Egal ob Progressive Trance, klassischer Trance oder PsyTrance: In diesen Spielarten der elektronischen Musik kommt man an einem Synthesizer nicht vorbei. Und auch wenn sich grundsätzlich nahezu jeder Synthesizer für elektronische Musik eignet, kommt man mit einigen Vertretern dann doch deutlich schneller ans Ziel. In diesem Artikel geht es um die besten Synthesizer für Trance. Um genauer zu sein: Um die besten Hardware-Synthesizer. Software-Empfehlungen für Trance-Produktionen werden in einem anderen Artikel behandelt.

Synthesizer für Trance: Worauf sollte man beim Kauf achten?

Dieser Artikel richtet sich vor allem an Einsteiger, weshalb wir erstmal ein paar grundsätzliche Dinge klären. Allen voran steht natürlich die Frage, welche Features ein Synthesizer für Trance mitbringen sollte.

Welche Features sollte ein Synthesizer für Trance liefern?

Eines der Hauptmerkmale ist eine flexible Klangerzeugung. Auch wenn es da draußen etliche gute Spezialisten gibt: Die zentrale Syntheseeinheit im Studio sollte möglichst vielseitig sein. Das gilt vor allem dann, wenn vorerst keine weiteren Anschaffungen geplant sind. Wenn man sich die Preise eines Virus oder Iridiums ansieht, könnte man natürlich darüber nachdenken, sich ein kleines Setup aus Spezialisten zusammenzustellen.

Da übernimmt dann ein Behringer Pro-1 den Basspart, ein Dreadbox Typhon die Leads und vielleicht ein Modal Cobalt8 die Pads. Und auch wenn das durchaus ein gangbarer Weg wäre: Hier muss man meistens Mixer, größere Soundkarten, MIDI-Interface oder USB HUB mit einkalkulieren. Letztlich ist mit so einem Multi-Setup häufig auch ein höherer Lernauwand verbunden. Denn alle Geräte mit ihrer Bedienphilosophie muss man sich seperat erarbeiten.

Zu den Features die ein Synthesizer für Trance mitbringen sollte gehören neben einer ausreichend dimensionierter Polyphonie (also wie viele Noten man gleichzeitig spielen kann), auch vielseitige Oszillatoren. Hinzu kommen flexible Routing-Möglichkeiten, sowie eine gut klingende Filtersektion.

Die Oszillatoren

Für breite Trance-Flächen und Hooklines hat sich in den letzten fünfundzwanzig Jahren die sogenannte Supersaw vor allem im Progressive Trance als Quasistandard etabliert. Der bekannteste Vertreter dürfte hier Rolands JP 8000 (oder als Rack JP8080) sein. Und das zurecht: Denn die geschichtete und leicht verstimmte Sägezahnbatterie des schicken VA-Synths klingt wahnsinnig weich, obertonreich und im besten Sinne künstlich.

Glücklicherweise gibt es diese Oszillatorenart mittlerweile in vielfältiger Form in etlichen Geräten. Zudem verfügen viele Synthesizer über Möglichkeiten, bestehende Schwingungsformen in diese Richtung zu schichten. Sei es durch Unisono, Stacking, Pulsbreitenmodulation oder andere Verfahren. Klanglich ist das auch meistens sehr nah am Original, wenngleich hier manchmal dann doch das letzte Quäntchen Sternenstaub fehlt.

Zusätzlich kann es nicht schaden, wenn bereits in der Oszillatorenebene zahlreiche Möglichkeiten zur Klangformung vorhanden sind. Zu nennen sind hier unter anderem Waveshaper, Ringmodulation, FM oder additive Synthese.

Flexible Filtersektion

Da das Filter in der subtraktiven Synthese einen entscheidenden Beitrag zum Sound leistet, ist eine gut ausgestattete Filtersektion unverzichtbar. Damit ihr klanglich möglichst flexibel seid, sollte der Synth neben dem obligatorischen Tiefpassfilter auch noch Bandpass und Highpass an Board haben. Wenn das Filter zudem noch mehrere Modelle (Korg MS, Moog-Kaskade, SEM usw.) bereitstellt, umso besser.

Natürlich ist letztlich der Klang des Filters entscheidend, aber guten Klang setze ich hier einfach mal voraus. Und was guten Klang definiert, ist immer auch eine Frage des Geschmacks. Während der eine den leicht verwaschenen Sound eines Cobalts schätzt, bevorzugen andere vielleicht den kräftigen und definierten Klang eines Peak-Filters. Daher sollte man sich erstmal einen direkten Eindruck machen und sich seinen Favoriten heraushören.

Modulationsmatrix

Trance, und hier ganz besonders die Spielarten Goa und Psytrance, zeichnet sich auch durch das Vorhandensein stark modulierter Sounds aus. Um einem Klang möglich viel Bewegung zu verpassen, ist eine gut ausgestattete Modulationsmatrix wichtig.

Dabei ist einerseits die Anzahl möglicher Verknüpfungen wichtig. Und hier gilt ganz stumpf: Je mehr, umso besser. Andererseits ist es hier ebenso entscheidend, welche Ziele und Quellen zur Modulation vorhanden sind. Es bringt also nichts, wenn man 30 Modulationsslots zur Verfügung hat, dieser aber nur eine kleine Auswahl an Quellen und Zielen gegenübersteht.

Neben den typischen Routings, bei denen Controller wie Aftertouch oder das Modulationsrad, etwa dem Filter zugewiesen werden, machen vor allem „Metamodulationen“ Sinn. Hiermit meine ich die Möglichkeit, die Intensität einer Modulationsquelle durch eine weitere Modulationsquelle zu steuern. Hierdurch entstehen komplexe Schichtungen, die einen Sound über lange Zeit spannend halten.

Gute Effekte

Beim Trance ist es wie bei den meisten Musikproduktionen: Am Ende verpassen gute Effekte dem Signal noch den letzten Schliff. Ob diese von einem externen Effektgerät kommen, in der DAW addiert werden, oder Teil des Synths sind, ist im Produktionsprozess nicht entscheidend. Für Live-Situationen kann eine brauchbare interne Effektsektion jedoch sinnvoll sein. Denn dadurch erspart man sich unnötige Schlepperei.

Zu den wichtigsten Effekten gehören hier Delay und Reverb, dicht gefolgt von Modulationseffekten wie Chorus, Phaser und Flanger. Gate-Effekte, Overdrive etc. sind nette Zugaben, lassen sich mitunter aber auch durch geschicktes Sounddesign simulieren.

Die besten Synthesizer für Trance: Aktuelle Kaufempfehlungen

Vorweg: Mit vielen Synthesizern erhält man recht schnell die Genre-typischen Sounds. Wenn dabei nicht alles aus einem Gerät kommen soll, ist vielleicht auch eine Zusammenstellung sinnvoll. Denkbar wäre dann ein spezialisierter Synthesizer für Bässe und Leads, sowie ein weiterer Synthesizer für Flächen (Pads). Wenn ihr aber erstmal alles mit einem Synth abdecken wollt, solltet ihr euch die folgenden Empfehlungen mal näher ansehen.

Novation Peak und Summit: Hybride Klangerzeugung

Mit Peak und Summit hat Novation einen hervorragend klingenden Digital-/Analoghybriden geschaffen, der sogar rudimentäre Wavetable-Synthese beherrscht. Das analog aufgebaute Multimodefilter packt kräftig zu, was super für Bässe und Leads ist. Im 12dB-Modus sind damit aber auch weiche Pads und verträumte Arpeggiator-Linien möglich.

Die teilweise loopbaren Hüllkurven haben einen sehr musikalischen Verlauf, so dass man beim Peak / Summit recht schnell zum Ziel kommt. Die Modulationsmatrix lässt kaum Wünsche offen, und auch die internen Effekte klingen richtig gut.

Ein kleiner Mixing-Tipp an dieser Stelle: Der polyfone Analogsynth profitiert maßgeblich von einer leichten Absenkung von 2-3 dB bei 250-400 Hz. Anschließend lassen sich die Sounds noch einfacher in bestehende Arrangements integrieren.

Der Summit ist nahezu identisch aufgebaut wie der Peak. Die größten Unterschieden liegen hier, neben der Tastatur, in einem zweiten Filter. der doppelten Stimmenanzahl und einer zweifachen Multitimbralität. Letztere ermöglicht unter anderem beeindruckende Arpeggiator- und Padkombinationen, sowie einen noch etwas flexibleren Einsatzbereich für Live-Performer. Dafür muss man hier allerdings auch den Platz einer 61-Tasten Klaviatur mit einplanen. Selbst wenn sich diese hervorragend spielen lässt, beansprucht sie dennoch ihren Platz im Studio.

Korg Modwave II: Wavetable mit VA

Der modwave II ist ein flexibler Synth, der Wavetable-Synthese mit VA kombiniert. (Zum Test Korg modwave). Durch den duotimbralen Aufbau mit jeweils zwei Layern sind komplexe Soundschichtungen möglich. Dadurch gelingen mit dem modwave vor allem Pads und Lead-Sounds. Aber auch Bässe und experimentelle Sounds überzeugen dank guter Filter und durch Kombination mit Samples.

Zwar fehlt dem modwave II im Vergleich zu anderen Synth etwas an Charakter. Andererseits lässt er sich dadurch wiederum problemlos in unterschiedlichsten Settings unterbringen.

