistungsfähige Einsteigerversion von Ableton Live (Lite), Samples, sowie ein paar gute PlugIns zur Sound-Bearbeitung. Zusätzlich benötigt ihr dann nur noch Monitorboxen und / oder gute Studiokopfhörer und ihr könnt mit dem Produzieren starten.

Ist das Budget anfangs sehr begrenzt, rate ich erstmal dazu nur gute Kopfhörer zu nutzen, statt Monitorboxen anzuschaffen. Vernünftige Modelle gibt es bei den Kopfhörern ab 130 €, selbst mäßig gute Studiomonitore sind zu dem Preis schlichtweg nicht drin.

Für die übrigen rund 120 € könnte man sich nun noch einen USB-MIDI-Controller zulegen, der das Musik machen zum einen ziemlich sicher beschleunigt. Zum anderen ist es schlicht angenehmer, Drums und Melodien einzuspielen statt sie mit der Mouse einzuzeichnen. Das Launchkey von Novation liegt genau in unserem Budget. Mit 25 Minitasten, Pads und Drehreglern ist der Controller flexibel einsetzbar. Mit Ableton Live Lite und Softube-Effekten ist zudem ein gutes Software-Paket für den Start mit dabei.

Techno produzieren ohne Computer und ohne dabei viel Geld auszugeben

Die zweite Variante richtet sich an alle, die komplett auf einen Computer verzichten wollen. Sei es, weil man ohnehin den ganzen Tag vor dem Bildschirm sitzt, man die Arbeit mit einem Computer als umkreativ empfindet, oder sich das Ziel gesetzt hat, Live-Auftritte nur mit Hardware-Geräten zu bestreiten.

Einzelne Hardware-Instrumente müssen im Gegensatz zu einem Computer erst einmal angeschafft werden, wodurch erstmal höhere Anschaffungskosten entstehen. In diesem Fall ist die Flexibilität der Empfehlungen daher etwas eingeschränkter und ich beschränke mich auf zwei Szenarien: a) ein Low-Budget-Setup, für das maximal 400 € zur Verfügung steht und b) ein Mid-Budget, für das uns 1000 € zur Verfügung stehen.

a) Techno produzieren mit Minimal-Equipment für unter 400 €

Für dieses Setup legen wir unser maximales Budget auf 400 € fest. Zusätzlich wollen wir ohne einen Computer produzieren, so dass sich unsere Auswahl auf Hardware-Klangerzeuger beschränkt. Unser Setup muss in erster Linie in der Lage sein, ausreichend Drums wiederzugeben und idealerweise auch die ein oder andere Synth-Spur bereitstellen.

Öffnen wir uns zudem dem Gebrauchtmarkt wäre meine Top-Kombination wohl ein Novation Circuit (rund 200-220 € gebraucht), ein kleiner Mixer (rund 40 -50 €), sowie ein weiterer Analogsynthesizer für Bässe.

Da wir noch rund 130 – 150 € übrig haben, ist die Auswahl begrenzt. Möglich wären der semimodulare Crave von Behringer, der neben einem ausgezeichneten Klang auch über einen internen Sequencer verfügt, sowie die Volca-Serie von Korg.

Allen voran würde ich hier Volca-Bass und Volca Modular sehen. Beide sind gebraucht für unter 150 € zu haben, klingen gut und bieten einen internen Sequencer. Volca Modular ist sicherlich etwas frickelig in der Bedienung. Durch den West-Coast-Ansatz ist dieser Synth aber ein Garant für schmutzige, düstere Bässe mit ordentlich Experimentierpotential.

Sollen Acid-Elemente mit einfließen, ist auch der TD-3 (oder Behringer TD-3 MO) von Behringer eine klare Empfehlung. Den TB 303 Clone gibt es gebraucht mittlerweile hin und wieder für unter 80 €.

Beim Mischpult würde ich mich auf dem Gebrauchtmarkt nach einem Modell von Mackie, Allen & Heath oder Yamaha umsehen. Kleinmixer werden einem förmlich hinterhergeworfen. Und da die Preise der besseren Modelle sich auch nicht mehr so sehr von den Mitbewerbern Behringer und Alto Pro unterscheiden, würde ich klar die oben genannten Marken vorziehen.

b) Techno produzieren mit mittlerem Budget

In unserem dritten Szenario verfügen wir über ein Budget von rund 1000 €, mit dem sich schon einiges anfangen lässt. Hier ist es schon schwerer, die eine perfekte Kombi zu empfehlen. Ich habe daher vier Ausgangszenarien skizziert, die für sich schon sehr gut funktionieren, gerne aber dem eigenen Geschmack angepasst werden sollten.

Ganz klassisch: Roland TR-8 plus ein, zwei Synthesizer

Fangen wir mit dem wohl direktestem Konzept an: Rolands TR-8 Drum Machine vereint eine Vielzahl der Drum-Klassiker in einem Gerät und erweitert diese mit erweiterten Möglichkeiten fürs Sounddesign. Die Farbgebung in Giftgrün mag nicht jeden Geschmack treffen. Dafür überzeugt die TR-8 mit sehr intuitivem Live-Sequencing und Club-tauglichem Sound direkt aus dem Gerät. Die Fader zur Einstellung der Lautstärke sind gerade live ein echter Segen, da man mehrere Kanäle auf einmal ein- und ausfallen kann. Probiert das mal mit Potis.

Rolands TR-Serie hat die Entwicklung elektronischer Musik maßgeblich beeinflusst. Wer sich die TR-Sounds ins Studio holen möchte, macht mit der Anschaffung einer TR-8 nichts verkehrt. Soll es etwas mehr sein, ist die größere Variante Roland TR-8S eine Überlegung wert. Diese bietet die Klangerzeugung der TR-8 und erweitert diese noch um die Möglichkeit, eigene Samples zu nutzen.

Einen Synthesizer sollte man sich noch dazustellen

Mit der TR-8 deckt ihr die Drum-Sektion eures Setups bereits gut ab. Techno produzieren ist damit alleine allerdings unspektakulär, wenn man nicht gerade Jeff Mills heißt. Zur Erstellung von Melodien, Bassläufen oder atmosphärischen Klängen benötigt man noch ein bis zwei Synths. Und da beide TR-8 und TR-8S keinen internen Sequencer zur Ansteuerung externen Instrumente bieten, müsst ihr entweder live spielen oder auf Synthesizer mit internem Sequencer setzen. Eine gute Ergänzung wäre sicherlich eine Novation Bass Station 2.

Zusätzlich sollte ein Synthesizer für Flächen und Atmos am Start sein. Bei polyphonen Synthesizern wird die Auswahl schnell dünn, wenn man auf das Budget achten muss. Daher würde ich hier von vornherein auf eine digitale Lösung setzen, die meistens günstiger zu bekommen ist.

Für den Preis fast unschlagbar liefert der Roland AIRA S-1 Tweak Synth einen guten Sound im praktischen Jackentaschenformat. Der Roland S-1 verfügt über eine überraschend umfangreiche Klangerzeugung, die einerseits den klassischen Roland SH-101 abdeckt, andererseits auf Oszillatorenebene noch ein gutes Stück weiterreicht.

Hinzu kommt vierfache Polyfonie, eine gut klingende Effektsektion und ein interner Sequencer inklusive Motionrecording. So bekommt ihr neben klassischen Analogbässen – und Leads auch warme Pad-Sounds, Dub Chords und Drones mit ins DAW-less Setup, ohne viel Reisegepäck einplanen zu müssen.

All-in-a-Box mit Akai Pro MPC One MKII

Die MPC-Serie von Akai Pro muss man nach über 30 Jahren Bestehen eigentlich nicht mehr großartig vorstellen. Die Kombination aus Sampler, Sequencer und guten Pads zum Live spielen war in etlichen Produktionen zu hören.

Vor der Generation um Live, One und X erlebten MPC-User eine ernüchternde Software-Controller-Durststrecke, die sicherlich nicht besser wurde, als Akai mit dem Rhythm Wolf ihren ersten analogen Drumcomputer vorstellte. Diese Eskapaden führten am Ende allerdings zur MPC One, die ich in dieser Liste ebenfalls nennen möchte.

MPC One bietet flexible Möglichkeiten, Samples zu verbiegen und zeichnet sich durch einen druckvollen Sound aus, hochwertige Samples natürlich vorausgesetzt. Das große Touch-Display erleichtert einem die gezielte Soundbearbeitung, neigt aber dazu, bei höherer Luftfeuchtigkeit nicht immer zuverlässig zu reagieren. Dafür überdachte Akai zum Glück die Menüführung und spendierte wichtigen Parametern dedizierte Taster auf der Oberfläche, die vorher noch vergraben in Untermenüs lagen.

Glücklicherweise verfügt die MPC One noch über drei vollwertige Klangerzeuger: Ein E-Piano, ein VA-Röhrensynth,. eine Bassline und es kommen immer mehr hinzu.

Damit ist man für die meisten Anwendungen schon exzellent gerüstet und Techno produzieren kann man damit natürlich auch. Sollte ein weiterer Synth ins Setup integriert werden, liefert die MPC neben zwei Eingänge auch genug Möglichkeiten ihn via MIDI oder CV perfekt einzubinden. Im Vergleich zu den größeren Modellen verfügt MPC One mit rund 750 € über das beste Preis-Leistungsverhältnis. Schade nur, dass der interne Akku der MPC Live hier nicht dabei ist.

Für Frickler: Elektron Digitone II und Elektron Model:Samples

Zugegebenermaßen bin ich ein großer Fan von Elektron-Produkten. Nur wenige Geräte auf dem Markt bieten so einen Funktionsumfang bei gleichzeitig Live-tauglicher Bedienung. Für ein mittleres Budget empfehle ich eine Kombination aus Digitone II und Model:Samples. Dadurch erhält man umfangreichen Synthesemöglichkeiten und einen intuitiven Sample-Sequencer.

Hin und wieder wird der Digitone als reiner FM-Synthesizer gesehen, was nicht zutrifft. Vielmehr vereint er 4OP-FM, Waveshaping auf Oszillatorebene und klassische subtraktive Synthese. Dadurch lassen sich mit dem Synthesizer auch typische Analogsounds problemlos umsetzen.

Ein weiterer Vorteil sind die externen Eingänge beim Digitone sowie die zusätzlichen MIDI-Spuren, um externe Instrumente anzusteuern. Model:Samples ließe sich somit direkt durch den Digitone schleifen, wodurch ein zusätzliches Mischpult live nicht zwingend notwendig ist. Möchtet ihr später euer Set doch einmal in einem Computer aufnehmen, könnt ihr den Digitone zudem als gutes Audio-Interface verwenden. Diese Kombination gibt es neu für knapp 1000 €, bei Gebrauchtkauf wäre sogar noch ein weiterer Synthesizer oder ein kleiner Mixer drin.

Die Nerdlösung: Polyend Tracker Mini + Analogsynth

Für die Nerds unter uns ist der Tracker Mini von Polyend sicherlich ein spannender Kandidat. Polyend vereint in dem Tracker Mini Sampler, Granularsynth und Sequencer in Form eines Trackers. Ältere Jahrgänge kennen das Prinzip vielleicht noch von ihren ersten musikalischen Gehversuchen am C-64 oder Amiga.

Bei einem Tracker Mini laufen die Sequenzen von oben nach unten in mehreren Spuren in einzelnen Schritten herunter. Jedem Schritt lässt sich ein Sample, eine Note, Anschlagdynamik und andere CC-Werte zuweisen. Das Prinzip scheint auf den ersten Blick etwas in die Jahre gekommen, bietet aber für elektronische Musik einen einzigartigen Ansatz. Dieser bringt einen mitunter sogar direkter zum Ziel, als Lauflicht-Sequencer.

Besonders empfehlenswert ist ein Tracker Mini meiner Meinung nach, wenn man viel mit Samples arbeitet und diese schnell in einer Spur austauschen möchte. Das mag einer der Gründe sein, warum man Tracker in den Genres IDM, Ambient oder Drum and Bass recht häufig sieht. Techno produzieren kann man mit dem Tracker natürlich auch.

Auch beim Tracker Mini sollte ein weiterer Hardware-Synth eingeplant werden. Zwar bietet Tracker Mini mit seiner flexiblen Sample-Engine ausreichend Möglichkeiten, Flächen, Atmos oder Bässe abzuspielen. Für den Spaßfaktor ist ein Synthesizer mit vielen Reglern eine Bereicherung im Setup. Einen Sequencer muss dieser nicht zwingend haben, da Tracker auch externe MIDI-Geräte ansteuern kann. Bei rund 700 € Anschaffungspreis ist dafür zu unserer 1000 €-Grenze glücklicherweise noch Platz nach oben.

Techno produzieren im Budgetstudio – Fazit

Für welche Lösung ihr euch auch entscheidet – mit den hier vorgeschlagenen Setups könnt ihr auf jeden Fall arbeiten. Mit der Zeit findet ihr dann den perfekten Workflow für euch.

Ihr wollt ohne DAW elektronische Musik produzieren? Dann könnte der Artikel die besten Grooveboxen für Techno, Ambient und House etwas für euch sein.

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Ein wichtiger, aber oft übersehener Bestandteil eines DAW-basierten Studios sind externe Festplatten. Sei es für die Verwaltung oder Mitnahme von großen Sample-Libraries, Recording-Sessions, oder als Datenträger für Videoaufnahmen. Dabei ist es gar nicht schwer, gute Lösungen zu finden. Das sind die besten externen Festplatten und SSDs für die Musikproduktion und Video-Bearbeitung.

Worauf sollte man bei einer externen Festplatte für die Musikproduktion achten?

• Speicherplatz (4 TB oder mehr)
• Geschwindigkeit: HDD vs SSD
• Anschlüsse (USB-C-Anschluss)
• Energieverbrauch
• Robustheit (IP55-Schutz) und Langlebigkeit
• Formatierung APFS vs ExFat

Speicherplatz

Die meisten HDD (mechanische Festplatten) und SSDs gibt es in Größen von 500 GB bis 8TB und teilweise mehr. Während für die meisten Datensicherungen 1-2 TB reichen, kommen bei Musikproduktion, Sample-Librarien und Videoprojekten schnell größere Datenmengen zusammen. Um eine längere Zeit entspannt zu arbeiten, empfehle ich daher eine Größe von mindestens 4 TB.

Geschwindigkeit

Der nächste wichtige Faktor ist die Geschwindigkeit der Festplatte. Genau genommen unterscheidet man hier noch einmal in Lese-/und Schreibgeschwindigkeit. Bei der Musik- oder Videoproduktion sind beide Faktoren relevant.

Verwendet man man zum Beispiel viel Diskstreaming, wird eine externe Festplatte schnell mal zum Nadelöhr, wenn die Lesegeschwindigkeit nicht ausreicht. Fürs Aufzeichnen mehrerer hoch aufgelöster Audiospuren oder Videos ist eine hohe Schreibgeschwindigkeit ein doppelter Boden, um keine Disk-Drop-Outs zu kassieren. Zwar dauert es bei Audioaufnahmen eine Zeit, bis man diesen Punkt mit aktuellen HD oder langsameren SSDs erreicht. Trotzdem würde ich auch hier auf Nummer sicher gehen und bei SSDs auf mindestens 1000 mb/s (Lesen / Schreiben) setzen.

Anschlüsse

Die meisten SSD Festplatten auf dem Markt sind mittlerweile mit einem USB-C-3.2 (Gen2)-Anschluss erhältlich. Daher reicht beim Kauf ein kurzer Blick auf die Specs, um absolut sicher zu sein, um welchen Typ es sich handelt.

Dabei sei noch erwähnt, dass ein USB-C-Anschluss nicht immer gleichzusetzen ist mit einer hohen Datentransferrate. Hier wird zusätzlich noch unterschieden zwischen USB 3.0 / 3.1 und 3.2. Zwar ist ist auch USB 3.0 mit Datentransferraten von 5 Gbit/s ausreichend schnell für die meisten Audioprojekte. Sobald aber Streaming von großen Sample-Libraries, Video- oder hoch aufgelöste Mehrspuraufnahmen mit ins Spiel kommen, sind Festplatten mit USB-C / 3.2 empfehlenswert, das Datentransferraten von bis zu 20 Gbit/s erlaubt.

USB-C ist einerseits zukunftssicherer, andererseits spart ihr euch die Anschaffung von Adapterkabeln oder -steckern, wenn ihr die Festplatte an einem aktuellen Macbook oder Tablet betreibt, oder mit dem Smartphone Videoaufnahmen machen wollt. Preise für Adapter sind überschaubar, aber sich die elendige Sucherei in der Kabelkiste zu ersparen ist unbezahlbar.

Bei den mechanischen, externen HDDs ist die Situation etwas anders. Da diese Festplatten systembedingt ohnehin nicht die hohen Geschwindikeiten einer SSD erreichen, spielt der Anschluss hier keine große Rolle. Trotzdem ist es praktisch, wenn man auch hier keine speziellen Kabel oder Adapter benötigt und ebenfalls auf den USB-C-Standard setzt.

Energieverbrauch

Im Dauereinsatz im Studio ist der (ohnehin schon geringe) Energieverbrauch einer externen Festplatte kein Thema. Im mobilen Recording-Einsatz kann jedoch jede Komponente relevant werden, die Energie zieht.

Wie gesagt, wir reden hier über Nuancen. Aber da sich schon die Performance-hungrige Video- und Mehrspuraufnahme reichlich Energie aus dem Akku holt, wäre das ein Faktor, den man zumindest auf dem Schirm haben sollte.

Robustheit und Zuverlässigkeit im Dauereinsatz

Wer Musik und Videos produziert, stellt hohe Ansprüche an die Zuverlässigkeit und Robustheit einer Festplatte. Gerade wenn man viel unterwegs ist, sollte man auf gut geschützte Modelle setzen. Manche Hersteller wie Samsung bieten spezielle Varianten ihrer Modelle an, bei denen ein gummiertes Gehäuse zusätzlichem Schutz bietet und Verrutschen verhindert. Spritzwasserschutz ist ebenfalls eine gute Sache, wenn ihr Getränke in der Nähe des Rechners aufstellt, oder Regen in euren Rucksack dringt.

Zuverlässigkeit im Dauereinsatz ist bei Festplatten natürlich immer so eine Sache. Denn wie alle technischen Geräte nutzen sich auch Festplatten mit der Zeit ab, je häufiger und intensiver man damit arbeitet. Das dürfte auch einer der Hauptgründe sein, warum man bei der Anschaffung nicht auf billige Alternativen setzen sollte. Zudem sollte man auch regelmäßige Backups seiner wichtigen Daten machen.

Wer ganz sicher gehen will, sichert seine Daten also regelmäßig auf einer Backup-Festplatte. Hierfür riecht eine mechanische Festplatte allemal.

Formatierung: APFS vs. exFAT

Bevor wir zu den Kaufempfehlungen kommen, noch ein kurzer Tipp zur Formatierung. Manchmal steht in der beschreibung, dass die Festplatte „perfekt für Mac, iOS, Xbox“ etc. ist. Das könnt ihr eigentlich ignorieren, denn das Formatieren der Festplatte könnt ihr auch selbst mit den entsprechenden Apps erledigen. Für den Betrieb einer SSD am Mac empfehle ich auf APFS zu setzen.

Wenn ihr hingegen häufig Daten zwischen Mac und Windows transportieren müsst, solltet ihr auf maximale Kompatibilität achten. Datenträger, die als exFAT formatiert sind, werden von beiden Systemen unterstützt.

Das sind die besten SSDs und Festplatten für die Musikproduktion – Kaufempfehlungen

Damit kommen wir zu den konkreten Kaufempfehlungen. Für Musik- und Videoanwendungen empfehle ich grundsätzlich SSDs. Hier ist genügend Performance vorhanden, damit die Festplatte im Studiobetrieb nicht zum Nadelöhr wird.

Crucial X10 Pro: Schnelle Festplatte für die Musikproduktion

Mit Geschwindigkeiten von bis zu 2100MB/s Lesen und 2000MB/s Schreiben gehört die Crucial X10 Pro derzeit zu den schnellsten SSDs auf dem Markt. Hinzu kommt ein iP55 Staub- und Spritzwasserschutz, sowie eine angegebene Fallsicherheit aus zwei Metern. Das würde ich zwar niemals freiwillig ausprobieren, aber nett, dass es zumindest auf dem Papier gewährleistet ist.

Was ich aber aus der Praxis bestätigen kann ist, dass es sich bei der Crucial X10 Pro um eine extrem performante SSD handelt. Hiermit lassen sich selbst größere Videoprojekte in 4K und mehr problemlos stemmen. Ganz zu schweigen vom blitzschnellen Sample-Streaming größerer Libraries oder dem Datentransfer größerer Backups.

Und so könnte ich diese Liste mit der Empfehlung der Crucial X10 Pro eigentlich schon abschließen, wenn es nicht immer wieder auch gute Angebote von alternativen SSDs gäbe.

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Samsung Portable SSD T9 4TB: Alternative zur Crucial X10 Pro

Und damit komme ich zur nächsten Variante. Ebenfalls mit beeindruckenden Daten schickt Samsung die portable SSD T9 mit 4 TB ins Rennen. In der Regel liegt die Crucial X10 Pro in der 4 Terabyte Version preislich ein gutes Stück unter der Samsung-Variante. Trotzdem solltet ihr gerade bei Black Friday oder Prime-Day-Angeboten diese SSD im Auge behalten.

Denn mit Geschwindigkeiten von bis zu 2.000 MB/s Lesen, 2.000 MB/s Schreiben eignet sich diese SSD perfekt für komplexe Videoproduktionen in 4K (und mehr), sowie für große Libraries, die per Disk-Streaming wiedergegeben werden sollen.

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Samsung Portable SSD T7 Shield: Für unterwegs

Wenn es etwas langsamer zugehen darf, euch aber ein robustes und rutschfestes Gehäuse wichtig ist, könnt ihr auch gut zur Samsung Portable SSD T7 Shield greifen. Diese war gemeinsam mit der normalen Variante SSD T7 bei mir mehrere Jahre im Einsatz und hat auch Videoprojekte und Musikproduktionen problemlos gemeistert.

Zwar liefert die Crucial X10 Pro noch einmal einen wahrnehmbaren Performance-Schub, für die meisten Projekte sind aber auch die T7-Varianten mehr als ausreichend. Wer also etwas Geld sparen möchte, sollte hier auf gute Angebote (220-270 €) warten.

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Mechanische Festplatten HDDs: Perfekt für Backups und kleinere Sample-Libraries

Nach den SSDs möchte ich noch kurz auf mechanische Festplatten (HDD) eingehen. Da schnelle und große SSDs mittlerweile in erschwingliche Preisregionen vorgedrungen sind, sind mechanische Festplatten bestenfalls zweite Wahl, wenn man vorhat, sie intensiv in der Musikproduktion einzusetzen.

Dennoch spielen sie nachwievor eine wichtige Rolle im Studio-Kosmos. So sind sie die perfekte Lösung für Backups oder kleine Projekte. Mein Workflow ist meistens so, dass ich die Video- (Audio)bearbeitung erst auf einer SSD mache. Nach dem Export sichere ich das finale Final Cut-Projekt inklusive aller Daten auf einer großen, mechanischen Festplatte und anschließend das Projekt von der SSD lösche. Das schafft einerseits Platz auf dem teuren Datenträger und andererseits habe ich immer noch Zugriff auf das komplette Projekt. Als zuverlässige Lösungen kann ich diese Modelle empfehlen:

Western Digital My Passport: 6TB für Backups

Viel Speicher, ausreichend schnell und auch über mehrere Jahre hinweg zuverlässig: Festplatten von Western Digital sind ein guter Standard, wenn man eine überzeugende Backup-Lösung sucht, die auch das Budget nicht sprengt. Abstriche macht man hier bei der maximalen Schreibgeschwindigkeit von 60 MB/s und der Notwendigkeit, den mitgelieferten USB-C-Adapter zu nutzen.

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Seagate Ultra Touch HDD 5TB

Mit 5 TB liegt diese Variante der Seagate Ultra Touch zwar unter den Möglichkeiten der Western Digital. Dafür bringt sie neben dem USB 3.0 Standard ebenfalls eine USB-C-Schnittstelle mit. Dadurch ist sie mit den meisten Endgeräten auch in den nächsten Jahren noch kompatibel. Die Schreibgeschwindigkeit von 120 MB/s ist guter Standard, und auch für den Dauereinsatz als Backup-Medium sind Modelle von Seagate ein verlässlicher Partner.

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Fazit: Die besten Festplatten und SSDs für die Musikproduktion

Mein Favorit aus dieser Liste ist klar die Crucial X10 Pro, da sie nicht nur überzeugend schnell ist, sondern auch das beste Preis-/Leistungsverhältnis bei den SSDs aufweist. Trotzdem rate ich, immer wieder mal nach Angeboten zu gucken. Denn auch die Samsung SSDs sind perfekt für die Musikproduktion geeignet, selbst die älteren T7-Modelle.

Am besten ist, ihr schafft euch direkt zwei Festplatten an: eine schnelle SSD für die Musikproduktion und eine weitere HDD zur Datensicherung. Denn für reine Backup-Anwendungen sind SSDs einfach zu teuer. Und sobald ihr eure Projekte finalisiert habt, könnt ihr die Daten einfach auf der günstigeren Festplatte sichern.

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Welche Features sollten Reverb Pedale für Synthesizer haben?

• Stereo Ein- und Ausgänge
• Regler zur Echtzeitsteuerung der Parameter
• Flexible Ausstattung inklusive mehrerer Hall-Varianten
• True Bypass, damit das Audiosignal auch bei ausgeschaltetem Effekt ohne Verluste durchgeschliffen wird

Sehen wir uns also an, welche Reverb-Pedale sich besonders für den Einsatz mit Synthesizern eignen.

Source Audio Ventris Dual Reverb

Die Pole Position bekommt Source Audio mit dem Ventris Dual Reverb, auch wenn die Abstände im Spitzensegment sehr eng sind. Das Effekt-Pedal überzeugt durch hervorragenden Klang, direkten Zugriff und solider Verarbeitung. Richtig besonders wird es aber durch die versteckten Optionen. Denn in seinem Inneren schlummern gleich zwei Halleffekte, die sich wahlweise einzeln oder parallel betreiben, und somit zu außergewöhnlichen Hallräumen schichten lassen. Eine Kombination aus Federhall und Shimmer-Reverb? Das ist mit dem Source Audio Ventris kein Problem.

Und für Sounddesigner hat Source Audio noch an ein weiteres Extra gedacht: Mit der Neuro App lassen sich die Effekte umfangreich editieren und abspeichern. Über diese App steht noch einmal eine Vielzahl an Parametern zur Verfügung, an die man nicht direkt über das Pedal gelangt. Die App gibt es als Desktop- und iPhone-Version. Eine sehr runde Sache mit großartigem Klang: perfekt für Ambient, Techno und andere elektronische Musik!

Strymon Big Sky

Seit der Markteinführung 2013 hat sich das Big Sky von Strymon zum Quasistandard für Ambient und Chillout entwickelt. Und das aus gutem Grund: Denn das hervorragend verarbeitete Effektpedal liefert nicht nur die beliebten Shimmer-Reverbs. Der flexible Klang, der auch außergewöhnliche Hallvarianten umfasst, legt sich wie Seide um Synthesizer-Sounds. Egal was man da hereinschickt, es klingt eigentlich immer gut.

Allerdings ist das meiner Meinung nach auch der größte Kritikpunkt am Big Sky: Es hat einen starken Eigencharakter, sodass man es schnell aus einem Mix heraushört. Wenn man diesen Sound mag, ist das Big Sky von Strymon aber eine uneingeschränkte Kaufempfehlung.

Eine etwas günstigere Alternative für alle, die den Strymon-Sound suchen, aber kein Geld für ein Big Sky haben, könnte das Cloudburst Reverb sein. Das Cloudburst ist von der Feature-Anzahl zwar stark abgespeckt, liefert aber dennoch den typischen Shimmer-Sound, eine gute Bedienung und solide Verarbeitung.

Hier geht es zum Strymon Cloudburst Test

Meris Mercury X: Reverb-Modularsystem in Pedalform

Mit seinen hervorragenden Hall- und Raum-Algorithmen wird der Mercury X dem Hype definitiv gerecht. Das flexible Mercury X ist ein All-in-One Reverb Pedal für Synthesizer mit einem wahnsinnig guten Sound.

Der Mercury X ist nicht gerade günstig, aber dank seiner Flexibilität kann dieses Effektpedal mehrere andere Effektgeräte in deinem Setup ersetzen. Allerdings hat diese Flexibilität ihren Preis: Wer mit dem Mercury X tief ins Sounddesign einsteigen möchten, wird sich früher oder später durch zahlreiche Menüs hangeln müssen. Die sind zwar relativ logisch aufgebaut, richtig Spaß macht es trotzdem nicht. Falls ihr ohnehin vorhabt, das Reverb Pedal im Studio einzusetzen, könnt ihr es bei Bedarf aber auch bequem über den kostenlosen Editor programmieren.

GFI Specular Tempus Reverb & Delay

Das Specular Tempus Reverb & Delay Effektpedal ist ein echter Geheimtipp für die Nutzung mit Synthesizern. Glasklare Shimmer-Reverbs für Ambient, weiche Hallräume für Pads und eine Soundqualität, die selbst noch in HiEnd-Setups überzeugt.

Die kompakte Einheit verfügt über 32 unterschiedliche Effektalgorithmen, ein helles Display, sowie Regler für die wichtigsten Parameter. Über den MIDI-Eingang lässt sich das Delay bequem zur Clock syncen. Wer richtig tief ins Sounddesign einsteigen möchte, kann dies über den kostenlosen Editor SpecLab tun.

Kompakte Ausmaße, gute Delay und Halleffekte, und nicht zuletzt sein Funktionsumfang machen das Specular Tempus Reverb & Delay zu einem idealen Effektpedal für Live-Acts und Studio.

Mittlerweile ist das Specular Tempus nur noch gebraucht erhältlich. Wer einen Nachfolger mit den guten Anlorithmen des Specular Tempus sucht, sollte sich das GFI System Solis Ventus mal ansehen. Zwar lässt sich dieses nicht mehr ganz so intuitiv bedienen wie das Specular Tempus. Dafür gibt es hier deutlich mehr Features.

Zur Webseite von GFI

Empress Effects Reverb

Das Empress Effects Reverb ist ein Nachzügler in dieser Liste, weil ich bisher keine Gelegenheit hatte, das Reverb auszuprobieren. Nachdem ich es jetzt erstmals am SH-01a gehört habe, bin ich hin und weg.

Das Teil klingt einfach nur sensationell. Wahnsinnig breite und warme Hallräume schmiegen sich um die Synthesizer-Sounds. Im Gegensatz zu einem Big Sky bringt das Empress Reverb noch einmal eine grazile Fragilität mit in den Klang, die man auch woanders schwer findet. Klanglich ist das Empress Reverb absolute Oberliga, weiß aber auch bei experimentellen Einstellungen zu überzeugen. Ebenfalls sollte man hier die guten kleineren Räume und Spring Reverbs erwähnen. Eine Disziplin, bei der viele der Ambient-Shimmer Reverbs nicht überzeugen.

Death by Audio Rooms

Betrachtet man nur die Features, ist das Rooms Effektpedal von Death by Audio erstmal ziemlich unspektakulär. Zieht man dann noch den ziemlich sportlichen Preis heran, muss man schon verrückt sein, sich ausgerechnet das Rooms zuzulegen. Oder?

Tatsächlich hat der Boutique-Hersteller Death by Audio ein Reverb-Pedal im Programm, das wie perfekt zu Synthesizern passt. Shimmer-Algorithmen sucht man hier vergeblich, ebenso ausgefallene Kreativeffekte. Rooms beschränkt sich auf Hall- und Room-Algorithmen, die es dafür aber richtig gut beherrscht. Der Sound klingt unglaublich warm und voll und wenn man die Decay-Zeit und Wet-Regler auf Maximum stellt, entsteht ein dichter Hallteppich, den man bei anderen Pedalen vergeblich sucht. Rooms ist ein richtig gutes Pedal, aber bei dem Preis muss man schon genau diesen Sound wollen.

Beim Testen sollte darauf geachtet werden, das Pedal nicht zu laut anzufahren. Im Vergleich zu den anderen Kandidaten ist Rooms diesbezüglich eine ziemliche Diva und quittiert zu laute Pegel gerne mal mit digitaler Verzerrung. Kurioserweise klingt die Verzerrung bei hoher Intensität spannend, bei geringerer Übersteuerung aber wiederum unbrauchbar.

UAFX Golden Reverberator

Das UAFX Golden Reverberator von Universal Audio ist perfekt für alle, die ein flexibles Reverbpedal mit authentischem Retrosound suchen. Im soliden Metallgehäuse beherbergt das Pedal drei (vier, wenn man sich nach der Registrierung ein weiteres Modell hereinlädt) Simulationen von legendären Studioreverbs.

Zur Auswahl stehen ein ausgezeichneter Federhall, eine breite Plate-Simulation, sowie eine Emulation des legendären Lexikon 224 inklusive dessemm körnigen Sound. Mit den sechs Drehreglern kann man das Signal schnell in die gewünschte Richtung biegen, etwa um störende Tieffrequenzen zu eliminieren oder die Höhen zu boosten. Beim UAFX Golden Reverberator lohnt es sich mitunter, auch auf ein günstiges Angebot zu warten. Universal Audio hat schon häufig Aktionen, in denen das Pedal für unter 300 € zu haben war.

Zum Test Universal Audio UAFX Golden Reverberator

Electro Harmonix Oceans 12 Reverb

EHX Oceans 12 hat alles im Programm, was das Ambient-Herz wünscht. Riesige Hallräume, Shimmer-Effekte und Reverb/Chorus-Kombinationen. Das Oceans 12 ist aber auch ein guter Begleiter für Clubmusik. Hierfür stehen synchronisierbare Ducking- und Delay-Reverbs zur Verfügung. Dub Techno Produzenten werden sich über die gut klingenden Emulationen von Feder- und Plattenhall freuen.

Die Oberfläche ist gut strukturiert und die solide Verarbeitung schafft Vertrauen selbst bei ständigem Einsatz auf Reisen. Bei der Klangqualität muss man gegenüber GFI und Source Audio ein paar Kompromisse eingehen. Diese Klasse klingt einfach noch einige Nuancen voller und edler. Dafür kostet das Pedal mit knapp 250 € auch gerade mal die Hälfte.

TC Electronic Hall of Fame 2

Bisher lag ein Großteil der vorgestellten Reverb Effekte für Synthesizer bei einem Preis von (deutlich) über 200 €. Als letzter Kandidat kommt mit dem Hall of Fame 2 noch eine gute Budget-Empfehlung in diese Liste.

Die acht Raum- und Hallvariationen des Hall of Fame 2 inklusive Federhall, Shimmer und LoFi-Varianten überzeugen mit vollem Klang. Dazu bietet das Hall of Fame 2 direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter und die Möglichkeit, mithilfe einer App eigene Hallvarianten zu erstellen und auf einem von drei User-Speicherplätzen zu sichern. Für rund 100 € ist das Reverb Pedal eine klare Empfehlung, die zudem auch noch recht platzsparend ist.

Reverb Pedale für Synthesizer – Fazit

Die Spitzenreiter dieser Auswahl sind für mich ganz klar Source Audio Ventris Dual Reverb, Empress Reverb und das UAFX Golden Reverberator. Die drei Pedale bieten einen wahnsinnig guten Sound, der eigentlich jedes Eingangsmaterial veredelt. Egal ob riesige Hallräume, Spezialeffekte oder kleine Räume: Die Reverbs überzeugen in sämtlichen Disziplinen und sind ideale Reverb Pedale für Synthesizer.

In der Budgetklasse sind Oceans 12 und Hall of Fame 2 ein guter Kompromiss aus Preis, Leistung und Qualität. Wer nicht viel Geld zur Verfügung hat, macht mit dem Hall of Fame 2 sicherlich nichts falsch. Ich würde dennoch dazu raten, etwas mehr anzusparen und gleich auf das Oceans 12 zu gehen. Klanglich und von der Ausstattung her liegt das doch zu deutlich über dem, was TC Electronic mitbringt.

Weitere Links

• Strymon Nightsky Test
• Die besten Delay-Pedale für Synthesizer
• Studiokopfhörer für elektronische Musik: die besten Kopfhörer für Techno
• Test: Polyend MESS – Kreativeffekt für elektronische Musik
• UAFX Golden Reverberator Test

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25 verschiedene Pad-Sounds helfen dabei, cineastische Atmosphären zu erschaffen. Zur Auswahl stehen düstere Drones, warme Streicherklänge und granulare Texturen. Ergänzt wird das Angebot durch 21 Leads und 9 Bässe für Melodien und Basslines.

Dieses Digitone II Soundpack bietet außerdem eine große Auswahl an Drum-Sounds. Zahlreiche Kicks, Percussion-, FX-, Snare- und Cymbal-Presets entfalten das volle Drum-Machine-Potenzial des Digitone II.

Das Void Sound Pack für Elektron Digitone 2 enthält:

• 122 Presets für Ambient, Electronica und IDM
• 10 Pattern / 10 Kits

Die Presets in folgenden Kategorien

• Pads: 25
• Leads: 21
• Bass: 9
• FX: 9
• Kick: 8
• Snare: 16
• Clap: 4
• Percussion: 10
• HiHat: 15
• Cymbal: 5 

Zuweisung von Aftertouch, Velocity und Modwheel

Flexible Modulationsroutings sind ein wesentlicher Bestandteil moderner elektronischer Musik. Ebenso wichtig is es, Klänge ausdrucksstark spielen zu können. Daher verfügen die meisten Presets über umfangreiche Zuweisungen von Aftertouch, Modwheel und Velocity.

Direkt loslegen mit 10 Patterns und Kits

Um sich einen ersten Eindruck zu verschaffen, helfen 10 vorprogrammierte Pattern. Jedes davon kommt mit einem optimierten Kit und angepassten Varianten der 122 Presets vom VOID Sound Pool.

Optimiert für den Elektron Digitone 2 – der Vorgänger wird nicht unterstützt

Da „Void“ umfangreich auf die Soundengine des Elektron Digitone 2 zugreift, ist das Sound Pack allerdings nicht mit dem Vorgänger kompatibel. Wer auf der Suche, nach Elektron Digitone Presets finder mit Elektron Digitone Nemesis und Epigenetics zwei weitere Sound Packs auf der Seite von Limbic Bits, die von allen Elektron Digitone Versionen unterstütze werden.

–> Hier könnt ihr euch das Limbic Bits Void Digitone 2 Sound Pack kaufen.

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Delay-Module für Eurorack-Modularsysteme

Beginnen wir die Auswahl mit meinen favorisierten Eurorack-Delays und Kombi-Modulen. Wie gesagt wird diese Liste ständig aktualisiert, dafür gibt es einfach zu viele spannende Effektmodule.

intellijel Sealegs: Vielseitiges Charaktermodul

Sowohl klanglich als auch gemessen am Funktionsumfang spielt das intellijel Sealegs in der Spitzenliga der Eurorack Effekte mit. Der zunächst hoch erscheinende Preis von rund 460 € relativiert sich schnell, wenn man das Gebotene ins Verhältnis setzt.

Denn das Stereo-fähige Modul bringt neben drei gut klingenden Delay-Algorithmen (BBD / Tape / Retro Digital), noch ein Reverb, Overdrive und einen flexiblen LFO mit. Die meisten Parameter sind hier im direkten Zugriff und verfügen darüber hinaus noch über einen CV-Eingang. Die Schwingungsform des LFO kann man bei Bedarf über den Ausgang auch zur Steuerung anderer Module verwenden.

Die Bedienung geht über die Fader sehr intuitiv, mit unterschiedlichen Routing-Optionen bestimmt man die Effektreihenfolge. Wie schon beim Knobula ist die Parametertiefe des Reverb beim Sealegs vergleichsweise unterdimensioniert. Für diese Anwendung gibt es bessere Alternativen. Falls ihr aber einen Eurorack Effekt mit viel Charakter und einer großartigen Bedienung sucht, ist das intellijel Sealegs eine perfekte Ergänzung für euer Modularsystem.

Knobula Echo Cinematic: Kombi-Eurorack-Effekt mit Motion Recorder

Echo Cinematic vereint Reverb, Delay und Filter in einem Stereo-Eurorack-Modul, das gerade mal 12 TE beansprucht. Neben dem gut klingenden Tap Delay kann auch der 24-Bit-Stereo-Hall überzeugen.

Echo Cinematic bietet aber noch zwei Features, die das Effekt-Modul herausheben. Zunächst ist da die Möglichkeit, die Bewegungen von Parametern auf der Frontplatte mit einem „Knob-Recorder“ aufzuzeichnen und wiederzugeben. Diese Automationen können bis zu 30 Sekunden lang sein, geloopt, oder per externem Steuersignal getriggert werden. Zudem bietet die Filtersektion neben HP, LP, Peak und Notch noch ein Kammfilter, mit dem dank LFO-Modulation auch metallische Flanger-Sounds möglich sind.

Während sich das Delay umfangreich bearbeiten und zur Clock / Tap synchronisieren lässt, stehen beim Reverb nur Effektanteil und Größe zur Verfügung. Falls ihr also primär ein Reverb sucht, sind andere Lösungen besser. Spezielle Features wie das Kammfilter oder die Aufnahmefunktion ergänzen das Echo Cinematic Modul aber hervorragend.

Doepfer A-188-1-Serie: BBD-Delays

Im besten Sinne roh geht es bei der Doepfer A-188-1-Serie zur Sache. Die auf einem echten BBD-Chip basierenden Delay-Module gibt es in insgesamt sechs Varianten mit unterschiedlichen Laufzeiten. Zudem bieten diese Module ein hervorragendes Preis-/Leistungsverhältnis.

Das Besondere bei der A-188-1-Serie sind die zahlreichen CV-Anschlüsse, durch die sich diese Module hervorragend für experimentelles Sounddesign eignen. Klassische Analog-Delays gehen mit den größeren Modellen theoretisch, dafür gibt es aber auch genug andere Varianten in der Eurorack-Welt.

Meine Empfehlung für den Einsatz als flexibles BBD-Delay ist die Variante A-188-1C mit dem 2048-Stages BBD-Chip. Dieser ermöglicht ausreichend lange Delay-Zeiten, lässt sich aber auch kurz genug einstellen für Karplus Strong, Chorus- und Flanger-Effekte.

Wenn man es mit der Delay-Zeit übertreibt, wird das Ausgangssignal auch herrlich crunchy, vor allem, wenn man es ohne Filter abgreift. Dieser Schmutz ist allerdings nicht jedermanns Sache. Wer relativ saubere, lange Delay-Zeiten sucht, sollte zur größeren Variante, dem A-188-1D greifen. Aber auch von diesem sollte man kein Standard-Digital-Delay erwarten. Abschließend sei noch auf die Bautiefe hingewiesen. Mit knapp sechs Zentimetern passen die A-188-1-Module leider nicht mehr in Skiff-Gehäuse.

T-Rex Replicator: Ein Tape-Delay fürs Modularsystem

Mono, gerade mal zwei CV-Eingänge, limitierte Soundpalette und massiver Platzbedarf: Eigentlich im krassen Gegensatz zum Sealegs oder Echo Cinematic steht der T-Rex Replicator, der kaum Anschlüsse bietet und auch klanglich recht eingeschränkt ist.

Dafür liefert dieses Tape-Delay einen einzigartigen Sound, den ich so anders einfach nicht hinbekommen würde. Und auch wenn ich ein großer Fan dieses LoFi-Kassetten-Flair in Kombination mit der Sättigung bin, kann ich verstehen, dass das nicht jeden abholt.