Sehr gelungen ist beim modwave II auch die konsequente Ausrichtung auf Live-Performances. Neben einem extrem vielseitigen Modulationssequencer laden etliche Performance-Controller wie das XYZ-Touch-Pad zum Soundschrauben ein.

Access Virus TI2: Der Klassiker

Die Access Virus Serie wurde 1997 mit dem Access Virus (heute Virus A) eingeleitet. Und das Urmodell war damals gerade im Goa- und Psytrance extrem verbreitet. Aber auch in etlichen kommerziellen Trance-Produktionen ist eine der Virus-Varianten zu hören.

Der markante Grundsound wird von der umfangreich ausgestatteten Oszillatorebene erzeugt, die anschließend durch zwei unabhängige Multimodefilter inklusive emulierter Moogkaskade laufen. Weiter geformt wird der Sound dann über drei LFOs und zwei Hüllkurven. Diese können in einer Modulationsmatrix mit sechs Slots jeweils bis zu drei Zielen zugewiesen werden.

Damit ist der Virus TI2 flexibel genug, um ein breites klangliches Spektrum abzudecken: Von warmen Pads, über Plug-Sounds bis hin zu durchsetzungsfähigen Bässen ist der Virus TI2 ein verlässliches Arbeitstier im Studio. Die typischen Trance-Leads beherrscht er natürlich spielend.

Modal Cobalt8-Serie: Butterweiche VA-Synthese

Mit dem Cobalt8 (Test Modal Cobalt8) hat Modal ebenfalls einen sehr guten Synthesizer für Trance im Angebot. Zwar ist der virtuell analoge Cobalt8 kein Allrounder wie die meisten anderen Synths dieser Liste. Allerdings ist der leicht verwaschene Grundklang hervorragend zur Erzeugung von Trance-Hooks und Flächen geeignet.

Auch wenn Bässe und Leads gefragt sind, kann der Modal Cobalt8 abliefern. Wenngleich ihm im Vergleich dann doch etwas an zackigem Punch fehlt. Da er in der Desktopvariante aber auch der günstigste Synth in dieser Liste ist, könnte man ihm dafür noch einen analogen Bass-Synth zur Seite stellen.

Die Cobalt-8-Serie liefert also einen perfekt verträumten Sound, der sich gut in die meisten Spielarten des Trance einfügt. Trotzdem empfehle ich, den Cobalt-8 vorab einmal ausgiebig anzutesten: Denn der charaktervolle Grundklang trifft nicht zwingend jeden Geschmack.

Waldorf Iridium: Das flexible Schlachtschiff

Und damit kommen wir zum letzten Kandidaten, dem Waldorf Iridium. Trotz seiner durchdachten Oberfläche bin ich allerdings vorsichtig, den Iridium auch kompletten Einsteigern bedenkenlos zu empfehlen. Denn der Iridium ist in dieser Liste mit Abstand der komplexeste Synthesizer. Dafür liefert er eine klangliche Flexibilität, die es in sich hat.

Zum einen ist da die Oszillatorebene. Hier stehen pro Oszillator (!) bereits fünf verschiedene Klangerzeugungsverfahren zur Auswahl. Neben klassischer VA- und Wavetable-Synthese, beherrscht der Iridium Granularsynthese, FM mit bis zu sechs Operatoren, sowie Physical Modelling über Resonatoren. Und all diese Verfahren lassen sich im sogenannten Kernel-Model sogar noch miteinander kombinieren.

Zum anderen besitzt der Iridium zwei gut klingende Multimodefilter mit etlichen Modellen, sowie eine umfangreiche Modulationsmatrix mit bis zu vierzig Slots. In dieser können u.a. die sechs LFOs und noch einmal so viele Hüllkurven frei einer Vielzahl an Zielen zugewiesen werden.

Diese Klangerzeugungstiefe will erstmal beherrscht werden. Wer sich da langsam rantasten möchte, kann aus hunderten von Presets auswählen. Hat man sich dann näher mit der Architektur vertraut gemacht, ist der Waldorf Iridium ebenfalls ein hervorragender Synthesizer für Trance. Er deckt nicht nur die komplette Palette an typischen Sounds ab, sondern geht noch viel weiter.

Fazit: Die besten Synthesizer für Trance

Alle der hier vorgestellten Synthesizer kann ich zur Produktion von Trance empfehlen. Ob ihr den Klang eines Access Virus TI, eines Summit oder eines anderen Vertreters dieser Liste bevorzugt, ist letztlich wie immer eine Geschmacksfrage. Egal für welchen ihr euch letztlich entscheidet: Mit den Synths aus dieser Liste seid ihr auf der sicheren Seite.

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Der Beitrag Die besten Synthesizer für Trance erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Mittlerweile ist das Portfolio an Behringer Synthesizern auf ein beachtliches Ausmaß angewachsen. Und nahezu im Monatsturnus stellt das Unternehmen neue Ideen und Konzepte vor. Zeit, etwas Licht ins Dunkle zu bringen. In dieser Übersicht werde ich mich allerdings nur auf Behringer Synths konzentrieren, die es tatsächlich in die Läden geschafft haben. Produktankündigungen werden also erst dann aufgenommen, wenn sie de facto erhältlich sind.

Zudem limitiere ich mich einerseits auf polyfone (parafone) Synthesizer und andererseits auf Mono-Synths. Die Behringer Modularsysteme kommen dann in einem späteren Artikel.

Polyfone und parafone Behringer Synthesizer

Und wir starten die Übersicht gleich mit den poly- und parafonen Synths. Dieser Bereich wird sukzessive erweitert, sobald auch die lang angekündigten Modelle UB-XA, Clones des CS-80, PPG Wave, und viele andere mehr erhältlich sind.

Deepmind 6, 12 , 12R

Der Deepmind war der erste vollwertige kommerziell erhältliche Synthesizer von Behringer. Klanglich hat man sich unter anderem den Roland Juno 106 als Vorbild genommen. Und wenn man sich auf die Basics beschränkt, kann man dem Deepmind auch durchaus Roland-Charakter nachsagen.

Allerdings geht der Deepmind mit seiner umfangreichen Ausstattung und Effektabteilung deutlich weiter. Um das volle Potential auszuschöpfen, sollte man tief in die Untermenüs abtauchen. Denn sobald man die Modmatrix und nahezu modulare Effektabteilung erforscht, steht man fast vor einem speicherbaren Modularsystem: und das polyfon!

Den leicht lieblichen Klangcharakter des Deepmind kann man mögen oder hassen. Aber man kann Behringer nicht absprechen, mit dem Deepmind einen durchdachten Synthesizer mit sensationellem Preis-Leistungsverhältnis veröffentlicht zu haben.

Behringer Deepmind Übersicht

Behringer JT-4000M Micro

Der Behringer JT-4000 Micro ist ein Budgetsynthesizer im Miniaturformat. Am Ende der digitalen Klangerzeugung mit vierfacher Parafonie steht ein 12dB Tiefpassfilter mit Resonanz. Das günstige Gerät nimmt nicht viel Platz auf dem Tisch ein und lässt sich problemlos mitnehmen. Allerdings geht man hier sehr viele Kompromisse ein, die einem professionellen Einsatz als Standalone-Unit entgegen stehen.

Trotz des niedrigen Preis kann ich ihn aber auch nicht uneingeschränkt fürs DAW-basierte Studio empfehlen. Dafür sind neben lahmen Hüllkurven, digitale Artefakte und dem mäßig gut klingenden Filter die Nachteile einfach zu groß. Für breite Flächen oder sanfte Bässe mit Tiefenschub hat der kleine aber durchaus seine Berechtigung.

Hier geht es zum Behringer JT-4000 Micro Test.

Behringer JT-4000 Micro Übersicht

Behringer JT-mini

Der Behringer JT mini ist ein Budgetsynthesizer im Miniaturformat. Am Ende der analogen Klangerzeugung mit dreifacher Parafonie steht ein umschaltbares 12/24 dB Lowpassfilter mit Resonanz.

Zwar bietet der JT Mini drei VCOs, aber man kann die Wellenform (Sinus, Sägezahn, PWM, Rechteck) für alle drei nur gleichzeitig auswählen. Die VCOs klingen recht gut, insbesondere die Pulswelle, die diesen klassischen Roland-artigen hohlen Klang liefert.

Die Hüllkurve reicht von extrem schnell bis hin zu langsam genug für einfache Pad-Sounds. Wer seinen Presets etwas Bewegung hinzufügen möchte, kann entweder den internen Motion-Recorder oder den LFO nutzen. Die LFO-Rate reicht nicht bis in den hörbaren Bereich. Was ich beim JT mini aber noch mehr vermisst habe, war die Möglichkeit, den LFO mit dem BPM zu synchronisieren.

Unterm Strich handelt es sich um einen soliden Minisynth mit kräftigem Sound, wenngleich mir der JT mini für intensive Klangforschung aber etwas zu limitiert ist.

Hier geht es zum Behringer JT-mini Test.

Behringer JT-mini Übersicht

Behringer MonoPoly

Neben dem Poly-D hat Behringer mit dem MonoPoly einen weiteren parafonen Synth im Rennen. Hierbei handelt es sich nicht um eine freie Interpretation, sondern um den optischen und klanglichen Nachbau eines echten Klassikers: den Korg MonoPoly.

Allerdings ist auch Behringers MonoPoly wie das Original „nur“ vierfach parafon. Das bedeutet, dass die vier Oszillatoren zwar polyfon als Akkorde gespielt werden können. Spätestens beim Filter und den Modulationen teilen sich aber alle Oszillatoren die selbe Baugruppe.