Freunde des Sounds von Boards of Canada oder Alessandro Cortini holt der T-Rex Replicator mit seinen Artefakten aber schnell ab. Dieses Modul ist in der Lage, einen herrlich organischen Sound im Handumdrehen zu erzeugen, für den man anderswo lange schrauben müsste.

Strymon Magneto

Und noch ein Tape-Delay fürs Eurorack: Das Strymon Magneto ist ein digitales Modul, das sich der Simulation eines Bandechos mit vier Tonköpfen widmet. Dazu gehören neben den Standards wie Delay-Zeit und Feedback auch spezieller Funktionen wie Tape-Abnutzung, Wow & Flutter und Störgeräusche. Das ermöglicht Retro-Feeling im Stil von Boards of Canada und älteren Dub Techno Produktionen.

Manch einer kennt den authentischen Sound bereits vom Volante Reverb Pedal. Als Eurorack Effekt wurde dieses aber mit etlichen CV-Anschlüssen, einer Looper-Funktion, sowie vier Clock-Ausgänge erweitet.

Magneto bietet einen Stereo-Signalweg und alle relevanten Parameter im direkten Zugriff. Um das Delay mit dem Rest des Setups zu quantisieren, gibt es neben dem Tap-Button auch einen Clock-Eingang. Spannend ist ihr auch die modulare Integration des Bandmaschine. So sind Wiedergabe, Abspielrichtung, Aufnahme etc. alle per CV steuerbar, womit man sehr kreativ arbeiten kann.

Ergänzt wird die Ausstattung des Magneto durch eine gut klingende Federhall-Simulation, die sich zwar nur in ihrer Intensität regeln lässt, den Funktionsumfang aber sinnvoll abrundet.

Reverb-Module für Eurorack Modularsysteme

Neben Delay dürfte Reverb eine weitere essentielle Effektgattung für Modularsysteme sein. Auch hier gibt es mittlerweile eine gigantische Auswahl an Modulen, von denen ich ein paar meiner derzeitigen Favoriten vorstellen möchte.

Strymon Starlab: Reverb, Delay und Karplus-Strong Synth in einem Effekt Modul

Das Strymon Starlab basiert auf dem Reverb Pedal „Nightsky“, erweitert dieses aber im Modularkontext noch einmal erheblich. So bietet die Eurorack-Variante des beliebten Effekt-Moduls siebzehn CV-Eingänge, unter anderem zur Steuerung des Shimmer-Anteils, Pitch und Size, oder des Filters.

Aber auch ohne externe CV-Signale bietet Starlab umfangreiche Möglichkeiten, den Sound direkt am Gerät zu verändern. Ein flexibler interner LFO kann auf Delay-Zeit, Pitch oder Filter geroutet werden und ist per CV in auch synchronisierbar; ebenso übrigens, wie die Delay-Zeit.

Ein weiteres Highlight des Stereomoduls ist die Möglichkeit, es als Karplus-Strong-Synthesizer zu verwenden und tonal über CV zu spielen. Hierbei wird mit extrem kurzen Delay-Zeiten und durch hohes Feedback ein Signal erzeugt, das sich gut für Percussion oder zur Simulation von Saiteninstrumenten und Drones eignet. Alternativ ist es auch möglich, diesen Modus als Resonator für externe Signale zu nutzen. Ein ziemlich flexibles Pedal also, das auch durch seinen guten Sound überzeugt.

Doepfer A-199 Spring Reverb

Beim A-199 von Doepfer handelt es sich um einen echten Federhall. Der markante metallisch dichte Sound wird hier mithilfe einer (bzw. drei) Federn erzeugt, durch die das Audiosignal geschickt wird.

Die Federn hängen in einem speziellen Reverbtank, der Teil des Lieferumfangs ist, aber auch durch andere Modelle ersetzt werden kann. Je nach Größe der Federn ändert sich auch der Klang des Reverbs. Grundsätzlich klingt so ein Federhall im besten Sinne künstlich, wenn man es mit andere Reverb wie z.B. einem IR-Reverb vergleicht.

Genau das macht aber den Charme aus und das A-199 ist mit seinem metallisch resonierenden Nachhall perfekt für Dub Techno und Klangexperimente. Denkt nur daran, den Reverbtank nicht in die Nähe des Netzteils zu setzen, da die Federn sehr empfindlich für externe Einstreuungen sind, die sich im Signal einnisten. Ich hatte das A-199 über zehn Jahre im Einsatz und nicht nur gemessen am Preis ist es eine klare Empfehlung fürs Modularsystem.

Die besten Eurorack Effekte – Delay und Reverb fürs Modular System: Fazit

Dieser Artikel kann nur einen Teil der mittlerweile gigantischen Auswahl an Eurorack Delays und Reverbs zeigen. Und der Fokus liegt hier primär auf Charaktermodulen oder Effekten, die außergewöhnliche Funktionen bieten, wie etwa dem Motion Recorder des Knobula Cinematic Echo.

Eine abschließende Empfehlung zu geben ist immer schwer, weil letztlich der Geschmack zentral für eine Entscheidungsfindung ist. Mein persönlicher Favorit ist hier das Sealegs von intellijel. Das intellijel ist nicht nur extrem flexibel, sondern auch intuitiv bedienbar. Zudem ist hier der Gedanke der Modularität zu Ende gedacht worden und nahezu jeder Parameter besitzt einen CV-Eingang.

Sollte der Platz in eurem Modularsystem begrenzt sein – was schnell passiert – rate ich direkt zu einem Kombi-Modul, das sowohl Delay als auch Reverb vereint. Hier habt ihr allerdings häufig weniger Möglichkeiten, die einzelnen Effekte vollumfänglich per CV zu steuern.

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FM Synths sind verantwortlich für unzählige furchtbare Glöckchen-Sounds in 80er-Weihnachtsliedern und nicht weniger nervige FM-Pianos in US-Sitcoms. Aber in dieser Synthese stecken auch exzellente Bässe, aggressive Leads, treibende Dub Chords, oder schwebende Texturen: perfekt für elektronische Musik!

Allerdings haftet FM Synthesizern nach wie vor der Ruf an, kompliziert zu sein, weshalb viele einen Bogen um diese spannende Syntheseform machen. Sicherlich ist die klassische analoge (subtraktive) Klangsynthese intuitiver begreifbar. Trotzdem ist auch FM Synthese keine Raketenwissenschaft, wenn man ein paar einfache Dinge begriffen hat. Dieser Artikel soll dabei helfen.

Die Basis von allem: Der Operator

Die Basis jedes Sounds und gleichzeitig einer der wichtigsten Begriffe in der FM Synthese ist der Operator. Hierbei handelt es sich um einen Oszillator, der traditionell meistens als Sinusschwingung vorhanden ist. Mittlerweile gibt es etliche FM-Synths, die bei den Operatoren auch andere Schwingungsformen bereitstellen und dadurch drastischere klangliche Ergebnisse liefern.

Ein Operator kann Carrier oder Modulator sein, manchmal sogar beides gleichzeitig, je nach gewähltem Algorithmus. Zum Algorithmus komme ich später im Artikel, gucken wir uns erst einmal den Unterschied zwischen Carrier und Modulator an.

Carrier und Modulator

Hinter den etwas sperrigen Begriffen verbirgt sich eigentlich keine große Magie. Vereinfacht gesagt, gibt der Carrier in der FM Synthese den Sound aus – er „trägt“ ihn an den Audioausgang. Demgegenüber steht der Modulator, mit dem man den Klangfarbe des Carriers verändert, in dem er dessen Frequenz moduliert. Das Frequenzverhältnis der beiden zueinander bestimmt schließlich die daraus entstehende Wellenform.

Hält man sich an ganzzahlige Frequenzverhältnisse, also 2:1, 4:1, 8:2 usw., bleiben die Ergebnisse im harmonischen Rahmen. Es klingt also meistens aufgeräumter, aber unter Umständen auch langweiliger.

Spannend wird es, wenn man auch nicht-ganzzahlige Werte nimmt, zum Beispiel „2.24 :1“ etc. Hier betritt man ein klangliches Spektrum, das auch disharmonische Obertöne hervorbringt, ähnlich den Ergebnissen bei Ringmodulation.

Will man wie bei analogen Synthesizern leichte Schwebungen erzeugen, gibt es bei vielen traditionellen FM Synthesizern hierfür den sogenannten „Tune“-Regler. Im Gegensatz zur Bezeichnung bei analogen Synths wirkt sich dieser nur auf ein sehr feines Stimmungsintervall aus. Dadurch sind die leichten Schwebungen deutlich feiner dosierbar. Ganz so, als würde man versuchen, ein ähnliches Ergebnis mit dem „Fine“-Tune-Regler bei einem subtraktiven Analogsynth zu erzielen.

Wie ändert man den Sound mit der FM Synthese?

Bei der FM-Synthese bestimmen zwei Faktoren die Intensität der Klangveränderung: Einerseits die Lautstärke des Modulators, andererseits dessen Frequenz. Je höher die Lautstärke des Modulators ist, umso stärker ist die Modulationsintensität, und umso deutlich sind klangliche Unterschiede auszumachen.

Den Lautstärkeregler des Modulators kann man sich wie einen Cutoffregler eines Tiefpassfilters vorstellen. Je weiter wir die Lautstärke des Modulators erhöhen, umso heller wird der Klang. Wenn man die Lautstärkeänderung des Modulators nun noch mit einer Hüllkurve moduliert, kann man den Sound ähnlich wie mit einer VCF-Hüllkurve formen.

Die Hüllkurven

Neben den Operatoren spielen die Hüllkurven bei traditionellen FM Synthesizern eine entscheidende Rolle. Jeder Operator besitzt seine eigene (Multisegment-)Hüllkurve, die grundsätzlich die Lautstärke des Operators steuert.

Je nach dem, ob es sich beim Operator um einen Carrier oder um einen Modulator handelt, übernimmt die Hüllkurve aber klanglich zwei unterschiedliche Aufgaben: Bei einem Carrier kümmert sich die Hüllkurve um die Lautstärke des hörbaren Ausgangsignals, ähnlich einer VCA-Hüllkurve im analogen Synthesizer.

Bei einem Modulator steuert die Hüllkurve ebenfalls die Lautstärke, allerdings wird der Modulator ja nur im Signalpfad hörbar, wenn er neben seiner Hauptaufgabe als Modulator auch noch Carrier ist (z.B. im Fall von Feedback). Normalerweise bestimmt man mit der Lautstärkehüllkurve des Modulators aber die Intensität der Fequenzmodulation im Zeitverlauf. Wir erinnern uns: Je lauter der Modulator, umso stärker die Modulation des Carriers, und umso obertonreicher der Sound.

Unterschiede zur klassischen Hüllkurve in der subtraktiven Synthese

Hüllkurven bei klassischen FM-Synthesizern unterscheiden sich häufig von ihren subtraktiven Pendants mit den typischen ADSR-Phasen. (Anm.: Mittlerweile setzen auch viele aktuelle FM-Synths wie der Korg opsix auf den klassischen ADSR-Hüllkurvenverlauf).

Das ist schade, denn die Multisegment-Variante – zum Beispiel bei vielen DX-Synths – bietet einige Vorteile, wenn man erstmal verstanden hat, die einzelnen Segmente zu nutzen.

Ein wesentlicher Unterschied ist, dass die Level für einzelne Segmente frei definierbar sind. Startet die Attackphase einer klassischen ADSR-Hüllkurve immer im Nullpunkt, kann der Attack-Startpunkt etwa bei einer FM-Hüllkurve irgendwo zwischen 0 und 127 liegen.

Gleiches gilt für die darauf folgenden Segmente: Das zweite Segment (bei ADSR ist das Decay) muss nicht zwingend im Maximum liegen. In der Praxis ergibt sich daraus, dass man noch tiefer ins Klanggeschehen eingreifen kann. Verfügt der FM-Synth dann noch über die Möglichkeit, pro Segment zwischen linearem und exponentiellem Verlauf umzuschalten, kann der Klang sehr exakt eingestellt werden.

Hüllkurven-Scaling

Hinzu kommt, dass man bei vielen FM-Synths die Hüllkurvengeschwindigkeit noch an die Tonhöhe koppeln kann (Scaling). Je höhere Noten man spielt, umso schneller durchläuft die Hüllkurve dabei ihre Segmente.

Dieses Verhalten ist akustischen Instrumenten nachempfunden, die bei höheren Tönen schneller ausklingen. Wie etwa bei einem Klavier, bei dem höher gespielte Noten deutlich kürzer ausklingen als in den tiefen Lagen.

Manche FM Synths bieten zudem die Möglichkeit, dieses Verhalten umzukehren. Tiefere Noten erklingen dann kürzer als höher gespielte Noten. Zudem können häufig noch Splitpunkte auf der Klaviatur bestimmt werden, die dieses Scaling einzelnen Bereichen zuordnet.

Die Hüllkurven in Oktave C0-C1 wären dann zum Beispiel schnell und exponentiell, C1 – C2 eher langsam und linear usw. Mit geschicktem Sounddesign könnte man also einen Sound in perkussive Elemente links auf der Tastatur und Pads im Notenbereich rechts vom Split aufteilen.

Algorithmen in der FM Synthese

Womit wir direkt zum nächsten Punkt kommen – den Algorithmen. Der Begriff klingt erstmal furchtbar kompliziert. Er meint aber nichts anderes, als die Beziehung der einzelnen Operatoren zueinander.

Bei den FM-Algorithmen muss man sich vor allem vier Dinge merken:

1. Der Algorithmus legt fest, ob ein Operator ein Modulator oder ein Carrier ist.
2. Der Algorithmus bestimmt, zwischen welchen Operatoren eine Modulation stattfindet.
3. Der Algorithmus gibt den Feedback-Pfad vor, also welche Operator sich selbst moduliert (und dadurch auch Sägezahn oder Rechteck generieren kann)
4. Über den Algorithmus legt man schließlich ebenfalls fest, welcher Operator am Audioausgang anliegt und somit am Ende hörbar ist.

Die Algorithmen unterscheiden sich bei vielen FM-Synthesizer voneinander. Einige, wie zum Beispiel der Korg Opsix oder der Sonicware LIVEN XFM, erlauben sogar die völlig freie Verschaltung der einzelnen Operatoren.

In der Regel kommt man mit den klassischen DX-7 Algorithmen schon recht weit. Möchte man aber zum Beispiel eine spezielle Verschaltung eines anderen FM-Synths nachbauen, ist die Möglichkeit der freien Verschaltung schon ziemlich praktisch.

Wie wähle ich den geeigneten FM-Algorithmus aus?

Das dürfte nun die schwierigste Frage in der ganzen FM-Synthese sein. Denn hier sollte man sich vor dem Sounddesign einigermaßen Gedanken machen, welcher Sound am Ende entstehen soll. Das verlangt eine gewisse Vorkenntnis, ist aber im Prinzip recht schnell erlernt. Wenn ihr noch gar keine Erfahrung in dieser Richtung habt, empfehle ich erstmal, mit einem einfachen Bass-Sound zu starten.

Beispiel 1: Bass-Sound mit FM-Synthese erstellen – Welcher Algorithmus?

Bei simplen FM Bässen reicht meistens ein Algorithmus, bei dem ein Operator den anderen moduliert. Als Intervall empfiehlt sich ein harmonisches Verhältnis von 1:2, 0.5:2, 2:0.5 usw. Nun zieht ihr die Lautstärke des Modulators langsam hoch und stellt die Hüllkurve auf einen perkussiven Verlauf ein. Also so, dass die Hüllkurve für die Modulatorlautstärke nach einer relativ kurzen Zeit bei einem niedrigen Wert (oder 0) angelangt ist.

Die weiteren Operatoren könnt ihr deaktivieren, oder für leichte Schwebungen und harmonisch sinnvolle Intervalle hinzumischen. Das gibt bereits die nötige Struktur für den Algorithmus vor, der …

• a) mindestens eine Verschaltung von Carrier und Modulator vorweisen muss.
• b) mehrere Carrier am Ausgang haben sollte, falls ihr Verstimmungen oder harmonische Intervalle benötigt

Beispiel 2: Analoge Pads mit FM-Synthese – Welcher Algorithmus?

Mit FM gelingen ebenfalls hervorragende Pad-Sounds. Wie immer, ist der hier vorgestellte Ansatz nur einer von vielen. Für zukünftige Pad-Varianten könnt ihr aber immer auf diese Blaupause zurückgehen.

Bei Pad-Sounds mit analogem Flair ist es wichtig, Schwebungen in den Sound zu bekommen. Dazu könnt ihr zwei Carrier nehmen, die Lautstärke bei beiden aufziehen, und beide im Anschluss minimal gegeneinander zu verstimmen.

Damit das nicht nur nach einer Orgel klingt, wählt ihr jetzt einen Algorithmus aus, der auch Modulatoren für eure Carrier bereitstellt. Mithilfe dieser Modulatoren und Feedback könnt ihr dann den Obertongehalt eurer Carrier variieren und mit den jeweiligen Hüllkurven der einzelnen Elemente den Klang nach Belieben formen. Denkt daran: Je lauter der Modulator ist, umso „härter“ klingt der Sound.

Tastet euch erstmal langsam heran und wählt simple Algorithmen aus, in denen jeweils maximal ein Modulator einen Carrier beeinflusst. Bei den meisten FM Synths könnt ihr zudem einzelne Operatoren an- oder ausschalten. Das ist gut, um die Struktur eines Sounds besser zu verstehen.

Geräuschhaftes hinzufügen

Gerade komplexere FM-Klänge verbinden mehrere Elemente im gleichen Algorithmus miteinander. Ein Strang des Algorithmus ist dann ausschließlich dafür zuständig, dem Sound ein perkussives Element am Anfang mitzugeben, etwa dem ersten Impuls einer Bassdrum, oder um den Moment nachzubilden, wenn eine Pianosaite von dem Hammer getroffen wird.

Diese perkussiven Elementen haben häufig keine klar definierte Tonhöhe, weswegen wir hier anders vorgehen:
Damit das perkussive Element über den kompletten Notenumfang identisch bleibt, müssen wir den Operator von der Tonhöhe entkoppeln. Das erledigt man einfach, indem man die Frequenz des Operators auf „fixed“ stellt. Nun bleibt die Tonhöhe dieses Operators immer gleich, egal, welche Note wir auf der Tastatur spielen.

Als nächstes modulieren wir diesen Carrier mit einem Modulator, dessen Frequenz wir ebenfalls auf „fixed“ stellen und setzen dessen Lautstärke auf das Maximum. Mit dem Coarse-Regler suchen wir dann nach dem perfekten Frequenzverhältnis. Damit wir keinen nervigen Dauerton erhalten, sondern wirklich nur den Impuls für den Anfang unseres Sounds, müssen wir nun noch die Hüllkurvenzeiten entsprechend kurz einstellen.

Wenn ihr den Klang noch mehr in Richtung „Rauschen“ formen wollt, solltet ihr einen Algorithmus wählen, der euch die Feedback-Möglichkeit für den Modulator im perkussiven Strang gibt. Je weiter ihr hier den Feedbackwert aufreißt, umso mehr erinnert das klangliche Ergebnis an Rauschen.

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Die Roland TB-303 Bassline ist ohne Zweifel einer der wichtigsten Synthesizer in der elektronischen Musik. Beim Acid war sie stilprägend, aber auch an etlichen anderen Genres wie Techno, Trance oder Ambient war sie maßgeblich beteiligt. Und die TB-303 hat nichts an Popularität eingebüßt. Im Gegenteil: Denn heute sind die Preise für gebrauchte Units höher denn je. Umso wichtiger ist es, Alternativen aufzuzeigen. In diesem Artikel geht es um die besten TB-303 Clones in Hardware-Form, sowie die besten TB-303 VST vor.

TB-303 VSTs: Das sind die besten 303-PlugIns

ABL Bass Line 3

Der TB-303 VST Clone ABL Bass Line 3 ist schon seit Jahren eine Bank in DAW-basierten Studios. Und das aus gutem Grund. Denn der abl3 liefert nicht nur einen sehr authentischen Klang, sondern lässt sich auch hervorragend bedienen. Mit anderen Worten: Die Unzulänglichkeiten des ursprünglichen TB-303-Sequencers wurden hier gezähmt und um intelligente Zufallsfunktionen erweitert. Diese findet man etwas versteckt in Ausklappmenüs. Dort finden sich auch weitere Anpassungen für das Übersteuerungsverhalten, Tuning und Filtersettings.

Im Vergleich zum D16 Group Phoscyon 2 gehen die Sounddeisgn-Möglichkeiten hier zwar nicht so weit. Dafür findet man auch hier Details wie das charakteristische Klicken/Rauschen des BA-662 VCAs, was sogar deaktiviert werden kann. Manchmal möchte man aber auch ganz schnörkellos und schnell zum Ziel kommen. Audiorealism abl3 liefert genau das: Guten TB-303-Sound und schnelle Ergebnisse.

Arturia Acid V

Arturia hat im Zuge ihrer V-Collection einen weiteren TB-303-Clone ins Rennen geschickt, der in dem Bundle natürlich nicht fehlen durfte, aber auch einzeln erhältlich ist. Der Acid V ist eine sehr gut klingende Emulation der 303, die zudem eine ausgezeichnete Effektsektion bereithält.

Einzigartig ist hier die Polymetrik-Funktion des Sequencers, bei dem Accent, Slide und Vibrato polymetrisch vorrücken und so spannende Groovemuster erzeugen. Gut gefallen haben mir auch die Trimming-Optionen, durch die man die virtuelle 303 näher an den Originalsound seiner Wahl – jede TB 303 klingt leicht anders – rücken kann.

Per Suboszillator kann man dem Acid V noch etwas mehr Tiefenschub mitgeben und hat hier die Wahl aus drei unterschiedlichen Schwingungsformen. Im Vergleich mit dem Phoscyon bietet letzterer aber noch ein wenig mehr Möglichkeiten fürs Sounddesign.

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D16 Group: Phoscyon 2

Über Jahre hinweg haben sich Phoscyon und die ABL Bassline ein Kopf-an-Kopf-Rennen um den Titel des besten TB-303 VST geliefert. Wenngleich die ABL Bassline 3 klanglich für mich immer einen leichten Vorsprung hatte, konnte die D16 Group mit der zweiten Auflage nun aufholen.

Beide Plugins liefern einen authentischen Sound und der Sequencer von Phosycon 2 bringt den herrlich treibenden Groove der Roland TB-303 in die DAW. Im direkten Vergleich überzeugt Phosycon 2 durch die im Vergleich noch einmal aufgebohrten Möglichkeiten. Diese reichen von zusätzlichen Syntheseparametern wie Envelope-Attack oder Accent Decay, bis hin zu einem intuitiven Sequencer mit gut umgesetzten Zufallsgeneratoren. Eine gut ausgestattete Effektsektion mit vernünftig klingender Overdrive-Sektion rundet die Ausstattung ab.

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Wenn der TB-303 Clone Hardware sein soll

Wem Software nicht so liegt, der aber nicht auf den TB-303-Sound verzichten möchte, findet in der Hardware-Welt mittlerweile ebenfalls etliche gute Alternativen zu einem Original. Die folgenden Vorschläge beschränken sich auf Modelle mit internem Sequencer, da dieser meiner Meinung nach ein wesentlicher Bestandteil einer 303 ist.

Behringer TD-3

Behringer liefert mit der TD-3 eine budgetfreundliche und sehr gut klingende Alternative. Lässt man mal die weniger gelungene Distortion-Einheit weg, liefert der Behringer TD-3 einen ausreichend authentischen Sound. Die Resonanz reicht hier fast bis zur Selbstoszillation (das war bei verschiedenen TB-303s auch unterschiedlich stark ausgeprägt), die Pulswelle klingt schön hohl und auch die Verarbeitung steht dem Plastikfeel des Original in nichts nach.

Zwar hat man bei Behringer auch den recht eigenwilligen Sequencer geklont. Das kann aber für all diejenigen ein Vorteil sein, die das Original-Feeling suchen. Immerhin kann man hier auch alternativ die Editor-Software nutzen, mit der sich der Sequencer gut einstellen lässt. Und für rund 120 € (je nach Modellfarbe) ist die TD-3 so oder so ein No-Brainer.

Behringer TD-3 MO: TB-303 Clone auf Steroiden

Ebenfalls aus dem Hause Behringer kommt die TD-3 MO (Modded Out). Hierbei wurde die originale Klangerzeugung aufgebohrt und um Erweiterungen ergänzt, die der bekannten Devilfish-Modifikation entsprechen. So besitzt der TD-3 MO unter anderem einen erweiterten Filterweg, Sub-Oszillator, Resonanzboost, Overdrive und FM. Auch die CV-Anschlusssektion ist hier noch einmal erweitert worden.

Durch die Modifikationen wird der limitierte Sound noch einmal ordentlich erweitert. Allerdings muss man hierbei beachten, dass man sich auch recht schnell vom Originalsound entfernt. Auch die Sweetspots verlässt man bei der TD-3 MO recht schnell, wenn man die Unit noch nicht auswendig kennt. Trotzdem ist die TD-3 MO für alle eine Empfehlung, die einen TB-303 Clone suchen, der auch mal abseits der ausgetretenen Pfade groovt.

Cyclone TT-303 MK2

Der Cyclone TT-303 war lange Zeit einer der wenigen erschwinglichen TB-303-Clones mit gutem Sequencer. Und auch wenn Behringers TD-3 dem französischen Unternehmen Cyclone wahrscheinlich einiges an Umsatz gekostet hat, ist der TT-303 MK2 immer noch eine echte Empfehlung.

Einerseits ist hier der Sound nicht ganz so spitz resonierend wie bei Behringers TD-3. Das setzt auch im Verbund mit einer TD-3 eine interessante andere klangliche Nuance. Andererseits bietet der Sequencer des Cyclone TT-303 MK2 einige spannende Features, die man bei Behringer vergeblich sucht. Dazu gehören zum Beispiel unterschiedliche Gate- und Slide-Längen, manueller Accent, verschiedene Shuffle-Settings, oder schlaue Random-Funktionen.

Mit überschaubarem Aufwand lässt sich auch die Resonanz bei der TT-303 modden und aggressiver einstellen. Und mit einer ProCo Rat dahinter, fängt sowieso jeder Clone an zu bellen und kreischen.

DIN Sync RE-303

„It’s not a Clone, it’s a replica“ – So wird der DIN Sync RE-303 auf der Webseite des DIY-Projekts vorgestellt. Entsprechend akkurat sind auch die klanglichen Ergebnisse, die dem Original am nächsten kommen. Auch wenn man jetzt streiten kann, wo ein Clone aufhört und eine Replika anfängt. Rein theoretisch müsste ein Clone ja noch einmal deutlich näher dran sein, da dieser genetisch zu 100% identisch ist. Aber lassen wir das – Marketing muss auch sein ;).

Allerdings ist man hier für ein aufgebautes Exemplar (es gibt diverse Anbieter im Netz) auch schnell bei rund 1000 €. Inwiefern einem das letzte Quäntchen Sound den Aufpreis wert ist, muss jeder für sich entscheiden. Als spannendes Lötprojekt für Fortgeschrittene ist die DIN Sync RE-303 auf jeden Fall eine Empfehlung.

Roland TB-03 Boutique

Da auch Roland mit der TB-03 einen TB-303-Clone im Portfolio hat, soll dieser hier ebenso Erwähnung finden. Grundsätzlich bin ich ein Freund von Rolands Boutique-Serie. Besonders der SH-01a ist eine gelungene Alternative zum Original.

Wenn ich die Roland TB-03 Boutique aber mit den anderen TB-303 Clones hier in der Liste vergleiche, muss ich sagen, dass Roland mit Abstand den schlechtesten Job in der Umsetzung gemacht hat. Da ist zum einen die recht digital klingende Resonanz. Zum anderen wurde auf das charaktervoll rauschende Attack des BA662 VCAs völlig verzichtet. Auch der Overdrive tönt eher blechern und nervig, als dass er hier eine gute Erweiterung der Soundpalette liefern würde.

Daher gibt es hier nur die Anstandserwähnung. Als echte 303-Alternative kann ich die TB-03 Boutique bei dem Angebot der Mitbewerber nicht mit gutem Gewissen empfehlen. Dafür liegen die anderen einfach zu weit davor, inklusive der TB-303 VST Varianten.

Abstrakt Instruments Avalon: Der nahezu unerreichbare TB-303 Clone

Die Avalon orientiert sich klanglich und technisch an der TB-303, bietet aber noch einmal deutlich mehr Features wie Filter Tracking und eine ADSR-Hüllkurve für den Amp. Zusätzlich kann man die Avalon Bassline mit optional erhältlichen Filter-Cartridges (SEM, Moog, Arp) erweitern und findet auf der Rückseite eine gute Auswahl an CV/Gate-Anschlüssen.

Allerdings gibt es die Avalon mittlerweile nur noch gebraucht und Modelle erreichen häufig Preise von rund 2000 €. Das können Liebhaber sicherlich rechtfertigen. Wer sich eine Anschaffung überlegt, sollte sich aber im Klaren darüber sein, dass der Support von Abstrakt Instruments schlicht unterirdisch ist. Mails werden nicht beantwortet und auch auf anderen Kommunikationswegen lässt sich der Entwickler nicht blicken. Man bezahlt also einen recht hohen Preis. Wer darauf keine Lust hat, bekommt mit dem Behringer TD-3 MO oder einer erweiterten X0XB0X , gute Alternativen zu einem deutlich geringeren Kurs.

TB-303 Clone: Fazit

Bassline-Freunde leben echt in guten Zeiten. Mittlerweile gibt es so viele gute TB-303 Clones, dass es schwieriger ist, eine Entscheidung zu treffen, als ein geeignetes Modell zu finden.

Klanglich liefern die meisten ab. Also wäre meine Empfehlung, neben dem Preis, die Entscheidung vom Sequencer-Konzept und den gewünschten Zusatz-Features abhängig zu machen.

Die Frage könnte dann lauten: Will ich mir das originale Sequencer-Feeling geben (Behringer TD-3-Serie), oder suche ich hier einen intuitiveren Ansatz wie etwa beim Cyclone TT-303 MK2 oder den TB-303 VSTs? Möchte ich die pure Klangerzeugung (ABL 3, TD-3, RE-303), oder will ich das volle Modding-Paket (Phoscyon 2, TD-3 MO)? Es spricht natürlich auch nichts dagegen, sich mehrere Clones ins Haus zu holen. Schließlich haben nicht nur Hardfloor gezeigt, dass man auch gut mit einer ganzen Herde von 303s arbeiten kann.

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Kaum eine Drum Machine hat elektronische Musik so stark mitgeprägt wie die Roland TR-808. Der druckvolle, warme Klang ist in etlichen Produktionen zu hören und viele Genres wie der (echte) Electro, Acid oder HipHop wären ohne sie kaum denkbar. Daher überrascht es nicht, dass auch heute – über dreißig Jahre nach Markteinführung – die TR-808 Rekordpreise auf dem Gebrauchtmarkt erzielt. Zum Glück gibt es mittlerweile etliche TR-808 Clones. Die besten stellen wir in diesem Artikel vor.

Roland TR-08: TR-808 Clone im Boutique-Format

Die TR-08 von Roland kommt im handlichen Boutique-Format daher. Das diente als Basis für etliche andere Rolandclones wie u.a. den Roland SH-01a, JD-08, oder JU-06a. Klanglich kann die TR-08 schon überzeugen, wenngleich ihr mitunter das letzte Quäntchen Druck in der Magengrube fehlt. Da helfen auch die in Untermenüs versteckten Sonderfunktionen nichts. Dabei stellt sich wahrscheinlich die Frage, welche TR-808 hier als Vorbild genommen wurde. Denn diese unterscheiden sich in diesem Punkt auch gerne mal voneinander.

Und eine Sache noch: Zwar ist die Boutique-Größe in kompakteren Studios- und bei Transporten häufig praktisch. Aber bei hektischen Gigs in schlecht beleuchteten Räumen sind größere Regler einfach praktischer. Zum Glück gibt es diese im eigenen Haus mit der TR-8S.

Roland TR-8S

Der zweite Kandidat von Roland ist zwar kein TR-808 Clone direkter TR-808 Clone, auch wenn es der Name zunächst vermuten lässt. Bei der Roland TR-8S handelt es sich um eine Drum Machine, die eine Vielzahl der Rolandklassiker beherbergt. Darunter finden sich auch die TR-909, TR-707 / 727, sowie TR-606 und weitere. Zusätzlich besitzt die Roland TR-8S noch eine Sample-Engine und einen recht ordentlichen FM-Drumsynthesizer für etwas ausgefallenere Metallic-Percussions.

Preislich liegt die Roland TR-8S dann auch am oberen Ende in dieser Ausführung. Dafür überzeugt sie durch einen fetten, durchsetzungsfähigen Klang und nichtzuletzt eine hervorragende Bedienoberfläche. Diese ermöglicht spontanen Zugriff auf die wichtigsten Parameter und ist damit eine ideale Groovebox für Live-Anwendungen. Allerdings verstecken sich etliche erweiterte Parameter fürs Sounddesign in Untermenüs, wodurch man hier mitunter schon einiges an Lernzeit einplanen sollte, wenn man das Maximum aus der TR-8S holen möchte.

Roland T-8: Miniatur-TR zum Budget-Kurs

Wenn es nicht ganz so akkurat sein muss, und eine Mischung aus verschiedenen Roland TRs auch hinhaut, könnte die Roland T-8 (Test) noch eine Möglichkeit sein. Kick, Snare, Tom und Clap kann man hier durchaus in Richtung TR-808 bewegen.

Natürlich sind dedizierte Clones deutlich näher am Gesamtergebnis dran. Und auch die Bedienung der Roland T-8 ist recht fummelig. Dafür punktet die T-8 bei Außeneinsaätzen mit Akkubetrieb, mit leichtem Gewicht und kompakten Ausmaßen. Klanglich geht das Gebotene durchaus klar, zumal in dem Paket sogar noch ein ordentlicher TB-303 Clone dabei ist.

Roland TR-1000: 808 Clone, 909 Clone und viel mehr

2025 schickte Roland mit der TR-1000 den ultimativen TR-X0X-Hybriden auf den Markt. Mit knapp 2700 € ist die TR-1000 aber auch mit Abstand der teuerste Clone dieser Liste.

Dafür umfasst die TR-1000 aber neben einer analogen TR808 und erweiterten ACB-808-Klangerzeugung, gleichzeitig auch noch eine TR-909 (analog und digital), sowie ACB-Modelle anderer Drumcomputer von Roland. Wem das nicht reicht, bekommt noch Sample-Support, FM-Drumsynthese, Layering und etliche Sounddesign-Möglichkeiten an die Hand.

Setzt man den Preis dann in Relation zum Gesamtpaket, merkt man schnell, dass Roland hier keine Kompromisse gemacht hat. Wer studiotauglichen Sound direkt aus dem Gerät möchte, und auch vor einem immensen Funktionsumfang nicht zurückschreckt, dürfte mit der TR-1000 einen hervorragenden TR-808 Clone bekommen.

Behringer RD-8 MK II

Auch Behringer hat sich dem Thema 808 angenommen und mit der RD-8 MK II einen recht ordentlichen TR-808 Clone im Angebot. Gegenüber der bereits gut klingenden MKI-Version sind hier Nachbauten des BA-662 VCA-Chips im Einsatz. Diese sollen einen noch authentischeren Klang garantieren.

Im direkten Vergleich mit der MKI kann ich das bestätigen. Allerdings erwischte ich mich dabei, dass ich die MKI gegenüber der MKII letztlich sogar etwas besser fand. Denn der Grundklang war bei der MKI noch ein wenig frischer.

Mit anderen Worten: Etwas weniger Retro-808, dafür mehr TR 808 der Neuzeit. Aber auch so klingen die Behringer RD-8s hervorragend, zumal die zusätzlichen Features des Sequencers, globalen Filters und Transientengenerator im Studio und Live sehr sinnvoll sind. Schließlich kommt noch der recht günstige Preis dazu, der die ordentlich verarbeitete Drum-Machine abschließend zu einer absoluten Empfehlung macht.

TR-808 Clone: Alternativen auf dem Gebrauchtmarkt

Neben den eben vorgestellten aktuellen Varianten, gibt es einige gute TR 808-Clone leider nur noch gebraucht. Die folgenden Drum Machines liefern aber vielfach ebenso gut ab und sind sicherlich einen näheren Blick wert.

Acidlab Miami

Die Miami Drummachine des deutschen Unternehmens Acidlab basiert auf den Schaltungen der Roland TR-808. Die Umsetzung erfolgte dann aber auf Basis von aktuell erhältlichen Bauteilen. Anders als etwa bei der Yocto 808, bei der versucht wurde, weitestgehend identische Komponenten zu verwenden.

Klanglich spielt die Acidlab Miami ganz vorne mit und ist ein hervorragender TR-808 Clone. Manchmal leider etwas zu gut, denn die ein oder andere Schwäche wurde direkt mitkopiert. So kann man Kick und Snare nicht tunen, was andere 808 Clones mittlerweie durchaus beherrschen. Falls das kein Auschlusskriterium ist, kann man mit etwas Glück eine Miami gebraucht relativ günstig erstehen.

Yocto 808

Eigentlich dürfte die Yocto 808 hier gar nicht auftauchen. Denn als reines DIY-Projekt konnte man diese nur als Bausatz erwerben. Die Liste der benötigten, aber mittlerweile schwer erhältlichen Bauteile wird monatlich länger und es ist verständlich, warum dieses Projekt anscheinend nicht mehr so richtig wahrgenommen wird.

Zu Hochzeiten war die Yocto 808 aber ein ganz heißer Kandidat für den Titel des besten 808-Clone. Einerseits waren bis auf einen VCA-Chip wirklich nur die originalen Bauteile im Einsatz, die auch in der TR-808 verwendet wurden. Andererseits war der Anschaffungspreis des Bausatz von knapp 500 € all-inklusive eine tolle Herausforderung für alle Lötprofis. Leute mit zwei linken Händen konnten und können immer noch mit etwas Glück ein Exemplar in den Kleinanzeigen erwischen. Da es sich um ein DIY-Projekt handelte, gebe ich aber die klare Empfehlung: Nur Abholung und vorher testen!

Fazit: Die besten TR-808 Clones

Bei der Auswahl ist es schwer, klare Empfehlungen zu geben. Für Live-Anwendungen spielt neben guten Sound häufig auch geringes Gewicht und direkter Zugriff eine Rolle. Beides sind Disziplinen, die Roland mit der T-8 und der TR-08 Boutique gut abdeckt.

Demgegenüber steht die Roland TR-8-Serie, die neben der TR-808 auch andere Klassiker überzeugend reproduziert. Vor allem in der TR-8S-Variante wäre diese dann auch mein Tipp für alle, die auf Flexibilität setzen.

Wer es pur analog möchte, ist mit der RD-8 II von Behringer an der richtigen Adresse. Nicht ganz so flexibel wie die Roland TR-Serie liefert sie druckvollen 808-Sound mit einigen Optimierungen. Größe und Haptik vermitteln ein solides Gefühl und nicht nur aufgrund des Preis ist die Behringer RD-8 II ein hervorragender 808-Clone.

Dieser Artikel zeigt die besten TR 808 VST Intrumente.

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Nach einer längeren Zeit des Winterschlafs kam es in den letzten Jahren zu einer wahren Renaissance der Wavetable-Synthese. Und das aus gutem Grund: Denn diese Syntheseform bietet ein enormes Klangpotential, welches sich besonders für Flächen eignet. Aber auch Bässe, Leads und Effektsounds sind mit einem Wavetable-Synthesizer überzeugend möglich.

Schnell erklärt: Was macht ein Wavetable-Synthesizer?

Die meisten Wavetable-Synthesizer unterscheiden sich strukturell tatsächlich nicht so sehr von (virtuell) analogen Synthesizern. Denn abgesehen von den Oszillatoren nutzt ein Großteil davon subtraktive Synthese, um den Klang anschließend in seine finale Form zu bringen.

Der wesentliche Unterschied liegt hier bei den Oszillatoren. Statt auf eine kleine Auswahl analog erzeugter Schwingungsformen zu setzen, gibt es hier etliche berechnete Schwingungen (Waves). Diese wiederum werden in sogenannten Wavetables zusammengefasst, die aus einer Handvoll verschiedener Schwingungsformen bis hin zu Sets aus hunderten Einzelschwingungen bestehen können.

Die einzelnen Schwingungen in den Wavetables können dabei entweder manuell angesteuert, oder mithilfe von Modulationsquellen wie LFOs, Hüllkurven durchfahren werden. Für das Durchfahren (Wave-Scanning) bieten viele Wavetable-Synthesizer unterschiedliche Überblendungsalgorithmen. Damit wird mehr oder weniger hart zwischen den einzelnen Schwingungen interpoliert. Dadurch sind die Ergebnisse mal butterweich oder eben ruppig abgehackt. Zusätzlich finden sich bereits in dieser Ebene weitere zahlreiche Methoden um bereits die Grundwellenformen zu beeinflussen. Darunter zählen unter anderem Ringmodulation, Sync, FM oder additive Synthese.

Auch die Auswahl an Wavetables ist mittlerweile gigantisch und lässt sich durch Sample-Analyse bei den meisten Synths sogar noch erweitern. Ob man hier analoge Schwingungsformen seiner Lieblingssynths lädt, sich seine Wavetables mathematisch errechnet, oder einfach wild mit Samples experimentiert: Der Fantasie sind dabei wenig Grenzen gesetzt.

Die besten Wavetable-Synths: Top-Liste

Korg modwave II

Korg setzt mit dem modwave II auf eine umfangreiche Fusion aus Wavetable-Synthese, Sample-Integration und virtuell analoger Synthese. Kombiniert mit einer einladenden Oberflächen und etlichen Möglichkeiten zur Klangbearbeitung, richtet sich Korg dabei gleichermaßen an Sounddesigner und Live-Performer.

Der modwave II macht in der Praxis sehr viel Spaß, benötigt allerdings auch etwas Einarbeitungszeit um das volle Potential auszuschöpfen. Das liegt einerseits am strukturellen Aufbau mit Parts und Layern, andererseits natürlich an der Fülle an Features.

Dank seines überzeugenden HiFi-Sounds, der Features und nicht zuletzt aufgrund des guten Preis-Leistungsverhältnis, ist der modwave eine klare Empfehlung für alle, die in die Welt der Wavetable-Synthese einsteigen wollen. Weitere Infos gibt es übrigens im Korg modwave Test.

Mayer EMI MD900

Mayer EMI MD900 ist ein kompromissloser Klangerzeuger, der Wavetable- und umfangreiche virtuell Analoge Synthese vereint. Der sehr hochwertig verarbeitete MD900 bietet zusätzlich noch einen Clip-Launch-Mode, einen extrem umfangreichen Arpeggiator und dazu noch eine komplexe Modulationsmatrix.

Zwar schlägt der MD900 zu einem Preis von rund 3300 € ein ziemliches Loch ins Budget. Auf der anderen Seite erhält man hier neben der guten Verarbeitung einen durchsetzungsfähigen, kräftigen Sound. Häufig vergisst man dann auch, dass es sich beim MD900 um einen digitalen Synth handelt. Denn der definierte Tiefenschub, den der MD900 erzeugt, sucht man bei den meisten anderen digitalen Synths vergeblich.

Und wer auf die zahlreichen Regler verzichten kann, erhält mit dem MD850 eine kleinere Version für rund 1000 € weniger. Auch der MD850 Vibes besitzt die umfangreiche Klangerzeugung der großen Version und bietet trotz der reduzierten Oberfläche einen erstaunlich direkten Workflow.

Vorbidlich ist auch der Service: Zur Kommunikation bietet Mayer einen Discord-Kanal an, in dem sich Nutzer untereinander und mit dem Entwickler rege austauschen können. Gute Vorschläge werden hier direkt übernommen und umgesetzt. Hier geht es zum Kanal: https://discord.gg/MEGZ8a8JCP

Waldorf Iridium

Mit dem Iridium dürfte Waldorf den zurzeit flexibelsten Hardware-Synthesizer im Angebot haben. Der Iridium vereint mehrere Synthesemodelle, darunter VA, FM, Granular, Physical Modelling und auch Wavetable-Synthese. Zudem lassen sich diese Modelle im Kernel-Modus weitgehend frei miteinander kombinieren.

Sechs Hüllkurven, ebenso viele LFOs, drei Oszillatorsektionen, sowie eine flexible Filterabteilung und umfangreiche Modulationsmatrix: Das Ausstattungspaket des Iridiums ist schlicht beeindruckend.

Durch seinen kräftigen HiFi-Sound, durchdachte Bedienung und vor allem die immense Feature-Liste ist der Waldorf Iridium daher eine klare Empfehlung für alle Klangforscher. Im Vergleich mit einem MD900 oder modwave ist die Bedienung des Iridiums allerdings nicht ganz so direkt. Mit etwas Übung beherrscht man den Synth aber auch im Club zu später Stunde.

ASM Hydrasynth

Ashun Sound Machines, kurz ASM, landete mit dem Hydrasynth einen echten Volltreffer. Der Wavetable-Synthesizer liefert eine wahnsinnig komplexe Syntheseabteilung mit mehreren LFOs, Hüllkurven, gut klingende Filter und umfangreichen Möglichkeiten zum Wave-Scanning. Anders als die anderen Vertreter in dieser Liste wird hier aber nicht auf riesige Wavetables gesetzt.

Vielmehr baut man sich beim Hydrasynth seine eigenen Wavetables, die bis zu acht Schwingungsformen aus dem internen Speicher beinhalten. Diese werden dann entweder einzeln wiedergegeben oder beim Durchfahren gemorpht, wodurch wiederum interessante Hybride entstehen. Auf Oszillatorebene stehen ebenfalls spannende Synthesefeatures wie FM, Wavefolder, Phase Modulation etc. bereit, um den Klang weiter zu formen. Verschiedene Filtermodelle und eine ausgefuchste Modulationsmatrix runden das Gesamtpaket ab.

Trotz all der spannenden Features und durchdachten Bedienung muss man allerdings erwähnen, dass der Hydrasynth einiges an Einarbeitungszeit erfordert. Denn hierbei handelt es sich definitiv nicht um einen „Sweet-Spot-Synth“ wie beispielsweise dem Korg modwave. Wenn man sich aber auf den Hydrasynth einlässt, wird man mit einem charismatischen Klangerzeuger belohnt, der ganz eigene klangliche Akzente setzt.

Arturia MicroFreak

Als Budget-Empfehlung sei hier der MicroFreak von Arturia genannt. Denn dieser verfügt, neben anderen Synthesemodellen, seit dem 4.0 Firmware-Update auch über die Möglichkeit, eigene Wavetables zu laden.

In Kombination mit analogem Multimodefilter, verhältnismäßig umfangreichen Modulationsmöglichkeiten und Paraphonie bietet der Hybride einen spannenden Einstieg (nicht nur) in die Wavetable-Synthese.

Waldorf M

Auch wenn in dieser Liste bereits das Synthesemonster Waldorf Iridium aufgeführt ist, darf ein weiterer Waldorf-Synth nicht fehlen. Mit dem „M“ setzt Waldorf eine langjährige Reihe fort, die vor über dreißig Jahren mit dem Waldorf Microwave begann. Dieser Wavetable-Synthesizer war ebenfalls ein Nachfolger, nämlich des legendären PPG Wave, mit dem seinerzeit die Wavetable-Synthese in ihrer jetzigen Form überhaupt erst ins Leben gerufen wurde.

Entsprechend kompromisslos ist auch der Ansatz des M, der sich in dieser Tradition sieht. Waldorf M vereint die Wavetables vom Microwave bis hin zum XT, bietet sowohl ein analoges als auch digitales Filter, sowie umfangreiche Modulationsmöglichkeiten. Zusätzlich können eigene Wavetables über den SD-Card-Slot importiert werden.

Zwar steht der Waldorf M mit seiner Ausstattung im direkten Vergleich etwas sporadischer da. Dafür erhält man hier einen einzigartigen Sound, der sich besonders gut für harte Bässe und Leads eignet, aber auch Pads überezugend wiedergibt. Nur muss man den charmismatischen Grundklang mögen. Deshabl sei der Waldorf M vor allem denjenigen empfohlen, die den rohen Originalsound der frühen Wavetable-Generationen suchen.

Groove Synthesis 3rd Wave

Mit dem 3rd Wave hat das kalifornische Unternehmen Groove Synthesis einen flexiblen Wavetable-/VA-Synth im Portfolio, der zum Teil auf dem legendären PPG Wave basiert. Die Klangsynthese hat es in sich: Vier Parts mit bis zu 24 Stimmen, Rossum-Lowpassfilter, ein weiteres digitales Multimodefilter, sowie eine umfangreiche Modulationsmatrix. Auch die Effektabteilung weiß hier zu überzeugen.

Neben zahlreichen vorhandenen Schwingungsformen und Wavetables kann man mit dem 3rd Wave auch eigene Wavetables erstellen und diese anschließend in verschiedenen Qualtitätsstufen (Vintage-Modi) wiedergeben. Klanglich ist das alles sehr stimmig und der 3rd Wave liefert absolut ab. Das sollte er aber auch, denn für knapp 4000 € in der Modulversion und rund 5500 € als Tastaturvariante ist der 3rd Wave mit Abstand der teuerste Synth in dieser Liste.

Fazit: Die besten Wavetable-Synthesizer

In dieser Liste ist nur eine kleine Auswahl derzeit erhältlicher Wavetable-Synthesizer. Zu nennen wären sicherlich noch Modals Argon8, die 1010music Nanobox Fireball, Fred’s Lab Töörö und viele andere Vertreter. Und damit würde ich immer noch etliche Software-Plugins unterschlagen, welche diese Syntheseform in Perfektion beherrschen.

Meine persönlichen Favoriten wären der Iridium für seine extremen Klangforschungsmöglichkeiten, der modwave für das geniale Preis-Leistungsverhältnis, und der MD-900 für seinen intuitiven Zugriff und hervorragenden Sound. Aber das kann bei euch völlig anders sein. Vielleicht hat euch diese Liste als Startpunkt trotzdem etwas geholfen und ihr macht eigene Erfahrung mit der Wavetable-Synthese. Wie immer freue ich mich über euer Feedback dazu in der Kommentarspalte.

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Bevor du deinen Einkaufswagen volllädst, solltest du dir bei deinem ersten Hardware-Synth über ein paar Dinge klarwerden: Möchtest du Live damit performen oder wirst du ihn nur im Studio einsetzen? Ist eine Soundkarte bereits vorhanden? Bist du eher Klangschrauber und programmierst jeden Sound von Grund auf oder siehst du dich eher als Performer, der schnell eine Vielzahl unterschiedlicher Presets abrufen muss? Und natürlich muss dir der Synth auch klanglich zusagen.

Vorweg: Bei letzterem Punkt kann ich nicht helfen, da guter Klang immer höchst subjektiv wahrgenommen wird. Selbst die krasseste Noisekiste wird ihre Liebhaber finden. Bei den anderen Fragen kann ich hoffentlich helfen. Im Anschluss findest du eine Top-5-Liste der besten Synthesizer für Einsteiger.

Was muss ein Synthesizer für Einsteiger mitbringen?

Um in diese Liste aufgenommen zu werden, mussten die Synths folgende Kriterien erfüllen:

• Intuitive Bedienung
• Breites klangliches Spektrum
• Nicht zu teuer in der Anschaffung
• Platz sparend und leicht ins Studio integrierbar
• Optional: Presets, die bei den ersten Schritten helfen

Mono- oder polyphoner Synth?

Im Studioalltag ist es dank Mehrspuraufnahmen fast schon egal, ob der Synth über eine oder mehrere Stimmen verfügt. Bei Bedarf nimmt man den gleichen Track immer wieder in einer anderen Tonhöhe auf und kreiert so polyphone Melodien.

Wichtiger sind da klangliche Aspekte und eine umfangreiche Ausstattung, die den Synth nicht schnell langweilig werden lässt. Umgekehrt bieten die meisten polyphonen (mehrstimmigen) Synthesizer die Möglichkeit, Sounds solo oder unisono (mehrere Stimmen spielen gleichzeitig den gleichen Ton auf der selben Note) wiederzugeben.

Einzig in Live-Situationen sind monophone Synths dahingehend limitiert, dass sie eben nur eine Note gleichzeitig erzeugen können; mal von der Möglichkeit abgesehen, Akkordklänge durch gezieltes Verstimmen der Oszillatoren zu simulieren. Wenn das für dich kein Ausschlusskriterium ist, bist du in der glücklichen Lage, aus einem riesigen Pott deinen Traumsynth herauszufischen. Früher war es häufig so, dass viele monophone Synths ihre eingeschränkte Stimmenzahl mit klanglichen Optionen gutmachten. Für experimentelle Sounds waren sie also öfter das Mittel der Wahl. Die Zeiten haben sich zum Glück geändert, denn der Markt ist seit einigen Jahren voll mit guten Synths mit hervorragendem Preis-/Leistungsverhältnis.

Die besten Synthesizer für Einsteiger – Top 7

Für einen guten Start findest du nachfolgend eine kleine Auswahl von Synthesizern, die nicht nur für Anfänger eine gute Empfehlung sind.

Behringer Pro-1

Behringer hat mit dem Nachbau von Sequential Circuits Pro One einen echten Volltreffer gelandet. Für unter 200 € bekommt man einen sehr gut klingenden Analogsynth, der auch noch solide verarbeitet ist. Bei einem Synthesizer für Einsteiger besonders gut: Jede Funktion am Synth hat einen eigenen Regler. So kann man stets den Signalfluss auch optisch nachvollziehen, was einem gerade in der Lernphase hilft. Einzig die Modulationsmatrix auf der linken Seite könnte anfangs eine kleine Verständnishürde sein.

Klanglich ist der Pro-1 sehr nah an seinem Vorbild: Brettharte Basslines, verträumte Leads aber auch experimentelle Sounds liegen dem Synth. Nicht umsonst findet sich der Pro One / Pro-1 in so vielen unterschiedlichen Stilen elektronischer Musik wieder. Wie viel einem die hundertprozentige Patina eines Originals auf dem Gebrauchtmarkt Wert ist, muss man letztlich für sich selbst entscheiden. Der Duo-Mode und das Nichtvorhandensein der anfälligen Tastatur sind neben dem Preis aber handfeste Argumente, zumindest mal einen Testlauf mit dem Behringer Pro-1 zu absolvieren.

Wer mit dem etwas härteren Klang vom Pro-1 nicht so viel anfangen kann, sollte sich noch den Minimoog-Clone von Behringer ansehen. Mit dem Behringer Model D erhält man für wenig Geld einen Synthesizer, der nicht nur ausgezeichnet klingt, sondern für den Kurs erstaunlich gut verarbeitet ist. Wenn es die finanzielle Situation zulässt, kann man über eine Anschaffung beider Synthesizer nachdenken, da sie sich klanglich sehr gut ergänzen.

Elektron Digitone II

Ein FM-Synthesizer für Einsteiger? Absolut, wenn es sich dabei um den Digitone von Elektron handelt! FM Synthese hat (leider) den Ruf, vergleichsweise kompliziert zu sein. Obwohl das echt keine Raketenwissenschaft ist, kann ich verstehen, dass ein DX7 erstmal komplexer wirkt, als beispielsweise ein Minimoog. Hat man sich die Basics der FM-Synthese aber erst einmal raufgeschafft, ist Frequenzmodulation eine großartige Quelle für viele authentische Sounds.

Das ist auch einer der Gründe, warum sich in unzähligen Techno- und Ambienttracks Klänge finden, die irgendeinem DX-Synth entsprungen sind. Von weichen Pads über trocken hölzernen Leads bis hin zu eiskalt harschen Texturen liefert diese Syntheseform eine breite Farbpalette, die man woanders vergeblich sucht.

Hinzu kommt, dass Elektron einem den Einstieg in die FM extrem einfach macht. Eine Limitierung auf die wichtigsten Parameter, eine schlaue Menüführung und nicht zuletzt der gelungene Sequencer sorgen für ausreichend Spaß. Zusätzlich erleichtert Elektron den Zugang, indem sie nicht nur FM Synthese eingebaut, sondern das Ganze um einen subtraktiven Filter erweitert haben. Selbst wenn einem die FM-Synthese anfangs noch zu schwer ist, kann man mit den Presets ausprobieren und gezielt mit dem Filter erste Gehversuche starten.

Da der Digitone II über ein gutes internes Audiointerface verfügt, gleichzeitig die eigenen Sounds via Overbridge per USB an den Rechner überträgt, benötigt man anfangs keine zusätzliche Peripherie. Mittlerweile ist auch der Overbridge-Editor ausreichend entbuggt, um damit komfortabel auf alle Parameter zugreifen zu können

Novation Bass Station 2

Speicherbare Presets, gute Verarbeitung, etliche Features und ein ausgezeichneter Klang: Novation hat mit Bass Station 2 einen analogen Synth auf den Markt gebracht, der es in sich hat. Hinzu kommt eine nahezu beispiellose Produktpflege. So spendierte Novation der Bass Station II noch sechs Jahre nach Erscheinen ein umfangreiches Firmware-Update, das den Synthesizer unter anderem mit Duophonie und Retrigger der Hüllkurven ausstattete.

Klanglich ist der Synthesizer sehr ergiebig, was zum einen an der umfangreichen Filtersektion, zum anderen an den flexiblen Oszillatoren liegt. Bei anderen Synths muss man für das Dazuschlagen von Noise schon einmal einen Oszillator opfern. Nicht so bei deBass Station II: Im Mixer werden die Signale nach Bedarf hinzugemischt, was auch für den Ringmodulator und die Suboszillatoren gilt. Da zudem die LFO-Frequenzen bis hin den hörbaren Bereich gehen, sind selbst glockige und harsche FM-Sounds möglich. Bass Station 2 ist also nicht nur ein guter Lieferant für Bässe, sondern liefert eine umfangreiche Klangpalette für nahezu alle Sounds.

Bass Station 2 oder Circuit Mono Station? Die feinen Unterschiede erklärt.

Da beide Synths klanglich recht nah beieinander sind, sollte man sich für die Entscheidung drei Aspekte klarmachen: Wer seine Melodien lieber mit einer Klaviatur spielt, sollte zur Bass Station 2 greifen. Ist das nicht so wichtig, erhält man mit dem Sequencer der Circuit Mono Station ein extrem mächtiges Tool, das nicht nur live eine gute Figur macht. Über die Pads lässt sich die Circuit Mono Station auch recht gut spielen, das Spielgefühl ist aber anders.

Möchte man sich am Preis orientieren, lohnt es sich unter Umständen zu warten. Die Circuit Mono Station gab es mehrmals im Angebot für etwa 280 €, wodurch sie rund 100 € günstiger als die Bass Station 2 ist. Dadurch dürften immer wieder auch günstige Geräte auf dem Gebrauchtmarkt erscheinen.

Zuletzt bleibt der Vergleich der Features: Die Bass Station 2 bietet bessere Suboszillatoren, zwei vollwertige LFOs und Hüllkurven, bei der Circuit Mono Station muss man sich jeweils mit einer begnügen. Dafür gibt es hier den ausgefuchsten Modulations-Sequencer mit dem man etliche Parameter automatisieren kann. Zusätzlich ist es möglich, einzelne Elemente der Klangerzeuger am Filter vorbei in den Mix zu leiten, was wiederum spannende Klänge ermöglicht, die so mit der Bass Station 2 nicht möglich sind.

Novation Circuit Tracks

Zwei ausgewachsene Synthesizer plus vier Sample-Spuren, sowie eine flexible Klangerzeugung. Und das ganze zu einem Preis von rund 300 €. Novations Groovebox „Circuit“ ist seit Jahren schon fester Bestandteil in vielen Live-Setups und Studios.

Klanglich spielt der Circuit Tracks seine Stärken eher bei digitalen Sounds aus, also bei komplexen Leads, Glocken, sowie Flächen und Texturen. Analoge Bässe gelingen ihm zwar, im Vergleich zu vielen analogen Spezialisten fehlt ihm dann aber doch der letzte Schub.

Dafür lässt er sich mit Batterie betreiben um unterwegs schnell mal eine Idee festzuhalten. Und mit geschickter Pattern-Programmierung ist man mit dem Circuit in der Lage, ein komplettes Live-Set zu spielen. Selbst als MIDI-Controller macht der platzsparende Synth eine gute Figur. Die 32 Pads reagieren auf Anschlagdynamik und zur Noteneingabe lassen sich eigene Skalen festlegen und abspeichern.

Roland SH-01a

Rolands SH-01a ist eine digitale Emulation des legendären SH-101 mit sinnvollen Extras. Eines der wichtigsten Upgrades gegenüber dem analogen Vorgänger ist die vierfache Polyfonie. Dadurch lassen sich auch wunderbare Flächen mit der typischen SH-Soundästhetik spielen. Dass der interne Sequencer in der Lage ist, Melodien polyphon aufzuzeichnen und wiederzugeben rundet dieses Feature noch ab.

Klanglich spielt der SH-01a ganz vorne mit, wenngleich ihm im Vergleich zum Original ein Quäntchen „weiche Melancholie“ fehlt. Wir reden hier aber über Nuancen, die an anderer Stelle durch den erweiterten Funktionsumfang wieder aufgefangen werden.

Ein weiterer Punkt warum dieser Synth Einzug in diese Liste fand, ist die Möglichkeit, den SH-01a als Audio Interface zu betreiben. Nicht nur wird das eigene Audiosignal per USB direkt an den Computer übertragen, man kann über den Audio-Eingang (Mix In) ein externes Signal einschleifen. Die Latenzen sind ausreichend niedrig, wenngleich spezialisierte Audio Interfaces nach wie vor die Nase vorn haben. Anfänger können sich mit dem SH-01a also anfangs ein Audio-Interface sparen und direkt loslegen.

Roland S-1

Falls ihr nur die SH-inspirierte Klangerzeugung sucht und auf ein Audiointerface verzichten könnt, ist auch der Roland S-1 eine gute Alternative. Noch einmal günstiger bietet er einen überraschend guten Sound im ultrakompakten Format. Dazu lässt er sich sogar per internem Akku betreiben und bringt interne Effekte gleich mit.

Die besten Synthesizer für Einsteiger – Fazit

Für welchen Synthesizer du dich entscheidest, ist eine Frage des Geschmacks und nicht zuletzt des Budgets. Gut klingende Synthesizer für Einsteiger gibt es aber reichlich. Natürlich kannst du auch nur mit den Computer und Plug-In Synthesizern richtig gute Ergebnisse erzielen und so langsam das Geld für deinen Traumsynth zusammensparen.

Und selbst wenn du dir mal einen Fehlkauf leisten solltest: Dank 30 Tage Money Back im Onlinehandel und gut funktionierendem Gebrauchtmarkt ist das Risiko sehr überschaubar, auf dem Synth sitzen zu bleiben.

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Neben der Roland TR-808 ist die TR-909 ohne Frage eine der wichtigsten Drum Machines für Techno, House und andere Genres der elektronischen Musik. Ihr druckvoller Sound ist auch nach über dreißig Jahren immer noch Bestandteil in zahlreichen Tracks und diese Popularität spiegelt sich leider auch in utopischen Gebrauchtmarktpreisen wider. Grund genug, sich mal bei den TR 909 Clones umzusehen. Dieser Artikel stellt die besten TR-909 VST und Hardware-Alternativen vor.

Roland TR 909 VSTs

Bei etlichen TB-303 VSTs und Minimoog-Clones in Plugin-Form hätte man erwarten können, dass es auch eine der ikonischsten Drum Machines in vielfältiger Form als virtuelles Instrument gibt. Tatsächlich ist die Auswahl an guten TR 909 PlugIns aber recht überschaubar.

Das liegt vermutlich einerseits daran, dass viele Produzenten hier auf gute Sample-Libraries setzen. Und das ergibt auch Sinn, da man hiermit häufig schneller zum Ziel kommt, da diese bereits entsprechend optimiert wurden. Andererseits fehlt virtuellen Drum Machines ein entscheidender Vorteil gegenüber der Hardware: Das direkte haptische Erlebnis, das einem eine echte Drum Machine vermittelt.

Zudem möchte man manchmal eine Emulation analoger Ungenauigkeiten, die einem eine Sample-basierte Klangerzeugung schlichtweg nicht bietet. Und wenn dann noch der Platz oder das nötige Budget fehlt, sind die virtuellen TR 909 VST genau richtig.

Audiorealism ADM1x

Das schwedische Unternehmen Audiorealism stellte mit dem ADM bereits vor über zehn Jahren ein gutes TR 909 VST Instrument vor. Alternativ zur TR 909 kann man hier pro Instrument noch zwischen TR 808 und TR 606, sowie einigen sample-basierten Drum Machines (z.B. TR-707, TR 727, TR 505 usw) auswählen.

Die Emulation der analogen und digitalen Klassiker gelingt recht anständig, wobei der Gesamtklang nicht mehr ganz auf der Höhe der Zeit ist. Oder mit anderen Worten: Wie bei den originalen Drum Machines sollte man hier noch Klangoptimierung mit einplanen, um mit aktuellen Produktionen mitzuhalten. Denn ganz nackt klingt die ADM1x gerne mal etwas schwach in den Höhen.

Zur Audiorealism ADM Webseite

D16 Group Drumazon 2

Mit dem Drumazon 2 hat D16 Group ein hervorragendes TR 909 VST im Portfolio, das sich sehr stark am Original orientiert. Nicht nur konzeptionell sondern auch klanglich ist man hier noch ein gutes Stück näher an der TR-909 dran, als es etwa Audiorealism mit dem ADM1x gelungen ist.

In der Version zwei spendierte D16 Group dem 909 Plugin eine Menge an Zusatzfeatures, darunter Dynamikprozessoren, Kreativeffekte und einen Master-Bus, in dem man das Gesamtsignal zusätzlich verdichten kann. Im Ergebnis klingt das hervorragend und lässt sich aus dem PlugIn heraus direkt in einer Produktion einsetzen.

Im Vergleich mit anderen Plugins entscheidet hier vor allem das Kriterium Qualität vs. Quantität. Wer auf Authentizität und schnelle 909-Ergebnisse Wert legt, kann bedenkenlos zum Drumazon 2 greifen. Zumal dieser TR-909 Clone im Gegensatz zum ADM1x auch eine erweiterte Parametrisierung zur Verfügung stellt um die einzelnen Sounds noch stärker zu verändern.

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Roland Cloud TR-909

Als letztes TR 909 VST wird hier noch ein Kandidat aus dem Hause Roland vorgestellt. Denn auch in der Roland Cloud findet sich eine virtuelle Version des Originals. Wie aber schon beim hauseigenen TB-303 Clone liefert Roland auch bei der TR-909 Cloud eine eher durchwachsene Arbeit ab.

Denn bei rund 165 € hätte ich zum Beispiel erwartet, dass man die Klangerzeugung etwas tiefer beeinflussen kann. Dass man im Gegensatz etwa zur D16 Group auf erweiterte Features verzichtet hat, ist einfach nicht mehr zeitgemäß. Als 1:1 Clone ist die TR-909 Cloud ok, aber es hätte gerne etwas mehr sein dürfen.

Roland TR 909 Clone: Hardware-Varianten

Wenn ihr nicht auf das direkte Gefühl echter Hardware verzichten wollt, gibt es zum Glück viele gute Drum Machines, die den TR 909 Sound akkurat liefern. Neben einer Reihe von Geräten, die man getrost als TR 909 Clone bezeichnen kann, liefern aber auch andere Hersteller einen authentischen 909 Sound, wenn man sie in diese Richtung programmiert.

Behringer RD-9: Analoger TR 909 Clone

Falls der TR-909 Clone analog sein soll, ist die RD-9 von Behringer eine gute Alternative zum Original. Denn die Drum Machine liefert nicht nur einen authentischen Sound, sondern auch noch ein paar Erweiterungen, die das Original nicht bietet. Sicherlich wird das Puristen nicht besonders beeindrucken.

Aber Features wie 64 Steps, Transienten-Shaper und ein globales Filter sind nicht nur bei Live-Performances extrem willkommen. Und selbst Besitzer einer originalen TR 909 wollen diese nicht unbedingt immer auf Tour mitnehmen und unnötigem Risiko aussetzen.

Zu einem Preis von rund 290 € liefert die Behringer RD-9 ein geradezu sensationelles Preis-Leistungsverhältnis. Selbst wenn man hier nur einzelne Instrumente wie Kick oder Snare benötigt, liegt man da teilweise beim Kauf der Einzelkomponenten nich drüber. Die Verarbeitung ist solide und die Feature-Ausstattung umfangreich.

Zum Behringer RD-9 Test

Roland TR-09 Boutique

Mittlerweile ist die miniaturisierte TR 909 aus dem Hause Roland nur noch gebraucht erhältlich. Aber auch die Roland TR-09 Boutique lieferte einen guten Sound im kompakten Format. Zusatzfunktionen wie Kompressor sind hier in Unternmenüs versteckt, weshalb die kleinste TR 909 auf dem Markt nicht immer eine Freude im Live-Betrieb ist. Zudem ist die Bedinung mitunter doch etwas fummelig. Dennoch gehen Sound und Verarbeitung absolut klar.

Allerdings gibt es mit der Roland TR-8 oder Behringers RD-9 gute Alternativen. Daher sollte man sich vor dem recht sportlichen Gebrauchtmarktpreisen gut überlegen, warum man nicht lieber zu diesen greift.

Roland TR-8S: Mehr als nur ein TR 909 Clone

Und wieder einmal schafft es die Roland TR-8S in eine Best-of-Liste. Denn neben ihrer ausgezeichneten Fähigkeit als Groovebox oder TR-808 Clone überzeugt die TR-8S auch, wenn man den Sound der TR 909 sucht.

Die TR-8S liefert den Sound der Roland-Klassiker, ermöglicht die Einbindung eigener Samples und bietet einen rudimentären FM-Drumsynth. Dank Fader und intuitiv bedienbarem Sequencer macht die TR-8S im Live-Einsatz einfach Spaß. Im DAW basierten Studio kann die TR-8S einfach eingebunden werden, indem man Audio und MIDI über die USB-Schnittstelle überträgt.

Roland TR-1000: Das X0X-Komplettpaket

2025 reagierte die Mutter aller X0X auf die konstante Nachfrage nach den Legenden und schickte mit der TR-1000 den ultimativen TR-X0X-Hybriden auf den Markt. Mit knapp 2700 € ist die TR-1000 der teuerste Clone dieser Liste.

Dafür bringt die TR-1000 aber neben einer analogen TR909 und erweiterten ACB-909-Klangerzeugung, gleichzeitig auch noch eine TR-808 (analog und digital) mit, und dazu ACB-Modelle anderer TR-Modelle. Wem das nicht reicht, bekommt noch Sample-Support, FM-Drumsynthese, Layering und etliche Möglichkeiten zum Sounddesign an die Hand.

Setzt man den Preis dann in Relation zum Gesamtpaket, merkt man schnell, dass Roland hier keine Kompromisse gemacht hat. Wer studiotauglichen Sound direkt aus dem Gerät möchte, und auch vor einem immensen Funktionsumfang nicht zurückschreckt, dürfte mit der TR-1000 einen hervorragenden TR-909 Clone bekommen.

Jomox Alpha Base MKII

Der berliner Hersteller Jomox hat eine lange Geschichte im Drummachine-Sektor. Vor über zwanzig Jahren war die X-Base 09 der einzige analoge TR-909 Clone auf dem Markt, der kommerziell vertrieben wurde. Zwar wich man an vielen Stellen von der Originalvorlage ab. Der kräftige Sound der Jomox-Drum-Machines ist aber auch heute noch legendär.

In dieser Tradition steht auch die Alpha Base MKII, die jüngste Iteration einer langen Traditionslinie. Und auch die Alpha Base MKII kann durchaus den klassischen TR 909 Sound liefern. Wenn man auf das letzte Quäntchen Authentizität Wert legt, sollte man sich jedoch woanders orientieren. Denn so gut und flexibel die Alpha Base MKII auch sein mag, zum klassischen TR 909 Klang kommt man mit anderen Lösungen schneller und zuverlässiger.

Nichtsdetotrotz ist die Jomox Alpha Base II eine hervorragende Groovebox für elektronische Musik, die neben analoger Soundengine auch Samples einbindet und über einen FM-Synth verfügt. Daher sei sie jedem ans Herz gelegt, der einen kräftigen Analogsound mit flexiblen Möglichkeiten sucht.

Elektron Analog Rytm MKII

Elektron hat mit dem Analog Rytm MKII eine hybride Drum Machine im Portfolio, die analoge Drumsynths und Samples vereint. Dabei handelt es sich – wie schon bei anderen Kandidaten in dieser Liste – nicht um einen Roland TR-909 Clone. Allerdings lassen sich auch mit dem Analog Rytm MKII authentische 909 Sounds erstellen. Zwar benötigt man hier einiges an Sounddesign-Zeit. Denn die Sweetspots so zu setzen, bis ein in sich stimmiges Kit entsteht, ist beim Analog Rytm MKII mitunter einer echte Herausforderung.

Dafür wird man am Ende mit einem sehr fetten Analogsound belohnt, der einer TR-909 echt die Show stehlen kann. Inwiefern man dadurch den Mangel an 100 % Authentizität vergisst, hängt an den eigenen Ansprüchen. Immerhin: Im Notfall könnte man schummeln und sich eine TR-909 zusammenbasteln, die nur aus Samples besteht und diese dann mit den analogen Sounds layern.

Die besten TR-909 Clone: Fazit

Egal ob TR 909 VST oder Hardware-Clone: Mittlerweile gibt es ausreichend Alternativen zu teuer gehandelten Gebrauchtmarkt-Schätzen. Zwar werden auch hier Puristen wieder meckern, denn 100 % Zufrienheit bei Look, Haptik und Sound wird man wohl nur dann erreichen, wenn man sich das Original holt.

Nur stellt sich dann auch die Frage, wieviel davon noch rational begründbar ist – aka „im Mix hört man es eh nicht“. Zudem man hier das Argument aufführen kann, dass viele TR-909s mittlerweile leicht anders klingen.

Und damit steht am Ende die Frage, wieviel einem dieses Mojo Wert ist. Ich würde zum Beispiel nie den Preis einer echten TR-909 auf den Tisch legen, da mir der Unterscheid fürs Produzieren einfach zu marginal ist. Ich kann aber auch Leute verstehen, die sich endlich einen Traum erfüllen wollen und sich das Original anschaffen. Die wird man wahrscheinlich mit keinem Clone wirklich glücklich machen können. Für alle anderen ist zum Glück reichlich Auswahl vorhanden.

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Delay Effekte für Synthesizer – Worauf sollte man beim Kauf achten?

Delay-Varianten: Retro vs. Digital

Ganz grob kann man Delays in zwei Richtungen einteilen: Zum einen gibt es die modernen HiFi-Delays, die ohne Artefakte das Eingangssignal verzögert wiederholt abspielen. Zum anderen gehören die Retro-Delays und hier vor allem sogenannte BBD-Delays und Tape-Delays, die erfrischend charaktervolle Gegenseite. Bei aktuell erhältlichen Delays kann man dem Klang glücklicherweise häufig noch mit Filtern, Bitcrushern oder EQs zu Leibe rücken, sodass selbst ein HiFi-Delay noch ordentlich Schmutz bekommt.

Ich bin sogar der Ansicht, dass es schwieriger ist, eine gute Retro-Emulation zu finden, als sauber klingende HiFi-Delays. Gerade bei hohen Feedbackwerten und manueller Änderung der Geschwindigkeit neigen die Originale dazu, herrlich zu eiern oder mit lebendiger Übersteuerung zu reagieren. Das war übrigens auch eines der Hauptkriterien für diese Bestenliste: Falls ein Delay in dieser Disziplin versagt, kommt es gar nicht erst in die engere Auswahl.

Analoge Komponenten

Hier stellt sich die Frage, wie wichtig dir ein echt analoger Aufbau ist. Viele Analogdelays sind mit einer sogenannten Eimerkettenschaltung ausgestattet. Dabei kommen ein hochfrequenter Clock-Generator für die Verzögerungszeit und nahezu immer noch ein Tiefpassfilter zum Einsatz, das die hochfrequenten Clocksignale wieder aus dem Audiokanal entfernt. Durch das Tiefpassfilter klingen diese Effektpedale oftmals etwas muffig, sorgen aber gleichzeitig für ein schönes Analogfeeling, wenn es in die Sättigung gefahren wird.

Der zweite populärer Vertreter dieser Gattung ist das Bandecho, bei dem das Audiosignal auf einem Tonband aufgenommen und im Loop wiedergegeben wird. Häufig fangen ältere Bänder irgendwann an leicht zu leiern oder verlieren an Höhen was einen Anteil an dem gefragten Retrocharme hat. Indem man bei laufendem Band die Delay-Rate ändert, wird das aufgenommene Signal langsamer oder schneller abgespielt. Dadurch ändert sich dann auch die Tonhöhe entsprechend, was zu den wunderbaren Dub-Delays führt.

Obwohl gerade Delay-Emulationen mittlerweile richtig gut sind, ist das Erlebnis eines laufend schnurrenden Bandes nur schwer zu reproduzieren. Da sich Tape-Delays aber sowohl auf dem Gebrauchtmarkt als auch neu gekauft oftmals außerhalb der Budgetgrenzen befinden, habe ich mich in dieser Liste nur auf gute digitale Kopien konzentriert. Wenn du diesen Sound unbedingt ohne Kompromisse haben möchtest, empfehle ich dir das Echo Fix Tape Echo. Das liegt allerdings auch schon über dem Preis, den man für ein gut erhaltenes Original-Tape-Echo zahlen muss. Dafür allerdings mit Garantie.

Echter Stereo-Signalweg

Hier muss man tatsächlich etwas aufpassen, denn viele der Delay-Pedale sind für Monosignale ausgelegt. Wir wollen aber einen Synthesizer daran anschließen und möglichst flexibel bleiben. Umso wichtiger ist es, dass Delay Effekte für Synthesizer einen echten Stereo-Signalweg, also zwei Eingangs- und zwei Ausgangskanäle haben.

Ausreichend Bedienelemente

Neben dem Klang und der Unabhängigkeit vom Rechner ist ein wesentlicher Grund für Hardware der direkte Zugriff. Deshalb sollte das Delay-Effektpedal auch eine gute Auswahl an Drehreglern, Tastern oder Fadern bereitstellen. Hierbei kommt es weniger auf die Anzahl insgesamt an. Vielmehr ist es wichtig, dass die wichtigsten Parameter ohne Menünavigation auskommen. Bei Delays sind das vor allem Verzögerungszeit, Feedback, Auswahl des Algorithmus und Effektanteil. Falls das Delay darüber hinaus ein Filter besitzt ist es gut, den Cutoff direkt einstellen zu können.

Speicherplätze

Falls du vorhast, das Delay live einzusetzen, sind Speicherplätze ein echter Segen. Während man im Studioalltag schnell mal alternativ auf PlugIns zurückgreifen kann, ist das Tourgepäck in der Regel möglichst kompakt gehalten. Umso praktischer ist es, wenn man an einem Effektpedal schnell mal zwischen verschiedenen Settings hin- und herschalten kann.

MIDI-Synchronisation

Wenn man vorhat, die Delay Effekte rhythmisch exakt auf den Beat zu setzen, bieten sich zwei Möglichkeit besonders gut an: Entweder man nutzt einen Taster um das Tempo nach Gehör per Hand einzutippen, oder man speist das Delay Pedal über MIDI mit einer Clock. Natürlich kann man das Tempo mit etwas Geduld auch nach Gehör anpassen. Falls man sich aber – etwa während einer hektischen Live-Performance – lieber auf andere Dinge konzentrieren möchte, ist es gut, wenn das Pedal einen MIDI-Input besitzt.

Damit kommen wir auch direkt zu den besten Delay Effekten für Synthesizer. Die Liste habe ich mit Fokus auf elektronische Musik wie Techno, Ambient oder Deep House erstellt. Und natürlich spielt bei solchen Bestenlisten der persönliche Geschmack immer auch mit rein. Wenn du also noch weitere Vorschläge hast, freue ich mich über Anregungen in der Kommentarsektion.

Die besten Delay Effekte für Synthesizer: Übersicht

Source Audio Nemesis: Der Preis-/Leistungstipp

Falls du auf der Suche nach einem echten Allrounder bist, solltest du dir das Source Audio Nemesis einmal genauer ansehen. Denn das unscheinbare Effektpedal bietet auf platzsparendem Raum 24 unterschiedliche Delay-Algorithmen. Die Palette reicht hier vom trashigen Lo-Fi-Delay, über eine Auswahl an BBD- und Tape-Delays bis hin zu edlen Stereo-Delays.

Zusätzlich bietet die Editor-App „Neuro Mobile“ die Möglichkeit, sich seine eigenen Delay-Kombinationen zusammenzustellen und in einem der 128 Speicherplätze abzulegen. Zwar lassen sich diese nur per MIDI-Befehl aufrufen, aber über die Oberfläche lassen sich immerhin acht Presets direkt abrufen.

Das Source Audio Nemesis findet seinen Platz im Studio ebenso wie in Live-Situationen. Dafür sorgt eine gute Auswahl an Drehreglern, über die man etwa Verzögerungszeit, Effektanteil oder Feedback einstellt. Zu einem Preis von rund 300 € bekommt man ein vielseitiges Stereo-Delay, das klanglich absolut überzeugt.

Strymon Volante: Das perfekte Retro-Delay für Synthesizer?

Strymon emuliert mit dem Volante den Sound klassischer Magnet-Delays und bietet dafür drei verschiedene Algorithmen. Während sich Studio und Tape auf die Nachbildung von Bandechos konzentrieren, hat sich der Modus „Drum“ der Nachbildung des legendären Binson Echorec Trommelechos spezialisiert. Jedes Modell färbt mal stärker, mal weniger den Klang. So oder so: Was am Ende rauskommt hat ordentlich Charakter und lässt Synthesizer-Sounds richtig aufleben.

Da die insgesamt vier emulierten Tonköpfe frei verschaltet, mit Filtern bearbeitet und separat im Panorama verteilt werden können, sind selbst komplexere Delays möglich. Daher sind auch groovigere Delay-Lines schnell umgesetzt.

Durch seine robuste Verarbeitung, echten Stereosignalweg und einem großartigen Klang ist das Strymon Volante das perfekte Retro Delay für Synthesizer. Hatte ich eigentlich schon erwähnt, dass das Strymon Volante zusätzlich noch über eine gute Federhall-Emulation verfügt?

Erica Synths Zen Delay: Perfekte Dub Delays

Das Zen Delay von Erica Synths mag nicht so flexibel sein wie die anderen Kandidaten dieser Liste. Was es macht, macht es jedoch richtig gut: Hervorragend klingende Dub- und Retro-Delays mit viel Charakter.

Das Zen Delay ist ein Hybrid aus digitaler Emulation von Delays und analogen Komponenten. Das Eingangssignal kann dabei mit Röhrensättigung ziemlich heiß angefahren werden. Zusätzlich verpasst ein analoges Multimode-Filter mit Hochpass, Bandpass und Tiefpass dem Sound eine ordentliche Portion Lebendigkeit. Besonders gelungen ist beim Zen Delay die Bedienung. Durch die großen Regler findet man sich auch in dunklen Live-Situationen nahezu blind zurecht.

Guter Sound und intuitive Bedienung – das Zen Delay macht von den hier vorgestellten Delay Effekten für Synthesizer sicherlich am meisten Spaß. Dafür fällt mit fast 600 € allerdings auch ein ziemlich sportlicher Anschaffungspreis an.

Zum Test Erica Synths Zen Delay.

UAFX Starlight Echo Station: Tape-Echo mit Schmutz

Wer beim Sound keine Kompromisse eingehen möchte und mit wenigen, aber dafür gut klingenden Delay-Algorithmen zurechtkommt, sollte sich das Starlight Echo Station einmal ansehen.

Das Starlight Echo Station ist Tape-Delay, Analogdelay, sowie modernes HiFi-Delay in einem. Egal für welchen Algorithmus man sich entscheidet, es klingt eigentlich immer ausgezeichnet.

Zudem sind die Parameterwerte perfekt aufeinander abgestimmt, sodass man immer im Sweetspot bleibt. Von subtilen Delays, die Einzelsignale rhythmisch vorantreiben bis hin zum mächtigen Dub-Delay auf kompletten Dubtechno und Ambient-Tracks: Das Starlight Echostation überzeugt in einer Vielzahl von Anwendungen.

Hier geht es zum UAFX Starlight Echo Station Test.

GFI Specular Tempus

Zugegebenermaßen ist es etwas unfair, eine Kombination aus Delay und Reverb in diese Liste mit aufzunehmen. Zumal das GFI System Specular Tempus bereits einen Ehrenplatz im Artikel die besten Reverb-Pedale für Synthesizer bekam. Trotzdem darf das Specular Tempus auch in diesem Artikel nicht fehlen. Denn das Teil klingt einfach unfassbar gut.

Deutlich sichtbar ist das große LC-Display auf der Oberseite, das einerseits praktische Informationen liefert, andererseits aber auch zur Navigation hinab in tiefere Menüebenen dient. Und das ist gleichzeitig auch der einzige Wermutstropfen an diesem Pedal: Denn bei gerade mal vier Drehreglern sind die Möglichkeiten zur intuitiven Steuerung begrenzt. Zumal einer davon lediglich den Effektanteil bestimmt und ein weiterer frei zugewiesen wird. Wenn man die Zuweisung intelligent macht, ist das sicherlich ein guter Kompromiss. Aber ich bleibe dabei: In stressigen Live-Situationen ist es besser, fest zugewiesene Parameter pro Regler zu haben.

Andererseits hat man durch den Zugriff über das Menü zumindest die Wahl, auch ohne Editor-Software tief ins Sounddesign einzusteigen. Wenn man das nicht möchte, liefert GFI mit der SpecLab-Software einen kostenlosen Editor, mit dem eigene Effekt-Settings bequem über den Rechner programmiert werden. Insgesamt stehen dafür 32 Algorithmen und ebenso viele Speicherplätze zur Verfügung.

Meris Polymoon: der Breitermacher

Als ich das erste Mal für einen Test das Polymoon in den Händen hielt, wirkte die Effektkombi aus Delay, Phaser und Flanger eher unscheinbar auf mich. Das änderte sich jedoch schlagartig in dem Moment, als ich das Signal aus dem Peak durch schickte: So ein hochaufgelöstes Stereobild hatte ich bis dahin noch in keinem Effektpedal gehört. Das Polymoon klingt einfach nur edel und verleiht jedem Audiosignal zusätzlich Glanz. Aber genug der Euphorie – gucken wir uns an, was das Pedal kann.

Zum einen sind da die beiden Effekte Phaser und Flanger. Beide lassen sich einzeln oder zusammen aktivieren und umfangreich durch LFOs steuern. Gerade Modulationseffektpedale haben oft den Nachteil, eher auf Gitarren hin optimiert zu sein und viele Synthsounds daher eher unangenehm näseln. Beim Polymoon hingegen klingen sie fast immer gut. Zum anderen handelt es sich beim Polymoon um ein Multi-Tap Delay.

Durch unterschiedliche Abstände zwischen den einzelnen Verzögerungen entstehen spannende Rhythmusmuster und bringen auf neue Ideen. Die Art des Rhythmus wird dabei mit einem der sechs Drehregler bestimmt.