Klanglich kommt der MonoPoly in den Mitten und im Bass etwas definierter um die Ecke als der Poly-D. Gleichzeitig reichen seine Features noch einmal deutlich weiter. Durch XMOD, Sync und FM gelingen auch experimentelle Sounds. Besonders gelungen ist das in Kombination mit dem Arpeggiator. Die aufgebrochenen Akkorde spielen dann alle Oszillatoren nacheinander durch, was je nach Setting wunderbar subtile oder krasse klangliche Änderungen mit sich bring. Selbst Pausen lassen sich simulieren, indem man einfach den entsprechenden Oszillator stumm dreht.

Behringer MonoPoly Übersicht

Poly-D

Beim Behringer Poly-D handelt es sich um einen parafonen Analogsynthesizer, der stark in der Tradition eines Minimoog steht. Zusätzlich zu dessen typischer Klangerzeugung wurde der Poly-D aber ein Stück aufgebohrt. Neben einem vierten Oszillator, durch den auch die vierfache Parafonie ermöglicht wird, findet sich hier ein LFO, sowie ein 32-Step-Sequenzer und eine rudimentäre Effektabteilung. Diese beherbergt analoges Distortion und einen BBD-Chorus, der an Rolands Juno-Chorus angeleht ist.

Die Effektabteilung ist nicht weiter spektakulär, aber rein klanglich weiß der Behringer Poly-D zu überzeugen. Fette Bässe, Leads und simple Stringsounds und Pads entstehen hier im Handumdrehen. Die Verarbeitung geht absolut in Ordnung und über die Tastatur ist der Poly-D sogar anschlagdynamisch spielbar, sofern man eine Kabelverbindung über die Rückseite herstellt.

Behringer Poly-D Übersicht

Behringer PRO-800

Nach dem Vorbild des Sequential Circuits Prophet 600 wurde der Behringer PRO-800 entwickelt. In diesem Fall gibt es aber im Gegensatz zur damaligen Ausstattung acht statt sechs Stimmen. Auch wurde die Gigli-Mod mit schnelleren Hüllkurven und ein paar weiteren Extras direkt integriert.

Der PRO-800 zeichnet sich durch einen organischen Retroklang aus, perfekt für Genres wie Synthwave, Ambient oder Synth Pop. Eingeschränkt lässt er sich dank analoger FM auch für experimentellere Sounds einsetzen, wobei es hier sicherlich bessere Kandidaten gibt. Wichtig! Damit ihr den PRO-800 wirklich sinnvoll einsetzen könnt, solltet ihr unbedingt die aktuelle Firmware installieren. Diese beschleunigt die Hüllkurvenzeiten noch einmal erheblich und ermöglicht somit auch perkussivere Sounds und kräftige Bässe.

Hier geht es zum Behringer Pro-800 Test

Behringer PRO-800 Übersicht

Behringer Pro VS mini

Bei dem Pro VS mini ließ sich Behringer vom Sequential Prophet VS inspirieren, einem Hybridsynth, der erstmals Vektorsynthese nutzte. Dabei werden insgesamt vier digitale Oszillatoren per XY-Controller überblendet, was zu spannenden Klangverläufen führt.

Diese Idee lebt auch in der parafonen Miniatur weiter, allerdings sollte man – schon gar nicht bei dem Preis – davon ausgehen, hier eine Prophet VS vor sich zu haben. Zwar sind die Schwingungsformen des Originals auch hier drin zu finden. Aber man sollte den Pro VS mini eher als eigenständigen Synth sehen, der zu einem sehr günstigen Preis eine Vielzahl an Features bietet.

Der Sound ist hier eher auf der LoFi-Seite – vor allem, wenn man zum Vintage-Mode wechselt – aber durchaus spannend. Die Engine ermöglicht neben kräftigen Bässen auch experimentellere Sounds und warme Flächen. Spätestens bei der Bedienung merkt man aber den günstigen Preis, denn die Minipotis liegen einfach nicht so gut in der Hand. Dennoch sollte man den Pro VS mini nicht unterschätzen; und mit einem angeschlossenen MIDI-Controller macht die Klangforschung gleich deutlich mehr Spaß.

Hier geht es zum Behringer PRO VS mini Test

Behringer Pro VS mini Übersicht

Behringer UB-Xa

Der UB-Xa dürfte wohl eines der ambitioniertesten Projekte von Behringer gewesen sein. Jedenfalls lässt die lange Vorlaufzeit zwischen Produktankündigung und Erstauslieferung darauf schließen. Mittlerweile ist der 16-fach polyfone und bitimbrale Analogsynth erhältlich und erfreut sich weitgehend positivem Feedback.

Dazu tragen einerseits die analoge Klagerzeugung bei, die sich an den Oberheim-Klassikern OB-X und OB-Xa orientiert. Andererseits dürfte hier auch der Preis eine wesentliche Rolle spielen. Denn 16 Stimmen kombiniert mit einer Tastatur mit polyfonem Aftertouch und weitgehende Möglichkeiten, den Sound zu individualisieren sind in dieser Preislage einmalig. Puristen sagen immer wieder, dass der Sound der Originalvorlagen noch ein gutes Stück gewaltiger ist. Nichtsdestotrotz erhält man mit dem UB-Xa ein rundes Gesamtpaket mit gutem Klang zu einem Kompetitiven Preis.

Der Sound ist hier klar auf der Retro-Seite mit breiten Flächen, fetten Bässen und weichen Leads. Aggressivere Sounds sind sicherlich nicht die Stärke des UB-Xa, aber über die Modulationsmatrix lassen sich dem UB-Xa auch experimentellere Klänge umsetzen.

Behringer UB-Xa Übersicht

Behringer UB-Xa mini

Der Behringer UB-Xa Mini ist eine verkleinerte Version seines größeren UB-Xa-Polysynths. Reduziert auf das, was Behringer als den wesentlichen Kern ansieht, bekommt man einen paraphonen Synthesizer mit drei Oszillatoren, Ringmodulation, einem 12/24-dB-Filter mit ADSR-Hüllkurve sowie einem LFO mit mehreren Wellenformen (Dreieck, Sägezahn, Rechteck).

Die VCOs lassen sich paraphon, Unisono, Oktave, Quinte, Ringmodulation und via Poly-Ringmodulation spielen. Im letzteren Modus wird die Obertonstruktur durch die Frequenzen der gespielten Noten bestimmt. Die VCOs bieten Sägezahn und Puls (mit PWM) und können so geschaltet werden, dass man entweder einen oder beide Oszillatoren gleichzeitig hört.

Der LFO-Bereich reicht nicht in die Audiofrequenz-Modulation hinein, weshalb er sich weniger für experimentelleres Sounddesign eignet. Das ist nicht unbedingt schlecht, aber einige Filter-FM-Möglichkeiten wären dennoch wünschenswert gewesen. Die Hüllkurve ist weder besonders knackig noch erlaubt sie sehr lange Phasen.

Für alle, die hoffen, mit dem UB-Xa Mini diesen klassischen Oberheim-Sound einzufangen… nun ja, wenn ich einen Blindtest machen müsste, um seinen Klangcharakter zu bestimmen, würde ich ihn wohl nicht als Oberheim erkennen. Aber vielleicht sagt das mehr über mich aus als über den Synth selbst.

Behringer UB-Xa mini Übersicht

Behringer Vocoder VC340

Ebenfalls an ein Original angelehnt ist der Behringer Vocoder VC340. Im Gegensatz zu den bisherigen Polysynths ist der VC340 aber ein Hybrid aus Vocoder und String-/Choir-Ensemble. Als Vorlage diente der Roland VP330 Plus, der es seit seiner Markteinführung im Jahr 1979 in etliche Produktionen geschafft hat.

Der markant weiche Vocodersound überzeugt zwar nicht durch seine Sprachverständlichkeit. Aber für smoothe Air-Vocoder-Chöre ist der VC340 die ideale Besetzung. Auch die Strings und Synthchöre überzeugen weder durch Authentizität noch durch flexibles Sounddesign. Hier ist es eher der charmant kratzige Retrosound, der sich trotz des sperrigen Charakters gut in den Mix einfügt.

Behringer VC340 Übersicht

Monofone Behringer Synthesizer

Und damit kommen wir zu den mono-(duo-)fonen Synths. Hier hat Behringer in den letzten Jahren eine beachtliche Auswahl zusammengestellt. Darunter befinden sich gute Nachbauten von Klassikern, aber auch ein paar Neukreationen.

Behringer 2-XM

Der Behringer 2-XM (Test) ist ein kompakter, zweistimmiger, Eurorack-kompatibler Synthesizer, der vom klassischen Oberheim SEM inspiriert ist. Der 2-XM bietet zwei analoge Signalpfade, Unisono-, Split- und Duo-Modi und kann für Polyphonie kaskadiert werden.

Die Filter des 2-XM klingen gut, haben aber nicht dieses High-End des Originals. Während sich das Original in solchen Situationen fast wie ein Exciter verhält, tendiert der 2-XM eher zu einem pfeifenden Charakter, der sich nicht so harmonisch in das restliche Signal einfügt – zumindest im Vergleich zu anderen SEM-ähnlichen Filtern, mit denen ich gearbeitet habe. Auch die Oszillatoren des 2-XM klingen etwas härter und moderner. Das ist nicht unbedingt schelcht, aber mir fehlte dieser schwer fassbare, vintageartige Flair.