Die Bedienung des Polymoon ist trotz der Möglichkeiten immer noch sehr intuitiv, zumal hier fast jeder Parameter seinen eigenen Regler hat. Nur bei der Auswahl der LFOs oder dem EQ des Delays muss man den Shift-Taster benutzen.

Electro Har­monix Deluxe Memory Boy: Analoge Unperfektheit

Sobald klassische Analogdelays gefragt sind, darf ein Effektpedal natürlich nicht fehlen: Die Memory Man bzw. Memory Boy Serie von Electro Harmonix. Das hier vorgestellte Delay Deluxe Memory Boy bietet als günstigere Alternative zu der Memory Man Reihe immer noch eine Menge guter Features für die Verwendung mit Synthesizern.

Zum einen kann man Dank des internen LFOs das Deluxe Memory Boy auch als Chorus, Flanger oder für Vibratos nutzen. Hierfür stehen sowohl die Schwingungsformen Dreieck als auch Rechteck zur Verfügung, die sich zudem frei überblenden lassen. Zum anderen reagiert das Pedal auch auf heißere Eingangssignale recht gnädig mit einer angenehmen Übersteuerung.

Sehr cool bei diesem Pedal ist übrigens, dass man über den Expression-Eingang auch Steuerspannung nutzen und frei zuweisen kann. Die Ziele werden dabei per Taster auf der Oberfläche bestimmt. Dadurch macht das EHX Memory Boy Pedal auch eine sehr gute Figur in Verbindung mit einem Modularsystem.

Der Budget-Tipp: TC Electronic Flashback

Kommen wir nun zu einer Empfehlung für schmalere Budgets. Das tc electronic Flashback II überzeugt sowohl durch eine gute Auswahl an Delay-Algorithmen also auch durch seinen runden Klang. Alleine diese zwei Argumente würden schon ausreichen, um sich das rund 110 Euro teure Pedal mal genau anzusehen.

Neben den acht Delay-Modellen stehen Musikern aber noch drei weitere Speicherplätze für eigene Delay-Kreationen zur Verfügung. Hierfür liefert tc electronic eine kostenlose Toneprint App mit, über die man sich eigene Delays zusammenbauen und anschließend in das Pedal laden kann.

Meris LVX: Ein kleines Delay-Modularsystem?

Am Ende dieser Liste möchte ich noch meinen persönlichen Favoriten hinzufügen. Das Meris LVX Modular System macht seinem Namen alle Ehre. Denn unter der schicken weißen Oberfläche steckt ein enorm flexibles Delay mit hochwertigem Sound.

Fazit: Die besten Delay Effekte für Synthesizer

Dank der hohen Beliebtheit im Gitarrensektor gibt es hunderte mögliche Pedalkandidaten auf dem Markt. Unter der großen Auswahl findet sich zum Glück auch eine Reihe guter Delay Effekte für Synthesizer, die viele der genannten Anforderungen erfüllen. Die Preisspanne ist hierbei enorm und reicht von einmal Essen gehen bis hin zu einem Urlaub zu zweit. So bekommt man etwa mit dem tc flashback II ein echt günstiges Delay-Pedal, das zudem gut klingt und flexibel ist. Das wäre auch direkt mein Tipp, wenn das Budget etwas geringer ist.

Falls man etwas Geld zum investieren hat, wären meine Favoriten das Strymon Volante und das Meris LVX. Während sich das Strymon Volante an Fans des echten Retrosounds richtet und diese Disziplin auch ausgezeichnet beherrscht, bekommt man mit dem Meris LVX ein extrem gut klingendes Pedal mit flexiblen Möglichkeiten. Das LVX bringt jeden Synthesizer zum glänzen und sorgt für eine beeindruckende Stereobreite.

Preis-Leistungs-Sieger ist das Nemesis von Source Audio. Das Pedal bringt alles mit, was ein Delay Effekt für Synthesizer haben sollte. Klanglich muss man zwar minimale Abstriche gegenüber Spezialisten wie Volante oder Polymoon machen. Durch seine Vielseitigkeit sollte es dennoch in die engere Auswahl genommen werden.

Und noch ein Lesetipp am Ende: Wenn dir dieser Artikel gefallen hat, solltest du dir unbedingt auch mal „die besten Reverb Pedale für Synthesizer“ ansehen. Suchst du eine Software-Empfehlung? Dann könnte der Artikel die besten Delay-PlugIns etwas für dich sein.

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Eine breite Auswahl an Pads und Texturen bildet das Fundament dieser Presetsammlung. Darunter finden sich einige sanfte Flächen, aber auch eine Vielzahl an modulierten Sounds, die sich perfekt für zeitgenössische elektronische Musik eignen.

Mit insgesamt 21 Sounds aus den Kategorien Bass, Lead und Arp ist auch ausreichend Material für die Melodietracks vorhanden. Das Angebot reicht hier von typischen Melodic Techno Bässen bis hin zu komplexen IDM-Leads, die man mit Poly-Aftertouch und Modwheel ausdrucksstark spielen kann.

Sieben Dub Chords, sowie vier SFX und Percussion-Sounds runden das Soundpack schließlich ab.

Sequential Fourm „Solar“ enthält 53 Presets für Ambient und Techno

• Pads: 11
• Textures: 10
• Bass: 5
• Lead: 12
• Arp: 4
• Dub Chords: 7
• SFX & Perc: 4

Falls ihr euch für dieses Soundpack interessiert, könnt ihr es euch auf der Webseite von Limbic Bits kaufen.

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Vorabüberlegung

Vorweg aber noch der Hinweis, dass jedes Modularsystem individuell ist. Die Zusammenstellung der Module folgt also immer dem geplanten Einsatzzweck des Musikers. Wenn man aber noch ganz am Anfang steht und in erster Linie Musik mit dem Modularsystem machen möchte, gibt es ein paar Module, die nicht fehlen dürfen. Dazu in diesem Artikel mehr.

Jetzt gibt es natürlich auch Anwendungsfälle, für die man sich ein Modularsystem als flexibles Effektgerät anschafft. Oder als reine Drum-Machine. Oder als Drone-Synthesizer, der fröhlich vor sich hin oszilliert, aber nicht tonal gespielt werden soll. Diese spezielleren Anwendungen werde ich sicherlich noch einmal in einem anderen Artikel behandeln. Gehen wir jetzt aber ins Detail – mit welchen Modulen fängt man an? Und was benötigt man unbedingt in einem Basissystem?

Was sind die wichtigsten Komponenten in einem Modularsystem für Einsteiger?

• Oszillatoren
• Filter
• Modulationsquellen
• Amp- und Output
• Utility-Module
• MIDI-CV/Gate-Interface

1. Oszillatoren

Die Oszillatoren sind der Grundbaustein eines Klanges. In klassischen Systemen generieren sie die Schwingungsformen Sägezahn, Rechteck, Dreieck und häufig auch Sinus. Mittlerweile beschränkt sich die Auswahl nicht nur auf diese Schwingungsformen, denn viele Anbieter haben etliche Mischformen oder digitale Oszillatoren im Angebot, die weit über das hinausgehen, was die Klassiker bereithielten.

Welche Features sollte ein Oszillator mitbringen?

Wollt ihr ganz klassisch anfangen, könnt ihr euer Modularsystem erstmal mit zwei Oszillatoren ausstatten, die neben den oben genannten Grundschwingungen zusätzlich mindestens noch einen Sync-Input und einen zweiten Eingang für analoge Frequenzmodulation bereitstellen sollten. Das wird spätestens dann entscheidend, wenn ihr atonale Klänge erstellen wollt. Gerade FM erweitert das Klangspektrum noch einmal immens, insofern solltet ihr nicht darauf verzichten. Ebenfalls ist es wichtig, dass die Pulsbreite modulierbar ist. Dadurch entstehen wunderbar breit klingende Schwebungen, von denen nicht nur Pads, sondern vor allem auch fette Bässe profitieren.

Bei einem Modularsystem für Einsteiger empfehle ich, erstmal mit klassischen Modulen zu starten. Ohne Zweifel gibt es in den digital aufgebauten Oszillatoren etliche spannende Features wie Wavetable, Sampling, FM und mehr. Aber meiner Erfahrung nach sollte man sich gerade am Anfang nicht von zu vielen Möglichkeiten überfordern lassen.

Klang und Oktavreinheit

Wie bei anderen Komponenten auch, unterscheiden sich die Oszillatoren mitunter immens im Grundsound voneinander. Während das eine Modul mit dominanten Obertönen knarzt, liefert ein anderes Modell eher einen samtig weichen Grundsound, wohingegen ein dritter Kandidat erhebliches Pfund im Bass mitliefert. Die vorgestellten drei Module zeichnen sich durch einen guten Kompromiss aus Funktionsumfang und gutem Klang aus. Zudem erfüllen sie noch ein letztes Kriterium: Die Oktavreinheit. Anders als bei digital gesteuerten Oszillatoren kann es gerne mal vorkommen, dass ein Oszillator nur sauber über drei Oktaven trackt. Das bedeutet, wenn ihr Melodielinien mit großem Notenabstand spielt, klingen weit auseinander liegende Töne ziemlich verstimmt. Die hier vorgestellten Modelle lassen sich nach einer Aufwärmphase von rund 10-15 Minuten ohne weiters über fünf Oktaven spielen.

2. Filter

Filter setzt man ein, um die rohe Gewalt der Oszillatoren zu zähmen. Als klangformendes Element im Modularsystem nehmen Filter dem Audiosignal Höhen, Tiefen und andere Frequenzen weg. Die Resonanz betont dabei die Eckfrequenz, also die Frequenz, ab der das Signal beschnitten wird.

Es gibt etliche unterschiedliche Filtertypen, deren Charakter von schmutzig-zerstörerisch bis hin zu butterweich reicht. Ebenso vielfältig wie der Sound sind die technischen Ausführungen. Für den Einstieg reicht es, sich erstmal mit den Varianten Tiefpass (LP), Bandpass (BP) und Highpass (HP) zu beschäftigen. Von diesen wiederum ist das Tiefpassfilter das ergiebigste.

Zusätzlich unterscheidet man der Einfachheit halber oft zwischen historischen Filtermodellen. Mal ist von der klassischen Moog-Kaskade die Rede, mal ist es der gefällige Sound von Roland oder das weiche Oberheim-SEM-Filter, und natürlich darf man auch das rotzige MS-20-Filter nicht vergessen. Darüber hinaus gibt es viele Kombinationen aus den genannten, Nachbauten von Exoten, oder komplett neu entwickelte Filter-Designs. Da dieser Artikel aber Modularsysteme für Einsteiger behandelt, werde ich den Pfad nicht weiter verfolgen und beschränke mich auf vier Empfehlungen.

Verschiedene Filtermodelle: Empfehlungen für ein Modularsystem für Einsteiger

Roland-Filter

Zugegeben, Roland änderte sein Filterdesign im Laufe der Zeit immer wieder und setzte auf verschiedene Komponenten. Meistens werden jedoch die Filter aus den späten 70er und 80er-Jahren in die modulare Form gegossen, darunter SH-Varianten oder angelehnt an die Juno- oder Jupiter-Reihe. Roland liefert mit seinen Filtern immer einen großen Sweetspot der, anders als etwa Moog, das Beste aus allen Welten kombiniert: Nicht zu roh, nicht zu fett, nicht zu dünn, aber immer mit viel Charakter. Daher sind Roland-Filter auch perfekt für den Einstieg geeignet.

Die beiden hier empfohlenen Filter gehen genau in diese Richtung. Während das Behringer 121 Dual VCF ein Clone des System 100 Filters ist, basiert das noch etwas günstigere Surges auf dem Mutable Instruments Ripples, was sich wiederum den Sound der Roland-Klassiker SH/Jupiter der 80er-Jahre widmete. Klanglich sind beide Filter super. Beim 121 Dual VCF gibt es allerdings gleich zwei Filter auf einmal.

Moog-Kaskade

Moogs 24dB Tiefpassfilter liefert die Blaupause für etliche Filterdesigns, sei es analog oder digital. Das Filter packt ordentlich zu und klingt dabei immer musikalisch. Sein Sound wird mitunter gerne als cremig beschrieben, verliert aber auch an Bass, sobald man die Resonanz recht stark aufdreht. Besonders gut reagiert das Filter auf laute Pegel, die es mit einer angenehmen Sättigung quittiert.

MS-20-Filter (Korg-35)

Streng genommen kamen in dem originalen MS-20 von Korg im Laufe der Zeit zwei Filter-Designs zum Einsatz. Dabei handelt es sich um eine Kombination aus 6dB HP- und 12 dB Tiefpassfilter. In den meisten Modular-Clones findet man allerdings die erste Variante Korg-35. Diese Variante zeichnet sich durch einen noch roheren, kreischenden Sound aus. Demnach eignet sich das MS-20-Filter besonders gut für knarzige Bässe oder aggressive Leads. Nicht umsonst sieht man den MS-20 so häufig im Industrial, EBM oder Techno.

SEM-Filter

Der letzte Kandidat dieser Truppe ist ein echter Weichmacher. Das 12dB-Multimodefilter schleift auch den härtesten Klang und formt ihn zu einer schönen Skulptur um. Es ist gleichzeitig auch eines der wenigen Filter, das in nahezu jeder Einstellung gut klingt. Selbst bei hohen Resonanzwerten gelang es Oberheim, einen angenehmen Klang zu erzeugen, der sich eher um die Frequenzen schmiegt. Da es sich beim SEM-Filter zudem um ein Multimode-Filter handelt, bekommt ihr hier neben Tief-und Hochpass noch alternativ Bandpass und Notch.

Wie bei allen Komponenten in einem Euroracksystem könnt ihr natürlich auch mehrere Filter einbauen. Ich nutze in meinem System gerne Kombinationen aus Roland-Filter, SEM-Filter und einer MS-20 Variante. Damit decke ich von klinisch sauber, über retro bis hin zu brutal alles ab.

3. Modulationsquellen

Um den Klang über die Zeit hinweg automatisiert zu formen, benötigt man Modulationsquellen. Die wichtigsten Module dafür sind Hüllkurven (Envelopes) und LFOs.

Hüllkurven

Hüllkurven sollten in der Lage sein, schnell zuzupacken. Erst dadurch sind fette Bass-Sounds oder perkussive Klänge möglich. Zum anderen sollten sie aber auch ausreichend lange Zeiten für Pads oder Drones bereitstellen. Im Idealfall bietet das Modul die Wahl zwischen unterschiedlich langen Zeiten. Wenn es dann noch möglich ist zwischen exponentieller und linearer Charakterstik zu wechseln, ist die Hüllkurve für fast alle Klänge gewappnet.

Die klassische Modularhüllkurve ist als ADSR-Variante ausgeführt. Attack ist die Zeit bis die Hüllkurve ihren Maximalpunkt erreicht. Der Decay-Wert wiederum beschreibt die Zeit, bis die Hüllkurve bei gehaltener Note den dritten Wert Sustain erreicht. Mit Release bestimmt man am Ende wie lange die Hüllkurve noch „ausklingt“ wenn man die Taste loslässt.

Zusätzlich gibt es noch mehrstufige Hüllkurven, die weitere Segmente besitzen und andere Varianten, sie sich auf Attack und Decay oder sogar nur Decay beschränken. Für ein günstiges Modularsystem für Einsteiger würde ich auf eine Kombination aus AD- und ADSR-Hüllkurve setzen. Wenn man diese loopen kann, ersetzt man damit unter Umständen sogar noch einen LFO.

LFOs

Vorweg: LFOs sind zwar eine gute Modulationsquelle. Wenn ich aber ein sehr günstiges Modularsystem für Einsteiger zusammenstellen müsste, wäre das der erste Teil, den ich wegstreichen würde.

Stattdessen sollte man lieber in einen zweiten VCO oder eine besser ausgestattete Hüllkurve investieren. Warum? Nun, im Prinzip ist ein LFO erstmal nichts anderes als ein sehr langsam schwingender VCO mit meistens weniger Möglichkeiten. Habt ihr euer System also mit zwei guten VCOs ausgestattet, kann man durch extremes Herunterpitchen einer der beiden VCOs einen LFO vorerst prima ersetzen. Alternativ könnte man eine loopbare Hüllkurve auch als LFO verwenden.

Trotzdem ist es ab einer gewissen Größe sinnvoll, einen LFO im Modularsystem zu haben. Dabei solltet ihr auf folgende Dinge achten:

• Der LFO sollte schnell genug sein, etwa für FM oder um ihn als VCO einsetzen zu können.
• Er sollte über einen Reset-Eingang verfügen, um ihn rhythmisch besser einbinden zu können.
• Er sollte seine Schwingungsformen gleichzeitig an mehrere Ausgängen ausgeben.
• Wenn sich die Frequenz dann noch sauber über CV steuern lässt, sind eigentlich keine Wünsche mehr offen.

Sowohl Behringer 150 als auch die Dual-Hüllkurve Behringer 140 verfügen über einen LFO, der nahezu alle oben genannten Kriterien erfüllt. Man muss lediglich darauf verzichten, alle LFO-Schwingungsformen gleichzeitig nutzen zu können. Für ein kleines Modularsystem sind sie dennoch meine Preis-Leistungsempfehlung. So einen Funktionsumfang für den Kurs bekommt man woanders nicht.

Wer es deutlich flexibler mag, sollte sich unbedingt mal das Mutable Instruments Tides ansehen. Das Modul ist ein echtes Chamäleon und gleichermaßen als LFO, VCO, Hüllkurve und mehr einsetzbar. Wer etwas mehr Budget hat, kann hier bedenkenlos zugreifen.

4. Amps und Output

Als letztes Modul der Signalkette kommt fast immer ein Amp oder spezialisiertes Ausgangsmodul zum Einsatz. Amp-Module können ein Signal verstärken oder abschwächen und sind demnach sogar in der Lage, einen Mixer in kleineren Systemen zu ersetzen. Grundsätzlich spricht aber auch nichts dagegen, direkt aus einem Filtermodul in einen externen Mixer oder in eine Soundkarte zu gehen und dort den Pegel einzustellen.

Da es sich hierbei um ein Modul handelt, das ein wesentliches Element im Signalfluss darstellt, sollte man an dieser Stelle nicht sparen. Auch wenn das Modul im Vergleich mit VCOs oder Filtern langweilig erscheint.

Amps übernehmen aber noch weitere Funktionen:

• Sie erhöhen den Pegel von Oszillatoren, um Filter stärker in die Sättigung zu fahren.
• Als Gates sorgen Amps dafür, Audiosignale passieren zu lassen oder nicht.
• Mit Amps lässt sich die Modulationsintensität von LFOs oder Hüllkurven gezielter einstellen.

Output-Module

Spezielle Outputmodule bieten teilweise noch Kopfhöreranschlüsse, Stereo-Ausgänge oder direkt Anschlüsse für 6,35 mm Klinkenkabel. Bei kleineren und günstigen Modularsystemen würde ich aber erstmal ein normales Ampmodul verwenden und das Signal mit einem Adapterkabel 3,5 mm auf 6,35 m Klinke herausführen. Gut sind hier Module, die über hochwertige Vorverstärker verfügen. Eine umfangreiche Funktionsausstattung wie z.B. Panning ist ein weiterer Pluspunkt.

Für VCA-Anwendungen kann ich den Behringer 130 Dual VCA empfehlen. Hier gibt es 2 x 3 Audioeingänge, jeder mit CV-Eingang, sowie zwei große Lautstärkeregler. Letztere sind praktisch, wenn man schnell mal den Gesamtpegel anpassen muss.

Theoretisch könntet ihr mit dem 130 Dual VCA Modul direkt in den Mixer oder die Soundkarte gehen. Ich finde es praktischer, dafür noch ein spezielles Modul im System zu haben, wie das A-138s oder das Intellijel Outs. Das Doepfer A-138s ermöglicht es, die vier Kanäle einzeln im Stereopanorama zu verteilen, während das Outs von Intellijel stattdessen einen Kopfhörerausgang bereitstellt. Ob ihr so ein Modul anfangs überhaupt benötigt und ob euch Panning oder Kopfhörerausgang wichtiger ist, liegt bei euch.

5. Utility-Module

Der letzte essentielle Part im Modularsystem für Einsteiger ist wahrscheinlich auf dem ersten Blick auch der unspektakulärste. Trotzdem sollten die sogenannten Utility-Module bereits bei der Grundanschaffung mit einkalkuliert werden.

Allen voran ist hier das Multiple-Modul zu nennen. Davon kann man in einem Modularsystem fast nie genug haben. Denn mit Multiple-Modulen, der Name verrät es schon, multipliziert ihr Eingangssignale. Das ist zum Beispiel dann wichtig, wenn ihr eine Steuerspannung für die Tonhöhe gleichzeitig an mehrere Ziele schicken wollt. Nur so könnt ihr überhaupt Patches mit mehr als einem Oszillator sinnvoll aufbauen.

Multiples gibt es sowohl als aktive als auch passive Variante. Die aktive Variante hat den Vorteil, dass auch bei längeren Verbindungswegen oder kritischen Steuersignalen wie Clock oder eben genannte Pitch-CV die Spannung stabil bleibt. Ich empfehle für ein kleineres Modularsystem eine Mischung aus einem oder zwei aktiven 2 x 4 Multiple(s), sowie zwei bis drei passiven Multiples.

6. MIDI zu CV/GATE – Interface

Wenn ihr euer Modularsystem per CV-Gate steuert oder hauptsächlich für Drones oder Effektsounds einsetzt, könnt ihr auf dieses Modul verzichten. Sobald ihr aber das System im Verbund mit anderen MIDI-Geräten oder über einen Computer ansteuern wollt, benötigt ihr noch ein MIDI Interface. Dieses wandelt die eingehenden digitalen MIDI-Signale in analoge Steuerspannungen um.

Bei einem MIDI-zu-CV/Gate-Interface empfehle ich, gleich in eine Nummer größer zu investieren. Achtet am besten darauf, dass neben mehreren CV / Gate-Ausgängen auch ein weiterer Anschluss für Clock-Signale vorhanden ist. Damit könnt ihr eure LFOs rhythmisch besser einbinden und später auch Sequencer ansteuern. Ein guter Kompromiss aus Preis und Features ist das hier empfohlene Doepfer A-190-4.

Günstiges Modularsystem für Einsteiger: Ein paar Tipps zum Schluss

Nachdem ihr jetzt wisst, womit man den Einstieg in die modulare Synthese gut findet, noch ein paar Tipps von mir.

Nicht zu viel auf einmal

Als erstes empfehle ich, nicht zu viele Module auf einmal zu kaufen. Besonders dann nicht, wenn ein Modul sehr viele Funktionen bereitstellt, wie es etwa bei Mutable Instruments häufig der Fall ist. Setzt euch mit den Komponenten auseinander und lernt erstmal, mit den vorhandenen Features auszukommen. Gerade in Modularsystem kann man nämlich durch Kreativität viele Module durch andere ersetzen.

Plant Reserven im Gehäuse ein

Da sich ein Modularsystem mit der Zeit an eure Ansprüche anpasst, solltet ihr gleich zu Beginn eine großzügigere Reserve von 20-30 % einkalkulieren. Habt ihr euch etwa auf zehn Module festgelegt, fügt ihr im Geiste noch einmal den Platz für drei durchschnittlich große Module (10-16 TE) hinzu. Darauf basierend kalkuliert ihr dann den Platzbedarf für euer Modular Case.

Spart nicht beim Netzteil

Diesen Punkt habe ich schon in meinem Artikel Modularsystem zusammenstellen ausführlich behandelt. Das Netzteil ist die Lebensader jedes Modularsystems. Wird hier gespart, kommt es gerne mal zu einer Unterversorgung oder im schlimmsten Fall zu Spannungsschwankungen. Das führt dazu, dass einige Module eventuell gar nicht versorgt werden, oder das Tuning wie verrückt driftet. Also: Spart nicht beim Netzteil.

Günstiges Modularsystem für Einsteiger: Beispielkonfiguration

Ich habe euch exemplarisch auf Modular Grid ein günstiges Modularsystem für Einsteiger vorkonfiguriert. Denkt aber immer daran: Solange es sich um Eurorack-Module handelt, könnt ihr die Komponenten jederzeit frei austauschen und miteinander kombinieren. Das macht letztlich den Reiz aus.

Weitere Links

• Modular System zusammenstellen: Das richtige Case finden, die korrekte Spannungsversorgung und mehr
• Eurorack Sequencer: Die besten Sequencer für Eurorack Modular Systeme
• Behringer System 100 Test
• Modularsystem anschließen – Tutorial
• Behringer MonoPoly Tutorial: Patches für Techno und Ambient

Der Beitrag Modularsystem für Einsteiger: Mit welchen Modulen fängt man an? erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Grundsätzlich gilt auch hier wieder die Aussage „theoretisch alle, wenn man sie nur entsprechend nachbearbeitet“. Wenn man allerdings schnell und effizient zum Ziel kommen möchte, eignen sich einige Drum Machines dann doch besser als andere. Eine Auswahl davon findest du in diesem Artikel.

Elektron Analog Rytm

Preis: 1799 €
Konzept: Analoge Drumsynthese, kombiniert mit Samples
Fazit: Hervorragender Sound mit viel Druck, allerdings muss man sich die Sweet Spots mitunter hart erkämpfen

Der achtstimmige (= gleichzeitige Wiedergabe von acht Instrumenten) Analog Rytm von Elektron ist ein Hybrid aus vollständig analoger Klangerzeugung und Sampling. In insgesamt 12 Tracks lassen sich verschiedene Drum-Synthesizer laden, die von verschiedenen Kickdrum-Modellen, über Snare, Clap und Percussion bis hin zu HiHats und Cymbals reichen. Selbst an eine Cowbell wurde gedacht, die man natürlich gerne durch eigene Samples ersetzen kann.

Analog Rytm klingt als Drum Machine für Techno unglaublich druckvoll und spielt seine wahre Stärke auf großer PA und mit etwas Nachbearbeitung aus. Dafür steht intern ein Compressor sowie EQ für die Summe bereit, allerdings ist die Feinabstimmung in Kombination mit Track-Lautstärke mitunter etwas mühsam.

Im Gegensatz zu anderen Drum-Machines benötigt man einige Zeit, um die jeweiligen Sweet-Spots der Klangerzeugung zu erfassen und stimmige Drum Kits aufzubauen. Dabei hilft einem die Sampling-Möglichkeit sehr. Denn wenn sich die analoge HiHat mal partout nicht einfügen möchte, nimmt man eben einfach ein passendes Sample. Da sich die Instrumente zudem tonal spielen und aufzeichnen lassen, ließe sich mit dem Rytm ein komplettes Live-Set fahren, wenn man Platz sparend unterwegs sein möchte.

Budgettipp: Analog Rytm 1 gebraucht

Falls ihr euch für den Analog Rytm interessiert, aber nicht das Budget für eine Neuversion aufbringen wollt, noch ein Tipp: Bei der ersten Version des Analog Rytm sind die Trigger Pads echt keine Offenbarung. Wenn man diese lediglich zur Auswahl von Instrumenten und Zusatzfunktionen nutzt, geht das völlig in Ordnung. Finger Drumming oder gezieltes Einspielen von Sequenzen machen damit aber keine Freude. Hier lohnt es sich, den Aufpreis für die MKII-Version (egal ob grau oder scharz) zu zahlen. Sollten euch diese Kritikpunkte egal sein, bekommt ihr für rund 750-850 € mit der MKI-Version eine echt mächtige Drum Machine.

Behringer RD-8 MKII

Preis: 239 €
Konzept: Analoger Nachbau der Roland TR-808
Fazit: Guter Analogsound mit starken 808-Vibes und intuitiver Bedienung, allerdings nicht so viele Sounddesign-Möglichkeiten.

Eine TR-808 zum Budget-Preis? Was unglaublich klingt hat Behringer mit der RD-8 MKII erstaunlich gut hinbekommen. Puristen werden sich sicherlich an der ein oder anderen Stelle über die nicht ganz hundertprozentige Authentizität beschweren.

Für den aufgerufenen Preis von rund 250 € muss man Behringer aber attestieren eine sehr druckvoll klingende Drum-Machine auf den Markt gebracht zu haben. 808-Sound ist definitiv drin – ich würde sogar soweit gehen und sagen, dass es eine moderner klingende Version des Originals ist: 64-Steps, Polymetrik, Filter, sowie ein rudimentärer aber wirksamer Kompressor runden die Ausstattung ab.

SOMA Pulsar-23

Preis: 2000 €
Konzept: Semimodularer Drumsynth mit Tape-Sequencer
Fazit: Extrem druckvoller Sound, umfangreiche Möglichkeiten für Klangexperimente, aber auch gewöhnungsbedürftiger Workflow.

Mit dem Pulsar-23 hat SOMA eine ultrarobuste Drum Machine im Desktop-Format im Portfolio. Der etwas eigenwillige Ansatz mit dem Tape-artigen Sequenzer und Patchstiften für Krokodilklemmen mag nicht jedem liegen. Der Sound des Pulsar-23 ist aber ohne Zweifel druckvoll und abwechslungsreich. Insgesamt geht der Pulsar-23 eher in eine härtere Richtung. Mit etwas Fingerspitzengefühl und nachgeschalteten Effekten eignet sich der Drumsynth aber auch gut für Ambient-Drones.

Zumindest den internen Sequenzer kann man recht einfach durch eine externe Ansteuerung umgehen, wenn man so gar nichts mit diesem Konzept anfangen kann. Auch an die Krokodilklemmen gewöhnt man sich schnell und bereits nach kurzer Zeit emfpand ich diese als extrem nützlich. Denn mit diesen spart man sich durch Klemmcluster das ein oder andere Multiple. Hier geht es zum SOMA Pulsar-23 Test.

Erica Synths Techno System

Preis: 4600 €
Konzept: Drum-Machine als Modularsystem
Fazit: Druckvoller Sound mit extremen Möglichkeiten zur Klangbeeinflussung.

Der Techno-Overkill für Experimentierfreudige mit dem nötigen Kleingeld. Das Techno System von Erica Synths ist eine komplett modulare Zusammenstellung von perfekt aufeinander abgestimmten Drum-Modulen (plus ein Bass-Modul) aus ihrem Portfolio. Klanglich top, macht das Techno System auch optisch einiges her.

Praktischerweise ist das Techno System intern bereits mit dem Sequencer verbunden. Dadurch entfallen eine Menge Kabelverbindungen, die man gut für andere Dinge verwenden kann. Durch den modularen Aufbau sind die Möglichkeiten des Techno Systems immens. Von eher klassischen TR-Sounds bis hin zu komplett abstrakt tonalem IDM ist damit alles möglich.

Roland TR-8s – Drum Machine mit Sampling

Preis: 600 €
Konzept: ACB-basierte Drumsynthese, kombiniert mit Sampling und FM Drums
Fazit: Vielseitige Möglichkeiten, akkurate Emulation der Klassiker und erweiterte Möglichkeiten fürs Sounddesign Sound mit intuitiver Bedienung, allerdings verstecken sich einige Prameter in Menüs.

Intuitiv bedienbar, die Sounds der Roland-Klassiker 909, 808, 707 etc. an Bord und die Möglichkeit eigene Samples zu verwenden: Roland hat mit der TR-8s einen soliden Allrounder im Angebot, der sich gleichermaßen für Live- und Studioanwendungen eignet.

Die interne virtuelle Klangerzeugung liefert ordentliche Ergebnisse, wenngleich manche analogen Vertreter dann doch noch ein Quäntchen lebendiger daherkommen. Wir sprechen hier aber von Nuancen, die durch praktische Zusatzfeatures wie Kompressoren und Sampling schnell verziehen sind.

Falls ihr eine gut klingende Auswahl der Drum-Ikonen haben möchtet, macht ihr hier mit einem Anschaffungspreis von rund 600 € nicht viel verkehrt. Wer eher auf abgefahrenes abseits der eingetretenen Pfade steht, sollte sich eher anderweitig orientieren. Zum Beispiel beim Model:Cycles von Elektron.

Elektron Model:Cycles – FM Drum Machine für Techno

Preis: 279 €
Konzept: FM Drum Synthesizer
Fazit: Drums abseits der klassischen X0X-Varianten, dabei trotzdem kräftig genug, auch im Club zu bestehen.

Model:Cycles von Elektron ist ein 6-stimmiger Drum-Synthesizer, der auf Frequenzmodulation basiert. Einfache Bedienung, reisefreundliches Format, gute Verarbeitung und ein richtig guter Sound.

Hier und da hätte die Klangerzeugung gerne noch etwas umfangreicher sein dürfen, wie etwa bei dem großen Bruder Digitone. Manchmal wirkt sich so eine Parametertiefe dann aber negativ auf den Workflow aus und da gibt es beim Model:Cycles nichts zu beanstanden. Denn das Teil macht einfach Spaß und liefert eine breite Palette an Sounds. Vom harten Techno bis hin zu verspultem IDM ist alles drin, was man unter elektronische Musik fassen könnte. Zwar steht Model:Cycles durchaus für sich alleine. Der Drum-Synth findet seinen Platz aber auch bequem als Zweit-Drummachine neben einer RD-8 oder einem Rytm.

Elektron Model:Samples und Digitakt 2

Neben dem Model:Cycles Drumsynth gibt es von Elektron noch den Model:Samples. Die Klangerzeugung dieser Drum Machine basiert komplett auf Samples. Dadurch dürfte sich der Model:Samples eventuell dem ein oder anderen Einsteiger schneller erschließen. Auch bei dem Model:Samples setzt Elektron eher auf eine intutive Bedienung und kompetitiven Preis, verzichtet dabei aber auf umfangreiche Soundbearbeitung. Durch ein geringes Gewicht und spontanen Zugriff ist der Sample-Drumcomputer aber auch eine gute Empfehlung für Live-Jams und Künstler, die gerne und viel reisen. Wer tiefer in die Klangsynthese einteigen möchte, dem sei final noch der Elektron Digitakt II ans Herz gelegt.

Behringer RD-9: Analoger TR-909 Clone

Preis: 260 €
Konzept: Analoge Drum Machine, inspiriert von DEM Klassiker TR-909
Fazit: 909-Charakter kommt definitiv durch, wenngleich Puristen das Original vorziehen werden.

Mit der RD-9 hat Behringer eine gut klingende Nachbildung der legendären TR-909 auf den Markt gebracht. Für rund 200 € erhält man einen komplett analogen Drum Computer, der dem Original beeindruckend nahe kommt. Lediglich die Kick weicht ein gutes Stück von der 909-Bassdrum ab, allerdings ohne dabei schlechter zu klingen.

Und mit dem „Enhanced Modus“ steht mit der RD-9 insgesamt auch ein größeres Klangpotential zur Verfügung. Im Zusammenspiel mit dem analogen Filter und Transienten-Designer ist die RD-9 auch für Live-Anwendungen optimal geeignet. Hier geht es zum kompletten Behringer RD-9 Test.

Erica Synths LXR-02

Preis: 580 €
Konzept: Digitaler Drumsynth mit Sequencer
Fazit: Umfangreiche Sounddesign-Möglichkeiten und eigenständiger Soundcharakter. Ideal für alle, die Sounds abseits der Klassiker suchen.

Und noch einmal Erica Synths, dieses Mal mit dem komplett digital aufgebauten LXR-02. Dahinter verbirgt sich ein bereits etabliertes Konzept, das ursprünglich nur als DIY-Projekt zu haben war. Erica Synths ist mit Sonic Potions, dem Entwickler des LXR-02, eine fruchtbare Synergie eingegangen. Daraus entstanden ist eine ordentlich verarbeitete kleine Desktop-Drummachine, die mit ihrem rohem Sound sich besonders im Techno und härteren elektronischen Musikgenres wohlfinden dürfte.

Manche sprechen auch von einer Alternative zur nicht mehr erhältlichen Machinedrum von Elektro. Allerdings würde ich dieser dann doch einen flexibleren Sound zusprechen. Nichtsdestotrotz setzt sich der eigenwillige, mittig-rohe Sound des Erica Synths LXR-02 gut im Mix durch. Wennglich er hier und da aber noch einiges an Nachbearbeitung benötigt. Denn out-of-the-box tritt der LXR-02 trotz der geringen Größe gerne mal als Alphatier im Synthrudel auf. Mit etwas Komprimierung und EQ biegt man den Sound aber schnell in die gewünschte Richtung. So erhält man mit dem LXR-02 eine echt gute Alternative zum manchmal etwas ausgelutschten X0X-Sound. Wer mehr über die Drum Machine erfahren möchte, dem sei noch der Erica Synths LXR-02 Test ans Herz gelegt.

Fazit: Die besten Drum Machines für Techno

Die hier vorgestellten Drum Machines eignen sich allesamt hervorragend für Techno. Ob man sich für einen soften Grundsound wie bei den 808-Clones oder etwa mit den Erica Synths Drummachines eher einen härteren Sound bevorzugt, ist letztlich Geschmackssache.

An dieser Stelle möchte ich auch noch einmal mit einem Vorurteil aufräumen, man könne nur mit analogen Drum Machines guten Clubsound erzeugen. Tausende Veröffentlichungen sprechen dagegen. Auch wenn der rohe Analogsound in einigen Live-Situationen die Wände zum Wackeln bringen kann. Man sollte dabei nicht die umfangreiche Nachbearbeitung aus den Augen verlieren, die häufig bei rein analogen Drum Machines notwendig ist. In kompakten Setups können daher sogar Sampler mit perfekt aufbereitetem Klangmaterial einen echten Vorteil bringen.

Einsteigern würde ich daher erstmal zu einer flexiblen Lösung wie der TR-8S oder dem Elektron Model:Cylces / Model:Samples raten. Klanglich sind die absolut in Ordnung und kombinieren eine vielseitige Klangerzeugung mit intuitiver Bedienung.

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Was ist ein Theremin und wie funktioniert es?

Doch bevor wir konkret werden, gibt es zuerst etwas Geschichte und Hintergrundinfos. Das Theremin ist ein elektronisches Musikinstrument, das man komplett ohne direkten physischen Kontakt spielt. Es wurde 1920 von Lev Termen erfunden und ist nach ihm benannt.

Ein Theremin besteht neben dem Gehäuse, das die elektronischen Komponenten zur Klangerzeugung enthält, in der Regel aus zwei Antennen: Einer vertikalen Antenne für die Tonhöhe, und einer horizontalen Antenne für die Lautstärke. Bewegt man nun die Hand in die Nähe der Tonhöhen-Antenne, steigt die Tonhöhe je stärker man sich der Antenne nähert. Und je näher man die Hand an die Lautstärke-Antenne bewegt, umso lauter wird der gespielte Ton.

Um die Position der Hand des Künstlers im Raum zu messen nutzt das Theremin die Eigenschaften von elektrischen Feldern. Eine elektronische Schaltung misst kontinuierlich die Kapazität zwischen den Antennen und wandelt diese Änderungen in elektrische Signale um. Diese Signale werden dann verstärkt und an einen Lautsprecher gesendet, der den Ton erzeugt.

Wie einfach ist es, ein Theremin zu spielen?

Was auf den ersten Blick spielerisch aussieht, erfordert in der Praxis sehr viel Übung und Kontrolle, da das Instrument sehr empfindlich auf kleinste Bewegungen der Hand reagiert.

Ein gutes Gespür für Musik und Tonhöhen helfen auf jeden Fall. Denn bei einem Theremin gibt es im Gegensatz zu Klaviertasten oder den Bünden einer Gitarre keine Referenzpunkte für die Tonhöhe. Aber wenn man es richtig beherrscht, kann man damit eine Vielzahl von Klängen erzeugen und sogar ganze Melodien spielen. Manche Modelle besitzen sogar Ausgänge zur Steuerung von anderen Instrumenten, wodurch man zum Beispiel ein Modularsystem oder einen Synthesizer über das Theremin spielen kann.

Theremin kaufen: Worauf sollte man achten?

Je nachdem, was man für einen Anspruch ans eigene Spiel und ans Instrument hat, wird der preisliche Rahmen bestimmt. Professionelle Geräte ermöglichen ein möglichst präzises Spiel, sind leider nicht günstig zu haben. Meine Empfehlung ist auch, ein Theremin vorher einmal vor Ort auszuprobieren. Denn der Zauber verfliegt oft recht schnell, wenn man merkt, wie viel Arbeit und gutes Gehör erforderlich sind, dieses faszinierende Instrument einigermaßen zu beherrschen.

Wer allerdings primär auf den Show-Effekt wert legt, ein paar Effektsounds abfeuern möchte, oder das Theremin hauptsächlich zur ungenauen Steuerung von Klangfarben nutzen möchte, kann auch problemlos auf günstigere Modelle ausweichen.

Falls das Theremin ganz klassisch als Instrument genutzt wird, sollte es eine eigene Klangerzeugung mitbringen. Auch sollte es über zwei Antennen verfügen: eine für die Tonhöhe, eine weitere für die Lautstärke. Ich erwähne das nur, weil es auch sehr günstige Modelle gibt. Diese werden zwar als Theremin verkauft, bringen außer einer Tonhöhensteuerung aber nichts mit und rödeln so die ganze Zeit nervig vor sich her.

Wollt ihr das Theremin auch oder ausschließlich zur Steuerung anderer Geräte wie Synthesizer nutzen, müssen MIDI-Out – oder besser noch CV-Ausgänge vorhanden sein. CV hat hier ganz klar den Vorteil, dass die Steuersignale stufenlos übertragen werden, ihr also keine Wertesprünge habt.

Theremin kaufen: Die besten Modelle

Moog Etherwave

Den Auftakt bei den Empfehlungen macht, wie soll es auch anders sein, Moog mit dem Etherwave Theremin. Denn Moog hat seit Jahrzehnten unterschiedliche Varianten des Instruments im Portfolio. Damit richtet sich das Unternehmen gleichermaßen an ambitionierte Einsteiger und professionelle Musiker.

Nachdem es das Spitzenmodell Moog Claravox Centennial Theremin mittlerweile nur noch gebraucht gibt, ist das Etherwave die professionellste Variante, die man derzeit kaufen kann. Einerseits wurde die Ausstattung beim Etherwave auf die relevanten Parameter reduziert. So stehen hier mit Timbre und Wahl der Schwingungsform zwei Drehregler zur Verfügung, die direkten Zugriff auf den Klangcharakter ermöglichen. Zusätzlich kann man die Sensibilität der Antennen justieren und ans eigene Spiel anpassen.

Andererseits verfügt das Etherwave über die höchste Präzision beim Spielen, weshalb gerade Profis auf diese Variante setzen. Was wohl den meisten Einsteigern nicht auffällt, ist für professionelle Thereminspieler essentiell: Die Interpretation der Bewegung im elektrischen Feld sollte möglichst konstant sein, um Tonhöhen und Lautstärken exakt zu steuern. Hier liefert das Etherwave am besten ab, allerdings fehlen hier auch Hilfsfunktionen wie Quantisierung, die das kleinere Modell „Theremini“ mitbringt.

Moog Theremini

Und damit kommen wir direkt zur nächsten Empfehlung, ebenfalls von Moog. Das Theremini ist im Gegensatz zum Etherwave digital aufgebaut. Es bietet aber ein paar Funktionen, die vor allem Einsteigern den Erstkontakt mit dem Instrument erleichtern.

Allen voran ist hier die Quantisierungsfunktion zu nennen. Mit dieser werden falsch gespielte Noten automatisch in die richtige Skala gebracht. Statt die Noten also akribisch genau in der Luft zu treffen, reicht es hier, in die Nähe zu kommen. Die Quantisierung schubst daneben liegende Noten also direkt in die richtige Tonhöhe. Das Moog Theremini bringt 22 unterschiedliche Skalen mit, für die man zudem noch den Grundton festlegen kann. Das sollte die meisten Anwendungen abdecken und schnell erste Erfolgserlebnisse liefern.