Besonders gefällt mir die Möglichkeit, beide Einheiten gegenseitig zu modulieren, was VCO-FM, Filter-FM und ein paar andere Tricks ermöglicht. Was mir allerdings fehlte, war ein Noise-Ausgang (es gibt aber einen Workaround, wie in einem der Beispiele gezeigt) sowie ein LFO-Frequenz-Eingang im Patchfeld – das hätte die Modulationsmöglichkeiten erweitert oder z. B. Keytracking erlaubt.

Der Behringer Synth 2-XM liefert solide, von Oberheim inspirierte Klänge, erreicht aber nicht ganz die Magie des Originals. Dennoch bietet er zwei gut klingende analoge Stimmen zu einem erschwinglichen Preis.

Behringer 2-XM Übersicht

Behringer 2600

Wahrscheinlich gehörte der 2600 zu einem der am meisten herbeigesehnten Behringer Synths. Hierbei handelt es sich um einen semimodularen Synth, der stark an den Arp 2600 angelehnt ist. Dank etlicher Patchpunkte, drei Oszillatoren, kräftigen Filtern, und vielem mehr ist er der perfekte Synthesizer für alle, die tief ins Sounddesign mit dem Behringer 2600 einsteigen wollen.

Allerdings muss man sich schon einige Zeit mit dem 2600 beschäftigen. Denn einige Wege sind hier anfangs etwas unintuitiv. Vor allem, wenn man etwa mit dem Moog- oder Roland-Workflow vertraut ist. Zudem überfordert der Funktionsumfang gerade Einsteiger gerne mal.

Trotzdem lohnt es sich. Denn der Behringer 2600 liefert einen herrlich kräftigen Analogsound, der sich gut im Mix durchsetzt. Insgesamt kommt er schneidender daher als etwa Moog oder Roland, aber das kann auch ein spannender Kontrastpunkt sein.

Meine Empfehlung ist, sich den 2600 als Grey Meanie oder Blue Marvin zu holen. Der analoge Federhall und das minimalere Design (Geschmackssache) sind den geringen Aufpreis sicherlich Wert.

Behringer 2600 Übersicht

Behringer Cat

Beim Cat hat Behringer den Clone eines Clones geklont. Denn ursprünglich sorgte auch „The Cat“ vom Hersteller Octave für Streit mit ARP, da sich dieser maßgeblich vom Odyssey inspirieren ließ. Vermutlich konnte man in der Entwicklungsabteilung von Behringer deshalb hier gleich Zeit sparen. Schließlich war der Odyssey ebenfalls bereits im Portfolio.

Und so gibt es beim Cat und Odyssey auch einige klangliche Überschneidungen, wenngleich beim Cat die mischbaren Oszillator-Ausgänge plus Suoboszillator noch einmal mehr Tiefenschub erzeugen. Ob das eine zusätzliche Anschaffung rechtfertigt, muss jeder für sich entscheiden.

Der Behringer Cat kommt im typischen Behringer Desktopformat daher, ließe sich also auch problemlos im Eurorack-Modularsystem einbauen. Allerdings gibt es hier weder Sequencer noch Arpeggiator, oder eine Effektabteilung. Trotzdem erzeugt der Cat einen spannenden rohen Analogsound, der gerade im Bassbereich überzeugend abliefert.

Behringer Cat Übersicht

Behringer Crave

Ebenfalls semimodular aber deutlich kompakter als der Neutron, ist auch der Crave eine Neukreation. Die nachgesagte Nähe zum Moog Mother 32 ist hier weitestgehend konzeptionell. Denn auch wenn es hier und da Überschneidungen gibt, sind beide Modelle klanglich doch recht weit voneinander entfernt.

Mit seinem Prophet-VCO und 24dB Tiefpassfilter liefert der Behringer Crave kräftige Bässe und Leads mit Punch, obwohl er nur über einen VCO verfügt. Mit etwas Patching kann man allerdings auch den LFO als Zweitoszillator verwenden, der dabei recht gut der Tonhöhe folgt.

Dank seines runden Sounds, kombiniert mit Sequencer und Patchmöglichkeiten ist der Crave eine echte Empfehlung, und das nicht nur als Synthesizer für schmale Budgets. Hier geht es zum Behringer Crave Test.

Behringer Crave Übersicht

Behringer K-2: Der MS-20 Clone

Als Clone des semimodularen Korg MS-20 schickt Behringer den K-2 ins Rennen. Mit zwei Oszillatoren, Hoch- und Tiefpassfilter, sowie einer umfangreich ausgestatten Patchmatrix lädt der Behringer K-2 zum Experimentieren ein. Und dabei liefert er einen herrlich eigenwilligen Klang, den man als mittig-roh, aggressiv oder knarzig bezeichnen kann.

Kurioserweise ist der K-2 noch ein gutes Stück näher am Originalsound dran, als der noch erhältliche MS-20 mini aus dem Hause Korg. Allerdings fehlt auch dem K-2 noch ein letztes Stück Knurrigkeit im Vergleich zum Vintage-Original. Das fällt besonders dann auf, wenn man Ringmodulator und hohe Resonanz-Settings bei beiden Filtern (HP/LP) miteinander kombiniert. Dafür muss man entweder nach einem Original Ausschau halten, oder einen Korg MS-20 FS ergattern. Der meistert auch diese Disziplinen mit Bravour.

Trotzdem ist der K-2 mit einem Preis von rund 300 € eine Empfehlung für Industrial-Fans, oder Techno-Produzenten, die ihren Tracks aggressive Charakternoten verpassen wollen. Mehr Infos gibt es im Behringer K-2 Test.

Behringer K-2 Übersicht

Behringer K-2 MKII: Der erweiterte MS-20 Clone

Der Behringer K-2 MKII ergänzt den MS20-Clone-Update um Funktionen wie Filter-FM, PWM, Sync, sowie 1V/Oct, und ermöglicht so eine bessere Integration in Eurorack-Systeme. Die neuen Features erweitern die Flexibilität des K2 MKII erheblich. Gleichzeitig wurde der Preis auf unter 200 € gesenkt, sodass es kaum einen Grund gibt, ihn sich nicht anzusehen.

In Bezug auf die Authentizität des Sounds im Vergleich zum Original fehlt ihm zwar immer noch das letzte Quäntchen „Knurren“ in der Filtersektion, insbesondere bei der Kombination hoher Resonanzeinstellungen auf beiden Filtern und der Verwendung von Ringmodulation.

Ein günstiger und flexibler Monosynth mit Charakter zu einem budgetfreundlichen Preis. Er kommt nah an den MS20 heran, erreicht aber nicht ganz dessen Aggressivität. Dennoch lassen sich damit viele MS20-Vibes erzeugen. Mit all den zusätzlichen Features ist er selbst für MS20-Puristen einen genaueren Blick wert.

Behringer K-2 MKII Übersicht

Kobol Expander

Die Vorlage des Kobol Expanders ist der gleichnamige Synthesizer des französischen Unternehmens RSF. Zwar ist der Synth unter Nerds durchaus bekannt, der Kobol erlangte aber nie den Ruhm eines Minimoog, SH-101 oder Pro One.

Trotzdem hat sich Behringer auch diesem Exot angenommen und mit dem Behringer Kobol Expander (TEST) einen hervorragend klingenden, semimodularen Analogsynth auf den Markt gebracht. Überblendbare Schwingungsformen, LFO mit Geschwindigkeiten bis in den hörbaren Bereich und nicht zuletzt die schnellen Hüllkurven sprechen hier eine klare Sprache. (Nicht nur) Für den Preis von knapp 170 € klingt der Kobol Expander sensationell gut.

Behringer Kobol Expander Übersicht

Behringer Model 15

Auf den Spuren eines unbezahlbaren Klassikers versucht sich Behringer mit dem Model 15 am gleichnamigen Modell von MOOG. Herausgekommen ist ein gut klingender semimodularer Analogsynth, der auf kompaktem Raum eine Menge Features vereint. Der Klang geht hier eindeutig in Richtung Retro. Dabei helfen vor allem die Sättigungsstufen im Mixer und Filter, sowie die rund klingenden Oszillatoren.

Nicht so gelungen ist die virtuelle Nachbildung eines Federhalls. Dafür gibt es einen inspirierenden Stepsequencer mit drei Speicherplätzen für jeweils bis zu 256 Steps, eine gut ausgestattete Modulationsmatrix, sowie einen LFO, der bis in den hörbaren Bereich schwingt, wodurch auch Dreiklang-Akkorde (auch Dub Chords) möglich sind.

Hier geht es zum Behringer Model 15 Test.

Behringer Model 15 Übersicht

Behringer Model D

Model D war Behringers erster monofoner Direktnachbau der auf den Markt kam. Hierbei handelt es sich, wie es Name und Aufbau deutlich vermuten lassen, um einen günstigen Minimoog Model D Clone. Zwar muss man auf die Tastatur und das imposante Erscheinungsbild eines echten Minimoog verzichten.

Der Klang des Model D überzeugt dafür umso mehr. Denn dieser kleine Desktopsynth liefert voluminöse Bässe, typische Moogleads und alles, wofür auch das Original bekannt ist. Insgesamt muss man ihn etwas zähmen, damit er sich gut in den Mix einfügt. Aber das gelingt schnell, wenn man es mit den Lautstärken der Oszillatoren nicht übertreibt.

Wer also schon immer auf einen Originalmoog geschielt hat, aber nicht die nötigen finanziellen Mittel besitzt, kann hier zugreifen. Die meisten Sounds des Originals deckt der Model D ziemlich gut ab und kostet dabei nur einen Bruchteil.

Mehr Infos gibt es im Behringer Model D Test.

Behringer Model-D Übersicht

Behringer MS-1

Der MS-1 ist dem SH-101 von Roland nachempfunden. Optisch sind zwar viele Parallelen zum Original erkennbar. Aber bei der Authentizität hat der SH-01a aus dem Hause Roland die Nase vorn.

Damit soll nicht gesagt werden, dass der Behringer MS-1 schlecht klingt. Ganz im Gegenteil. Und wer auf eine Tastatur und normalgroße Bedienelemente Wert legt, liegt mit diesem Behringer Synthesizer nicht verkehrt. Wer aber das letzte Quäntchen SH-101-Sound sucht, ist mit dem Roland SH-01a – oder natürlich dem Original – besser beraten.

Denn der SH-01a liefert den breiten Sweet Spot mit dem melancholisch runden Grundsound, der durch die dominanteren Höhen des MS-1 etwas verloren geht. Aber nur um das klarzustellen: Es handelt sich hierbei um Nuancen. Insgesamt liefert der Behringer MS-1 zu dem Preis schon ein gutes Gesamtpaket.

Behringer MS-1 Übersicht

Behringer MS-5

Angelehnt an den Roland SH-5 bietet der Behringer MS-5 einen Sweetspot-Sound mit umfangreichen Möglichkeiten zum Sounddesign. Dazu zählen zwei VCOs mit Sync und Ringmodulation, Rauschen (weiß/rosa), 2 LFOs mit unterschiedlichen Wellenformen, sowie S&H. Richtig spannend wird es dann in der Filterabteilung, wo ein Multimodefilter mit Resonanz auf ein zusätzliches Bandpassfilter, ebenfalls mit Resonanz trifft.

Das Filterrouting wird beim Behringer MS-5 in der Mixersektion vorgenommen. Hier kann man jedes Signalelement entweder nur einem der beiden Filter, seriell in beide Filter, oder ganz am Filter vorbei routen.

Zwar sind die Hüllkurven des MS-5 nicht von der schnellsten Sorte – das gilt vor allem für die AR-Variante. Trotzdem ist der MS-5 in der Lage, kräftige Bässe und Leads zu erzeugen. Wer es klickend möchte, muss sich jedoch woanders umsehen oder mit einem Kompromiss leben. Beide Hüllkurven lassen sich auf verschiedene Weisen retriggern, unter anderem auch über die LFOs. In diesem Fall kann man mit der ADSR-Hüllkurve mit kurz eingestellter A/D-Zeit durchaus auch Klickendes erzeugen.

–> Zum Behringer MS-5 Test

Behringer MS-5 Übersicht

Neutron

Wenige Zeit nach der Markteinführung des Deepmind erblickte der Neutron das Licht der Welt: ein semimodularer Desktopsynth mit vielseitigen Möglichkeiten fürs Sounddesign.

Für den Grundklang des Neutrons zeichnen sich zwei CEM3340-Oszillatoren (Nachbauten) verantwortlich, die bereits in Synths wie dem SH-101 oder dem Prophet 5 eingesetzt wurden. Ebenfalls sind Sync und Noise vorhanden. Die weitere Bearbeitung übernimmt dann ein zackiges 12dB Multimodefilter. Alles zusammen lässt sich entweder direkt über das Bedienpanel mit LFO, schnellen ADSR-Hüllkurven und S&H formen, oder eben per Patchverbindung neu zusammensetzen.

Neben Leads gelingt mit dem Neutron analoge FM und damit auch eine Menge an Percussion-, und FX-Sounds. Ebenso sind düstere Drones und Texturen eine Stärke des Neutron. Basssounds gelingen zwar auch, aber hierfür würde ich andere Kandidaten in dieser Liste vorziehen, etwa den Model D, Pro-1 oder Cat.

Behringer Neutron Übersicht

Odyssey

Die Vorlage dieses Synths, der Arp Odyssey, wurde damals als Gegenentwurf zum populären Minimoog auf den Markt gebracht. Sein roher und fetter Klang geht in eine aggressivere Richtung als Moog und seine zahlreichen Routing-Möglichkeiten lassen auch tiefere Klangexperimente zu.

Das ist beim Behringer Odyssey nicht anders, wenngleich dieser im Vergleich zum Original etwas weniger Schub mitbringt. Aber es ist immer noch mehr als ausreichend, um Wände wackeln zu lassen. Wie schon beim Original bezahlt man die erweiterten Sounddesign-Optionen mit dem Suchen nach Sweetspots. Im Gegensatz etwa zu einem Model-D oder MS-1 kann man hier schneller falsch abbiegen und klangliche Grütze erhalten.

Wenn man den Grundklang und vor allem die Routings einmal verinnerlicht hat, schraubt man sich schnell hämmernde EBM-Bässe, experimentelle Sounds oder Sync-Leads zusammen. Ebenso erzeugt der Odyssey auch analoge Percussion und FX überzeugend – dank schneller Hüllkurven, FM, RM sowie Noise.

Behringer Odyssey Übersicht

Behringer Pro-1

Ebenfalls ein unbestrittener Klassiker ist Sequential Circuits Pro One. Allerdings gab es von diesem – im Gegensatz zum Minimoog – lange Zeit keine wirkliche Alternative auf dem Markt. Gleichzeitig schossen die Gebrauchtmarktpreise in die Höhe, und vollständig intakte Exemplare zu finden, war auch eher Glückssache.

Umso mehr freuten sich viele über die Nachricht, dass sich Behringer mit dem Pro-1 nun diesem Klassiker angenommen hatte. Zwar ging bis zur Veröffentlichung einige Zeit ins Land, aber das Warten lohnte sich. Denn der Pro-1 klingt fantastisch: Zackige Hüllkurven, fest zupackende Filter und ein kräftiger Analogsound, für den der Pro-1 (nicht nur) in Techno- und Industrialkreisen so beliebt war.

Als Bonus stattete Behringer den Pro-1 noch mit einer kleinen Patchbay und Duofonie aus. Letztere ist dann besonders spannend, wenn man sie mit Sync und dem Sequencer kombinert. –> Zum Behringer Pro-1 Test

Behringer Pro-1 Übersicht

Behringer Proton

Quasi als Schwestermodell zum Neutron wurde der Proton mit einer umfangreichen Soundengine ausgestattet. Neben zwei Multimodefiltern, vier Envelopes und zwei LFOs mit unterschiedlichen Schwingungsformen besitzt der Proton zwei VCOs, jeweils mit eigenem Suboszillator.

Hinzu kommen Sync, FM und ein Wavefolder, um den Klang bereits auf dieser Ebene stark zu beeinflussen. Experimentierfreudige erwartet eine vielseitige Modulationsmatrix. Leider wurde auf einen richtigen Mixer verzichtet und so lassen sich die Oszillatoren nicht komplett aus dem Signalpfad entfernen. Da das Filter zudem recht heiß angefahren wird, muss man entweder mit einem recht schmutzigen Fuzz-Overdrive leben. Oder man nutzt den Abschwächer in der Modulationsmatrix, um dieses Problem zu umgehen.

Insgesamt ist der Behringer Proton ein spannendes Gesamtpaket für alle, die sich auch mit modularer Synthese auseinander setzen möchten, ohne dafür aber gleich einen Kredit aufzunehmen. Klanglich besitzt der Proton viel Charakter, den man allerdings auch mögen muss.

Behringer Proton Übersicht

Behringer Syncussion SY-1

Beim Syncussion SY-1 knöpft sich Behringer einen Klassiker der elektronischen Musik vor. Der Drum Synthesizer bietet zwei unabhängige Klangerzeugungs-Stränge mit überraschend flexiblem Klang. Dank seines durchsetzungsfähigen Sounds wurde der originale Pearl SY-1 in den 90ern viel im IDM und Techno eingesetzt.

Mit einem Preis von unter 200 € und einer überraschend flexiblen Klangerzeugung ist der Behringer Syncussion SY-1 eine tolle Ergänzung im elektronischen Musikhaushalt.

(zum Behringer Syncussion SY-1 Test)

Behringer Syncussion SY-1 Übersicht

Behringer Spice

Funktional angelehnt an das Subharmonicon von Moog, handelt es sich beim Behringer Spice um einen semimodularen Analogsynth. Besonders beim Spice sind die zwei internen 4-Step-Sequencer, mit denen man polymetrisch die VCOs und / oder deren Suboszillatoren ansteuern kann.

Im direkten Vergleich mit der Originalvorlage klingt der Spice etwas obertonreicher und damit weniger Vintage. Trotzdem kann man mit ihm gut erforschen, ob einem der experimentelle Ansatz des Subharmonicons liegt. Denn die grundsätzliche Frage ist hier, ob man sich den Synth wegen der Klangerzeugung oder eben wegen der Besonderheiten des Sequencers anschafft. Ist ersteres der Fall, würde ich eher zu einer Kombination aus Edge und Crave raten, die klanglich einfach flexibler ist.

Behringer Spice Übersicht

Behringer TD-3

Acid und andere Spielarten elektronischer Musik wurden maßgeblich durch den Sound der Roland TB-303 beeinflusst. Und mit steigenden Gebrauchtmarktpreisen kamen auch immer mehr TB-303-Clones hervor.