Zusätzlich bietet das Theremini 32 unterschiedlich klingende Presets und damit ab Werk die größte Klangvielfalt. Mit einer speziellen App hat man darüber hinaus Zugriff auf zahlreiche Parameter und kann die Presets weiter anpassen. Da das Theremini zudem noch ein Stereo-Delay, einen Lautsprecher und andere sinnvolle Funktionen wie USB/MIDI an Bord hat, ist es für mich die perfekte Empfehlung für ambitionierte Einsteiger und Fortgeschrittene.

Doepfer Theremin

Eher für die Frickler-Fraktion ist das Doepfer-Theremin gedacht. Konkret handelt es sich um eine Mindestkonfiguration aus Einzelmodulen, die in ihrer Gesamtheit ein Theremin ergeben. Diese Zusammenstellung erzeugt für sich schon authentisches Feeling und den typischen Sound. Seine Stärken spielt es aber im Verbund mit anderen Synthesizern oder Modularsystemen aus, welche man hierüber direkt ansteuern und erweitern kann.

Es spricht natürlich nichts dagegen, ein größeres Modular-Case zu kaufen und gleich weitere Oszillatoren oder Filter zu ergänzen. Damit steht einem ein deutlich erweiterter Spielraum für Klangexperimente zur Verfügung. Diese Variante ist aber eher fortgeschrittenen Usern empfohlen. Denn neben der ohnehin komplexen Spielweise eines Theremins muss man hier noch Grundwissen in Klangsynthese, Modularsynths und Patching mitbringen, damit man brauchbare Ergebnisse erzielt.

Dübreq Stylophone Theremin

Eine preiswerte Alternative könnte das Dübreq Stylophone Theremin sein. Auf dem relativ kleinen Desktopgehäuse gibt es eine gute Auswahl an Reglern, um die erweiterten Funktionen des Theremins live zu verändern. Dazu gehört auch ein Fader zur präzisen Tonsteuerung, wenn die Theremin-Performance über die Antenne noch nicht so richtig überzeugen mag.

Zusätzlich bietet das Stylophone einen Trigger-Taster, interne Effekte wie Delay, Chorus und Vibrato, sowie einen internen Lautsprecher. Insgesamt also ein recht komplettes Paket für die ersten Schritte am Theremin, dem aber die zweite Ebene für die parallele Steuerung der Lautstärke fehlt. Hier muss man für sich entscheiden, wie „professionell“ man gleich zu Beginn einsteigen möchte.

Widara Distant Voices Theremin

Der Vollständigkeit halber sei hier noch das Distant Voices Theremin von Widara genannt. Um es vorweg zu sagen: Wer ernsthafte Ambitionen hat, sollte hierum einen Bogen machen. Denn abgesehen von etwas effektvoller Tonhöhenmodulation bietet dieses Modell nichts, was man für einen gezielten Einsatz benötigt. Vielleicht schafft es ein Bastler, wenigstens die Steuerspannung nach außen zu führen.

Falls ihr aber ein Effektsoundmodul für die Bühne sucht, das mit etwas Handwischen mehr oder weniger atonalen Krach macht, sind die knapp 100 € möglicherweise gut angelegt. Allen anderen sei wärmstens ans Herz gelegt, noch ein paar Sparrunden zu drehen und gleich zum Theremini zu greifen.

Berühmte Kompositionen und Tracks mit Theremin-Einsatz

Am Ende des Artikels möchte ich noch ein paar Videos mitgeben, in denen intensiv ein Theremin genutzt wurde.

Carolina Eyck – Midnight Theremin

Den Auftakt dieser Empfehlungen macht Midnight Theremin von Carolina Eyck. Der Track ist exemplarisch für ihr Werk, denn die Künstlerin ist eine der besten kontemporären Theremin-Spieler. Kaum jemand beherrscht dieses komplexe Instrument mit so einer Perfektion. Wer sich für das Theremin interessiert, sollte sich auf jeden Fall ihren musikalischen Katalog anhören.

Clara Rockmore – The Swan

Am Ende noch ein historischer Tipp. Clara Rockmore wird zurecht als eine Koryphäe am Theremin bezeichnet. Sie war eine der ersten, die das Theremin einem größeren Publikum näherbrachte und das Instrument in Perfektion beherrschte. Wer sich für das Theremin im klassischen Kontext interessiert, ist hier richtig.

Bildquellen: Moog, Doepfer

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Checkliste: Was sollte eine Groovebox für elektronische Musik mitbringen?

Zunächst einmal sollte eine Groovebox alles mitbringen, um komplette Tracks ohne zusätzliches Equipment zu produzieren. Also Drums, Synthesizer, Sequencer und vielleicht sogar noch Sampling. Das ist nicht nur wichtig, wenn man einfach mal ohne Computer Musik machen möchte, sondern auch dann, wenn man sich ohne großen Equipmentfuhrpark auf seine Ideen konzentrieren möchte. Ebenso kann man mit einer gut ausgestatteten Groovebox komplette Live-Performances bestreiten.

1. Eigene Klangerzeugung
2. Drum-Sektion
3. Ausreichend Polyphonie
4. Sampling
5. Viele Anschlüsse
6. Einzelausgänge
7. Sequencer mit Step- und Live-Programmierung
8. Viele Regler

1. Groovebox mit eigener Klangerzeugung

Ganz am Anfang mag man sich noch über eine Menge guter Factory-Presets freuen. Spätestens aber wenn man eigene Tracks performen möchte, sollte eine flexible Klangerzeugung fürs Sounddesign zur Verfügung stehen. Denn das hilft sehr, um seinen Tracks eine persönliche Note mitzugeben. Ob die Sound-Engine der Groovebox nun analog oder digital aufgebaut ist, spielt erstmal keine Rolle: Gut klingen muss sie und der Workflow muss inspirierend sein. Klang ist dabei oftmals subjektiv und so kann sich der eine für einen Digitone oder Circuit begeistern, während ein anderer auf den analog-melancholischen Sound eines Analog Four schwört.

2. Eine Drum-Sektion

Wer elektronische Musik macht, kommt an guten Drum- und Percussion-Sounds kaum vorbei. Umso wichtiger ist es, dass die Groovebox in der Lage ist, diese zu liefern. Idealerweise bietet das Gerät einen speziellen Bereich, in dem mehrere Drum-Tracks zur Verfügung stehen. Ebenso funktionieren Parameter Locks wie bei Elektrons Digitone, bei dem man pro Step einen Sound auswählen und abspielen kann.

3. Ausreichend Polyphonie

Je mehr Stimmen die Groovebox gleichzeitig wiedergeben kann desto besser! Wer komplexere Arrangements fahren möchte, benötigt unbedingt Reserven bei der Polyphonie. Ansonsten werden Pads abgeschnitten oder Drum-Sounds einfach verschluckt.

4. Sampling

Zusätzlich zur Drum-Sektion kann Sampling oder zumindest das Importieren eigener Samples eine echte Bereicherung sein. Schnell mal eine optimierte Kick aus dem Rechner importieren ist so problemlos möglich.

5. Vielseitige Anschlussmöglichkeiten

USB, MIDI und Audio über USB: Je mehr Anschlussmöglichkeiten eine Groovebox bietet, umso einfacher ist es, diese später einmal in bestehende Setups zu integrieren. Besonders das klassische MIDI-Interface mit Ein- und Ausgang ist spätestens dann essentiell, wenn man komplett ohne Computer mit mehr als einem Gerät performen möchte.

6. Einzelausgänge

Falls eine Groovebox über eine gute Mixing-Sektion verfügt, ist es nicht so tragisch, wenn keine separaten Ausgänge für jede einzelne Spur vorhanden sind. Trotzdem können Einzelausgänge in Verbindung mit einem externen Mischpult sehr hilfreich sein, wenn man bei einer hektischen Performance nicht immer zwischen Menüs hin- und herspringen möchte. Zusätzlich ermöglichen separate Outs die Bearbeitung einzelner Instrumente mit externen Effekten.

7. Pattern-basierter Sequencer mit Step-Programmierung

Natürlich muss eine Groovebox über einen Sequencer verfügen, ansonsten wird es schwer, komplexere Tracks damit zu produzieren. Nicht selbstverständlich ist allerdings die Möglichkeit, Melodien und Drums per Step-Eingabe zu programmieren. Das erhöht zusätzlich den Spaßfaktor und gemeinsam mit Lauflicht gibt diese Programmierung auch ein nützliches visuelles Feedback. Wichtig ist nur, dass die Groovebox sich nicht auf starres Step-Sequencing beschränkt, sondern außerdem in der Lage ist, in Echtzeit aufzunehmen. Schließlich sorgen nicht 100 % akkurat sitzende Noten erst für den nötigen Groove.

8. Regler zur spontanen Klangbearbeitung

Elektronische Musik lebt vom Sounddesign. Und um das sowohl beim Produzieren als auch bei Live Performances gut umzusetzen, benötigt man Drehregler, Fader oder andere Eingabemöglichkeiten.

Dabei ist es gar nicht mal so wichtig, wie viele Regler zur Verfügung stehen. Vielmehr muss die Auswahl Sinn ergeben. Also entweder auf häufig genutzte Parameter wie Cutoff abzielen oder – was noch besser ist – frei konfigurierbar sein. Mit einem intelligent zusammengestellten Set aus acht Drehreglern eines Novation Circuit oder eines Elektron Analog Four lassen sich Sounds beeindruckend verbiegen.

Nachdem jetzt die wichtigsten Features herausgestellt wurden, können wir uns jetzt die besten Grooveboxen ansehen. Nicht alle davon bieten immer die komplette Ausstattung. Trotzdem ist jede auf ihre Art perfekt auf elektronische Musik zugeschnitten. Welche Groovebox es letztlich werden soll, entscheiden persönliche Präferenzen und nicht zuletzt auch immer das verfügbare Budget. Abschließend hierzu noch ein Tipp: Solltest du dich schwer in ein Modell verliebt haben das oberhalb deines finanziellen Rahmens liegt: Versuche lieber, noch ein paar Monate länger zu sparen, als mit einem Kompromiss zu leben.

Novation Circuit – Die perfekte Groovebox für Einsteiger

Novations Circuit Tracks – bzw. die Circuit-Serie – erfreut sich seit Jahren großer Beliebtheit. Das liegt vor allem am direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter, der Reduktion auf das Wichtigste, sein geringes Gewicht und dem verhältnismäßig günstigen Preis von rund 350 €.

Circuit Tracks ist eine ideale Groovebox, um schnell mal Ideen festzuhalten oder komplette Tracks darauf zu programmieren. Falls man vorhat unterwegs zu produzieren, kann man das Dank interner Spannungsversorgung über den Akku über Stunden ohne Steckdose tun.

Richtig spannend wird es allerdings, wenn man die vorgefertigten Presets beiseite lässt, und sich mit dem Editor an die Erstellung eigener Patches macht. Denn unter der intuitiven Oberfläche verstecken sich zwei vollwertige digitale Synthesizer, deren Engine auf der Nova-Reihe basiert. Daher klingt der Novation Circuit Tracks auch immer eher digital, das aber im positiven Sinne.

Überblick Novation Circuit Tracks

Abgerundet wird die Ausstattung des Circuit durch die Möglichkeit, eigene Samples zu importieren. Diese lassen sich in insgesamt vier Spuren programmieren, was erstmal nicht nach besonders viel klingt.

Seit dem letzten Betriebsystem-Update bietet der Circuit aber Sample Switch, was die Möglichkeiten noch einmal erheblich erweitert. Denn dabei werden genau die Samples aufgezeichnet, die man live über die Pads einspielt, sodass auch komplexere Drum-Arrangements möglich sind. Falls man allerdings viel mit Sampling arbeiten möchte, sollte man eher zu einem Elektron Digitakt oder Polyend Tracker greifen.

Synthstrom Deluge

Synthstrom Audio Deluge ist eine flexible Kombination aus Sequencer, Sampler, subtraktivem Synthesizer und einer zusätzlichem FM-Klangerzeugung. Das kompakte Kraftpaket ist also perfekt für elektronische Musik jeder Art geeignet. Allein der umfangreich ausgestattete Sequencer bietet nahezu unbegrenzt lange Tracks, Polyrhythmik, sowie eine schlaue Auswahl an Features für Live-Performances. Darunter finden sich Track Mutes, Note Repeat, Nudge und vieles mehr.

Die Klangerzeugung besteht aus klassischer subtraktiver Synthese inklusive spezielleren Features wie Ring Modulation und Sync, sowie Frequenzmodulation. Zudem ist wohl geplant, dass der Deluge in Zukunft noch Waveshaping beherrscht. Darüber hinaus ist es möglich, eigene Samples einzubinden.

Die Samples lassen sich dabei direkt von der SD-Karte abspielen und das ist leider keine Selbstverständlichkeit. Schließlich haben es selbst Industriegiganten wie Akai Pro oder Native Instruments immer noch nicht geschafft, dieses wichtige Feature in ihre Geräte (MPC-Serie, Maschine+) zu implementieren.

Abgerundet wird die Ausstattung des Deluge noch durch eine umfangreiche Effekt-Engine, die neben den Standards sogar exotischere Algorithmen wie Live Stutter und Bit Crusher bereithält. Das ist besonders erfreulich, zumal man auch externe Instrumente anschließen und durch die Effekte jagen kann.

Den Synthstrom Deluge kann man für rund 800 € inklusive Transportkosten – aber ohne Zoll und Einfuhrsteuer – im Onlineshop von Synthstrom bestellen. Wer sich eine Groovebox für elektronische Musik zulegen möchte, sollte sich den Deluge auf jeden Fall mal näher ansehen.

Überblick Synthstrom Deluge

Elektron Digitone – Ein FM Synthesizer als Groovebox?

Elektron Digitone ist doch keine Groovebox! Grundsätzlich würde ich diesem Statement zustimmen, schließlich handelt es sich beim Digitone um einen waschechten FM-Synth mit angedocktem Sequencer. Dennoch ist der Digitone durchaus in der Lage, ein komplettes Live-Set abzufeuern.

Denn dank Parameter-Locks, Track Mute-Funktionen und subtraktiver Filter-Sektion geht mit dem Digitone extrem viel. Von komplexen Drum-Arrangements für IDM bis hin zu sphärischen Melodic Techno Tracks bietet der Digitone alles, was man für eine Performance benötigt.

Überblick Elektron Digitone

Elektron Model:Samples

Wer überhaupt nichts mit FM-Synthese anfangen kann, sollte sich den Model:Samples aus gleichem Hause ansehen. Denn Elektron hat es geschafft, eine immer noch recht flexible Sampling-basierte Soundengine in ein Format zu gießen, das auch in hektischen Live-Performances noch ausgezeichnet bedienbar bleibt.

Anstatt viele Funktionen in Untermenüs zu verstecken hat beim Model:Samples nahezu jeder Parameter einen dazugehörigen Drehregler. Dazu gibt es eine Kombination aus Tief- und Hochpassfilter, eine gut klingende Effektsektion mit Delay und Reverb, sowie eine Verzerrungsstufe.

Überblick Elektron Model:Samples

Keine Frage: Der Model:Samples ist eine perfekte Groovebox, wenn man schnell auf den Punkt kommen möchte. Falls man sich doch eine umfangreichere Klangerzeugung wünscht, hat Elektron mit dem umfangreicher ausgestatteten Digitakt eine wunderbare Alternative am Start. Zwar sind hier einige Funktionen in Menüs versteckt. Wenn man sich aber einmal in den Workflow eingearbeitet hat, wird man mit einer mächtigen Sampling-Groovebox belohnt, die zudem als zentrales Element in einem größeren Setup eine gute Figur macht.

Roland SH-4d – Groovebox von Roland

Roland lieferte Mitte der 90er Jahre mit der MC-303 den Prototypen für diese Gerätegattung. In dieser Tradition sind immer wieder Nachfolger auf den Markt gekommen, die meistens am Kürzel „MC“ zu erkennen sind. Aber auch der Roland SH-4d steht in dieser Groovebx-Linie, vereint er doch eine ausgewachsene Synthengine mit einer gut klingenden Drumsektion und Sequencer.

Der SH-4d lädt mit zahlreichen Bedienelementen zum Soundschrauben ein. Aus elf unterschiedlichen Synthesizermodellen lässt sich in vier Parts jeweils ein Modell auswählen und vom internen 64-Step-Sequencer oder live gespielt ansteuern. Hinzu kommt eine umfangreiche und gute Effektabteilung, mit der man seinem Sound eine gute Politur verpasst.

Überblick Roland SH-4d

Polyend Tracker Mini – Die etwas andere Groovebox

Polyend verfolgt mit dem Tracker Mini ein etwas anderes Konzept als die Lauflicht-basierten Sequencer der bereits vorgestellten Modell. Trotzdem gehört er in diese Liste, denn die Andersartigkeit eines Trackers kann einem beim Produzieren völlig neue Wege eröffnen.

Im Gegensatz zur Lauflichtprogrammierung durchläuft der Sequencer seine Positionen von oben nach unten. Dabei kann pro Step nicht nur Note, Anschlagdynamik etc. bestimmt werden, sondern auch, welches Sample er gerade an dieser Position abspielt. Der klassische Ansatz, jedem Track ein Instrument zuzuweisen, würde hier zwar funktionieren. Richtig spannend wird es aber dann, wenn man zum Beispiel einen Drumloop zerschneidet und ihn in einer Spur komplett neu zusammensetzt. Daher verwundert es nicht, dass das originale Tracker-Konzept bereits in den 90er Jahren sehr stark im Drum and Bass oder Jungle genutzt wurde.

Aber auch im Ambient, Techno oder anderen Spielarten elektronischer Musik macht der Polyend Tracker Mini eine gute Figur. Schließlich bestimmt der User, welche Samples im internen Speicher landen und weiterbearbeitet werden. Dazu stehen im Tracker übrigens mehrere Möglichkeiten zur Verfügung. Die Samples lassen sich durch subtraktive Synthese mit Filtern etc. verarbeiten oder mit Granularsynthese verändern. Dazu sieht der Tracker Mini einfach nur schick aus und passt mit wenig Gewicht und Umfang gut ins Reisegepäck.

Überblick Polyend Tracker Mini

Die besten Grooveboxen für elektronische Musik – Fazit

Falls du dich entscheiden solltest, elektronische Tracks nur mit einer Groovebox zu produzieren aber noch ganz am Anfang stehst, sind Novations Circuit Tracks, Elektron Model:Samples oder der MC-707 von Roland ein guter Einstieg. Für das aufgerufene Budget bieten sie genügend Möglichkeiten selbst für komplexeres Sounddesign und abwechslungsreiche Tracks. Trotzdem – und das ist fast noch wichtiger – machen alle drei Kandidaten direkt Spaß, ohne sich erst lange in die Materie einarbeiten zu müssen.

Wenn du schon etwas länger dabei bist und einfach mal komplett ohne den Computer produzieren möchtest, wären meine Favoriten der Elektron Digitone, sowie der Synthstrom Deluge. Beide besitzen eine vielseitige Klangerzeugung und ausreichend Spuren um weiteres Equipment anzusteuern.

Der Polyend Tracker Mini mag auf den ersten Blick nicht ganz so flexibel wie etwa ein Deluge erscheinen. Trotzdem sind sein außergewöhnlicher Ansatz als Tracker, sein kompaktes Format und nicht zuletzt seine Limitierungen eine ideale Inspirationsquelle, wenn man ausgetretene Pfade verlassen möchte. Eine Liebe zum Sampling sollte in diesem Fall natürlich vorhanden sein.

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Bevor ich konkrete Modelle vorstelle, möchte ich aber noch einen Gedanken loswerden. In vielen Studios sehe ich Synthesizer und Outboard-Equipment dessen Gesamtwert nicht selten mehrere Tausend Euro übersteigt. Ich kann das verstehen, denn Hardware-Klangerzeuger machen beim Produzieren oftmals mehr Spaß als die Peripherie drum herum. Hinzukommt, dass Synthesizer den Klang direkt haptisch begreifbar machen. All das ist etwas, was ein Studiomonitor nicht sofort bietet.

Nun ist es aber häufig so, dass neben den Synthesizer-Burgen dann ein paar Billigbrüllwürfel stehen. Ihr trauriges Dasein fristen diese entweder in der Ecke ganz an der Wand, oder halb versteckt hinter dem Computer-Bildschirm. Und an dieser Stelle stellt sich dann doch die Frage, wozu ständig vom besseren Hardware-Sound die Rede ist, wenn auf der anderen Seite die Mittel fehlen, diesen vernünftig zu beurteilen.

Gute Raumakustik und hochwertige Lautsprecher sind essentiell

Oder um es mit anderen Worten auszudrücken: In einem guten Studio sollten erst zwei grundsätzliche Dinge vorhanden sein, bevor man in teure Klangerzeuger investiert. 1. Eine vernünftige Raumakustik. Da kann man mit DIY-Maßnahmen bereits für deutlich unter 1000 € wahre Wunder bewirken. Wenn Punkt 1 erfüllt ist, kann man sich dem zweiten Punkt widmen, gute Studiomonitore. Bis diese beiden Punkte abgehakt sind, kann man problemlos mit einem Computer, DAW, Softsynths und einem guten Paar Studiokopfhörer sensationell klingende Tracks produzieren.

Damit möchte ich niemandem absprechen, sich einen Hardware-Synth für den Spaßfaktor oder den direkten Zugriff anzuschaffen. Das klangliche Argument lasse ich in einem suboptimalen Setting aber nur bedingt gelten.

Die Studiomonitore müssen zum Raum passen

Ergänzend zum vorher gesagten sollte auch die Raumgröße bei der Anschaffung der Monitore beachtet werden. In einem kleinen Raum machen Midfield-Monitore wenig Sinn.

Ebensowenig ist es ratsam, mit dem Kauf eines Subwoofers darauf zu hoffen, dass man einen fehlenden Bassanteil ausgleichen kann, der auf die Größe des Raums zurückgeht. Man dreht dann immer mehr Bass rein, um endlich auch mal etwas zu hören. Am Ende nimmt man am Studiotisch dann ein paar Tieffrequenzen lauter wahr, während der Bass in der Küche am Ende des Flurs die Tassen aus den Schränken fegt.

Die besten Studiomonitore für elektronische Musik: Aktuelle Marktübersicht

Presonus Eris Studio 5

Den Auftakt dieser Liste macht PreSonus mit ihrer Eris-Reihe. Das hier vorgestellte Modell Eris Studio 5 ist mit rund 250 € pro Paar recht günstig und dürfte sich damit vor allem an Einsteiger richten.

Die aktiven Nahfeldmonitore erzeugen bis zu 102 dB. Der Frequenzbereich reicht von 48 bis 20.000 Hz, was allerdings für eine gute Beurteilung des Bassbereichs nicht ausreichen wird. Aber das ist ein Problem, mit dem die meisten Monitore in diesem Preissegment zu kämpfen haben.

Früher oder später sollte man daher einen Subwoofer mit einkalkulieren, wenn es der Raum zulässt. Auf der Rückseite findet sich noch ein rudimentärer EQ inklusive LowCut-Schalter, um die Lautsprecher etwas besser an den jeweiligen Raum anpassen zu können.

Focal Alpha 65 EVO

Focal hat mit den Alpha 65 Evo gut klingende Studiomonitore im Programm, die sich mit einem Anschaffungspreis von rund 650 Euro das Paar auch an Einsteiger richten. Der Frequenzbereich geht runter bis 40 Hz, wodurch auch Bässe noch einigermaßen gut abgebildet werden. Für die Beurteilung eines guten Clubmix fehlt nach unten zwar noch etwas, weshalb man hier ebenfalls über einen Subwoofer nachdenken könnte.

Auf der Rückseite der Boxen findet sich ein grafischer EQ. Mit diesem kann man die Lautsprecher noch etwas an den Raum anpassen. Dadurch kann man Über- oder Unterbetonungen einzelner Frequenzbereiche entgegenwirken. Einen optimierten Raum ersetzt ein EQ natürlich nicht, aber etwas Optimieren geht damit schon. Mit einem Schalldruck von maximal 106 dB (bei 1m) erzeugen die Focal Alpha 65 Evo auch genügend Lautstärke, wenn einem mal danach ist.

Yamaha HS-8

Yamaha hat jahrzehntelange Erfahrung in der Herstellung von professionellen Studiolautsprechern. In dieser Tradition steht auch die Lautsprecher der HS-Serie, die mittlerweile in unzähligen Home- und Projektstudios zu finden sind. Und das aus gutem Grund: Für rund 550 € pro Paar bietet das hier empfohlene Modell HS-8 ein echt gutes Preis-Leitungsverhältnis.

Insgesamt 120-Watt Leistung wird über zwei Lautsprecher abgegeben. Dank 8″ Tieftöner und Bass-Reflex-System reichen die HS-8 runter bis 38 Hz, was man vor allem bei höheren Lautstärken angenehm im Bassbereich merkt.

Die Speaker klingen recht ausgewogen, machen dabei aber trotzdem noch Spaß. Zur Anpassung an den Raum gibt es auf der Rückseite der HS-8 zwei Schalter zur Absenkung und Erhöhung der Bässe und hohen Frequenzen. Nicht ganz so glücklich gelöst finde ich die Ausführung des Bass-Reflex-Rohrs nach hinten heraus. Im Gegensatz zur Frontvariante ist es hier bei naher Wandaufstellung wahrscheinlicher, dass es zu Phasenschweinereien kommt. Wenn man das beachtet und den Abstand variiert, bis es am Hörplatz gut klingt, ist das aber kein großes Thema.

Adam Audio A7V

Die Adam Audio A7V werden gerne als Studiomonitore für elektronische Musik empfohlen. Mit einem Frequenzbereich von 41 – 42.000 Hz decken sie ein breites Spektrum ab, das auch Bässe noch gut wiedergibt. Ansonsten gilt hier auch die Empfehlung, für eine gute Beurteilung des Subbass-Bereichs von Club-Tracks noch einen Subwoofer dazuzustellen. Bis dahin sind die A7V aber ein sehr verlässlicher Partner, wenn man mit etwas Erfahrung mischt und sich teilweise auf Analyzer verlassen möchte.

Adam Audio setzt bei ihren Lautsprechern auf ein eigenes Hochtönerkonzept (X-ART). Diese sind in der Lage, hohe Frequenzen sehr detailliert abzubilden, werden von einigen Produzenten im Dauerbetrieb aber als etwas anstrengend empfunden. Hier lohnt es sich unter Umständen, die hohen Frequenzen für die Abhörsituation etwas abzusenken. Ich konnte diese Kritik nicht nachvollziehen, wollte es aber dennoch hier aufführen.

Zur Anpassung an den jeweiligen Raum spendierte Adam Audio den A7V auf der Rückseite EQs für hohe und tiefe Frequenzen, die sehr effizient wirken. Mit maximalem Schalldruck von 105 dB (Peak / 1m) kann man die Monitore recht laut betreiben. Zu beachten ist noch, dass die A7V mit 8,7 kg pro Speaker bereits ein recht hohes Eigengewicht haben.

Genelec 8040 BPM

Als zweites Paar in der Klasse zwischen 1000-2000 € kommen die Genelec 8040 BPM mit einem Paarpreis von rund 1800 € ins Rennen. Die 8040 zeichnen sich durch einen recht analytischen Klang aus, dessen Stärken vor allem eine hohe Impulstreue und recht gute Tiefenstaffelung sind.

Die Raumapassung erfolgt etwas ungewöhnlich über DIP-Schalter auf der Gehäuserückseite. Das ist nicht ganz so intuitiv wie mit einem Drehregler, erfüllt Dank umfangreicher Beschaltungsmöglichkeiten seine Aufgabe aber gut.

Im Direktvergleich mit den Adam Audio A-8X klingen die Genelec direkter klingen und machen etwas weniger „Spaß“. Dafür lösen sie aber noch einen Tick besser auf. Hier muss jeder für sich entscheiden, was ihm lieber ist. Für elektronische Musik wichtig ist der Tiefbassbereich, der bei den 8040 BPM bis 45 Hz reicht. Hier haben also die Adam A8X wieder die Nase vorn. Wer den Sound der Genelecs bevorzugt, aber nicht auf den Tiefenschub verzichten möchte, sollte sich das nächst größere Modell Genelec 8050 mal ansehen. Der 8″ Tieftöner reicht hier herunter bis 38 Hz, was sich definitiv bemerkbar macht.

Adam Audio S3H: Wenn das Budget keine Rolle spielt

Zum Abschluss noch eine Studiomonitor-Empfehlung im höheren Preissegment. Zugegeben, diese Lautsprecher hauen mit einem Paarpreis von mehreren tausend Euro ein ziemliches Loch ins Konto. Ich wollte sie trotzdem in diese Liste aufnehmen, da es in diesem Preissegment kaum Alternativen gibt, die a) so eine geniale Stereobreite, b) akkurate Impulstreue und c) Spaß bei der elektronischen Musikproduktion bieten.

Adam hat mit den S3H ein sensationelles Produkt auf den Markt gebracht, das sowohl als Nahfeld- als auch als Midfield-Monitor eine gute Figur macht. In höheren Lautstärken kommt Club-Feeling auf, ohne dass man jedoch den Überblick verliert, weil sich etwa Frequenzen zu starküberlagern. Die Auflösung ist erstaunlich und legt im Vergleich zu den Lautsprechern im Preissegment bis 3000 € noch einmal ganz schön drauf: Transienten werden exakt wiedergegeben, man hört selbst kleinste Veränderungen bei der Anpassung von Dynamikprozessoren, EQs oder Reverbs.

Was mich aber fast noch mehr beeindruckte war die Tiefenstaffelung bei geringen Lautstärken. Nur wenige Studiomonitore schaffen es, Audiosignale auch bei geringer Zimmerlautstärke so wiederzugeben, dass man den Mix zuverlässig beurteilen kann.

Die S3H beherrschen beides und treten damit in Konkurrenz zu Lautsprechern, die noch einmal das doppelte Kosten. Natürlich sind rung 6700 € sehr viel Geld. Wenn man einige Zeit eisern spart, ist das aber vielleicht doch im Rahmen des Möglichen. Und dann sind die S3H wahrscheinlich das letzte Paar Studiomonitore, das man sich anschafft.

Fazit: Studiomonitore für elektronische Musik

Neben den hier gezeigten Modellen gibt es selbstverständlich noch unzählige andere Vertreter, die infrage kommen. Die hier vorgestellten Lautsprecher sind eine Auswahl derer, die ich entweder selbst im Einsatz hatte, oder die ich aus anderen Studios kenne.

Über die Jahre habe ich gelernt, dass gute Lautsprecher das wesentliche Element im Studio sind. Hier sollte man also eigentlich am wenigsten sparen. Es geht natürlich immer nur so viel, wie es das jeweilige Budget erlaubt.

Mein Tipp daher: Nehmt keinen Kredit auf, aber kauft auch nicht zu günstig. Ab einer (Low-Budget) Leistungsklasse lohnt es sich echt mehr, das Geld in gute Kopfhörer zu investieren, statt in semigeilen Studiomonitoren zu verbrennen.

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Die Basis: Wie man Dub Chords am Synthesizer programmiert

Am Anfang steht ein recht simpler Akkord, den ihr entweder schon auf Synthesizerebene mit drei unterschiedlich gestimmten Oszillatoren realisiert (ein guter Startpunkt ist der Grundton plus 3 & 7 Semitöne) oder direkt einspielt.

Als Schwingungsform bietet sich ein obertonreicher Sägezahn oder ähnliches an. Wenn es der Synthesizer hergibt, könnt ihr an dieser Stelle bereits etwas Rauschen hinzugeben, das dem Signal ein extra Quäntchen Schmutz verleiht.

Als Filter wählt ihr entweder ein Bandpass- oder ein Tiefpassfilter aus und schließt die Flankensteilheit großzügig. Die Hüllkurven für Amp und Filter sind beide auf hartes Attack, moderate Decay-/Release-Zeiten und 30-50 Prozent Sustain eingestellt. Durch höhere Attackzeiten bewegt ihr den Sound mehr und mehr in Richtung Pad. Hier bietet sich an, die Attack-Zeit durch die Anschlagstärke zu modulieren.

Das Filter im Synth schneidet bereits einen Teil der Obertöne weg, die man per Modulation des Cutoff durch LFO und Filter-Envelope aber wieder temporär hinzufügt. Dub-Chords leben von Modulationen. Je mehr Parameter moduliert werden, umso interessanter das Endergebnis.

Auf Klangerzeugerebene war es das bereits, wenden wir uns nun dem wichtigsten Part zu – der Effektreihenfolge:

Dub Chords sind nichts ohne die richtigen Effekte

Ich habe ewig gebraucht, bis ich verstanden habe, dass der Großteil eines Dub Chords über Effekte zustande kommt. Oder anders formuliert: Wenn die Effektkette passt, kann man fast jedes Signal durchschicken und am Ende kommt Dub heraus.

In die Effektkette gehören in dieser Reihenfolge

• Delay, vorzugsweise ein Space Echo (Tape Delay) oder ein BBD-Delay
• Equalizer / Multimode-Filter
• Reverb / 2. Delay
• optional: Phaser
• optional: Sidechain-Kompressor

Am Anfang unserer Kette steht ein (Tape oder BBD) Delay, das den analogen Schmutz liefert. Die Delay-Zeit wählt ihr nach eurem Geschmack aus, zu kurz oder zu lang sollte sie aber nicht sein. Ein interessantes Feature ist, die Delay-Geschwindigkeit entweder manuell oder automatisiert zu verändern. Wenn man etwa einen LFO auf die Delay-Rate legt, reagiert eine gute Tape-Simulation mit Tonhöhenschwankungen. Dieses Leiern kommt besonders gut, wenn man es mit höheren Feedback-Werten kombiniert. Fährt man das Delay dabei knapp bis zur Selbstoszillation, entstehen recht schöne Übergänge.

Sehr wichtig ist dann ein Multimode-Filter (oder ein EQ), das direkt hinter dem Delay eingeschliffen wird. Ein Bandpassfilter mit 12 dB Flankensteilheit und mittlerer Resonanz ist ein guter Ausgangspunkt. Je tiefer ihr das Filter schließt, umso muffiger wird der Klang und umgekehrt.

Tipp: Einige Delay-PlugIns wie etwa das fantastische Echo von Ableton bringen Multimode-Filter für das Delay-Signal direkt mit. Hier kann man Hochpass und Tiefpass gut miteinander kombinieren und separat die Resonanz einstellen.

Spring-Reverb und weitere Delays

An dieser Stelle haben wir schon einen Großteil des Pflichtprogramms erfüllt. Jetzt streuen wir noch etwas Sternenstaub on top. Nach dem Filter fügt ihr optional ein weiteres Delay ein. Auf diese Weise könnt ihr schön treibende Grooves erzeugen, ohne kompliziert einzelne Noten einzugeben.

Im Anschluss folgt mit dem Reverb eine weitere wichtige Komponente. Als Algorithmus empfehle ich ein Shimmer Reverb oder ein warm klingendes Room-Preset. Wer den authentischen Retrosound sucht, greift besser direkt zu einer Federhall-Simulation oder einem Plattenhall. Gerade Spring-Reverbs (Federhall) kann man in unzähligen Dub-Produktionen heraushören, denn ihr markant metallener Hall-Sound ist unverwechselbar.

Phaser, Flanger und Sidechain-Compression

Am Ende der Effektkette addieren wir noch einen Phaser oder Flanger. Dezent eingesetzt verpasst dieser Effekt dem Signal noch zusätzliche Tiefe. Allerdings würde ich hier keine allzu extremen Einstellungen auswählen, damit sich der Klang insgesamt homogen in den Mix einfügt. Zumal wir mit der umfangreichen Effektbatterie davor schon ordentlich Bewegung im Sound haben.

Eine einfache Möglichkeit, Mixing-Probleme zu umgehen, ist der Einsatz eines Kompressors am Ende der Signalkette. Per Sidechaining wird dann die Lautstärke beim Einsetzen der Kick heruntergedrückt, wodurch sich der Dub Chord recht einfach in den Mix integriert.

Noch ein Tipp für Elektron Digitone User: In meinem Digitone-Tutorial zeige ich, wie man mit dem FM Synthesizer dubbige Effektketten erstellt.

Hardware-Empfehlungen für Dub Techno / Ambient Dub

Die hier vorgestellten Tipps gelten natürlich gleichermaßen für die Hardware-Pendants. Wer lieber mit Hardware produziert und nach guten Synthesizern und Effekten für Dub Techno und Ambient Dub sucht, findet hier noch ein paar meiner Favoriten.

Synthesizer für Dub Techno

Delays für Dub Techno

Kostenloses Dub Chord Instrument Rack für Ableton Live

Hier könnt ihr euch ein komplettes Instrument-Rack für Ableton Live herunterladen, das ich erstellt habe. Enthalten sind zum einen ein Dub Chords Patch für Operator, sowie eine komplette Effektkette, die alle hier beschriebenen Stationen enthält. Für Live-Performer gibt es ein Makro, das euch direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter bietet.

Sound Packs mit Dub, Techno und Ambient Patches

• Novation Circuit „Elements“
• Novation Peak „Permafrost“
• Elektron Digitone „Epigenetics“ und „Nemesis“
• Twisted Electrons MEGAfm „Magnitude“
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Spätestens mit dem Album Powers of Ten von Stephan Bodzin hat sich im Melodic Techno ein charakteristischer Lead-Sound durchgesetzt. Mittlerweile ist dieser Melodic Techno Lead in unzähligen Tracks zu finden, besonders häufig bei Releases des Afterlife Labels. Wie man diesen weichen, aber zugleich kraftvollen Sound erstellt, sehen wir uns im Detail im Sounddesign-Workshop „Melodic Techno Leads erstellen“ an.

Oszillatoren

Basis-Einstellungen

Bei vielen Melodic Techno Leads hört man mindestens zwei Oszillatoren. Häufig liefert einer einen Sägezahn, während der andere eine Pulsschwingung erzeugt. Das Tuning sollte dabei im harmonischen Intervall sein, also eine Oktave zwischen den beiden, eine Quinte (Tune +5) oder eine Septime (Tune +7). Seltener findet man auch eine Terz, bei der Oszillator zwei um drei Halbtöne nach oben gestimmt wird.

Noise

Sehr häufig findet man auch weißes oder rosa Rauschen in den Melodic Techno Leads. Damit euch das Noise nicht erschlägt, solltet ihr es sparsam unter den Grundsound mischen. Alternativ könnt ihr den Rauschanteil auch per Aftertouch oder Modulationsrad steuern, um es dynamisch spielbar zu machen. Bei wichtigen Passagen im Track reißt ihr dann den Rauschanteil gemeinsam mit dem Filter-Cutoff nach oben.

Erweitertes Sounddesign Oszillatoren

Um mehr Bewegung in den Sound zu bringen, kann man die Pulsbreite von Oszillator 2 noch mit einem moderat schnellen LFO modulieren. Dadurch entstehen Schwebungen, die den Klang noch breiter wirken lassen. Ebenso lohnt es sich hier, je nach Möglichkeiten des Synths, parallel noch eine Hüllkurve auf die Pulsbreite anzusetzen.

In vielen Melodic Techno Leads ist außerdem ein Portamento (oder Legato) zu finden. Das darf gerne deutlich hörbar sein, die Geschwindigkeit sollte aber zu euren Melodien passen und jede Note weitestgehend definiert bleiben.

Filter

Melodic Techno Leads leben von smoothen Filterfahrten. Beim Filter sollte man sich für eine weichere, cremigere Variante entscheiden. Also eher Moog, SH oder Oberheim SEM statt MS-20 oder WASP. Resonanz sollte, wenn überhaupt, eher sparsam eingestzt werden. Für das Ausgangssetting startet ihr mit einem nahezu geschlossenen Filter, auf das ihr eine Hüllkurve setzt.

Modulationen

Um nun Leben in den Sound zu bringen, nutzen wir gleich mehrere Modulationen. Zum einen Hüllkurven, zum anderen LFOs.

Hüllkurven

Als erstes Filter sehen wir uns das grobe Setting der Filterhüllkurve an.

• Attack: 10-20 %
• Decay: 10-20 %
• Sustain: 30-50%
• Release: 1-2 Sekunden
  

Natürlich solltet ihr das Finetuning auf euren jeweiligen Synth hin abstimmen. Wichtig ist, dass ihr das Grundprinzip versteht: also ein smoothes Einschwingen einstellt, gefolgt von einem ebenso weichen Schließen des Filters. Der Sustain-Wert liegt bewusst nicht bei „0“, damit die Noten gehalten werden können, ohne dass der Sound komplett wegbricht.

Bei der Amp-Hüllkurve geht ihr anschließend recht ähnlich vor. Sollte euer Synth hier nur eine ADS-Envelope bieten, wie viele Moog-Synths, schaltet ihr ihr Decay auf Release.

Erweitertes Sounddesign

Um den Sound noch dynamischer zu spielen, könnt ihr die Hüllkurvenintensität per Anschlagdynamik steuern. Die Modulation sollte trotzdem einigermaßen moderat angelegt sein, ansonsten wird der Sound des Melodic Techno Leads schnell zu hart.

Falls es das Modulations-Routing eures Synth zulässt, könnt ihr die Filter-Attack-Phase ebenfalls per Velocity oder mit dem Modulationsrad steuern. Auch hier sind subtile Wertänderungen der Schlüssel zu einem weichen, aber dennoch präsenten Sound.

LFOs

Nachdem wir unseren Soundblock grob behauen haben, wenden wir uns nun der Feinarbeit zu. Hierfür spielen bei Melodic Techno Leads LFOs eine entscheidende Rolle. Wie schon zuvor gilt auch hier die Devise: Lieber subtil als brachial. Krasse Filterfahrten sollten am besten manuell vorgenommen worden, um gezielt Übergänge und Peaks im Track zu unterstützen.

Damit der Sound aber auch über weite Teile spannend klingt, sorgen Modulationen auf Pulsbreite, Filter, oder auch dem Noise-Anteil für organische Tiefe. Falls vorhanden, kann man dabei einen LFO exklusiv auf die Pulsbreite, und einen weiteren LFO auf das Filter ansetzen. Die sehr subtile Modulation des Noise-Anteils könnt ihr entweder an den einen der beiden LFOs koppeln, oder einen weiteren LFO dafür heranziehen.

Am Ende habt ihr noch die Möglichkeit, den LFO mit dem Tracktempo zu synchronisieren: je nach Synth entweder per BPM-sync, oder ganz klassisch nach Gehör. Auch hier würde ich eher auf langsame Frequenzen setzen, damit sich der Sound stetig ändert, ohne dass die Modulation den Charakter des Leads zu stark dominiert.

Erweitertes Sounddesign LFO

In einigen Melodic Techno Leads hört man, dass Filter- oder PWM-Modulationen bei höher gespielten Noten schneller werden. Das könnt ihr recht einfach umsetzen, indem ihr die LFO-Frequenz an die Tonhöhe koppelt (Key Follow / Note). Die Intensität sollte hier etwas stärker sein, ansonsten hört ihr den Effekt kaum.

Falls euer Synthesizer diese Funktion nicht bietet, müsst ihr das manuell bei der Aufnahme machen. Die Variation der LFO-Frequenz ist dann ein fester Bestandteil eurer Lead-Spur und liefert dieser interessante Nuancen.

Effekte

Nachdem jetzt der Grundsound steht, werden wir ihn im letzten Schritt noch mit Effekten veredeln und für unseren Track vorbereiten. Hierbei geht es immer noch ums Sounddesign, EQs und Kompressoren sind später Teil des Mixings und damit weitestgehend abhängig vom Rest des Tracks.