Ich denke, zu der TB-303 von Roland muss man nicht zu viel sagen. Wahrscheinlich ist die 303 auch einer der am häufigsten gecloneten Synths der letzten zwanzig Jahre (die besten 303-Clones im Vergleich). Also überrascht es nicht, dass es auch unter den Behringer Synths eine Version gibt, bzw. sogar gleich zwei.

Behringers TD-3 ist einer davon und er macht dabei eine sehr ordentliche Figur. Ob die TD-3 nun das allerletzte Quäntchen Authentizität liefert, muss jeder für sich entscheiden. Beziehungsweise hängt das auch immer ein wenig ab, welche originale 303 man gerade vor sich hat.

Im Verlgeich zu anderen TB-303-Clones fand ich bei der TD-3 gut, dass sowohl das leichte Rauschen im Attack vorhanden sind, als auch die etwas stärkere Resonanz. Im Gegensatz zu einem TT-303 Bass Bot von Cyclone zwitschert die TD-3 von Behringer auch ordentlich, was sich im 303-Overkill-Studio sogar sehr gut ergänzt.

Behringer TD-3 Übersicht

Behringer TD-3 MO

Neben der TD-3 hat Behringer noch einen 303-Clone auf den Markt gebracht, der sich vor allem die Devilfish-Mod zum Vorbild nahm (zum Behringer TD-3 MO Test). Die Behringer TD-3 MO erledigt den Job augenscheinlich gut und ist zu dem Preis echt attraktiv. Allerdings muss ich gestehen, dass ich die Devilfish nur für zwei Wochen im Studio hatte und das auch schon über fünf Jahre zurückliegt.

Wenn man sich dann noch vor Augen führt, dass es Behringers TD-3 MO nahezu zum PlugIn-Preis gibt, kann man nichts mehr sagen. Wer Acid-Sound mag, sollte hier zuschlagen; und sei es nur, um eine weitere 303-Farbe im Studio zu haben.

Behringer TD-3 MO Übersicht

Behringer WASP Deluxe

Der originale WASP von EDP war nicht gerade bekannt für seinen fetten Sound oder hochwertige Bauteile. Trotzdem schaffte es EDP, sich mit einem außergewöhnlichen Design, Billigbauteilen und noch ungewöhnlicherem Sound ein Synthdenkmal zu setzen.
Und so liefert auch der WASP Deluxe einen sehr eigenwilligen Sound, den man entweder hasst oder liebt.

Besonders das Filter ist hier eine spannende Komponente, denn mit zunehmender Resonanz bricht das Signal förmlich in sich zusammen und wird immer schmutziger. Persönlich fand ich diesen Effekt beim Doepfer-Wasp-Filter fürs Eurorack Modularsystem noch extremer (und damit für mich besser).

Der WASP Deluxe ist weder besonders fett, noch hat er seidige Höhen, und klingt auch ansonsten eher quäkig. Aber wer einen Synth mit viel Charakter sucht der die Moog-Roland-Alltagkost ergänzt, sollte sich den WASP Deluxe mal näher ansehen.

WASP Deluxe Übersicht

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Der zweite Ansatz richtet sich an alle, die beim Produzieren auf einen Computer verzichten wollen. Hierbei gehe ich von zwei unterschiedlichen Budgets aus: einmal Low-Budget und einmal Mid-Budget. Beide Setups versetzen dich in die Lage, komplett ohne Computer Tracks zu erstellen. Selbstverständlich lassen sich beide Varianten, „Computer-only“ und „Hardware-only“, problemlos miteinander kombinieren, was im Großteil der Studios auch genauso gehandhabt wird.

Elektronische Musik mit dem Computer produzieren ohne viel Geld auszugeben

Ein halbwegs aktueller Rechner steht in den meisten Haushalten. Wenn man etwas auf den Leistungsbedarf der Software-Instrumente und -Effekte achtet, kommen selbst betagte Computern nicht so schnell an ihre Grenzen.

Ein Tipp am Rande: Möchte man auf ein bestimmtes PlugIn partout nicht verzichten, empfiehlt es sich zu prüfen, ob sich die interne Sample-Rate heruntersetzen lässt. Bei PlugIns von Native Instruments geschieht dies zum Beispiel über die Einstellungen. U-He wiederum bietet etwa bei der diva oder beim Repro-1 einen HQ-Modus an, der sich bei Bedarf deaktivieren lässt. In vielen Fällen reichen 48 kHz aus und man kann die Standardeinstellung von 96 kHz entsprechend halbieren. Das führt zu einer geringeren Prozessorauslastung.

Welche Grundausstattung für elektronische Musik mit dem Computer?

Insofern ist die Empfehlung in diesem Fall recht einfach: Eine solide Grundausstattung hat man bereits, indem man in ein besseres Audio-Interface inklusive DAW investiert. Zwar reicht für die allerersten Schritte meistens die interne Soundkarte. Allerdings müsste auch in diesem Fall früher oder später eine DAW (Software zum Produzieren von Musik wie z.B. Ableton oder Bitwig) angeschafft werden. Preislich nehmen sich Lite-Version und Soundkarte nicht viel, und letztere liefern häufig eine Lite-Version von DAWs gleich mit. Warum also doppelt investieren?

Ich empfehle gerne die Scarlett-Serie von Focusrite, da diese neben vernünftigen Wandlern und Treibern bereits ein attraktives Software-Angebot für den Start mitbringt. Unter anderem umfasst das Paket eine leistungsfähige Einsteigerversion von Ableton Live (Lite), Samples, sowie ein paar gute PlugIns zur Sound-Bearbeitung. Zusätzlich benötigt ihr dann nur noch Monitorboxen und / oder gute Studiokopfhörer und ihr könnt mit dem Produzieren starten.

Ist das Budget anfangs sehr begrenzt, rate ich erstmal dazu nur gute Kopfhörer zu nutzen, statt Monitorboxen anzuschaffen. Vernünftige Modelle gibt es bei den Kopfhörern ab 130 €, selbst mäßig gute Studiomonitore sind zu dem Preis schlichtweg nicht drin.

Für die übrigen rund 120 € könnte man sich nun noch einen USB-MIDI-Controller zulegen, der das Musik machen zum einen ziemlich sicher beschleunigt. Zum anderen ist es schlicht angenehmer, Drums und Melodien einzuspielen statt sie mit der Mouse einzuzeichnen. Das Launchkey von Novation liegt genau in unserem Budget. Mit 25 Minitasten, Pads und Drehreglern ist der Controller flexibel einsetzbar. Mit Ableton Live Lite und Softube-Effekten ist zudem ein gutes Software-Paket für den Start mit dabei.

Techno produzieren ohne Computer und ohne dabei viel Geld auszugeben

Die zweite Variante richtet sich an alle, die komplett auf einen Computer verzichten wollen. Sei es, weil man ohnehin den ganzen Tag vor dem Bildschirm sitzt, man die Arbeit mit einem Computer als umkreativ empfindet, oder sich das Ziel gesetzt hat, Live-Auftritte nur mit Hardware-Geräten zu bestreiten.

Einzelne Hardware-Instrumente müssen im Gegensatz zu einem Computer erst einmal angeschafft werden, wodurch erstmal höhere Anschaffungskosten entstehen. In diesem Fall ist die Flexibilität der Empfehlungen daher etwas eingeschränkter und ich beschränke mich auf zwei Szenarien: a) ein Low-Budget-Setup, für das maximal 400 € zur Verfügung steht und b) ein Mid-Budget, für das uns 1000 € zur Verfügung stehen.

a) Techno produzieren mit Minimal-Equipment für unter 400 €

Für dieses Setup legen wir unser maximales Budget auf 400 € fest. Zusätzlich wollen wir ohne einen Computer produzieren, so dass sich unsere Auswahl auf Hardware-Klangerzeuger beschränkt. Unser Setup muss in erster Linie in der Lage sein, ausreichend Drums wiederzugeben und idealerweise auch die ein oder andere Synth-Spur bereitstellen.

Öffnen wir uns zudem dem Gebrauchtmarkt wäre meine Top-Kombination wohl ein Novation Circuit (rund 200-220 € gebraucht), ein kleiner Mixer (rund 40 -50 €), sowie ein weiterer Analogsynthesizer für Bässe.

Da wir noch rund 130 – 150 € übrig haben, ist die Auswahl begrenzt. Möglich wären der semimodulare Crave von Behringer, der neben einem ausgezeichneten Klang auch über einen internen Sequencer verfügt, sowie die Volca-Serie von Korg.

Allen voran würde ich hier Volca-Bass und Volca Modular sehen. Beide sind gebraucht für unter 150 € zu haben, klingen gut und bieten einen internen Sequencer. Volca Modular ist sicherlich etwas frickelig in der Bedienung. Durch den West-Coast-Ansatz ist dieser Synth aber ein Garant für schmutzige, düstere Bässe mit ordentlich Experimentierpotential.

Sollen Acid-Elemente mit einfließen, ist auch der TD-3 (oder Behringer TD-3 MO) von Behringer eine klare Empfehlung. Den TB 303 Clone gibt es gebraucht mittlerweile hin und wieder für unter 80 €.

Beim Mischpult würde ich mich auf dem Gebrauchtmarkt nach einem Modell von Mackie, Allen & Heath oder Yamaha umsehen. Kleinmixer werden einem förmlich hinterhergeworfen. Und da die Preise der besseren Modelle sich auch nicht mehr so sehr von den Mitbewerbern Behringer und Alto Pro unterscheiden, würde ich klar die oben genannten Marken vorziehen.

b) Techno produzieren mit mittlerem Budget

In unserem dritten Szenario verfügen wir über ein Budget von rund 1000 €, mit dem sich schon einiges anfangen lässt. Hier ist es schon schwerer, die eine perfekte Kombi zu empfehlen. Ich habe daher vier Ausgangszenarien skizziert, die für sich schon sehr gut funktionieren, gerne aber dem eigenen Geschmack angepasst werden sollten.

Ganz klassisch: Roland TR-8 plus ein, zwei Synthesizer

Fangen wir mit dem wohl direktestem Konzept an: Rolands TR-8 Drum Machine vereint eine Vielzahl der Drum-Klassiker in einem Gerät und erweitert diese mit erweiterten Möglichkeiten fürs Sounddesign. Die Farbgebung in Giftgrün mag nicht jeden Geschmack treffen. Dafür überzeugt die TR-8 mit sehr intuitivem Live-Sequencing und Club-tauglichem Sound direkt aus dem Gerät. Die Fader zur Einstellung der Lautstärke sind gerade live ein echter Segen, da man mehrere Kanäle auf einmal ein- und ausfallen kann. Probiert das mal mit Potis.

Rolands TR-Serie hat die Entwicklung elektronischer Musik maßgeblich beeinflusst. Wer sich die TR-Sounds ins Studio holen möchte, macht mit der Anschaffung einer TR-8 nichts verkehrt. Soll es etwas mehr sein, ist die größere Variante Roland TR-8S eine Überlegung wert. Diese bietet die Klangerzeugung der TR-8 und erweitert diese noch um die Möglichkeit, eigene Samples zu nutzen.

Einen Synthesizer sollte man sich noch dazustellen

Mit der TR-8 deckt ihr die Drum-Sektion eures Setups bereits gut ab. Techno produzieren ist damit alleine allerdings unspektakulär, wenn man nicht gerade Jeff Mills heißt. Zur Erstellung von Melodien, Bassläufen oder atmosphärischen Klängen benötigt man noch ein bis zwei Synths. Und da beide TR-8 und TR-8S keinen internen Sequencer zur Ansteuerung externen Instrumente bieten, müsst ihr entweder live spielen oder auf Synthesizer mit internem Sequencer setzen. Eine gute Ergänzung wäre sicherlich eine Novation Bass Station 2.

Zusätzlich sollte ein Synthesizer für Flächen und Atmos am Start sein. Bei polyphonen Synthesizern wird die Auswahl schnell dünn, wenn man auf das Budget achten muss. Daher würde ich hier von vornherein auf eine digitale Lösung setzen, die meistens günstiger zu bekommen ist.

Für den Preis fast unschlagbar liefert der Roland AIRA S-1 Tweak Synth einen guten Sound im praktischen Jackentaschenformat. Der Roland S-1 verfügt über eine überraschend umfangreiche Klangerzeugung, die einerseits den klassischen Roland SH-101 abdeckt, andererseits auf Oszillatorenebene noch ein gutes Stück weiterreicht.

Hinzu kommt vierfache Polyfonie, eine gut klingende Effektsektion und ein interner Sequencer inklusive Motionrecording. So bekommt ihr neben klassischen Analogbässen – und Leads auch warme Pad-Sounds, Dub Chords und Drones mit ins DAW-less Setup, ohne viel Reisegepäck einplanen zu müssen.

All-in-a-Box mit Akai Pro MPC One MKII

Die MPC-Serie von Akai Pro muss man nach über 30 Jahren Bestehen eigentlich nicht mehr großartig vorstellen. Die Kombination aus Sampler, Sequencer und guten Pads zum Live spielen war in etlichen Produktionen zu hören.

Vor der Generation um Live, One und X erlebten MPC-User eine ernüchternde Software-Controller-Durststrecke, die sicherlich nicht besser wurde, als Akai mit dem Rhythm Wolf ihren ersten analogen Drumcomputer vorstellte. Diese Eskapaden führten am Ende allerdings zur MPC One, die ich in dieser Liste ebenfalls nennen möchte.

MPC One bietet flexible Möglichkeiten, Samples zu verbiegen und zeichnet sich durch einen druckvollen Sound aus, hochwertige Samples natürlich vorausgesetzt. Das große Touch-Display erleichtert einem die gezielte Soundbearbeitung, neigt aber dazu, bei höherer Luftfeuchtigkeit nicht immer zuverlässig zu reagieren. Dafür überdachte Akai zum Glück die Menüführung und spendierte wichtigen Parametern dedizierte Taster auf der Oberfläche, die vorher noch vergraben in Untermenüs lagen.

Glücklicherweise verfügt die MPC One noch über drei vollwertige Klangerzeuger: Ein E-Piano, ein VA-Röhrensynth,. eine Bassline und es kommen immer mehr hinzu.

Damit ist man für die meisten Anwendungen schon exzellent gerüstet und Techno produzieren kann man damit natürlich auch. Sollte ein weiterer Synth ins Setup integriert werden, liefert die MPC neben zwei Eingänge auch genug Möglichkeiten ihn via MIDI oder CV perfekt einzubinden. Im Vergleich zu den größeren Modellen verfügt MPC One mit rund 750 € über das beste Preis-Leistungsverhältnis. Schade nur, dass der interne Akku der MPC Live hier nicht dabei ist.

Für Frickler: Elektron Digitone II und Elektron Model:Samples

Zugegebenermaßen bin ich ein großer Fan von Elektron-Produkten. Nur wenige Geräte auf dem Markt bieten so einen Funktionsumfang bei gleichzeitig Live-tauglicher Bedienung. Für ein mittleres Budget empfehle ich eine Kombination aus Digitone II und Model:Samples. Dadurch erhält man umfangreichen Synthesemöglichkeiten und einen intuitiven Sample-Sequencer.

Hin und wieder wird der Digitone als reiner FM-Synthesizer gesehen, was nicht zutrifft. Vielmehr vereint er 4OP-FM, Waveshaping auf Oszillatorebene und klassische subtraktive Synthese. Dadurch lassen sich mit dem Synthesizer auch typische Analogsounds problemlos umsetzen.

Ein weiterer Vorteil sind die externen Eingänge beim Digitone sowie die zusätzlichen MIDI-Spuren, um externe Instrumente anzusteuern. Model:Samples ließe sich somit direkt durch den Digitone schleifen, wodurch ein zusätzliches Mischpult live nicht zwingend notwendig ist. Möchtet ihr später euer Set doch einmal in einem Computer aufnehmen, könnt ihr den Digitone zudem als gutes Audio-Interface verwenden. Diese Kombination gibt es neu für knapp 1000 €, bei Gebrauchtkauf wäre sogar noch ein weiterer Synthesizer oder ein kleiner Mixer drin.

Die Nerdlösung: Polyend Tracker Mini + Analogsynth

Für die Nerds unter uns ist der Tracker Mini von Polyend sicherlich ein spannender Kandidat. Polyend vereint in dem Tracker Mini Sampler, Granularsynth und Sequencer in Form eines Trackers. Ältere Jahrgänge kennen das Prinzip vielleicht noch von ihren ersten musikalischen Gehversuchen am C-64 oder Amiga.

Bei einem Tracker Mini laufen die Sequenzen von oben nach unten in mehreren Spuren in einzelnen Schritten herunter. Jedem Schritt lässt sich ein Sample, eine Note, Anschlagdynamik und andere CC-Werte zuweisen. Das Prinzip scheint auf den ersten Blick etwas in die Jahre gekommen, bietet aber für elektronische Musik einen einzigartigen Ansatz. Dieser bringt einen mitunter sogar direkter zum Ziel, als Lauflicht-Sequencer.

Besonders empfehlenswert ist ein Tracker Mini meiner Meinung nach, wenn man viel mit Samples arbeitet und diese schnell in einer Spur austauschen möchte. Das mag einer der Gründe sein, warum man Tracker in den Genres IDM, Ambient oder Drum and Bass recht häufig sieht. Techno produzieren kann man mit dem Tracker natürlich auch.

Auch beim Tracker Mini sollte ein weiterer Hardware-Synth eingeplant werden. Zwar bietet Tracker Mini mit seiner flexiblen Sample-Engine ausreichend Möglichkeiten, Flächen, Atmos oder Bässe abzuspielen. Für den Spaßfaktor ist ein Synthesizer mit vielen Reglern eine Bereicherung im Setup. Einen Sequencer muss dieser nicht zwingend haben, da Tracker auch externe MIDI-Geräte ansteuern kann. Bei rund 700 € Anschaffungspreis ist dafür zu unserer 1000 €-Grenze glücklicherweise noch Platz nach oben.

Techno produzieren im Budgetstudio – Fazit

Für welche Lösung ihr euch auch entscheidet – mit den hier vorgeschlagenen Setups könnt ihr auf jeden Fall arbeiten. Mit der Zeit findet ihr dann den perfekten Workflow für euch.

Ihr wollt ohne DAW elektronische Musik produzieren? Dann könnte der Artikel die besten Grooveboxen für Techno, Ambient und House etwas für euch sein.

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Welche Features sollten Reverb Pedale für Synthesizer haben?

• Stereo Ein- und Ausgänge
• Regler zur Echtzeitsteuerung der Parameter
• Flexible Ausstattung inklusive mehrerer Hall-Varianten
• True Bypass, damit das Audiosignal auch bei ausgeschaltetem Effekt ohne Verluste durchgeschliffen wird

Sehen wir uns also an, welche Reverb-Pedale sich besonders für den Einsatz mit Synthesizern eignen.