Grundsätzlich empfiehlen sich für Meldoic Techno Leads Reverb, Delay und Chorus, meist sogar eine Kombination aus allen drei Effekten. Als Reihenfolge empfehle ich zuerst das Delay einzuschleifen, dann Reverb und final den Chorus, um den Sound noch einmal breiter werden zu lassen. Alle Effekte sollten dabei Stereo ausgeführt sein, selbst wenn es sich beim Eingangssignal um eine Monospur handelt. Dadurch erhalten wir einen schön schwebenden Sound, der sich breit im Stereopanorama aufstellt.

Bei sämtlichen Effekten ist es wichtig, dass ihr später im Mix die Frequenzen im Auge behaltet. Viele Delays und Reverbs können das Signal mit störenden Frequenzen anreichern, vor allem, wenn man höhere Feedbackwerte einstellt. Plant also immer gleich einen EQ mit ein, um das Signal nach den Effekten zu entschlacken.

Delay

Beim Delay empfehle ich eine analog klingende Variante wie Tape- oder BBD-Delays. Natürlich kommt man auch mit HiFi-Delays zum Ziel. Jedoch bringt der höhenärmere Sound von analogen Delays und deren analoge Unperfektheiten zusätzliche Wärme. Dabei muss es nicht zwingend ein Hardware-Delay für Synths sein. Auch VST-Delays liefern hervorragende Ergebnisse und sind zudem nahezu immer als Stereoversion ausgeführt.

Achtet beim Delay darauf, dass die Delay-Zeit zum Songtempo passt. Triolische Werte und kleine Abweichungen bringen zusätzlichen Groove in die Lead-Spur, hohe Feedback-Einstellungen sind dann reizvoll, wenn man nur sparsam einzelne Noten setzt. Spielt auch mit der Modulation der Delayzeit. Sehr moderat eingesetzt entsteht hier ein herrlich analoges Flair.

Reverb

Alternativ oder ergänzend zum Delay könnt ihr auch einen Reverb-VST-Effekt nutzen. Als Reverbtyp eignen sich Ambiences, Room oder Plate-Effekte gut. Ziel ist es auch hier, den Effekt subtil einzusetzen, damit man ihn fühlt, der Effekt aber nicht zu dominant wird. Achtet beim Reverb wie auch beim Delay darauf, die Zeiten nicht zu lang einzustellen. Vor allem aber solltet ihr nach Delay und Reverb überflüssige Frequenzen per Low- und Hi-Shelf absenken.

Chorus

Theoretisch könnte man bei Melodic Techno Leads auf einen Chorus verzichten, wenn der Synth ausreichend Möglichkeiten (wie PWM, leichtes Detune usw.) bereitstellt, Schwebungen in den Sound zu bringen. Ist der Klangerzeuger eher rudimentär ausgestattet, kann ein Choruseffekt diese Schwebungen liefern.

Je nach Funktionsumfang des Chorus solltet ihr darauf achten, die Modulationsrate eher langsam einzustellen. Zusätzlich könnt ihr mit einem EQ noch die Frequenzen zwischen 250 und 400 Hz um 2-4 dB absenken, wenn es im unteren Mittenbereich noch zu sehr dröhnt. Dann fügt sich der Sound besser in den Mix ein.

Synthesizer für Melodic Techno Leads

Bei vielen Afterlife-Produktionen hört man immer wieder einen Synthesizer heraus. Den Moog Sub(sequent) 37 (oder entsprechende Moog-Reproduktionen). Besonders deutlich ist das, wenn man sich beispielsweise Powers of Ten von Stephan Bodzin anhört. Hier wurde der Moog Sub 37 laufend eingesetzt und auch bei Live-Acts scheint ihm der Moog-Synth ein verlässlicher Partner zu sein.

Natürlich benötigt man selten genau „das“ Equipment für einen konkreten Sound. Nichtsdestotrotz können charaktervolle Sound einfach leichter mit bestimmten Modellen umgesetzt werden als mit anderen. Ich setze für diese Leads sehr gerne auch auf den Roland SH-101 (oder den SH-01a), weil ich diesen etwas einfacher im Mix unterbringen kann.

Moog Subsequent 37, Behringer Model D und Softube Model 72

Damit an alle Budgetklassen und Studiosituationen gedacht ist, stelle ich direkt drei Vertreter vor. Der Moog Subsequent 37 ist das Genre-Original und bietet neben speicherbaren Presets, Stepsequencer und Duophonie die perfekten Ergänzungen für Melodic Techno Leads. Eine angenehme Sättigung und ein etwas weicherer Sound in den Mitten prädestinieren ihn für melancholische aber gleichzeitig kraftvolle Sounds.

Beim Model D von Behringer muss man auf eine Vielzahl an Funktionen verzichten, allerdings orientiert sich dieser Synth direkt am Vorbild Model D von Moog. Auch hiermit bekommt man authentische Melodic Techno Leads hin, muss aber auf Komfort wie Presets, Duophonie oder Step Sequencer verzichten. Für mittlerweile unter 200 € ist der Model D dennoch eine klare Empfehlung für Budget-Studios, wenn es unbedingt Hardware sein soll.

Als Software-Empfehlung sei noch das Model 72 von Softube genannt. Die virtuelle Nachbildung eines Moog Minimoog klingt organisch analog und bringt den legendären Sound in VST-Studios. Hier zahlt man den Preis mit einem ordentlichen Ressourcen-Hunger, aber wenn man den Sound hört, versteht man, woher dieser Anspruch kommt.

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Roland SH-101

Mit einem wunderbar melancholisch weichen Sound eignet sich Rolands SH-101 perfekt für Melodic Techno Leads. Und bis auf den zweiten Oszillator liefert der Synth alle Grundbausteine bei einer sehr intuitiven Bedienung. Das Original gibt es zwar leider nur noch gebraucht – und das zu einem recht hohen Preis -, aber Roland hat mit dem SH-01a Boutique eine sehr gute digitale Version auf den Markt gebracht. Diese bietet sogar 4-fache Polyphonie, erweiterte LFO-Modi und Speicherplätze.

Wenn es Software sein soll, gibt es ebenfalls gute Kandidaten wie den TAL Bassline 101 oder die virtuelle Nachbildung von Softube mit dem Model 82.

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Wer gerne unterwegs produzieren möchte, oder einfach mal auf dem Balkon jammen, ohne gleich meterweise Kabel zu verlegen, kann mittlerweile auf eine Auswahl an Powerbanks für Synthesizer und Batterien zurückgreifen. Zwar eignen sich die meisten Modelle grundsätzlich, allerdings unterscheiden sie sich für die professionelle Anwendung dann doch im Detail. Manchmal erfordert ein Synth oder eine Groovebox eine Spannung, die über den mittlerweile verbreiteten 5V-USB-Standard hinausgeht. Aber auch hierfür gibt es mittlerweile Lösungen, die dieser Artikel vorstellt.

Grundsätzlich: Was sollte eine Powerbank für Synthesizer leisten?

Bevor ich ein paar Modelle vorstelle, die ich hier auf Praxistauglichkeit geprüft habe, noch ein paar Worte, worauf man bei einer Powerbank für Synths achten sollte.

• Ausreichend Ausgangsspannung
• Hohe Ladekapazität
• Verschiedene Anschlussmöglichkeiten
• Geringes Gewicht
• Stabile Spannungsversorgung ohne Unterbrechungen

Ausreichend Ausgangsspannung

Viele Synthesizer unterstützen mittlerweile einen Betrieb über USB. Bei diesen Modellen müsst ihr euch keine großen Gedanken über die Ausgangsspannung eurer Powerbank machen. So könnt ihr euch direkt auf Ladekapazität oder Anschlüssmöglichkeiten fokussieren.

Will man aber Synthesizer mit 9V, 12V etc. an einer Powerbank betreiben, sieht die Sache schon etwas komplizierter aus. Auch hier gibt es dedizierte Akkus und mobile Spannungsversorgungen. Häufig sind diese aber recht klobig und konterkarieren den Gedanken an ein mobiles Setup. Mit entsprechendem Zubehör wie USB-Spannungswandlern kann man diese Synths aber ebenfalls an eine Powerbank anschließen.

Hier müsst ihr akribisch darauf achten, dass euer Adapter a) die richtige Größe der Steckverbindung hat und b) die korrekte Polarität auweist. In vielen Fällen dürfte das ein 12 V (Polarität: + innen) Spannungswandler wie die Ripcord-Modelle von myVolts sein. Dieses unterstützt zumb Beispiel Novation Circuit Mono Station, Behringer Crave, Elektron Digitone / Digitakt und vieles mehr. Aber noch einmal: Verlasst euch nicht auf diese Aussage, sondern überprüft erst ganz genau, was auf dem Netzteil eures jeweiligen Synths steht.

Hohe Ladekapazität

Die Kapazität gibt an, wie viel Leistungsreserve die Powerbank für Synthesizer zur Verfügung stellt. Mit anderen Worten: Je mehr Ladekapazität die Powerbank hat, umso länger könnt ihr eure Synthesizer damit betreiben. Gleichzeitig dauert es in der Regel länger, bis eine leere Powerbank mit viel Ladekapazität wieder vollständig aufgeladen ist.

Verschiedene Anschlussmöglichkeiten

Wollt ihr mehr als einen Synthesizer mit der Powerbank betreiben, solltet ihr neben ausreichender Ladekapazität auch darauf achten, dass die Powerbank verschiedene Anschlussmöglichkeiten bietet. Zwar könnt ihr mit entsprechenden Adaptern viel kompensieren. Allerdings holt ihr euch damit gleichzeitig mehr Gewicht und mögliche Fehlerquellen ins Haus. Oder ihr habt schlicht das Risiko, die kleinen Adapter nicht zu finden, wenn ihr sie benötigt. Je mehr also direkt vorhanden ist, umso besser.

Bei einem Setup, das rein auf USB-Anschlüssen basiert, müsst ihr eigentlich nur auf die Anzahl achten (mindestens zwei, damit ihr auch eine kleine Reserve habt). Idealerweise ist der Ladeanschluss USB-C, da ihr diesen dann umgekehrt auch zur Spannungsversorgung eurer Synths nutzen könnt. Zukünftige und aktuelle Synths wie Roland S-1, SH4D oder die Polyend-Plus-Serie haben ebenfalls eine USB-C-Schnittstelle: hier könnt ihr euch also einen Adapter sparen.

Möchtet ihr zusätzlich noch Effektpedale oder Synthesizer mit 9V oder 12 V an der Powerbank betreiben, benötigt ihr entweder wieder Adapter wie der Spannungswandler von myVolts (s.u.). Oder ihr setzt gleich auf eine Hybridlösung, die neben USB-Anschlüssen auch Anschlüsse für 9V etc. Geräte bieten.

Geringes Gewicht

Möglicherweise ist das nicht unbedingt ein Faktor für euch, aber wenn eine Lösung wirklich mobil sein soll, ist zu großes Gewicht ein Ausschlusskriterium. Die Batpack-Serie von Palmer ist total solide und liefert neben dem USB-Out mit 9V-Ausgängen auch ordentlich Power für andere Gerätegattungen. Im Handgepäck ist die Powerbank dann aber auch ein ganz schöner Klotz, den man mit sich herumschleppt. Dann lieber eine kompakte Variante, die sich mit entsprechenden Adaptern auch auf andere Spannungen anpassen lässt.

Stabile Spannungsversorgung ohne Unterbrechungen

Bis ich mir eine (bzw. zwei) Powerbank für den mobilen Betrieb meines Polyend Play+ zugelegt hatte, wusste ich nicht einmal, dass eine unterbrechungsfreie Spannungsversorung überhaupt ein Thema sein kann. Jedenfalls schaltete sich direkt nach dem Hochfahren der Groovebox diese sofort wieder aus. Zunächst dachte ich ein Montagsgerät bekommen zu haben, doch auch die Ersatz-Powerbank litt unter dem plötzlichen Spannungsabfall.

Mit einer anderen Powerbank ging der Betrieb mit dem Polyend Play+ dann problemlos und ich konnte die Ursache klar auf die Modellreihe zurückführen. Kurioserweise unterschied sich die problematische Variante nicht großartig von der funktionierenden Variante: 10500 mAh, 22.5 W im Gegensatz zu der geringfügig schwächeren Lösung mit 10000 mAh und 22.5 W. Und um die Sache noch verwirrender zu machen: Beide Powerbanks kamen vom gleichen Vertrieb (INIU).

Hier kann ich also nur raten, es selbst auszuprobieren, oder gleich die Variante zu bestellen, die bei mir mit verschiedenen Geräten erfolgreich getestet wurde (s.u. bei Empfehlungen)

Das Test-Setup

Eigentlich ist das hier kein klassischer Vergleichstest, sondern vielmehr aus der Praxis geboren. Denn bei vielen Sounddesign-Projekten wollte ich nicht stationär gebunden sein. Angefangen hatte die Suche nach einer mobilen Spannungsversorgung für die MPC One und ging dann über verschiedene Instrumente bis zuletzt der neuen Polyend Play+ und Tracker+ Modelle.

Und am Anfang hatte ich schlicht Glück, weil ich anscheinend durch Zufall gleich auf ein richtiges Pferd gesetzt hatte. Denn als es bei einem später angeschafften Akkupack ständig zu Spannungsaussetzern kam, merkte ich, dass es durchaus gravierende Unterschiede gibt. Ein Montagsmodell kann ich dabei ausschließen, denn ich hatte mir ein Ersatzgerät des gleichen Typs besorgt.

Damit ihr nicht in die gleiche Falle tappt, bekommt ihr jetzt Empfehlungen, die sich in der Praxis bewährt haben.

Powerbank für Synths: Empfehlungen

Falls ihr vorhabt, lediglich Geräte mit USB-Spannungsversorgung zu betreiben, reichen häufig die typischen Powerbanks aus dem Computer-Fachhandel. Kapazität und Ladegeschwindigkeiten sind hier ein Faktor. Vor allem aber auch die kontinuierliche Spannungsversorgung, damit euch nicht mitten in der Produktion plötzlich ein Ausfall die Arbeit vernichtet.

Gute Erfahrung habe ich hier mit dem Modell „INIU Power Bank 22.5W, 10000 mAh“ gemacht, die über mehrere Stunden an Polyend-Grooveboxen hingen. Gleichzeitig ist diese Powerbank mit rund 25 € noch relativ günstig. Falls ihr vorhabt, auch 9- oder 12 Volt-Geräte mit dieser Powerbank zu betreiben, solltet ihr noch Zubehör wie Ripcord Spannungswandler einplanen.

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Falls ihr euch Adapterkabel sparen wollt oder viele direkte Anschlussmöglichkeiten bevorzugt, wird die Auswahl zwar bedeutend kleiner. Dennoch gibt es auch hier sehr gute Lösungen. Spezialisiertes Zubehör wie die Harley Benton PowerPlant Powerbank liefern neben dem 5V USB-Anschluss auch 9Volt-Ausgänge für Gitarrenpedale. Soll damit auch ein Synth betrieben werden, müsst ihr auch auf die Polarität achten.

Den Anschluss-Overkill bei Powerbänken liefert schließlich das Joyo JP-05 Power Bank Supply 5. Das Modell von Joyo liefert an einem Ausgang variabel 9, 12 und 18 Volt, hinzu kommt ein 5V-USB-Ausgang, sowie sieben 9V-Ausgänge für Gitarreneffektpedale. Auch hier müsst ihr jedoch wieder auf die Polarität eurer Geräte achten. Wollt ihr das Joyo etwa mit Elektron-Geräten betreiben müsst ihr noch einen (oder mehrere) Polaritätswechsler in der korrekten Größe einplanen.

Auch bei Akkus sollte man nicht sparen

Bietet euer Synthesizer optional Batteriebetrieb an, ist das natürlich auch eine Möglichkeit, mobil Musik zu produzieren. Und viele Synths wie z.B. der Roland SH-4d oder der Teenage Engineering PO-133 K.O. II lassen sich gleichermaßen über USB via Powerbank, oder mit Batterien betreiben. Andere wiederum wie der Sonicware Lofi-12 XT oder die LIVEN-Modelle haben nur ein Batteriefach neben dem Netzbetrieb, oder werden sogar komplett ohne Netzteil ausgeliefert.

In diesem Bereich habe ich viel zu viele Akkuvarianten durch: von günstigen NoName-Artikeln bis hin zu „Spitzenmodellen“ aus der Drogerie. Bisher konnte mich allerdings wirklich nur die eneloop-Pro-Serie von Panasonic voll überzeugen. Die AA-Batterien zeichnen sich durch lange Laufzeit aus und sollen ihre volle Leistung bis zu 500 Ladezyklen lang garantieren. Bei Sonicware -Synths fiel mir z.B. auf, dass ich mit diesen Akkus insgesamt 5 Stunden (30 % länger) arbeiten konnte. Und das im im Vergleich zu den ebenfalls nicht schlechten Akkus Varta AA 2600 mAh NiMH.

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Ladestation für Akkus

Wer sich gute Akkus zulegt, sollte auch bei der Ladestation nicht sparen. Features wie intelligentes Laden etc. sorgen dafür, dass ihr schnell wieder einsatzbereit seid und Akkus länger betreiben könnt. Zusätzlich solltet ihr darauf achten, dass die Ladestation mehrere Akkutypen laden kann, also neben den weit verbreiteten AA-Batterien auch AAA unterstützt, und vielleicht sogar USB-Buchsen zum Laden von Smartphones oder internen Akkupacks wie beim Roland S-1 mitbringt.

Nützlich ist zudem eine Ladeanzeige. So habt ihr direkt im Blick, welche Akkus wann wieder einsatzbereit sind. Ein Farbdisplay ist für die meisten Anwendungen eher ein nettes Gimmick und treibt den Preis nur unnötig in die Höhe.

Das VARTA Akku-Ladegerät LCD Plug-Charger kann bis zu vier AA oder AAA Akkus separat voneinander laden. Zusätzlich besteht die Möglichkeit auch einen 9V Akkublock aufzuladen oder mit dem USB-Ladeanschluss weitere Peripherie zu versorgen.

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Das Ansmann Powerline 8 hat Ladekapazität für bis zu acht AA oder AAA Batterien und eine Anschlusstelle für USB-Geräte. LEDs auf der Oberseite geben den Ladestatus an und smarte Funktionen wie automatische Abschaltung, Temperaturüberwachung, Entladung und Prüfung auf Defekte erweisen sich im Alltag als nützlich.

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Powerbank für Synthesizer: Worauf sollte man noch achten?

Im Betrieb solltet ihr vermeiden, dass Lithium-Ionen-Akkus – was wohl für die meisten Powerbanks zutrifft – nicht über 35 Grad warm werden. Starke Hitze wirkt sich negativ auf die Kapazität der Powerbank aus. In der prallen Sommersonne Musik machen und die Powerbank offen ins Gras zu legen, ist also keine gute Idee.

Ebenso ist es natürlich nicht so schlau, die Powerbank herumzuwerfen oder fallen zu lassen. Wird die Powerbank längere Zeit nicht genutzt, solltet ihr vor dem Wegpacken sicherstellen, dass sie über die Hälfte geladen ist. So vermeidet ihr eine Tiefenentladung oder unnötigen Stress für die Zellen, weil die Powerbank zu stark aufgeladen ist.

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Polyend MESS – das wichtigste in Kürze

• Multieffekt-Gerät mit vier Effekten gleichzeitig
• Über 120 Effektalgorithmen
• Effektsteuerung über internen Sequencer
• Sequencer polymetrisch
• Solide verarbeitet, aber noch fehlen ein paar Features
• Perfekt für kreative Effektsettings, aber auch überzeugend bei Standardanwendungen

7.8 TOTAL SCORE

Polyend MESS

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Sound 9

Features 7

Bedienung 8

Preis/Leistung 7

Pro

• Über 120 hochwertige Stereo-Effekte
• Polymetrischer 4-Track-Sequencer
• Hochwertige Verarbeitung mit attraktivem Display
• Ideal für Live-Performer und Sounddesigner

Contra

• Parametertiefe oft zu limitiert
• Keine Glättung zwischen Steps
• Gelegentliche Audioaussetzer bei sehr komplexen Presets (mit viel Reverb & Granular)

Polyend MESS Test – Erster Eindruck und Verarbeitung

Einmal angeschlossen fällt sofort das helle und kontrastreiche Farbdisplay auf. Hier werden die wichtigsten Informationen auf maximal zwei Menüseiten dargestellt. Das robuste Aluminiumgehäuse, die sauber eingelassenen Bedienelemente und das helle, kontrastreiche Display machen sofort klar: Der MESS ist ein Live-Gerät.

Die Bedienoberfläche ist aufgeräumt, logisch angelegt und lässt sich auch ohne Handbuch schnell erfassen.
Die Potis wackeln zwar minimal, überzeugen aber durch einen angenehmen Drehwiderstand. Auch die kleinen Steptaster aus Gummi reagieren zuverlässig und geben den Status per LED wider. Die gummierte Unterseite sorgt bei hektischen Live-Performances dafür, dass der MESS stabil auf dem Tisch bleibt.

Anschlüsse

An der Rückseite finden wir alles, was man in einem modernen Setup braucht:

• Stereo Out (L/R, 6,3 mm Klinke)
• Stereo In (6,3 mm Klinke)
• Expression-Pedal-Eingang
• MIDI In/Out (3,5 mm TRS)
• USB-C

Erwähnenswert ist, dass man über den USB-C-Port auch MIDI-Clock senden und empfangen kann. Dazu muss man den Port zwar kurz im Display anwählen, aber die zusätzliche Flexibilität kam mir schon sehr gelegen.

Die Effektalgorithmen

Im Mess gibt es über 125 Stereo-Effektalgorithmen – mit einer beeindruckenden Bandbreite, die Standards ebenso abdeckt, wie ausgefallene Effektvarianten. Lediglich Dynamikprozessoren wie Kompressor hätte ich mir noch gewünscht, da diese im Verbund sehr spannende Ergebnisse liefern.

Dabei stellt der Polyend MESS Effekte der folgenden Kategorien bereit:

Reverbs

Das reichhaltige Sortiment von Reverbs reicht von kleinen Räumen bis zu großen Halllandschaften, wobei die großen Ambiences mich mehr überzeugen, als kleine Räume.

Delays

Das Angebot reicht hier von klassischen Digital-Delay, Simulationen anloger BBDs, bis hin zurhythmischen Multi-Delays. Gerade hier hätte ich mir häufig gewünscht, tiefer in den Klang eingreifen zu können. Bei Delays benötige ich oft Feedback, Time (links & rechts), sowie EQ (im Feedback-Weg). Und so gibt es einige Algorithmen, die mir klanglich richtig gut gefallen, für den Live-Einsatz dann aber z.B. Feedback fehlt.

Granular & Glitch

Texturen, Zerstückelungen und zerfallene Audiofragmente, perfekt für experimentelles Sounddesign. Sobald Granular-Effekte aktiviert sind, muss man allerdings etwas auf Audio-Dropouts achten. Denn in Verbund mit großen Hallräumen scheint dem Polyend MESS dann doch etwas die Puste auszugehen.

Wave-Shaper, Overdrive & Filter

Sättigungen, Bitcrushing, Distortion, Formantfilter – alles, was Klangcharakter formt. Wem das Filter zu zahm klingt, kann das Audiosignal mit Waveshaper und Overdrive in wirkliche Extreme fahren.

Pitch Shift & Spectralize

Harmonizer-artige Strukturen und spektrale Transformationen. Die Qualität des Pitch Shifters ist eher durchschnittlich und es wird schnell körnig. Wenn man diesen Effekt eher als Kreativtool und nicht als matürlich klingenden Harmonizer begreift, geht das Gebotene aber völlig in Ordnung.

Slicers & Microloopers

Rhythmische Repeater, Stutter- und Loop-Effekte, mit denen sich Beats oder Melodien komplett umformen lassen. Von kurzen Loops, bis hin zu rückwärts laufenden Stereo-Effekten, die einem gestoppten Tape ähneln – diese Algorithmen spielen ihre Stärken im Verbund mit dem Sequencer aus.

Die Qualität der Algorithmen liegt klar über dem Durchschnitt: Die Reverbs klingen dicht und dreidimensional, Delays sind musikalisch und definierbar, und die spektralen sowie granularen Effekte öffnen klanglich echte Welten.

Einziger Kritikpunkt: Manche Algorithmen bieten nur begrenzten Parameterzugriff. Hier wünscht man sich teils tiefere Editiermöglichkeiten oder sogar einen optionalen Software-Editor.

Interner Sequencer – Das Kernelement des Polyend MESS

Hier spielt der MESS seine wahre Stärke aus. Jeder der vier Effekt-Tracks lässt sich unabhängig voneinander sequenzieren – mit eigener Länge, Geschwindigkeit und Startpunkt.

Das bedeutet: Polymetrische Strukturen sind problemlos umsetzbar und helfen dabei, Sequenzen über die Zeit hinweg spannend zu gestalten.
Jeder Step kann Parameteränderungen enthalten – etwa Feedback, Reverb-Time oder Filterfrequenz – und diese lassen sich mit Wahrscheinlichkeiten und Zufallsfunktionen versehen. Dadurch entstehen sich ständig wandelnde Klanglandschaften, die im Live-Betrieb ebenso funktionieren wie im Studio.

Man kann Effekte pro Step aktivieren, automatisieren oder komplett durchwechseln. So verwandelt sich ein statischer Hall schnell in ein dynamisches Pattern aus Raum, Delay und Zerstörung.

Beim Sequencer haben mir vor allem drei Dinge gefehlt. Ein Parametersmoothing zwischen einzelnen Steps, damit man abrupte Änderungen bei Bedarf weichzeichnen kann.

Zusätzliche Modulationsquellen wie LFOs, die man beliebig auf Parameter routen kann, würden noch mehr Bewegung ermöglichen. Und drittens fand ich es schade, dass man den Transportbefehl nicht pro Preset speichern kann. Live möchte ich nicht immer, dass der Sequencer gleicht mitläuft. Per Play-Taster die Wiedergabe zu stoppen, ist zwar ein Kompromiss, im hektischen Live-Setup bin ich aber froh über jede Automation.

Polyend MESS Test – Fazit

Der Polyend MESS ist mehr als ein Multi-FX-Gerät – er ist ein Effekt-Instrument. Seine Kombination aus hochwertigen Algorithmen und einem leistungsstarken, polymetrischen Sequencer hebt ihn deutlich von der Konkurrenz ab. In Verbindung mit Drum Machines (z. B. Elektron, Polyend Play) oder einem Synth-Rig entfaltet der MESS eine enorme Ausdruckskraft. Für Live-Performer, Ambient-Künstler und Sounddesigner ist das Teil ein echtes Kreativlabor.

Die Verarbeitung ist top, die Bedienung intuitiv, und die Vielzahl unterschiedlicher Effekte lädt zum Experimentieren ein. Wer klassische Multieffekte sucht, wird hier zwar auch bedient, nutzt aber bei weitem nicht das vorhandene Potential. Wer Klang als bewegtes, performatives Material versteht, wird den MESS schnell ins Herz schließen.

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MIDI Controller für Ableton Live – Worauf sollte man achten?

Folgende Funktionen sollte ein guter Controller für Ableton mitbringen:

• Clip Launch Matrix
• Transport-Taster zur Steuerung von Start, Stop, Pause
• Fader und / oder Drehregler zur Steuerung von Parametern und Mixing
• Pads oder Klaviatur zum Einspielen von Instrumenten, gerne anschlagdynamisch
• Ein Display, damit man Werte auch direkt am Controller ablesen kann
• Wenig versteckte Funktionen, um sich bei Performances nicht auf Shift-Befehle konzentrieren zu müssen
• Beleuchtete Bedienelemente wie RGB-LEDs, damit man auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club noch zurechtkommt
• Taster für Mute / Arm / Solo

Je mehr Haken bei dieser Liste gesetzt werden, umso flexibler sind die Möglichkeiten, die der Controller bietet. Jetzt hängt es natürlich auch vom jeweiligen Einsatzgebiet ab, wie wichtig jeder einzelne Punkt ist. Für einen Live-Instrumentalisten werden anschlagdynamische Pads bzw. Klaviatur deutlich wichtiger sein, als beispielsweise Transport-Taster. Letztere sind wiederum im Studio unheimlich praktisch, wenn man nicht ständig auf die Mouse zurückgreifen möchte. Im Clubeinsatz ist häufig der direkte Zugang, also kein Navigieren durch Submenüs, essentiell. Wenn jemand den Controller zum Auflegen mit Ableton Live nutzen möchte, kann ein Crossfader praktisch werden.

So vielseitig die Einsatzgebiete sind, so umfangreich ist auch das derzeitige Angebot an MIDI Controllern für Ableton. Die folgenden Controller bieten (fast) alle der aufgelisteten Funktionen und können daher ohne Bedenken empfohlen werden. Die Details folgen.

Ableton Push 3

Aus dem Hause Ableton selbst kommt der wunderbare Push 3 Controller, den man alternativ sogar als komplette Standalone-Unit kaufen kann. Dank schickem, hochauflösenden Display, hervorragend reagierenden Pads mit MPE und vielen Elementen zur Steuerung der wichtigsten Parameter findet man Push 3 in vielen Studios als zentralen Controller für Ableton Live.

Und das aus gutem Grund: Denn Ableton hat mit der Version 3 das Bedienkonzept der Vorgänger noch einmal optimiert, MPE hinzugefügt und die mitunter etwas anfällige Hardware – hier sei vor allem die klebrige Oberflächenbeschichtung genannt – gegen hochwertigeres Material ausgetauscht. Dadurch fühlt sich Push 3 nicht nur besser an, sondern ermöglicht es jetzt, sämtliche Parameter zu steuern, ohne überhaupt eine Mouse berühren zu müssen. Selbst PlugIns können nun komfortabel über den Controller ausgewählt und einzelnen Kanälen hinzugefügt werden. Dadurch ist es Ableton gelungen, mit Push 3 ein Gerät zu schaffen, das sich eher wie ein Instrument verhält.

Wo so viel Licht ist, muss auch etwas Schatten sein. Als Negativpunkt für Live-Performances sehe ich das Fehlen von Fadern. Gerade beim Aufbau von Übergängen mittels Fade-Ins und -Outs sind diese praktisch, denn so kann man mal eben z.B. die komplette Hi-Hat-Sektion aus- und einfaden. Mit einer geschickten Zuweisung von Groups kann man zwar mehrere Spuren auf einmal mit einem Poti erfassen. Allerdings verlangt das einiges an Organisation vorab und das ist sicherlich nicht jedermanns Sache. Immerhin kann man sich problemlos einen Fader-Controller wie Novation Launch Control XL MK3 dazustellen, um dieses Problem zu lösen.

Ableton Push 3 – Übersicht

Novation Launch Control XL MK3

Als umfangreich ausgestatteten Einsteiger-Controller kann man den Launch Control XL MK3 bezeichnen. Hier wurde zwar auf eine Cliplaunch-Matrix verzichtet. Dafür bietet der Launch Control XL acht Fader, sechzehn Taster und 3 x 8 frei belegbare Drehregler zur Steuerung von Parametern. Diese Anordnung ist nicht nur für Live-Performer interessant. Denn zum schnellen Einstellen von EQs (Low / Mid / High), Effektanteilen und Lautstärkeverhältnissen ist dieses Layout mega praktisch.

Aber auch als Add-on macht der Launch Control XL MK 3 total Sinn. Hiermit ließen sich Launchpad Pro oder Push 3 mit Fadern ausstatten, die man in der Grundausstattung doch schnell vermisst.

Novation Launch Control XL MK3 – Übersicht

Novation Launchpad Mini MK3

Als günstige Empfehlung für Einsteiger sei noch das Launchpad Mini genannt. Wie viele Controller im höheren Preissegment bietet auch dieser eine 8 x 8 Clip-Launch-Matrix, Transportbutton, sowie die Möglichkeit, Effektsends und Lautstärken über Shiftfunktionen zu steuern. Hierbei sollte man sich nur im Klaren darüber sein, dass Parameterwerte aufgrund der Eingabe über acht Pads eben auch nur in acht Stufen auflösen. Zudem sind die Pads nicht anschlagdynamisch.

Auf der Habenseite stehen eine gute Verarbeitung bei geringem Gewicht und ein sehr günstiger Preis. Da das Launchpad Mini zusätzlich noch mit Ableton Live Lite eine Einsteigervariante der populären DAW, sowie weitere gute Mixing-PlugIns mitliefert, kann man das Preis-/Leistungsverhältnis fast schon als sensationell bezeichnen.

Novation Launchpad Mini MK3 – Übersicht

Novation Launchkey MKIV

Wer einen Ableton Live Controller sucht, der nebenbei noch eine gute Klaviatur mitbringt, sollte sich die Novation Launchkey MKIV Serie näher ansehen. Die Tastatur-Controller fügen sich nahtlos in Ableton Live ein und können ohne umständliche Installation direkt eingesetzt werden.

Auch hier gibt es zahlreiche Fader, Pads und Drehregler zur Steuerung von Live. Zusätzlich spendierte Novation den USB-Controllern Arpeggiator, Chord Mode und ein 5 Pin-MIDI-Interface zur umfangreichen Kontrolle von externen Synths und Samplern.

Die Klaviatur spielt sich sehr gut, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand. Keine Frage, die Launchkey-Serie ist sowohl von der Verarbeitung als auch von den Features her am oberen Ende angesiedelt.

Und dafür, dass Novation seiner Linie eine 37-Tasten-Variante spendiert hat, gehört ihnen ein Orden verliehen. Wer viel reist oder bei begrenztem Platz im Club trotzdem eine vernünftige Tastatur sucht, kann damit aufatmen. Handgepäck freundlich und genug Tastenumfang, um auch mal beidhändig zu spielen. Danke Novation!

Novation Launchkey MKIV Übersicht

Wer nicht so viel Patz hat oder eine günstige kleine Einspieltastatur sucht, dem sei noch das Launchkey Mini MKIV ans Herz gelegt. Die Verarbeitung ist Top, alles fühlt sich gut an. Selbst die Minitasten geben ein ausreichend angenehmes Gefühl, solange man darauf natürlich keine anspruchsvollen Stücke spielen will.

Novation Launchkey Mini MKIV Übersicht

Akai Pro APC64

Wo andere Controller einige Funktionen in Shift-Konfigurationen oder Menüs verstecken, bietet Akai Pro APC64 einen eher direkten Ansatz. Acht Touch-Strips, Transporttaster und eine Clip-Launch-Matrix mit 64 anschlagdynamischen Pads mit Poly-Aftertouch ermöglichen die intuitive Kontrolle von Ableton auch bei schlechten Lichtverhältnissen im Club.

Im Unterschied zu vielen Mitbewerbern setzt Akai auf Touchstrips inklusive LED-Meter. So geben sie einerseits ein visuelles Feedback der aktuellen Werte. Andererseits – und das ist bei Performances noch wichtiger – werden Parametersprünge vermieden, wenn man etwa zwischen zwei Tracks umschaltet, der Regler aber noch auf dem vorher eingestellten Wert ruht.

Außerdem bietet der APC64 rudimentäre 32 Step-Sequencer, mit denen man über 8 CV/Gate und 2 MIDI-Outs einen mittelgroßen externen Gerätepark ansteuern kann. Wer sich mit diesem Feature noch nicht beschäftigt hat, sollte das auf jeden Fall mal für die nächste Performance nachholen.

Akai Pro APC 64 – Übersicht

touchAble Pro – Ableton Live Controller für Tablets und Smartphones

Viele von euch werden ein Android, Surface, iPhone oder ein iPad nutzen. Für diese Tablets und Smartphones gibt es ebenfalls gute Ableton Live Controller. Die App touchAble Pro enthält eigentlich alles, was man zur Steuerung von Ableton Live benötigt, inklusive der Synths und Sampler. Eine Mixer-Ansicht, Session View mit Clip Launch Matrix, selbst Noten lassen sich direkt eingeben und mit dem Piano-Roll-Editor später korrigieren.

Wenn man Touchscreens gegenüber nicht abgeneigt ist, sollte man die rund 29 € für die App investieren. Selbst als Zweitgerät zur Steuerung wichtiger PlugIns im Live-Einsatz ist die Software eine tolle Ergänzung zu einem Hardware-Controller.

Weitere Infos zu touchAble Pro gibt es hier.

Controller für Ableton Live – Fazit

Einen klaren Gewinner aus dieser Auswahl zu küren ist aufgrund der unterschiedlichen Einsatzgebiete nur schwer möglich. Als Controller für elektronische Musik im Club würde ich wohl am ehesten zum APC 64 greifen, da dieser den direktesten Zugriff bei überschaubarem Preis ermöglicht. Ergänzt um ein kompaktes Einspielkeyboard wie Launchkey Mini MK 4 geht damit schon einiges.

Als Performance-Instrument und Controller Hybride ist der Push 3 die umfangreichste Lösung. Hervorragend spielbare Pads mit MPE, ein gutes Display und alle Funktionen über den Controller erreichbar: Mit dem Push 3 kann sogar der Bildschirmschoner angehen und man findet sich immer noch problemlos zurecht.

Die beste Lösung für Einsteiger sind wahrscheinlich das Launchkey Mini oder ein Launch Pad Mini. Beide bieten eine solide Verarbeitung, sowie ausreichend Funktionen. Ein gutes Software-Paket erleichtert den Einstieg.

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Egal ob Progressive Trance, klassischer Trance oder PsyTrance: In diesen Spielarten der elektronischen Musik kommt man an einem Synthesizer nicht vorbei. Und auch wenn sich grundsätzlich nahezu jeder Synthesizer für elektronische Musik eignet, kommt man mit einigen Vertretern dann doch deutlich schneller ans Ziel. In diesem Artikel geht es um die besten Synthesizer für Trance. Um genauer zu sein: Um die besten Hardware-Synthesizer. Software-Empfehlungen für Trance-Produktionen werden in einem anderen Artikel behandelt.

Synthesizer für Trance: Worauf sollte man beim Kauf achten?

Dieser Artikel richtet sich vor allem an Einsteiger, weshalb wir erstmal ein paar grundsätzliche Dinge klären. Allen voran steht natürlich die Frage, welche Features ein Synthesizer für Trance mitbringen sollte.

Welche Features sollte ein Synthesizer für Trance liefern?

Eines der Hauptmerkmale ist eine flexible Klangerzeugung. Auch wenn es da draußen etliche gute Spezialisten gibt: Die zentrale Syntheseeinheit im Studio sollte möglichst vielseitig sein. Das gilt vor allem dann, wenn vorerst keine weiteren Anschaffungen geplant sind. Wenn man sich die Preise eines Virus oder Iridiums ansieht, könnte man natürlich darüber nachdenken, sich ein kleines Setup aus Spezialisten zusammenzustellen.

Da übernimmt dann ein Behringer Pro-1 den Basspart, ein Dreadbox Typhon die Leads und vielleicht ein Modal Cobalt8 die Pads. Und auch wenn das durchaus ein gangbarer Weg wäre: Hier muss man meistens Mixer, größere Soundkarten, MIDI-Interface oder USB HUB mit einkalkulieren. Letztlich ist mit so einem Multi-Setup häufig auch ein höherer Lernauwand verbunden. Denn alle Geräte mit ihrer Bedienphilosophie muss man sich seperat erarbeiten.

Zu den Features die ein Synthesizer für Trance mitbringen sollte gehören neben einer ausreichend dimensionierter Polyphonie (also wie viele Noten man gleichzeitig spielen kann), auch vielseitige Oszillatoren. Hinzu kommen flexible Routing-Möglichkeiten, sowie eine gut klingende Filtersektion.

Die Oszillatoren

Für breite Trance-Flächen und Hooklines hat sich in den letzten fünfundzwanzig Jahren die sogenannte Supersaw vor allem im Progressive Trance als Quasistandard etabliert. Der bekannteste Vertreter dürfte hier Rolands JP 8000 (oder als Rack JP8080) sein. Und das zurecht: Denn die geschichtete und leicht verstimmte Sägezahnbatterie des schicken VA-Synths klingt wahnsinnig weich, obertonreich und im besten Sinne künstlich.

Glücklicherweise gibt es diese Oszillatorenart mittlerweile in vielfältiger Form in etlichen Geräten. Zudem verfügen viele Synthesizer über Möglichkeiten, bestehende Schwingungsformen in diese Richtung zu schichten. Sei es durch Unisono, Stacking, Pulsbreitenmodulation oder andere Verfahren. Klanglich ist das auch meistens sehr nah am Original, wenngleich hier manchmal dann doch das letzte Quäntchen Sternenstaub fehlt.

Zusätzlich kann es nicht schaden, wenn bereits in der Oszillatorenebene zahlreiche Möglichkeiten zur Klangformung vorhanden sind. Zu nennen sind hier unter anderem Waveshaper, Ringmodulation, FM oder additive Synthese.

Flexible Filtersektion

Da das Filter in der subtraktiven Synthese einen entscheidenden Beitrag zum Sound leistet, ist eine gut ausgestattete Filtersektion unverzichtbar. Damit ihr klanglich möglichst flexibel seid, sollte der Synth neben dem obligatorischen Tiefpassfilter auch noch Bandpass und Highpass an Board haben. Wenn das Filter zudem noch mehrere Modelle (Korg MS, Moog-Kaskade, SEM usw.) bereitstellt, umso besser.

Natürlich ist letztlich der Klang des Filters entscheidend, aber guten Klang setze ich hier einfach mal voraus. Und was guten Klang definiert, ist immer auch eine Frage des Geschmacks. Während der eine den leicht verwaschenen Sound eines Cobalts schätzt, bevorzugen andere vielleicht den kräftigen und definierten Klang eines Peak-Filters. Daher sollte man sich erstmal einen direkten Eindruck machen und sich seinen Favoriten heraushören.

Modulationsmatrix

Trance, und hier ganz besonders die Spielarten Goa und Psytrance, zeichnet sich auch durch das Vorhandensein stark modulierter Sounds aus. Um einem Klang möglich viel Bewegung zu verpassen, ist eine gut ausgestattete Modulationsmatrix wichtig.

Dabei ist einerseits die Anzahl möglicher Verknüpfungen wichtig. Und hier gilt ganz stumpf: Je mehr, umso besser. Andererseits ist es hier ebenso entscheidend, welche Ziele und Quellen zur Modulation vorhanden sind. Es bringt also nichts, wenn man 30 Modulationsslots zur Verfügung hat, dieser aber nur eine kleine Auswahl an Quellen und Zielen gegenübersteht.

Neben den typischen Routings, bei denen Controller wie Aftertouch oder das Modulationsrad, etwa dem Filter zugewiesen werden, machen vor allem „Metamodulationen“ Sinn. Hiermit meine ich die Möglichkeit, die Intensität einer Modulationsquelle durch eine weitere Modulationsquelle zu steuern. Hierdurch entstehen komplexe Schichtungen, die einen Sound über lange Zeit spannend halten.

Gute Effekte

Beim Trance ist es wie bei den meisten Musikproduktionen: Am Ende verpassen gute Effekte dem Signal noch den letzten Schliff. Ob diese von einem externen Effektgerät kommen, in der DAW addiert werden, oder Teil des Synths sind, ist im Produktionsprozess nicht entscheidend. Für Live-Situationen kann eine brauchbare interne Effektsektion jedoch sinnvoll sein. Denn dadurch erspart man sich unnötige Schlepperei.

Zu den wichtigsten Effekten gehören hier Delay und Reverb, dicht gefolgt von Modulationseffekten wie Chorus, Phaser und Flanger. Gate-Effekte, Overdrive etc. sind nette Zugaben, lassen sich mitunter aber auch durch geschicktes Sounddesign simulieren.

Die besten Synthesizer für Trance: Aktuelle Kaufempfehlungen

Vorweg: Mit vielen Synthesizern erhält man recht schnell die Genre-typischen Sounds. Wenn dabei nicht alles aus einem Gerät kommen soll, ist vielleicht auch eine Zusammenstellung sinnvoll. Denkbar wäre dann ein spezialisierter Synthesizer für Bässe und Leads, sowie ein weiterer Synthesizer für Flächen (Pads). Wenn ihr aber erstmal alles mit einem Synth abdecken wollt, solltet ihr euch die folgenden Empfehlungen mal näher ansehen.

Novation Peak und Summit: Hybride Klangerzeugung

Mit Peak und Summit hat Novation einen hervorragend klingenden Digital-/Analoghybriden geschaffen, der sogar rudimentäre Wavetable-Synthese beherrscht. Das analog aufgebaute Multimodefilter packt kräftig zu, was super für Bässe und Leads ist. Im 12dB-Modus sind damit aber auch weiche Pads und verträumte Arpeggiator-Linien möglich.

Die teilweise loopbaren Hüllkurven haben einen sehr musikalischen Verlauf, so dass man beim Peak / Summit recht schnell zum Ziel kommt. Die Modulationsmatrix lässt kaum Wünsche offen, und auch die internen Effekte klingen richtig gut.

Ein kleiner Mixing-Tipp an dieser Stelle: Der polyfone Analogsynth profitiert maßgeblich von einer leichten Absenkung von 2-3 dB bei 250-400 Hz. Anschließend lassen sich die Sounds noch einfacher in bestehende Arrangements integrieren.

Der Summit ist nahezu identisch aufgebaut wie der Peak. Die größten Unterschieden liegen hier, neben der Tastatur, in einem zweiten Filter. der doppelten Stimmenanzahl und einer zweifachen Multitimbralität. Letztere ermöglicht unter anderem beeindruckende Arpeggiator- und Padkombinationen, sowie einen noch etwas flexibleren Einsatzbereich für Live-Performer. Dafür muss man hier allerdings auch den Platz einer 61-Tasten Klaviatur mit einplanen. Selbst wenn sich diese hervorragend spielen lässt, beansprucht sie dennoch ihren Platz im Studio.

Korg Modwave II: Wavetable mit VA

Der modwave II ist ein flexibler Synth, der Wavetable-Synthese mit VA kombiniert. (Zum Test Korg modwave). Durch den duotimbralen Aufbau mit jeweils zwei Layern sind komplexe Soundschichtungen möglich. Dadurch gelingen mit dem modwave vor allem Pads und Lead-Sounds. Aber auch Bässe und experimentelle Sounds überzeugen dank guter Filter und durch Kombination mit Samples.

Zwar fehlt dem modwave II im Vergleich zu anderen Synth etwas an Charakter. Andererseits lässt er sich dadurch wiederum problemlos in unterschiedlichsten Settings unterbringen.

Sehr gelungen ist beim modwave II auch die konsequente Ausrichtung auf Live-Performances. Neben einem extrem vielseitigen Modulationssequencer laden etliche Performance-Controller wie das XYZ-Touch-Pad zum Soundschrauben ein.

Access Virus TI2: Der Klassiker

Die Access Virus Serie wurde 1997 mit dem Access Virus (heute Virus A) eingeleitet. Und das Urmodell war damals gerade im Goa- und Psytrance extrem verbreitet. Aber auch in etlichen kommerziellen Trance-Produktionen ist eine der Virus-Varianten zu hören.

Der markante Grundsound wird von der umfangreich ausgestatteten Oszillatorebene erzeugt, die anschließend durch zwei unabhängige Multimodefilter inklusive emulierter Moogkaskade laufen. Weiter geformt wird der Sound dann über drei LFOs und zwei Hüllkurven. Diese können in einer Modulationsmatrix mit sechs Slots jeweils bis zu drei Zielen zugewiesen werden.

Damit ist der Virus TI2 flexibel genug, um ein breites klangliches Spektrum abzudecken: Von warmen Pads, über Plug-Sounds bis hin zu durchsetzungsfähigen Bässen ist der Virus TI2 ein verlässliches Arbeitstier im Studio. Die typischen Trance-Leads beherrscht er natürlich spielend.

Modal Cobalt8-Serie: Butterweiche VA-Synthese

Mit dem Cobalt8 (Test Modal Cobalt8) hat Modal ebenfalls einen sehr guten Synthesizer für Trance im Angebot. Zwar ist der virtuell analoge Cobalt8 kein Allrounder wie die meisten anderen Synths dieser Liste. Allerdings ist der leicht verwaschene Grundklang hervorragend zur Erzeugung von Trance-Hooks und Flächen geeignet.

Auch wenn Bässe und Leads gefragt sind, kann der Modal Cobalt8 abliefern. Wenngleich ihm im Vergleich dann doch etwas an zackigem Punch fehlt. Da er in der Desktopvariante aber auch der günstigste Synth in dieser Liste ist, könnte man ihm dafür noch einen analogen Bass-Synth zur Seite stellen.

Die Cobalt-8-Serie liefert also einen perfekt verträumten Sound, der sich gut in die meisten Spielarten des Trance einfügt. Trotzdem empfehle ich, den Cobalt-8 vorab einmal ausgiebig anzutesten: Denn der charaktervolle Grundklang trifft nicht zwingend jeden Geschmack.

Waldorf Iridium: Das flexible Schlachtschiff

Und damit kommen wir zum letzten Kandidaten, dem Waldorf Iridium. Trotz seiner durchdachten Oberfläche bin ich allerdings vorsichtig, den Iridium auch kompletten Einsteigern bedenkenlos zu empfehlen. Denn der Iridium ist in dieser Liste mit Abstand der komplexeste Synthesizer. Dafür liefert er eine klangliche Flexibilität, die es in sich hat.

Zum einen ist da die Oszillatorebene. Hier stehen pro Oszillator (!) bereits fünf verschiedene Klangerzeugungsverfahren zur Auswahl. Neben klassischer VA- und Wavetable-Synthese, beherrscht der Iridium Granularsynthese, FM mit bis zu sechs Operatoren, sowie Physical Modelling über Resonatoren. Und all diese Verfahren lassen sich im sogenannten Kernel-Model sogar noch miteinander kombinieren.

Zum anderen besitzt der Iridium zwei gut klingende Multimodefilter mit etlichen Modellen, sowie eine umfangreiche Modulationsmatrix mit bis zu vierzig Slots. In dieser können u.a. die sechs LFOs und noch einmal so viele Hüllkurven frei einer Vielzahl an Zielen zugewiesen werden.

Diese Klangerzeugungstiefe will erstmal beherrscht werden. Wer sich da langsam rantasten möchte, kann aus hunderten von Presets auswählen. Hat man sich dann näher mit der Architektur vertraut gemacht, ist der Waldorf Iridium ebenfalls ein hervorragender Synthesizer für Trance. Er deckt nicht nur die komplette Palette an typischen Sounds ab, sondern geht noch viel weiter.

Fazit: Die besten Synthesizer für Trance

Alle der hier vorgestellten Synthesizer kann ich zur Produktion von Trance empfehlen. Ob ihr den Klang eines Access Virus TI, eines Summit oder eines anderen Vertreters dieser Liste bevorzugt, ist letztlich wie immer eine Geschmacksfrage. Egal für welchen ihr euch letztlich entscheidet: Mit den Synths aus dieser Liste seid ihr auf der sicheren Seite.

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Inhalt

• Wann ergibt ein Controller für FL Studio überhaupt Sinn?
• Worauf sollte man beim Kauf eines FL Studio Controller achten?
• Die besten Modelle im Überblick
• Die besten MIDI Controller für FL Studio: Fazit

FL Studio Controller: Wann wird ein USB MIDI Controller überhaupt benötigt?

Grundsätzlich könnt ihr komplett ohne Controller arbeiten, wenn euch der Platz oder das Budget fehlt. MIDI Controller sind aber immer dann sinnvoll, wenn man weg von der Computerarbeit mit der Mouse und hin zu einem direkteren Zugriff möchte. Ein Controller beschleunigt zum einen den Workflow deutlich. Bereits bei so banalen Dingen wie der gleichzeitigen Steuerung von zwei Parametern, müssen Touchpad und Mouse passen. Zum anderen vermittelt ein Controller durch den direkteren Zugang eine Nähe zur Musik, die man mit Mouse und Computertastatur nur schwer erlangt.

Ebenso ist ein USB MIDI Controller in Live-Situationen häufig die bessere Wahl. Und sei es nur um dem anwesenden Publikum nicht das Gefühl zu geben, ihr macht auf der Stage eure Steuererklärung.

MIDI Controller für FL Studio: Worauf sollte man achten?

Bei dieser Frage wird es schon deutlich persönlicher. Verschiedene Anforderungen verlangen unterschiedliche Lösungen, soweit klar. Wenn ihr auf der Bühne Melodien einspielen möchtet, wird euch ein Mixing-Controller fürs Studio oder ein USB Controller für die Drum-Programmierung nichts bringen. Ebenso ist ein Keyboard-Controller nicht die erste Wahl, wenn es darum geht, mal schnell rhythmische Drumloops zu programmieren und leicht zu verändern. Die erste Frage sollte also lauten: Wofür möchte ich den Controller in erster Linie einsetzen?

Sobald ihr euch für eine grobe Richtung entschieden habt, solltet ihr euch vor allem an folgenden Spezifikationen orientieren:

1. Tastaturumfang

Braucht ihr einen großen Notenumfang oder legt ihr eher Wert auf einen kleinen Controller für unterwegs? Das Angebot reicht von 25 Minitasten bis hin zur Pianoklaviatur mit 88 hammergwichteten Tasten.

2. Ist Plug-and-Play in FL Studio vorhanden?

Das ist wichtig, wenn ihr den Controller nur anschließen und direkt loslegen wollt. Wenn der Controller bereits von FL Studio erkannt wird, entfällt nämlich die manuelle Zuweisung von Parametern.

3. Anzahl der Pads

Pads kann man einerseits nutzen, um Beats und Melodien direkt einzuspielen. Hier reichen häufig schon 16 Pads. Sobald man andererseits aber lange Lauflicht-Sequenzen programmiert, sind 32 oder gar 64 Pads praktischer, da ihr auch längere Beats immer im Blick habt.

4. Transport-Taster

Transport-Taster dienen der Fernsteuerung von Start, Stop, Pause, Aufnahme etc. Die sind besonders dann praktisch, wenn man weitestgehend ohne Mouse arbeiten möchte.

5. Anzahl der Echtzeit-Controller fürs Mixing oder Sounddesign

Wenn ihr den Controller zur Steuerung von Soundparametern nutzen wollt, sind Echtzeit-Controller wie Drehpotis oder Fader wichtig. Neben dem Sounddesign eignen sich diese auch hervorragend für Mixing-Aufgaben, etwa zur Lautstärkeregelung, Panorama-Einstellungen oder dem Zumischen von Effekten.

6. Größe und Gewicht (Studioeinsatz vs. Einsatz unterwegs)

Größe und Gewicht eines MIDI Controllers werden spätestens dann entscheidend, wenn ihr vorhabt, diesen auch unterwegs häufiger einzusetzen. Je kompakter und leichter das Modell ist, umso besser. Im Studio ist das natürlich anders, wobei auch hier der Platzbedarf eine Rolle spielen kann.

7. Enthaltenes Software-Paket

Als letztes solltet ihr noch einen Blick auf das mitgelieferte Software-Paket werfen. In der Regel ist der Lieferumfang nicht so wesentlich, da man meistens entweder schon über eine gute Auswahl verfügt, oder sich später seine Wunschkonfiguration ohnehin zusammenstellt. Falls ihr euch aber einmal partout nicht zwischen zwei Controllern festlegen wollt, ist die enthaltene Software eine gute Entscheidungshilfe.

Die besten Controller für FL Studio im Überblick

Nachdem nun die Eckdaten bekannt sind, kommen wir jetzt zu den konkreten Empfehlungen. Bei der Zusammenstellung der Auswahl ging es mir darum, Controller auszuwählen, die möglichst viele der genannten Kriterien erfüllen.

Novation FLKey Serie: Optimierte FL Studio Controller mit Tastatur

Mit der FL Key-Serie schickt Novation Controller ins Rennen, die perfekt auf FL Studio zugeschnitten wurden. Die Novation FLKey-Serie wird direkt von FL Studio erkannt und umfangreiche Zuweisungen entfallen.

Auch die Ausstattung kann sich sehen lassen: Die größeren Modelle bieten eine gut spielbare Tastatur mit Anschlagdynamik, während sich die budgetfreundliche Variante „FLkey mini“ eher für Studios mit wenig Platz und kompakte Live-Setups eignet. Über die anschlagdynamischen Pads werden u.a. Racks und Instrumente gesteuert, die Drehregler helfen beim Sounddesign.

Akai Pro Fire

Akai Pro Fire ist der erste Controller, der speziell auf FL Studio zugeschnitten wurde. Zwar ließe sich Fire auch mit anderen DAWs wie Ableton Live koppeln, aber die Plug-and-Play-Integration mit FL Studio ist hier besonders gut gelöst.

Hierfür bietet der Akai Pro Fire insgesamt 64 anschlagdynamische RGB-Pads. Darüber könnt ihr entweder im Notenmodus Melodien einspielen, oder im Drum-Modus wie bei einer Roland TR-909 einzelne Drumspuren im Lauflichtverfahren programmieren. Vier Endlosdrehregler geben euch zudem Zugriff auf insgesamt 16 Parameter in vier Bänken. Das ist praktisch, denn so hat man im Studio oder bei Live-Sessions die wichtigsten Parameter immer im Zugriff.

UPDATE: Mittlerweile gibt es den Akai Pro Fire nur noch gebraucht. Wenn ihr euch für den Controller interessiert, solltet ihr hier also auch gleich noch die FL Studio Lizenz mit einplanen. Falls ihr die bereits habt, ist der Fire aber eine super Empfehlung.

Nektar Impact LX-Serie

Obwohl die Impact-LX-Serie von Nektar optisch eher unscheinbar daherkommt, stellt sie gerade für FL Studio User eine echte Alternative zu den Controllern der Big Player Novation, M-Audio etc dar. Denn Nektar hat auf die Wünsche der User reagiert und bietet als einer der wenigen Hersteller eine umfangreiche Plug-and-Play-Integration in FL Studio an.

Auch sonst ist die Ausstattung hier solide: Mit einer guten Auswahl an Pads, Potis und Fadern, dazu einer anschlagdynamischen Tastatur, sowie fünf Speicherplätzen für eigene Konfigurationen ist die Nektar-Serie ein idealer FL Studio Controller für Einsteiger. Das spiegelt auch der geringe Preis wider. Denn für gerade mal 149 € bekommt man einen gut ausgestatteten Keyboard-Controller mit 61 Tasten, mit dessen Fadern und Drehreglern auch Zugriff auf die wichtigsten Parameter in FL Studio hat.

Novation Launchkey mini mkIV

Mit dem Launchkey mini mk3 hat Novation einen flexibel ausgestatteten Minikey-Controller im Sortiment. Zwar punktet dieser Controller besonders im Zusammenspiel mit Ableton Live. Er lässt sich aber mit etwas Zuweisungen auch hervorragend mit FL Studio verwenden.

Das kompakte Gerät bietet acht Drehregler, 16 RGB Pads mit Anschlagdynamik, Transporttaster und eine okaye Tastatur. Natürlich lassen sich auf den 25 Minitasten keine virtuosen Sprünge erzielen. Als Sketchpad für eigene Ideen reicht es aber allemal. Zumal Novation in ihr Launchkey mini mkIV sogar noch einen Arpeggiator eingebaut hat.

Dank MIDI Ausgang kann man sich mit dem Launchkey Mini MKIV übrigens ein weiteres MIDI-Interface sparen, falls man vorhat auch externe MIDI-Klangerzeuger mit FL Studio anzusteuern.

Novation Launchpad Pro MK 3

Damit komme ich zum Novation Launchpad Pro MK3. Dieser Controller ist ideal für Beat-Produzenten und Finger Drummer. Denn die 64 anschlagdynamischen Pads mit RGB-Hintergrundbeleuchtung reagieren nicht nur präzise auf Anschlagdynamik, sondern bieten auch Aftertouch.

Das Launchpad Pro MK3 eignet sich zudem auch gut zur Steuerung von FL Studio, da es direkt von der DAW unterstützt wird. So habt ihr in unterschiedlichen Modi Zugriff auf Mixer-Einstellungen, Session-Parameter oder Sound-Einstellungen.

Da wir gerade bei den Modi sind: Auch zum Einspielen eigener Melodien bietet das Launchpad unterschiedliche Ansätze. So findet sich etwa neben dem klassischen Drum-Pad-Layout auch ein Keyboard-Mode. Damit werden vier Oktaven untereinander im Grid abgebildet. Falls man eine richtige Klaviatur sucht, ist das Launchpad Pro MK3 sicherlich kein Ersatz. Jedoch inspiriert das ungewöhnliche Layout der Klaviatur zu Melodien, die man auf diese Weise niemals mit einer Klaviatur gespielt hätte.

Arturia Keystep Pro

Arturia bietet mit dem Keystep Pro eine umfangreiche Controller-Station, mit der sich ein kompletter Gerätefuhrpark fernsteuern lässt. Zwar ist der Keystep Pro nicht speziell auf FL Studio ausgerichtet. Trotzdem empfehle ich ihn vor allem Produzenten, die sich einen soliden Hardware-Park um FL Studio herum aufbauen.

Denn genau hier spielt der Keystep Pro seine Stärken aus. Natürlich kann man ihn auch als Controller verwenden. Mit den 37 gut spielbaren Minitasten mit Anschlagdynamik und Aftertouch, sowie den fünf Drehreglern und Transporttastern lässt sich FL Studio bequem fernsteuern.

Richtig lustig wird es meiner Meinung nach aber erst, wenn man von den massiven Sequencer-Möglichkeiten des Keystep Pro Gebrauch macht. So könnt ihr gleichzeitig mehrere externe Analog- oder Digitalsynths anspielen, während ihr Drums von FL Studio mit dem Sequencer des Keystep Pro abfeuert. Damit ist Arturias Controller für mich definitiv der heißeste Kandidat für Hybrid-Studios und Live-Sessions.

Die besten MIDI Controller für FL Studio – Fazit

Obwohl man grundsätzlich jeden MIDI-Controller an FL Studio anpassen kann, erleichtern einem bereits zugewiesene Controller den Alltag erheblich. Während Nektar mit der LX+-Serie günstige Allrounder im Portfolio hat, sschickt Akai Pro mit dem Fire einen Controller ins Rennen, der perfekt auf FL Studio zugeschnitten ist. Beide Controller verzichten jedoch auf einen MIDI-Ausgang, sodass zur Integration externen MIDI-Hardware ein weiteres Interface angeschafft werden muss. Aber wenn ihr ohnehin In-the-Box arbeiten wollt, sind beide Modelle aber eine gute Empfehlung.

Sowohl Novations Launchkey FLKey-Serie als auch Launch Pad Pro 3 fügen sich gut in FL Studio ein. Durch die direkte Integration der FLKey-Serie sind diese für komplette Einsteiger möglicherweise die derzeit beste Wahl, wenn man eine Kombination aus Tastatur und Bedienelementen für FL Studio sucht. Trotzdem sind beide eine gute Empfehlung, wenn ihr viele Features auf sehr geringem Raum benötigt. Die Verarbeitungsqualität ist top und als Pad-Controller lassen die guten Pads des Launchpad Pro die Mitbewerber klar hinter sich.

Der Keystep Pro schließlich eignet sich als zentrale Steuereinheit für hybride Studios. Hierüber lässt sich nicht nur FL Studio steuern, sondern auch externe MIDI-Synthesizer und selbst komplett analoge Modularsysteme einbinden. Falls ihr so ein Studio plant, empfehle ich den zusätzlichen Aufwand der Einrichtung.

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Korg Drumlogue Presets: „Helium“ Sound Pack enthält:

• 16 Patterns
• 16 Kits
• 176 einzelne Drum- und Synth-Sounds innerhalb der Kits
• 50 Samples:
  • Kicks: 10
  • Percussion: 12
  • Dub Chords: 10
  • Synth (Tones und Pads): 7
  • HiHats: 3
  • FX: 5
  • Bass: 3

Aus welchen Gründen auch immer, Korgs Drumlogue hat bislang nicht die Aufmerksamkeit erhalten, die sie verdient. Diese hybride Drum Machine kombiniert analoge Synthese mit Sampling und kann durch .logue-Erweiterungen noch weiter ausgebaut werden. Es wurde also höchste Zeit, diesem Instrument etwas gebührende Aufmerksamkeit zu widmen.

Dieses Sound Pack nutzt die interne Klangerzeugung voll aus, um abgestimmte Kits, vorgefertigte Patterns und eine kuratierte Auswahl von 50 Samples zu liefern – alles mit Fokus auf elektronische Musik.

Für die Installation werden keine zusätzlichen .logue-Erweiterungen benötigt; einfach die enthaltenen Dateien per Drag & Drop in die entsprechenden Ordner kopieren, und schon kann es losgehen. J

Falls ihr euch für diese Korg drumlogue Presets interessiert, könnt ihr euch das Helium Sound Pack auf der Seite von Limbic Bits kaufen. –> KORG drumlogue Presets: „HELIUM“

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DAW-basiertes Musikmachen am Rechner ist in vielen Fällen mittlerweile Standard und die meisten Einsteiger machen so ihre ersten Erfahrungen. Wenn man allerdings auf den Rechner verzichten möchte, oder einfach nach neuen Wegen bei der Erstellung von Tracks sucht, können Hardware Sequencer eine praktische Alternative sein. Worauf man dabei achten sollte und welches die derzeit besten Hardware Sequencer sind, zeigt dieser Artikel.

Hardware Sequencer: Worauf sollte man grundsätzlich achten?

Wenn ihr ganz am Anfang der Suche seid, solltet ihr euch vor allem folgende fünf Fragen Stellen:

• Anzahl der Tracks: Wie viele Spuren brauche ich?
• Patternlänge: Wie lange muss ein Pattern mindestens sein?
• Anschlüsse: Wie groß ist der Equipment-Park, den ich mit dem Hardware Sequencer ansteuern möchte?
• Modulations-Tracks: Benötige ich Werkzeuge zur Automation?
• Matrix-Sequencer vs Step-Sequencer: Welches Konzept liegt mir mehr?

Matrix-Sequencer vs klassische Step-Sequencer

Ein Step-Sequencer ist ein lineares System, bei dem Noten (oder Ereignisse) Schritt für Schritt programmiert werden normalerweise in einer einzigen Reihe oder Spur. Jeder Schritt entspricht meist einer rhythmischen Unterteilung (z. B. 16 Schritte für ein 16tel-Notenmuster in einem 4/4-Takt). 

Step-Sequencer sieht man häufig in Drum Computern oder auch monophonen Synths wie dem Erica Synths Bassline. Früher waren die einzelnen Steps häufig begrenzt auf  Tonhöhe und Gate. Mittlerweile bieten viele Hersteller aber auch Parameter Locks an, also die freie Zuweisung beliebiger Parameterwerte pro Step.

Ein Matrix-Sequencer ist ein rasterbasiertes System, bei dem Zeilen und Spalten verschiedene Parameter darstellen. Die einzelnen Zeilen repräsentieren oft verschiedene Instrumente, Noten oder Klangparameter. Spalten stehen typischerweise für Schritte in einer Sequenz. Das ermöglicht komplexere Muster, polyphone Sequenzen und Modulationszuweisungen.

Beispiele für Matrix Sequencer sind OXI One und Hapax, aber auch Grooveboxen wie der Synthstrom Deluge bieten diese Art der Programmierung.

OXI Instruments One mkII: Leistungsfähiger Hardware-Sequencer mit Akku

Nicht mehr als einen Zentimeter hoch, solides Aluminiumgehäuse und interner Akku: Der OXI Instruments One mkII ist ein zuverlässiger Begleiter für mobile Setups, macht aber auch im Studio eine gute Figur.

Der Matrix-Sequencer bietet 8 CV/Gate Anschlüsse, dazu bis zu drei MIDI In/Out (mit Expander), ein kleines OLED-Display, sowie acht Reihen mit jeweils 16 hintergrundbeleuchteten RGB-Pads. Leider sind diese werder anschlag- noch druckempfindlich. Allerdings ist das etwas, was die meisten Matrix-Sequencer vermissen lassen und soll hier kein spezieller Nachteil des OXI One sein.

Die Programmierung erfolgt in Echtzeit, per Step-Eingabe oder über verschiedene Algorithmen. Ein Track kann bis zu 128 Steps enthalten, wobei auch längere Varianten möglich sind, indem man unterschiedliche Subdivisions nutzt.

Diese Funktionsvielfalt muss man sich allerdings auch erst einmal erkämpfen. Die Lernkurve beim OXI One ist schon etwas steiler, allerdings wird man nach einiger Zeit mit einem enormen Funktionsumfang und toller Produktpflege belohnt.

Squarp Instruments Hapax: Zentrale Unit für größere Setups

Den Hapax von Squarp Instruments sieht man in immer mehr Studios, und auch ich habe mich am Ende für diesen Sequencer entschieden. Denn die Kombination aus intuitivem Workflow mit zwei übersichtlichen Displays und Anschlüssen ist ideal für mittlere bis größere Setups.

Falls man sehr tief ins Sequencing einsteigen möchte, kann man aus einer Vielzahl an MIDI-Effekten auswählen. Darunter finden sich unter anderem Arpeggiatoren, Scaler, euklidische Sequencer, MIDI Echos und mehr.

Hapax ist derzeit auch einer der wenigen (der einzige?) Hardware-Sequencer, die MPE-verarbeiten und abspielen können. Leider gilt das nicht für die internen Pads, die weder anschlag-noch druckempfindlich sind. Poly-Aftertouch wird ebenfalls noch nicht unterstützt, soll aber in einem zukünftigen Update nachgereicht werden.

Ein Highlight für DAW-less Live-Performer ist die Möglichkeit, zwei Projekte im direkten Zugriff zu haben. Dadurch können auch ausufernde Live-Sets verwaltet und Projekte (Songs) permanent nachgeladen und überblendet werden.

Arturia Keystep Pro

Der Keystep Pro von Arturia ist eher MIDI Controller Keyboard mit umfangreichem Hardware Sequencer. Der Keystep Pro überzeugt mit einer umfangreichen Anschlusssektion, die neben MIDI und CV/Gate noch 8 Drum Trigger für bis zu 24 Drum Tracks umfasst.

Praktisch ist die direkte Eingabe über die anschlagdynamischen Minitasten, die auch Aftertouch senden. Etwas sporadisch hingegen fällt die maximale Anzahl von 64 Steps aus. Auch im Bereich Parameter-Automationen schneidet der Keystep Pro mit lediglich einem Control-Track und bis zu 5 CC-Spuren im Vergleich eher unterdurchschnittlich ab.

Der Keystep Pro wäre daher eher meine Empfehlung für alle, die eine gute Drum- / Melodie-Sequencer-Kombi suchen. Komplexe Arrangements und Klangänderungen laufen hier eher übers Live-Spiel und weniger über vorher ausgefeilte Parameter-Automationen.

Sequentix Cirklon2: Unobtanium Hardware Sequencer

Sequentix Cirklon ist seit Jahren ein Geheimtipp, wenn es um Standalone Sequencer mit umfangreicher Ausstattung geht. Das Desktop-Gerät überzeugt durch hochwertige Verarbeitung und einen intuitiven Workflow. Mit fünf unabhängigen 5-Pol MIDI In/Outs, bis zu 64 Tracks und optionaler CV-Erweiterung kann man mit dem Cirklon2 auch große Setups bequem steuern.

Die Tracks können bis zu 256 Steps lang sein, und werden über die Step-Taster oder externes MIDI programmiert. Der Cirklon2 bietet neben den MIDI Ins auch USB Host Funktionalität, sodass man einen USB-MIDI-Controller direkt mit dem Sequencer verbinden kann.

Dieses Komplettpaket hat allerdings auch seinen Preis: So geht der Cirklon 2 in der CVIO-Variante inklusive Breakoutbox für knapp 2800 € über die virtuelle Theke. Ein Preis, der aufgrund der Verarbeitung, Entwicklung und Kleinstauflage sicherlich gerechtfertigt sein mag. Aber selbst wenn man über das nötige Budget verfügt, muss man erst einmal an der Reihe sein. Denn mit Bestellung eines Cirklon2 kommt man erstmal auf eine Warteliste; Kollegen von mir haben knapp zwei Jahre auf ihr Modell gewartet.

Alternativen: Groovebox mit Sequencer

Hardware-Sequencer haben sicherlich den Vorteil, sich mit einem spezialisierten Gerät voll auf die Performance konzentrieren zu können. Zusätzlich bieten sie häufig eine Vielzahl an Anschlüssen, um direkt mehrere externe Geräte auf einmal zu steuern.

Falls ihr mit einem kleineren Fuhrpark performt, oder euch ein spezialisierter Sequencer zu teuer ist, könnt ihr auch auf eine Hybridlösung setzen. Denn viele Grooveboxen sind in der Lage, einen oder mehrere der internen Tracks alternativ zur Steuerung externer Instrumente zuzuweisen.

Bei größeren Projekten mit mehr als zwei externen Geräten würde ich zur Übersicht noch einen MIDI-Thru-Splitter empfehlen, falls die Groovebox nur über einen MIDI-Ausgang verfügt. Dann kann so eine Hybridlösung durchaus eine gute Alternative zu einem Hardware-Sequencer darstellen.

Elektron Digitone II / Digitakt II

Den Auftakt machen hier direkt die beiden Elektron-Geräte Digitone II und Digitakt II. Sowohl die FM Synth Digitone II als auch der Sampler Digitakt II bieten nicht nur eine flexible Klangerzeugung, die perfekt auf elektronische Musik zugeschnitten ist.

Auch der legendäre Elektron-Sequencer lässt sich gut zur Steuerung von externen Instrumenten nutzen. Polymetrik, umfangreiches Step-Editing und komplexe Parametermodulationen sind hier ähnlich umfangreich vorhanden, wie bei vielen spezialisierten Hardware-Sequencern. Selbst euklidische Modi finden sich hier.

Abstriche muss man hier vor allem bei den Anschlüssen machen und sich mit einem MIDI-Out begnügen. Auch sind hier ausgeklügelte Skalen, Chord-Modi oder Zufalls-Pattern nicht vorhanden. Falls ihr darauf verzichten könnt, bekommt ihr mit der Digi-Serie aber nebst einer umfangreichen Klangerzeugung einen flexiblen Hardware Sequencer frei Haus.

Polyend Tracker+ oder Play+

Ebenfalls erwähnenswert sind die beiden Grooveboxen Polyend Tracker+ und Play+, da sie noch einen etwas anderen Ansatz verfolgen. Zwar bieten sie wie die Elektrons nur einen MIDI-Ausgang, aber für den Einsatz als Hardware Sequencer im MIDI-Setup bieten sie ebenfalls eine recht umfangreiche Ausstattung.

Wermutstropfen bei beiden Geräten ist, dass bei der Einbindung von externen MIDI-Controllern ein paar Dinge versäumt wurden. So tun sich beide Geräte schwer beim Durchleiten von MPE- und Poly-AT, von der Aufnahme ganz zu schweigen. Für mich ist aber das Handling mit Polyphonie fast ein K.O.-Kriterium. Denn sowohl Play+ als auch Tracker+ sind nicht in der Lage, in derselben Spur Akkorde über externes MIDI aufzuzeichnen.

Dabei verfügen beide sogar über Chord-Effekte. Man kann also seinen Wunschakkord an der Unit selbst einprogrammieren und auch über MIDI wiedergeben. Nur das Aufzeichnen über MIDI geht nicht. Selbst im Polyend-Forum ist das immer wieder Thema, aber aus irgendeinem Grund sperrt sich das Unternehmen, dieses Feature zu implementieren. Vielleicht können wir noch darauf hoffen. Denn sobald das implementiert ist, wären beide Units hervorragende Hardware Sequencer.

Polyend Tracker+

Tracker+ orientiert sich, der Name deutet es bereits an, am klassischen Tracker-Konzept. In der Urform gibt man bei einem Tracker Step für Step die Werte ein. Dazu zählen neben Noten-Informationen auch das Sample, wodurch man auch mit wenig Spuren sehr komplexe Arrangements erzielt.

Das ist beim Tracker+ grundsätzlich auch so, nur gibt es hier noch integrierte Klangerzeuger, sowie bis zu acht MIDI-Spuren für externe Instrumente. Pro Step können verschiedene MIDI-Channels angesteuert werden, CC-Werte programmiert und zwei MIDI-Effekte hinzugefügt werden. Von diesen stellen sowohl Tracker+ als auch Play+ eine umfangreiche Auswahl zur Verfügung.

Polyend Play+

Polyend Play+ bietet einen Matrix-Sequencer der neben der internen Klangerzeugung mit bis zu acht MIDI-Spuren externe Synths ansteuern kann. Hier gibt es eine Menge intelliger Remix-Funktionen inklusive Fills, durch die das Arbeiten mit dem Play+ sehr inspirierend sein kann.

Den Encodern kann man in den MIDI-Spuren seine Wunsch-CCs zuweisen und diese auch im Sequencer aufzeichnen. Dadurch kann der Play+ gut zur direkten Steuerung von Synths verwendet werden.

Fazit: Die besten Hardware Sequencer für elektronische Musik

Den richtigen Sequencer zu finden, ist wie so oft eine sehr persönliche Entscheidung. Denn so ein zentrales Element muss einfach zum eigenen Workflow und Setup passen. Für mich ist es der Hapax durch seine Kombination aus Feature-Umfang und intuitivem Workflow. Aber auch der OXI One lässt nur wenig Wünsche offen. Hier sind es die kompakte Größe und der Akkubetrieb, die neben den Features überzeugen.

Wer aufs Budget achten muss, erhält auch mit dem Keystep Pro einen soliden Hardware-Sequencer, wird aber früher oder später bei der Erstellung kompletter Tracks viele Funktionen der größeren Sequencer vermissen.

Wem ein dedizierter Hardware-Sequencer noch zu speziell oder zu teuer ist, sei auch die Option nahegelegt, sich einfach eine gute Groovebox zuzulegen. Ein Digitone 2 oder Polyend Play+ bieten ebenfalls ausgereifte Sequencer-Funktionen. Nur bei den Anschlüssen muss man hier Abstriche machen.

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Nach dem nicht ganz unumstrittenen Flaggschiff „One“ schickt Moog nach einigen Jahren wieder einen speicherbaren Polysynth ins Rennen. Der Moog Muse ist achtfach polyfon, bi-timbral, weitgehend analog und – für einen polyfonen Moog überraschend – deutlich unterhalb der 4000 € Marke angesiedelt. Wie gut das Konzept aufgeht, erfahrt ihr im MOOG MUSE Test. Doch zunächst gibt es erstmal ein Demovideo zur Einstimmung.

MOOG Muse: Auf einen Blick

• 8-fach polyfoner Analogsynth mit Bi-Timbralität und Stack-Modus
• 61 gewichtete Tasten mit Aftertouch
• 64-Step-Sequencer und Arpeggiator mit eigenen Mustern
• Analoge Oszillatoren, Filter und Amps
• 3 digitale LFOs, 2 digitale Hüllkurven mit umfangreichen Möglichkeiten zur Detailbearbeitung

9.0 TOTAL SCORE

MOOG Muse Test

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Features 8

Sound 10

Bedienung 10

Preis/Leistung 8

PROS

• Flexibler Sound, der von Retro bis modern reicht
• Durchdachte Bedienung für Live und Studio

CONS

• Factory-Presets wenig auf elektronische Musik ausgerichtet
• Poly-Aftertouch wäre super gewesen

Erster Eindruck

Der MUSE kommt im Karton samt Umverpackung, die mich einiges an (Angst-)Schweiß gekostet haben. Zum einen ist da das Gewicht von knapp 15 kg, das man bei den recht großen Ausmaßen eines ausladenden 5-Oktaven-Synths erst einmal auf den Studiotisch wuchten muss. Natürlich ist das nichts im Vergleich zu alten analogen Schlachtschiffen, dennoch war ich etwas überrascht.

Womöglich hatte ich meine Mühen aber auch dadurch, dass beide Kartons ultraeng geschnitten sind. Keine Angst, das wird keine lange Unboxing-Erfahrung. Aber wer Kartons aufbewahren will oder muss, sollte wissen, dass sich der Muse im Umkarton sprichwörtlich festsaugt. Anschließend durfte ich mit dem zweiten Karton ähnlich kämpfen. Dieser wird aufgeklappt, dessen Klappradius ist aber derart knapp bemessen, dass insgesamt rund 5 Minuten vergingen, bevor ich den MUSE erstmalig in seiner ganzen Pracht vor mir hatte.

Die Wheels erinnern an den Prodigy, die kleinen Faderkappen aus der Mixersektion an den MG1, und gemeinsam mit modernen Elementen aus MOOG One und Subsequent 37 entsteht eine interessante Mischung, die rein optisch vielleicht nicht jedermanns Sache ist. Design ist aber immer eine Frage des Geschmacks und rein von der haptischen Erfahrung gibt es beim MUSE nichts zu beanstanden. Alles reagiert schnell, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand ohne zu sperrig zu wirken.

MOOG Muse Tastatur

Bei der Tastatur handelt es um eine 61 Tasten-Variante inklusive monofonem Aftertouch und Anschlagdynamik. Polyfoner Aftertouch hätte bei dieser tollen Klangerzeugung sicherlich Sinn ergeben, aber auch so spielt sich die leicht gewichtete Tastatur hervorragend. Gut finde ich, dass man bei Moog an unterschiedliche Velocity-Kurven und – was ebenso wichtig ist und häufig übersehen wird – an Slew für den Aftertouch gedacht hat. Das kann über die Modulationsmatrix pro gesteuertem Modulationsziel frei eingestellt werden und verhindert abrupte Klangänderungen.

Anschlüsse

Auf der Rückseite finden sich neben USB-Anschlüssen, zwei Pedal-Eingängen und einem 5-POL-MIDI-Trio noch sechs CV-Buchsen (2xIn, 2xOut, Clock I/O), sowie das obligatorische Stereo-Ausgangspaar. Hier hätte ich mir in dieser Preisklasse noch zwei weitere Einzelausgangsänge gewünscht, weil der MOOG Muse bi-timbral ist.

Der Kopfhöreranschluss befindet sich vorne am Synth und lässt sich über einen dedizierten Lautstärkeregler auf der Oberseite separat einpegeln.

Factory-Presets

Beim Durchgehen der Werkspresets sprang der Funke zumindest bei mir noch nicht über. Das liegt hier jedoch nicht an der Qualität der Sounds, sondern vielmehr an der Genreausrichtung. So hatte ich das Gefühl, dass ein zentraler Fokus auf „echten“ Musikern (also keine Sound-Frickler wie mich) liegt.

Dementsprechend finden sich in den knapp 220 der insgesamt 256 Soundspeicher vor allem Presets für Top40, Rock und Pop. Also viele Orgeln, String-Sounds, Funk-Leads und Moog-Klassiker. Wer sich so einen Synth ins Haus stellt, wird aber sicherlich auch gerne selbst ins Sounddesign einsteigen. Und das ist genau der Punkt, an dem es richtig spannend wird.

Die Stimmenverteilung

Die achtfache Polyfonie lässt sich frei auf die beiden Layer aufteilen, oder im ultrafetten Unisono-Modus spielen. Bei Bedarf könnte man im Splitmodus etwa einen Dual-Unisono-Bass mit einem 6-fach polyfonen String-Sound kombinieren.

Per Spreadregler wird bestimmt, wie stark die einzelnen Voices im Stereopanorama verteilt sind. Das führt zu herrlich breiten Klängen, von denen gerade atmosphärische Sounds profitieren.

MOOG Muse Oszillatoren

Die Oszillatoren basieren laut Moog (bzw. des MUSE-Produktspezialisten, mit dem ich im Austausch war) auf der MOOG Voyager-Serie und bieten einen großartigen Klang. Die Schwingungsformen lassen sich fließend zwischen Sägezahn und Rechteck überblenden. Zusätzlich kann man die Schwingungsform von Dreieck zu Sägezahn formen und hat zudem noch die Möglichkeit, die Pulsbreite des Rechtecks zu bestimmen.

Und da das alles auch als Modulationsziel zur Verfügung steht, ist bereits auf Oszillatorenebene einiges an Klangformung möglich. Dabei habe ich noch nicht einmal erwähnt, dass zusätzlich noch analoge Sync, FM und Ringmodulation vorhanden sind. Falls das immer noch nicht reicht, kann man darüber hinaus noch den analogen Modulation Oscillator auf hörbare Frequenz umschalten und diesen (optional) an die Tonhöhe koppeln.

Zwar verzichtet man beim Mod Oszillator auf Sync, PWM oder Ring Modulation. Die Nutzung als FM-Quelle ist aber möglich, indem man den Modulationsozillator auf die anderen Oszillatoren routet. Zudem stehen hier auch Filter Cutoff (1/2), PWM, VCA, Pan und PWM als Modulationsziele im direkten Zugriff. AM und PWM im hörbaren Bereich sind dadurch schnell umgesetzt und ermöglichen ein breites Spektrum an disharmonischen, metallischen und obertonreichen Sounds.

Zusammengefasst werden die einzelnen Signale anschließend im Mixer, wo man neben den drei Oszillatoren auch das Signal des Ringmodulators, sowie Rauschen einspeisen kann. Am Ende kann man mit Overload das Mixersignal noch vor der Filterstufe sättigen, was zu noch brachialeren Sounds mit kräftigem Tiefenschub führt.

Die Filtersektion

MOOG Muse besitzt zwei resonanzfähige Filter, die sich parallel, in Serie oder Stereo betreiben lassen. Das erste Filter bietet alternativ Hochpass als Betriebsart, sodass beide in Serie geschaltet auch einen Bandpass-Filter ergeben.

Im direkten Zugriff hat man hier neben der Modulationsintensität der Hüllkurven noch das Keytracking pro Filter. Per Wahlschalter wird bestimmt, ob es deaktiviert, oder bei 50 % bzw. 100 % liegt. Wer Zwischenwerte benötigt, kann das problemlos über die Modmatrix realisieren.

Über den MOOG-Filterklang muss man glaube ich kaum noch ein Wort verlieren. Es packt kräftig zu und verliert auch bei höherer Resonanz nicht allzusehr an Bass. Wer trotzdem noch kompensieren möchte, kann mit der bereits erwähnten Sättigunsstufe im Mixer das Bassfundament aufpumpen.

Umgekehrt – und das finde ich ziemlich praktisch – steht ganz am Ende der Signalkette ein weiteres Hochpassfilter (ohne Resonanz) bereit, um den sehr fetten Grundsound des MOOG Muse zu zähmen. Nicht nur für Live-Musiker dürfte das ein sinnvolles Feature sein, um den Muse schneller in den Mix zu integrieren.

Modulationsebe: Bewegung in die Sounds bringen

LFOs

Neben dem eben erwähnten Modulationsoszillator gibt es beim MOOG Muse drei weitere LFOs, die ebenfalls bis in den hörbaren Bereich reichen. Diese sind digital aufgebaut, was Puristen unter Umständen kritisieren, in der Praxis allerdings einige Vorteile mit sich bringt.

Man bekommt drei digitale LFOs mit verschiedenen Wellenformen, die sich an die Tonhöhe koppeln lassen und bei Bedarf bis in den Audiobereich reichen. Natürlich sind sie BPM-synchronisierbar und verfügen über Retrigger per Tastenanschlag.

Rein auf das Layout bezogen sind die ersten beiden LFOs konzeptionell „frei“ zuweisbar, während LFO 3 erstmal auf die Tonhöhe wirkt. Wie bei den anderen Funktionsgruppen auch, ist das aber nur eine theoretische Ausrichtung. Man kann LFO 3 problemlos anderen Dingen zuweisen, hat hier aber weniger Möglichkeiten als bei den anderen LFOs.

Diese überzeugen durch eine Vielzahl unterschiedlicher Schwingungsformen, die abseits von den Standards auch eine Auswahl an User-Modellen beinhalten. Importieren oder Zeichnen eigener Schwingungsformen wie beim MD 900 oder Waldorf Iridium sind zwar (noch?) nicht möglich. Trotzdem sind gerade die rhythmischen Muster bei den User-Schwingungsformen perfekt für elektronische Musik.

Die Hüllkurven

Moog Muse bietet zwei ADSR-Hüllkurven mit aktivierbarem Loop, eine davon ist per default dem Filter, die andere dem VCA zugewiesen. Wer dieses Routing auflösen möchte, um etwa die Tonhöhe eines Oszillators zu steuern, kann das fix über den Assign-Taster erledigen.

Mit dem Taster in der rechten Ecke der Sektion gelangt man wieder in Submenüs, in denen sich weitere Funktionen verstecken. Allen voran die Möglichkeit, den Verlauf einzelner Segmente zu beeinflussen, dürfte die Herzen vieler Sounddesigner schneller schlagen lassen. Im Standardmodus liefern die Hüllkurve diesen herrlich bauchigen Punch, den man von Moog kennt. Wer es noch knackiger oder gemächlicher möchte, bastelt sich hier seinen Traumverlauf zusammen.

Natürlich kann man nie genügend Modulationsquellen haben und auf den ersten Blick mag eine dedizierte Modulationshüllkurve fehlen. Aber man kann diese Funktion in den meisten Anwendungen auch durch geschickte Routings oder One-Shot-Modi bei den LFOs ersetzen.

Zuweisung der Spielhilfen

Besonders gut gelöst ist die schnelle Zuweisung der Controller Aftertouch, Modwheel etc. Wie bereits bei den LFOs reicht hier ein Druck auf den Assign-Taster, gefolgt vom Drehen des Zielparameters bis zur gewünschten Modulationsintensität, und abschließendes Bestätigen im Menü.

Modulationsmatrix des MOOG Muse

Wer noch weiter gehen möchte, etwa um Metamodulationen hinzuzufügen bei der eine dritte Modulationsquelle die Modulationsintensität bestimmt, kann dafür in die Modulationsmatrix abtauchen.

In insgesamt 16 Slots können jeweils Quellen einer Vielzahl an Zielen zugewiesen werden. In jeweils zwei weiteren Slots bestimmt man dann optional, ob weitere Modulationsquellen diese Intensität beeinflussen.

Hat man sich an die finale Bestätigung im Modulationsmenü gewöhnt, geht das Arbeiten mit der Matrix fließend von der Hand. Dieser zusätzliche Schritt verwirrte mich manchmal, da ich direkt vor dem MUSE ein Soundpack für den TEO-5 erstellte, bei dem auf diesen letzten Schritt verzichtet wird. Welche Lösung man bevorzugt, ist vermutlich Geschmackssache. Beide Varianten haben ihre Vor- und Nachteile.

Bei den Quellen fehlen mir zum Zeitpunkt dieses Tests noch ein paar Optionen, allen voran Random, Voice und Noise. Vieles kann man allerdings schon über die LFOs oder den Mod-Oszillator realisieren. Laut Moog ist das Potential auch noch nicht ausgeschöpft. So können wir in einem zukünftigen Update sicherlich noch weitere Quellen erwarten.

Arp und Sequencer

Ebenfalls recht prominent neben dem Hauptmenü platziert sind der Arpeggiator und Sequencer. Der Arpeggiator ermöglicht neben den obligatorischen Standards auch die Erstellung eigener Rhythmuspatterns.

Der 64-Step-Sequencer lässt sich live und in einzelnen Steps programmieren, oder er springt – wie etwa bei einem SH-101 – immer zum nächsten Step weiter, sobald eine Note (oder ein Akkord) gespielt wurde.

Anschließend stehen umfangreiche Modulationsmöglichkeiten zur Verfügung, um die Sequenzen abwechslungsreich zu gestalten. Wer gezielt in den Verlauf eingreifen will, kann im Menü die einzelnen Noten gezielt bearbeiten (z.B. Velocity oder Gate-Länge).

Sobald ihr mit dem Ergebnis zufrieden seid, könnt ihr die Sequenz in einem der 256 Sequence-Speicherplätzen verewigen oder mit anderen Sequenzen per Pattern-Chain verknüpfen.

Ein Feature, das ich auch bei anderen (multitimbralen) Synths schätze ist, dass man für den Arpeggiator und Sequencer bei beiden Timbres unterschiedliche Taktarten auswählen kann.

Delay-Effekt

Bevor wir zum Fazit kommen, möchte ich noch kurz den Delay-Effekt erwähnen. Moog hat hier einen hervorragend klingenden Algorithmus implementiert, der sich dank Diffusion auch in Richtung Reverb verschieben lässt.

Dank des integrierten Filters, Ping-Pong-Modi und BPM-Synchronität liefert das Delay ein breites Klangspektrum; von schnellen Slapback-Echos bis hin zu treibenden Dub-Delays.

MOOG Muse Test: Fazit

Zumindest für mich ist der MUSE eines der besten Instrumente, die MOOG bisher herausgebracht hat, ja sogar einer der besten analogen Polysynths, die ich bislang testen durfte. Bisher hatte ich aber immer auch eine gewisse Hassliebe mit den Moog-Klassikern. Denn nach einer anfänglichen Euphoriephase stellte sich meistens recht schnell Ernüchterung ein. Und zwar spätestens dann, wenn ich den dominanten Sound in den Mix integrieren wollte. Das liegt aber an mir und kann definitiv nicht Moog angelastet werden, die echt gute Instrumente bauen.

Und genau aus diesem Grund sollte man mein positives Feedback am Ende dieses Moog Muse Tests mit einer großen Portion Skepsis sehen. Vielleicht ist der Muse für die Enthusiasten des klassischen MOOG-Sounds eine herbe Enttäuschung? Kollegen von mir ziehen zum Beispiel den Matriarch-Sound dem des MOOG Muse jederzeit vor. Am besten ist es also, ihr probiert den Synth selbst aus.

Am Ende steht für mich der Sound, der mich total abholt: gewaltige Bässe, breite Pads, komplexe Leads, experimentelles Zeug. Gleichzeitig bietet der MUSE eine gut gemachte Benutzeroberfläche, die diese Vielseitigkeit ausgezeichnet beherrschbar macht. Auch für komplexes Sounddesign hat der MUSE eine Vielzahl spannender Features an Bord. Für mich ist der Muse ganz klar ein Gewinn für die Synthesizerlandschaft.

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Gerade so ausdruckstarke Genres leben von komplexen Flächen und Atmos. Einen Schwerpunkt von „Biospehere“ bilden daher Pads, von denen es insgesamt 20 gibt.

Weiterhin finden sich 16 Leads, elf Arpeggios und drei Effektsounds in der Sammlung: von abgrundtiefen Bässen, über melancholische Pattern, bis hin zu verträumten Plucksounds.

Wie so häufig bei Limbic Bits richtet sich „Biosphere“ auch an Dub Techno Produzenten. Insgesamt 14 Dub Chords liefern das hypnotisch-technoide Fundament.

Zuweisung von Velocity, Modwheel und Aftertouch

Um die Presets live expressive spielen zu können, sind den Controllern Modwheel, Velocity und Aftertoch die wichtigsten Parameter pro Klang zugewiesen.

Kompatibel mit opsix native

Natürlich wird „Biosphere“ auch von der Software-Version opsix native unterstützt. Dazu muss nur der enthaltene Ordner in die Library des opsix native kopiert werden. Beim nächsten Öffnen des Plugins sind die Presets direkt vorhanden.

Biosphere enthält 64 neue Korg opsix Presets

• Pads: 20
• Bass / Lead: 16
• Arpeggio: 11
• Dub Chords: 14
• SFX: 3
• Bonus „MEGAfm Tribute“: 8 User Algorithmen, angelehnt an den Yamaha YM2612 FM Chip

MEGAfm Tribute: Dieses Bundle enthält auch eine kleine Hommage an den Yamaha YM2612, der im MEGAfm die Klänge erzeugt. Acht Bonus-Presets sind den Algorithmen des 4-OP-FM-Synths nachempfunden. Ein Bitcrusher in der Effektsektion sorgt dann noch für den nötigen Schmutz.

Wenn ihr euch für diese Korg opsix Presets interessiert, könnt ihr euch das Biosphere Sound Pack hier kaufen. –> Korg opsix Biosphere Sound Pack.
Im Bundle mit dem Korg opsix Habitat Soundpack kann man noch etwas Geld sparen.

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Allerdings ist das eine Disziplin, bei der auch viele günstige Referenzmonitore nicht besonders gut abschneiden. Zusätzlich fehlt den Einsteigermodellen noch eine gute Stereoauflösung oder es gibt Probleme bei der Mittenwiedergabe. Meine Empfehlung ist daher, sich erstmal gute Kopfhörer anzuschaffen, dann Geld zu sparen und lieber in ein vernünftiges Paar Studiomonitore plus abgestimmter Raumakustik zu investieren. Worauf ihr bei Studiokopfhörern für Techno, Ambient, House etc. achten solltet, erfahrt ihr in diesem Artikel. Im zweiten Teil stelle ich noch ein paar Modelle vor, die ich teilweise selbst seit Jahren nutze und die ich auch immer wieder bei Kollegen im Studio sehe.

Worauf sollte man bei einem Studiokopfhörer für elektronische Musik achten?

Studiokopfhörer: Offen vs. geschlossene Bauweise

Das offensichtlichste Merkmal bei Studiokopfhörern ist ihre Bauweise. Hier wird vor allem zwischen offenen und geschlossenen Kopfhörern unterschieden. Und die Bezeichnung ist fast selbsterklärend. Während ein geschlossener Kopfhörer nur wenig bis keine Audiosignale in die Umgebung abgibt, beziehungsweise man Geräusche von außen kaum mitbekommt, sind die Ohrmuscheln eines offenen Referenzkopfhörers – nun ja – „offen“.

Ob man nun geschlossene oder offene Kopfhörer bevorzugt, ist wie so oft Geschmacksache. Ich würde euch empfehlen, mittelfristig beide Varianten anzuschaffen, damit ihr immer mal wechseln könnt.

Dadurch habt ihr nicht nur mehr Testumgebungen für euren Mix, sondern könnt z.B. auch unterwegs produzieren, ohne etwa im Zug andere Passagiere zu stören. Der offene Studiokopfhörer kommt dann wiederum hauptsächlich im Studio zum Einsatz, wenn ihr mehrere Stunden am Stück produziert.

Wenn ihr aber noch ganz am Anfang der Studioeinrichtung steht, empfehle ich euch erstmal einen offenen Studiokopfhörer. Und hier bin ich der Ansicht, dass es sich eher lohnt, in einen etwas teureren Studiokopfhörer zu investieren, als in günstige Studiomonitore. Letztere machen vielleicht mehr Spaß, dafür kann man auf diesen einen Mix meistens nicht vernünftig beurteilen.

Frequenzgang

Ein weiterer wichtiger Aspekt bei Referenzkopfhörern ist die Signaltreue. Denn zur vernünftigen Beurteilung vom Mix sollte das Signal möglichst linear wiedergegeben werden. Je linearer der Frequenzband, umso besser.

Jetzt ist es so, dass spätestens im Tieftonbereich irgendwann die Treiber im Kopfhörer aussteigen, weil sie physikalisch gar nicht dazu in der Lage sind, bestimmte Frequenzen wiederzugeben. Trotzdem empfiehlt es sich, vor dem Kauf einen genauen Blick auf die technischen Spezifikationen zu werfen.

Wer sich nicht blind auf den Frequenzgang der Studiokopfhörer verlassen möchte, dem empfehle ich noch die App Reference von Sonarworks. Ziel dieser Software ist es, Studiomonitore und Kopfhörer per EQ und Laufzeitausgleich so zu kalibrieren, dass die Wiedergabe möglichst linear geschieht.

Klirrfaktor

Der Klirrfaktor beschreibt das Verhältnis von ungewollten harmonischen/nichtlinearen Verzerrungen zum Originalsignal. Nichtlineare Verzerrungen fügen dem Signal Obertöne hinzu und verfälschen daher den Klang.

Der Klirrfaktor (manchmal wird der sehr ähnliche Wert THD angegeben, ohne jetzt auf die exakten Unterschiede einzugehen) wird in Prozent angegeben. Je niedriger dieser Wert ist, umso besser.

Allerdings ist es mittlerweile auch so, dass vernünftige Studiokopfhörer hier ohnehin keine Probleme bereiten. Denn ein niedriger Klirrfaktor muss einfach gegeben sein, wenn es darum geht, professionell Abzuhören. Das wissen natürlich auch die Hersteller und liefern entsprechend ab. Mittlerweile spielt der Klirrfaktor daher eher eine untergeordnete Rolle bei der Kaufentscheidung.

Tragekomfort

Wichtiger ist dann schon der Tragekomfort, denn je nach Hersteller und Modell kann sich das stark unterschieden. Hierbei solltet ihr euren persönlichen Präferenzen folgen. Auch die Kopfform spielt beim Tragekomfort eine große Rolle: Drückt der Kopfhörer irgendwo? Wird er im längeren Betrieb zu schwer? Ist mir der Kopfhörer insgesamt zu groß?

Denkt daran, dass ihr Studiokopfhörer zum Abmischen oder Produzieren häufig über mehrere Stunden am Stück aufhabt. Umso wichtiger ist der Tragekomfort.

Kann man die Pads beim Studiokopfhörer wechseln?

Zusätzlich spielt auch das Material der Pads eine Rolle. Je nach Hersteller besteht die Oberfläche aus Velours, Kunstleder oder anderen Stoffen. Was euch am meisten zusagt, werdet ihr spätestens im Sommer herausfinden, wenn die Temperatur im Studio steigt. Ich schwitze zum Beispiel unter Pads mit Kunstlederbezug deutlich stärker als unter Velours.

Nicht zuletzt aus hygienischen Gründen solltet ihr also darauf achten, dass es für euer Modell einerseits Ersatzpolster gibt, die sich leicht austauschen lassen. Andererseits ist es praktisch, wenn der Hersteller gleich mehrere Varianten anbietet, sodass ihr etwa zwischen Kunstleder und Velours wechseln könnt. Übrigens kann sich auch die Wahl des Ohrpolstermaterials auf den Sound auswirken. Hersteller wie Sennheiser mit dem HD-490 PRO legen ihrem Kopfhörer zwei Varianten bei, die auch unterschiedliche Klangeigenschaften besitzen.

Referenzkopfhörer für elektronische Musik – die besten Modelle

Nachdem wir uns durch die grundsätzlichen Anforderungen und Unterschiede durchgearbeitet haben, wird es jetzt konkret. Die nachfolgenden Studiokopfhörer kann ich entweder aus eigener Erfahrung oder aufgrund von Gesprächen mit Künstlern bedenkenlos empfehlen. Wenn ihr noch Ideen oder Fragen habt, hinterlasst gerne einen Kommentar unter diesem Artikel.

AKG K-701

Die K-701 Referenzmonitore sind schon einige Jahre auf dem Markt und haben seit ihrer Veröffentlichung nichts an Popularität verloren. Und das aus gutem Grund: Denn vor allem die sehr detaillierte Auflösung und exzellente Stereobreite ermöglichen analytisches Abhören auch über mehrere Stunden hinweg.

Lediglich im Bassbereich ist der K-701 etwas schmalbrüstig, was bei der Beurteilung von Clubtracks schon mal stören kann. Hier könnte man sich entweder mit dem bereits angesprochenen Sonarworks Reference behelfen. Oder man lernt einfach, im Kopf das leichte Defizit beim Mixing auszugleichen.

Zudem hat sich der Preis der Kopfhörer im Laufe der Zeit sogar noch nahezu halbiert, weshalb ich den K-701 sofort empfehlen würde, wenn man einen präzisen offenen Studiokopfhörer benötigt, der nicht zu teuer sein darf.

Audio-Technica ATH-M50 X

Sozusagen als Gegenentwurf zum AKG K-701 kommt der Audio-Technica ATH-M50 X daher. Dieser geschlossene Kopfhörer erzeugt auch im Bassbereich mächtig Druck. Daher wäre dieser meine erste Wahl, wenn es um einen flexiblen Allrounder geht, den man einerseits im Studio für Aufnahmen nutzen kann und der andererseits auch bei Performances im Club funktioniert.

Zur Beurteilung eines Mix empfinde ich den ATH-M50 X auf Dauer allerdings zu anstrengend. Hier macht sich der starke Bassanteil und die geschlossene Bauweise bemerkbar, sodass Arbeiten mit dem Kopfhörer schnell anstrengend wird. Dazu treiben auch die recht scharfen Höhen bei. Keine Frage: Der ATH-M50 X macht sicherlich mehr Spaß als ein stark analytischer Kopfhörer, sollte im Studioalltag aber eher als Zweitreferenz genutzt werden.

beyerdynamic DT-770 PRO / 80 Ohm

Damit kommen wir zu einem weiteren Klassiker, dem beyerdynamic DT-770 PRO. Die DT-Serie von beyerdynamic ist seit Jahrzehnten stilübergreifend in etlichen Studios im Einsatz. Die hier geschlossene Variante DT-770 PRO sieht man häufig auf dem Kopf von Sängern oder Schlagzeugern, nicht so häufig jedoch am Arbeitsplatz des Sound-Engineers.

Und das hat seine Gründe: Wie der ATH-M50 X zeichnet sich der DT-770 PRO durch einen kräftigen Bass aus, der hier nicht ganz so akzentuiert kommt, aber dennoch Durchsetzungsvermögen beweist. Im Vergleich zum AKG K-701 schneidet der DT-770 PRO hinsichtlich Stereobreite und analytischem Klang aber ein gutes Stück schlechter ab. Ich habe jahrelang nur mit einem DT-770 PRO gemixt bis ich dann einen AKG K-701 ausprobierte. Es war, als hätte jemand eine Wolldecke von den Membranen gezogen und Details entblößt, die vorher nicht mal im Ansatz zu waren.

Also gilt auch beim DT-770 PRO mein Kurzfazit: Als Aufnahmekopfhörer und Zweitreferenz top, aber kein Kopfhörer für den längeren Mixing-Einsatz.

Sennheiser HD-490 PRO

Als teuerstes Modell schließt der Sennheiser HD-490 PRO die Liste der besten Studiokopfhörer für Techno, Ambient und House ab. Mit rund 350 € ist der HD-490 PRO sicherlich schon recht teuer. Dazu möchte ich allerdings einen Gedanken kurz anführen.

Wie bei nahezu jedem Produkt fürs Studio sind auch bei Kopfhörern dem Preis nach oben kaum Grenzen gesetzt. Und häufig fördert ein Kopfhörer im Segment Ü-1000-Euro noch mehr Details zutage, als Kopfhörer im mittleren Preissegment. ABER! Mit zunehmendem Anspruch bezahlt man für jedes Zehntel Prozent mehr Sound dann auch einen deutlichen Aufpreis. Hier bin ich der Meinung, dass man sich das Geld eher sparen kann und dafür in bessere Studiomonitore und Raumakustik stecken sollte.

Beim HD-490 PRO jedoch ist der doppelte Preis gegenüber den vorangegangenen Modellen gerechtfertigt. Denn hier bekommt man noch einmal einen ordentlichen Qualitätsschub mit. Der Kopfhörer zeichnet sich durch eine hervorragende Tiefenstaffelung aus. Trotz der offenen Bauweise liefert er zudem noch einen kräftigen und definierten Bass, was für elektronische Musik essentiell ist.

Die Höhen tendieren hier eher in Richtung HiFi, die gut aufgelösten Mitten erscheinen etwas dominanter als etwa bei einem AKG-701, sind aber auch auf Dauer nicht anstrengend. Hervorzuheben ist auch noch das geringe Gewicht des HD-490 PRO. Gemeinsam mit dem AKG 701 fand ich diesen Kopfhörer im Dauereinsatz am angenehmsten zu tragen.

Studiokopfhörer für elektronische Musik: Fazit

Bei der Wahl des richtigen Studiokopfhörers für Techno, Ambient etc. hilft nur ein: Ausprobieren. Falls ihr die Möglichkeit habt, probiert erstmal zwei oder drei verschiedene Modelle aus. Sei es bei Freunden, im Laden vor Ort oder – was ich persönlich eher unschön finde – mithilfe der 30 Tage Money-Back-Frist im Onlinehandel.
Dabei ist es wichtig, dass ihr die Kopfhörer mit Tracks ausprobiert, die ihr bereits sehr gut kennt. Ansonsten ist es schwer, den Klang vernünftig einzuschätzen.

Aus der oberen Liste kann ich jeden Kopfhörer empfehlen. Allerdings ist es sinnvoll, erstmal eine offene Variante zu wählen, insofern ihr nicht vorhabt, Mikrofonaufnahmen zu machen. In dieser Kategorie ist der AKG K-701 der beste Kompromiss aus Preis, Klang und Neutralität. Falls es die finanziellen Mittel erlauben, würde ich aber zum Sennheiser HD 490 PRO raten, der den bereits guten Klang des K-701 noch einmal übertrifft. Der HD-490 PRO bietet einerseits die Möglichkeit, analytisch zu arbeiten, liefert aber auch für einen offenen Kopfhörer genug Bass, wodurch er bei der Produktion von elektronischer Musik etwas mehr Spaß macht.

Als geschlossene Variante bietet der Audio-Technica ATH-M 50 X für mich den größten Mehrwert. Dieser Kopfhörer lässt sich einerseits flexibel im Studio einsetzen und macht andererseits auch im Club eine gute Figur. Hier kommt lediglich der Nachteil der geschlossenen Bauweise ins Spiel, denn im Dauerbetrieb sind diese Kopfhörer dann doch etwas zu anstrengend.

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• USB Hub für Audio Interfaces und Synthesizer: Die besten Modelle
• MIDI Controller für FL Studio: Die besten Modelle für elektronische Musik

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Worauf sollte man bei einem Synthesizer für Dub Techno achten?

Bevor wir zu ein paar konkreten Produktempfehlungen komme, sehen wir uns ein paar Eigenschaften an, die ein Synthesizer für Dub Techno mitbringen sollte. Wie immer ist das nicht dogmatisch zu verstehen, sondern sollte eine grobe Orientierung liefern.

Grundsound

Der Grundsound ist wie so häufig Geschmacksache. Für mich teilt sich dieses Genre vor allem in warme Analogchords und etwas metallischer klingende FM-Chords auf. Damit seid ihr also sowohl mit den meisten Analogsynths also auch digitalen Klangerzeugern auf der richtigen Seite. Wichtig ist dabei, dass der Synth über mindestens dreistimmige Polyphonie verfügt, damit ihr Chords auch ausreichend flexibel variieren könnt. Ja, es geht auch mit monophonen Synths, sofern sie über drei Oszillatoren verfügen. Aber so richtig Spaß macht das nicht.

In den meisten Fällen kommt es allerdings weniger darauf an, dass die Synthesizer ohne Ende fett sind. Das Bassfundament liefert im Dub Techno gerne die Kick oder ein spezieller Bass-Synth, der sich dem Low End widmet.

Alternativ könnte sich auch der Einsatz eines Samplers lohnen. Selbst Gesamplete E-Pianos oder Orgel-Akkorde können bei entsprechender Nachbearbeitung eine sehr gute Ausgangsbasis für dubbige Chords bilden.

Eine gute Effektsektion

Dub Techno lebt von spannenden Effekten. Umso wichtiger ist es, auf eine gut ausgestattete Effektsektion zu achten, wenn man nicht vorhat, mit externen Effekten zu arbeiten, oder diese in der DAW hinzuzufügen. Allerdings kann man hier auch am ehesten Kompromisse eingehen, denn es ist recht einfach, nicht vorhandene Effekte zu ersetzen – im Gegensatz zu einem guten Grundsound.

Falls man aber den Ansatz verfolgt, alles in einem Gerät zu haben, sollten mindestens diese drei Effekte vorhanden sein: (Tape- oder Analog-) Delay, Reverb und ein Modulationseffekte wie Phaser oder Flanger. Dabei ist darauf zu achten, dass man mehrere Effekte gleichzeitig einsetzen kann.

Flexible Soundengine mit ausreichend Modulationsmöglichkeiten

War ich beim Thema Grundsound noch etwas schwammig, wird es jetzt konkreter: Dub Techno erzeugt seine Varianz über stark modulierte Klänge. Hierfür muss natürlich erst einmal eine ausreichend flexible Soundengine zur Verfügung stehen: Mehrere Hüllkurven und LFOs, verschiedene Oszillatoren, ein Multimodefilter (Bandpass wird im Dub Techno sehr häufig eingesetzt) und nicht zuletzt eine gut ausgestattete Modulationsmatrix bringen ordentlich Lebendigkeit in den Sound.

Die meisten FM Synthesizer bringen konzeptionell schon deutlich mehr Modulationsmöglichkeiten mit als viele Analogsynths. Denn hier werden die Lautstärken der einzelnen LFO jeweils mit eigenen Hüllkurven gesteuert. Nahezu immer gibt es dann noch LFOs und vielseitige FM-Algorithmen, um den Sound intensiv zu formen. Abstriche muss man hier häufig bei der Flexibilität der Oszillatoren machen. Gerade älteren Vertretern fehlt darüber hinaus noch ein Filter, um den Klang zusätzlich zu formen.

Die besten Synthesizer für Dub Techno

Und damit kommen wir jetzt zu ein paar Kaufempfehlungen, die ich selbst seit einiger Zeit einsetze und bedenkenlos (nicht nur) für dieses Genre empfehlen kann.

Twisted Electrons MEGAfm

Diese Liste eröffnet der MEGAfm von Twisted Electrons (zum MEGAfm Test). Der 4-Operatoren FM Synthesizer ist nicht nur aufgrund seiner einladenden Bedienung ein echter Geheimtipp für Dub Techno. Denn durch den charaktervollen Sound mit all seinen Nebengeräuschen, bitreduzierten Eigenheiten und Übersteuerungen, erzeugt der MEGAfm perfekt den organischen Vibe von Dub Techno. Um diesen organischen Schmutz in die Produktion zu bekommen, müsste man andernorts schon einiges an Nachbearbeitung mit einplanen. Der MEGAfm liefert das bereits ab Werk.

Nun sollte man sich beim MEGAfm aber zwei Dinge bewusst machen: Erstens besitzt der Synthesizer keine interne Effektsektion und die ist für Dub Techno zwingend nötig. Hier muss man also noch externe Effekte mit einkalkulieren, wenn man den Synth ohne DAW nutzt. Zweitens benötigt man etwas Zeit, bis man den Sound des MEGAfm in all seinen Nuancen erfasst hat und gezielt ins Sounddesign einsteigen kann. Vor allem die schnelle Übersteuerung, wenn man den Lautstärkeregler über fünzig Prozent zieht, ist für einige Nutzer erstmal ungewohnt. Hat man sich aber erst einmal darauf eingestimmt, ist der MEGAfm die perfekte Basis für Dub Techno.

Korg opsix MKII

Der opsix MKII von Korg ist ein umfangreich ausgestatteter 6 OP FM Synthesizer mit zusätzlicher subtraktiven Synthese und einer komplexen Oszillatorsektion mit eigenen Filtern und Waveshaping. Kein Wunder also, warum der Synth im Korg opsix Test so gut abgeschnitten hat. Hinzu kommt noch eine recht intuitive Bedienung, die den opsix auch für den Live-Einsatz als Synthesizer für Dub Techno prädestiniert.

Der Soundcharakter des opsix reicht von sphärisch weich bis hin zu körnig und metallisch. Im Prinzip liefert der opsix also die komplette Farbpalette an typischen Dub Techno Sounds. Im direkten Vergleich mit dem MEGAfm fehlt ihm manchmal allerdings das letzte Quäntchen an Charakter. Dafür bietet der opsix eine umfangreich ausgestattete Effektsektion, wodurch man sich im Live-Einsatz ein paar Effekte sparen kann.

Waldorf Iridium

Apropos Flexibilität: Mit dem Iridium kommen wir jetzt zum absoluten Soundchamäleon. Eigentlich ist es alleine schon aufgrund des Preisunterschieds nicht ganz fair, dieses Schlachtschiff mit in die Liste aufzunehmen. Da sich der Iridium aber aufgrund einer extrem flexiblen Soundengine inklusive FM, VA, Granularsynthese, Physical Modelling und Wavetables perfekt für alle (Dub) Techno Spielarten eignet, durfte er in dieser Liste nicht fehlen.

Der Grundsound ist typisch für neuere Waldorf-Synths, also eher im HiFi-Bereich. Mit der gezielten Kombination von Sampling und anderen Synthesen sind aber auch verrauschte Pads und deepe Chords überhaupt kein Problem. Vor allem, wenn man sich mal vor Augen führt, dass der Iridium pro Oszillator (!) einen kompletten Yamaha DX7 Synth mit sechs Operatoren nachbilden kann. Nutzt man den Iridium dann bitimbral, wären das bis zu sechs DX7 gleichzeitig. Oder eben eine wilde Kombination aus unterschiedlichen Syntheseformen.

Lediglich die Effektsektion ist mir hier etwas zu hochpoliert. Hier würde ich mir etwas mehr Flexibilität wünschen. Denn Dub Techno lebt gerade Live vom lebendigen Effekteinsatz und da sind die gebotenen Hall- und Delayalgorithmen eher hochwertig klingende Standardkost.

Elektron Digitone 2

Mit dem Elektron Digitone schaffte es neben dem MEGAfm ein zweiter 4 OP FM Synthesizer in dieser Liste. Zusätzlich zur FM Klangerzeugung bietet der Digitone allerdings noch einen recht umfangreichen Sequencer, subtraktive Synthese und ein übersichtliches Display.

Klanglich würde ich dem Digitone eher eine gewisse Melancholie zuschreiben, oder mit anderen Worten, der Digitone klingt im Vergleich zum MEGAfm deutlich cleaner und mittiger. Dub Chords sind hiermit problemlos möglich, allerdings muss man schon etwas tricksen, um dem kompakten Synth das Rauschen beizubringen, was ein essentieller Bestandteil im Dub Techno ist. Dafür bietet der Digitone allerdings eine extrem gute Effektsektion. Das Delay erzeugt mit wenigen Tricks echt gute Tape Echo Sounds (zum Elektron Digitone Sounddesign Tutorial), das Reverb besitzt genau die atmosphärische Dichte, um sphärische Pads zu erzeugen.

Novation Peak

Der achtstimmig polyphone Hybridsynthesizer Peak von Novation ist ebenfalls ein sehr guter Kandidat für Dub Techno, wenngleich hier der Fokus eher auf den warmen Analogchords liegt. Auch wenn der Peak über rudimentäre FM-Fähigkeiten verfügt, sind scheppernde Metallsounds nicht so leicht umsetzbar. Dafür punktet er mit einem guten analogen Multimodefilter, einer umfangreichen Modmatrix und einer flexiblen Oszillatorsektion.

Die internen Effekte klingen ausgezeichnet, wodurch man sich externe Effekte für den Live-Einsatz sparen könnte. Ein gutes Effektpedal für Dub-Delays würde ich aufgrund des spontaneren Eingriffs zwar mitnehmen, aber wenn man leicht reisen muss, geht es auch ohne. Der Vorteil des Peaks gegenüber den anderen Vertretern in dieser Liste liegt in der übersichtlichen Bedienung, die sich selbst Einsteigern schnell erschließt.

Fazit: Die besten Synthesizer für Dub Techno

Ich hätte diese Liste noch um weitere Modelle ergänzen können, aber als Startpunkt sollte das erstmal ausreichen. Meine zwei Favoriten sind zum einen der MEGAfm von Twisted Electrons. Dieser FM-Synth bietet einen organischen Klang, der allerdings auch mit Effekten gezähmt werden möchte. Wer auf frühere Rhythm & Sound oder Basic Channel Produktionen steht, wird die kleine Dreckschleuder schnell ins Herz schließen. Wem das Konzept zu puristisch ist, findet mit dem opsix von Korg einen würdigen Ersatz, der nicht nur gut klingt, sondern auch ziemlich flexibel ist.

Quasi als Gegenpol zu den beiden ist der Iridium mein zweiter Favorit, der aber eher auf der cleanen Seite des Klangspektrums steht. Die komplexe Klangsynthese ist im Hardware-Bereich derzeit fast alternativlos. Die Vielseitigkeit bezahlt man wiederum mit einer recht anspruchsvollen Lernphase. Denn um das volle Potential des Iridiums auszuschöpfen, muss man tief in die Kernel-Ebene einsteigen. Das lohnt sich zwar, allerdings sollte man davon etwas Abstand nehmen, wenn man keinen Spaß am Lesen von Bedienungsanleitungen hat.

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Caterpillar enthält eine umfangreiche Auswahl an Arpeggiator-Sounds, Leads und Bässen. Dabei reicht das Angebot von authentischen Retrobässen im Stile von Boards of Canada, über verträumte Melodic Techno Arpeggios, bis hin zu aggressiven Staccato-Leads für härtere Techno-Varianten.

Innerhalb dieser Kategorien wird noch einmal zwischen normalen und Rhythmic-Varianten unterschieden. Letztere zeichnen sich dadurch aus, dass sie beatsynchrone Modulationen beinhalten, die subtil oder dominant das rhythmische Fundament eines Tracks unterstützen.

Integration von Modwheel und Aftertouch

Fast allen Presets wurden die Spielhilfen Aftertouch, Modwheel und Velocity den wichtigsten Parametern zugewiesen. Je nach Einsatzzweck unterscheiden sich die gesteuerten Parameter und sind auf das jeweilige Preset hin optimiert.

Caterpillar enthält 61 Moog Messenger Presets

• Arp / Sequencer: 18
• Lead: 12
• Rhythmic Lead: 11
• Bass: 7
• Rhythmic Bass: 5
• Texture & FX: 6
• Pad: 2

Falls ihr euch für diese Moog Messenger Presets interessiert, könnt ihr euch das Caterpillar Soundset auf der Webseite von Limbic Bits holen.

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Einer der am häufigsten eingesetzten Effekte in elektronischer Musik ist neben dem Reverb das Delay. Hiermit lassen sich spannende rhythmische Strukturen erzeugen, Signale breiter im Mix verteilen oder räumliche Tiefe erzeugen. Gleichzeitig dürften Delays auch zu den Effekten gehören, bei denen die Auswahl am größtem ist. In diesem Artikel sehen wir uns daher an, welches die besten Delay PlugIns für Techno, Ambient und andere Genres elektronischer Musik sind. Wer lieber auf Hardware setzt, dem sei der Artikel „die besten Hardware Delays für Synthesizer“ ans Herz gelegt.

Delay PlugIn für elektronische Musik: Worauf sollte man achten?

Vorweg: Im Prinzip lässt sich jedes Delay verwenden, es kommt vielmehr auf den Einsatz an. Wollt ihr treibende Dub Chords mit dem Delay aufwerten, wird ein BBD oder Tape Delay das Mittel der Wahl sein. Wenn ihr eure Percussion-Sounds um eine zusätzliche rhythmische Ebene erweitern wollt, kann ein Delay richtig sein. Das färbt den Klang zwar nur minimal, bietet dafür aber zahlreiche Möglichkeiten, die unterschiedlichen Wiederholungen zeitlich gegeneinander zu verschieben. Experimentelle Delays fürs Sounddesign wiederum sollten möglichst viele Parameter und Modulationsmöglichkeiten aufweisen.

Jetzt habt ihr im Prinzip zwei Möglichkeiten. Entweder, ihr packt euch unzählige Delay-Varianten auf den Rechner, bei der für jeden Einsatzzweck ein paar Alternativen bereitstehen. Oder ihr konzentriert euch stattdessen auf eine überschaubare, aber hochwertige Auswahl an flexiblen Alleskönnern und Spezialisten.

Da ich ein Freund von minimalen Setups bin, ziehe ich klar den zweiten Ansatz vor. Besser, man beschäftigt sich mit wenig Equipment viel, als mit einer großen Auswahl wenig.

Valhalla Delay – Das Delay PlugIn für alle Anwendungen

Den Auftakt dieser Bestenliste macht dann auch das „Delay“ von Valhalla DSP. Für gerade mal 50 € bietet dieses Delay VST nicht nur einen extrem guten Klang, sondern deckt mit verschiedenen Algorithmen ein breites Spektrum an Delay-Variationen ab. Darunter finden sich klassische Tape Delays ebenso, wie analoge BBDs und HiFi-Varianten.

Die Anzahl der Parameter ist überschaubar genug, um das Delay schnell zu begreifen. Gleichzeitig sind aber sowohl Skalierung als auch Auswahl der Parameter umfangreich und perfekt aufeinander abgestimmt, um das Delay problemlos in DAW-basierten Livesetups einzusetzen.

Softube Tape Echoes

Mit Softubes Tape Echoes haben wir den ersten Spezialisten in dieser Liste. Wie man es nicht anders von Softube erwartet, klingt die Emulation eines analogen Bandechos ausgezeichnet. Wobei „ein“ analoges Bandecho den Kern nicht genau trifft. Denn Softube fusioniert mit Tape Echoes die Eigenschaften mehrerer Bandecho-Legenden, darunter Roland Space Echo, WEM Copicat, sowie Echoplex. Allerdings ist dieses Delay PlugIn auch recht anspruchsvoll, was die CPU-Leistung betrifft und bildet unter diesem Aspekt das obere Mittelfeld der hier vorgestellten VSTs.

Wer über einen einigermaßen aktuellen Rechner verfügt, wird mit edlem Sound belohnt. Oder besser gesagt: Er erhält eine wunderbar schmutzig klingende Emulation analoger Tape-Delays inklusive überzeugendem Sättigungsverhalten, das selbst in der Selbstoszillation noch authentisch klingt. Wer richtig ausrasten möchte, kann mit hohen Wow- und Flutterwerten die typschen Leiereffekte erzeugen, wie man sie in vielen Ambient- und Dub-Tracks findet.

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Audiothing Outer Space

Das Audiothing Outer Space ist der zweite Spezialist in dieser Sammlung. Ähnlich wie Softube Tape Echoes hat sich Audiothing beim Outer Space ein Bandecho zum Vorbild genommen. In diesem Fall handelt es sich aber um die virtuelle Emulation des legendären Roland Space Echo RE-201.

Das Outer Space sieht nicht nur gut aus, auch die klangliche Umsetzung ist Audiothing sehr gut gelungen. An einigen Stellen sinnvoll erweitert, bietet das Outer Space trotz seiner Vintage-Ausrichtung genügend moderne Features, um sich einen Platz in aktuellen Produtionen zu sichern.

Möchte oder kann man sich das Original nicht leisten, erhält man mit dem Audiothing einen ordentlichen klanglichen Ersatz. Auf das Retrofeeling eines laufenden Bands und das besondere haptische Feedback eines echten RE-201 muss man logischerweise verzichten.

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Soundtoys EchoBoy: Von klassischen Emulationen bis hin zu komplexen Rhythmen

Auch das EchoBoy widmet sich der Emulation klassischer Delays, geht aber mit dem Rhythm Echo Mode noch darüber hinaus. Dieses Delay VST bietet neben dreißig unterschiedlichen Delay-Modellen umfangreiche Sounddesign-Optionen, die von Filtern über verschiedene Sättigungsalgorithmen bis hin zu Tape Flutter und Diffusion reichen.

Im Rhythm Echo Modus spielt dieses Delay PlugIn eine weitere Stärke aus: nach dem Wechsel in diese Betriebsart kann man die einzelnen Verzögerungen frei in einem rhythmischen Grid einzeichnen. Frei bedeutet hier, einerseit die einzelnen Wiederholungen in einem frei definierten Taktraster platzieren zu können. Andererseits ist es möglich, für jede Wiederholung zusätzlich noch die Lautstärke einzustellen.

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d16 Group Repeater

Das Delay-Plugin Repeater der D16 Group vereint 23 unterschiedliche Delay-Modelle. Darunter finden sich neben einer umfangreichen Auswahl an Klassikern wie Space Delay, Memory Man oder Lexikons PCM 42, auch Exoten wie etwa einem Oil Can Delay.

Einzelne Effektalgorithmen lassen sich im Vergleich zu etwa einem Soundtoys EchoBoy nicht so detailliert bearbeiten. Die Flexibilität erzielt man hier über die vielen Delay-Modelle.

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Fabfilter Timeless 3

Wer es auf möglichst hohe Flexibilität beim Delay-Sounddesign anlegt, sollte sich das Timeless 3 von Fabfilter ansehen. Fabfilter gehört zu meinen absoluten Favoriten, wenn es um hervorragend klingende PlugIns geht. Und auch beim Timeless 3 hat das Unternehmen wieder abgeliefert.

Denn das Timeless 3 bietet einen satten Analogklang, dessen Charakter auf alte Bandechos zurück geht. Allerdings erweitert um Features wie verschiedene Filtermodelle und rhythmische Patterns mit bis zu 16 Delay-Taps.

Ein weiteres Highlight des Timeless 3 ist die flexible Modulationsmatrix, die User von anderen Fabfilter-Plugins wie etwa Saturn bereits kennen. Das Feld unterhalb des eigentlichen GUI beherbergt eine Modulations-Spielwiese, die man fast als kleines Modularsystem bezeichnen kann. Modulationsquellen lassen sich bequem per Drag & Drop nahezu völlig frei den unterschiedlichen Sound-Parametern zuordnen.

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Der Delay-Geheimtipp für Dub: Pulsar Echorec

Das Echorec von Pulsar ist im Bereich elektronischer Musik sicher nicht ganz so bekannt wie die meisten anderen Delay VSTs in dieser Liste. Denn bei diesem Delay Plugin handelt es sich um eine authentische Reproduktion des italienischen Binson Echorec 2, das vor allem im Gitarrenbereich ein gesuchter Exot ist.

Im Gegensatz zu Tape-Delays oder BBDs basiert das Binson Echorec auf einer magnetisierbaren Metallscheibe, wodurch es auch klanglich in eine interessante andere Richtung geht.

Gerade durch die Kombination aus Selbstoszillation bei hohen Feedback-Werten und dem Drive-Regler entstehen interessante harmonische Verzerrungen. Diese eignen sich wunderbar für Dub Sounds oder als Sättigungsstufe für digitale Sounds. Falls ihr auf der Suche nach einem exotischeren Delay-Plugin seid, das durch analoge Wärme überzeugt, dann solltet ihr euch unbedingt einmal das Pulsar Echorec ansehen.

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Fazit: Delay Plugin für Techno, Ambient und co. – die besten Delay VSTs

Und damit kommen wir zum Fazit unser Best-of Delay VSTs. Egal wie groß die Effektsammlung auf eurem Rechner ist, diese drei Kandidaten sollten auf keinen Fall fehlen. Zum einen ist da das fantastische Delay von Valhalla DSP, das mit Flexibilität, Klang und Live-Tauglichkeit auf ganzer Linie überzeugt.

Zum anderen das EchoBoy von Soundtoys. Echoboy erzeugt mit seinen frei einstellbaren Delay-Zeiten auch rhythmisch komplexe Pattern, die so mit vielen anderen Delays nicht möglich sind. Klanglich liefert es ebenso ab, nur ist hier der Preis von rund 200 € bereits recht sportlich für ein Delay. Daher lohnt es sich bei Soundtoys auf eine der vielen Sonderaktionen zu warten. Denn dann gibt es das Delay häufig schon für die Hälfte oder weniger.

Nummer drei ist Fabfilter Timeless V3. Zwar verlangt dieses Delay Plugin Einsteigern aufgrund der Flexibilität möglicherweise etwas mehr an Einarbeitung ab. Allerdings ist diese Lernkurve durch die Möglichkeiten und den großartigen Klang mehr als gerechtfertigt.

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