Source Audio Ventris Dual Reverb

Die Pole Position bekommt Source Audio mit dem Ventris Dual Reverb, auch wenn die Abstände im Spitzensegment sehr eng sind. Das Effekt-Pedal überzeugt durch hervorragenden Klang, direkten Zugriff und solider Verarbeitung. Richtig besonders wird es aber durch die versteckten Optionen. Denn in seinem Inneren schlummern gleich zwei Halleffekte, die sich wahlweise einzeln oder parallel betreiben, und somit zu außergewöhnlichen Hallräumen schichten lassen. Eine Kombination aus Federhall und Shimmer-Reverb? Das ist mit dem Source Audio Ventris kein Problem.

Und für Sounddesigner hat Source Audio noch an ein weiteres Extra gedacht: Mit der Neuro App lassen sich die Effekte umfangreich editieren und abspeichern. Über diese App steht noch einmal eine Vielzahl an Parametern zur Verfügung, an die man nicht direkt über das Pedal gelangt. Die App gibt es als Desktop- und iPhone-Version. Eine sehr runde Sache mit großartigem Klang: perfekt für Ambient, Techno und andere elektronische Musik!

Strymon Big Sky

Seit der Markteinführung 2013 hat sich das Big Sky von Strymon zum Quasistandard für Ambient und Chillout entwickelt. Und das aus gutem Grund: Denn das hervorragend verarbeitete Effektpedal liefert nicht nur die beliebten Shimmer-Reverbs. Der flexible Klang, der auch außergewöhnliche Hallvarianten umfasst, legt sich wie Seide um Synthesizer-Sounds. Egal was man da hereinschickt, es klingt eigentlich immer gut.

Allerdings ist das meiner Meinung nach auch der größte Kritikpunkt am Big Sky: Es hat einen starken Eigencharakter, sodass man es schnell aus einem Mix heraushört. Wenn man diesen Sound mag, ist das Big Sky von Strymon aber eine uneingeschränkte Kaufempfehlung.

Eine etwas günstigere Alternative für alle, die den Strymon-Sound suchen, aber kein Geld für ein Big Sky haben, könnte das Cloudburst Reverb sein. Das Cloudburst ist von der Feature-Anzahl zwar stark abgespeckt, liefert aber dennoch den typischen Shimmer-Sound, eine gute Bedienung und solide Verarbeitung.

Hier geht es zum Strymon Cloudburst Test

Meris Mercury X: Reverb-Modularsystem in Pedalform

Mit seinen hervorragenden Hall- und Raum-Algorithmen wird der Mercury X dem Hype definitiv gerecht. Das flexible Mercury X ist ein All-in-One Reverb Pedal für Synthesizer mit einem wahnsinnig guten Sound.

Der Mercury X ist nicht gerade günstig, aber dank seiner Flexibilität kann dieses Effektpedal mehrere andere Effektgeräte in deinem Setup ersetzen. Allerdings hat diese Flexibilität ihren Preis: Wer mit dem Mercury X tief ins Sounddesign einsteigen möchten, wird sich früher oder später durch zahlreiche Menüs hangeln müssen. Die sind zwar relativ logisch aufgebaut, richtig Spaß macht es trotzdem nicht. Falls ihr ohnehin vorhabt, das Reverb Pedal im Studio einzusetzen, könnt ihr es bei Bedarf aber auch bequem über den kostenlosen Editor programmieren.

GFI Specular Tempus Reverb & Delay

Das Specular Tempus Reverb & Delay Effektpedal ist ein echter Geheimtipp für die Nutzung mit Synthesizern. Glasklare Shimmer-Reverbs für Ambient, weiche Hallräume für Pads und eine Soundqualität, die selbst noch in HiEnd-Setups überzeugt.

Die kompakte Einheit verfügt über 32 unterschiedliche Effektalgorithmen, ein helles Display, sowie Regler für die wichtigsten Parameter. Über den MIDI-Eingang lässt sich das Delay bequem zur Clock syncen. Wer richtig tief ins Sounddesign einsteigen möchte, kann dies über den kostenlosen Editor SpecLab tun.

Kompakte Ausmaße, gute Delay und Halleffekte, und nicht zuletzt sein Funktionsumfang machen das Specular Tempus Reverb & Delay zu einem idealen Effektpedal für Live-Acts und Studio.

Mittlerweile ist das Specular Tempus nur noch gebraucht erhältlich. Wer einen Nachfolger mit den guten Anlorithmen des Specular Tempus sucht, sollte sich das GFI System Solis Ventus mal ansehen. Zwar lässt sich dieses nicht mehr ganz so intuitiv bedienen wie das Specular Tempus. Dafür gibt es hier deutlich mehr Features.

Zur Webseite von GFI

Empress Effects Reverb

Das Empress Effects Reverb ist ein Nachzügler in dieser Liste, weil ich bisher keine Gelegenheit hatte, das Reverb auszuprobieren. Nachdem ich es jetzt erstmals am SH-01a gehört habe, bin ich hin und weg.

Das Teil klingt einfach nur sensationell. Wahnsinnig breite und warme Hallräume schmiegen sich um die Synthesizer-Sounds. Im Gegensatz zu einem Big Sky bringt das Empress Reverb noch einmal eine grazile Fragilität mit in den Klang, die man auch woanders schwer findet. Klanglich ist das Empress Reverb absolute Oberliga, weiß aber auch bei experimentellen Einstellungen zu überzeugen. Ebenfalls sollte man hier die guten kleineren Räume und Spring Reverbs erwähnen. Eine Disziplin, bei der viele der Ambient-Shimmer Reverbs nicht überzeugen.

Death by Audio Rooms

Betrachtet man nur die Features, ist das Rooms Effektpedal von Death by Audio erstmal ziemlich unspektakulär. Zieht man dann noch den ziemlich sportlichen Preis heran, muss man schon verrückt sein, sich ausgerechnet das Rooms zuzulegen. Oder?

Tatsächlich hat der Boutique-Hersteller Death by Audio ein Reverb-Pedal im Programm, das wie perfekt zu Synthesizern passt. Shimmer-Algorithmen sucht man hier vergeblich, ebenso ausgefallene Kreativeffekte. Rooms beschränkt sich auf Hall- und Room-Algorithmen, die es dafür aber richtig gut beherrscht. Der Sound klingt unglaublich warm und voll und wenn man die Decay-Zeit und Wet-Regler auf Maximum stellt, entsteht ein dichter Hallteppich, den man bei anderen Pedalen vergeblich sucht. Rooms ist ein richtig gutes Pedal, aber bei dem Preis muss man schon genau diesen Sound wollen.

Beim Testen sollte darauf geachtet werden, das Pedal nicht zu laut anzufahren. Im Vergleich zu den anderen Kandidaten ist Rooms diesbezüglich eine ziemliche Diva und quittiert zu laute Pegel gerne mal mit digitaler Verzerrung. Kurioserweise klingt die Verzerrung bei hoher Intensität spannend, bei geringerer Übersteuerung aber wiederum unbrauchbar.

UAFX Golden Reverberator

Das UAFX Golden Reverberator von Universal Audio ist perfekt für alle, die ein flexibles Reverbpedal mit authentischem Retrosound suchen. Im soliden Metallgehäuse beherbergt das Pedal drei (vier, wenn man sich nach der Registrierung ein weiteres Modell hereinlädt) Simulationen von legendären Studioreverbs.

Zur Auswahl stehen ein ausgezeichneter Federhall, eine breite Plate-Simulation, sowie eine Emulation des legendären Lexikon 224 inklusive dessemm körnigen Sound. Mit den sechs Drehreglern kann man das Signal schnell in die gewünschte Richtung biegen, etwa um störende Tieffrequenzen zu eliminieren oder die Höhen zu boosten. Beim UAFX Golden Reverberator lohnt es sich mitunter, auch auf ein günstiges Angebot zu warten. Universal Audio hat schon häufig Aktionen, in denen das Pedal für unter 300 € zu haben war.

Zum Test Universal Audio UAFX Golden Reverberator

Electro Harmonix Oceans 12 Reverb

EHX Oceans 12 hat alles im Programm, was das Ambient-Herz wünscht. Riesige Hallräume, Shimmer-Effekte und Reverb/Chorus-Kombinationen. Das Oceans 12 ist aber auch ein guter Begleiter für Clubmusik. Hierfür stehen synchronisierbare Ducking- und Delay-Reverbs zur Verfügung. Dub Techno Produzenten werden sich über die gut klingenden Emulationen von Feder- und Plattenhall freuen.

Die Oberfläche ist gut strukturiert und die solide Verarbeitung schafft Vertrauen selbst bei ständigem Einsatz auf Reisen. Bei der Klangqualität muss man gegenüber GFI und Source Audio ein paar Kompromisse eingehen. Diese Klasse klingt einfach noch einige Nuancen voller und edler. Dafür kostet das Pedal mit knapp 250 € auch gerade mal die Hälfte.

TC Electronic Hall of Fame 2

Bisher lag ein Großteil der vorgestellten Reverb Effekte für Synthesizer bei einem Preis von (deutlich) über 200 €. Als letzter Kandidat kommt mit dem Hall of Fame 2 noch eine gute Budget-Empfehlung in diese Liste.

Die acht Raum- und Hallvariationen des Hall of Fame 2 inklusive Federhall, Shimmer und LoFi-Varianten überzeugen mit vollem Klang. Dazu bietet das Hall of Fame 2 direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter und die Möglichkeit, mithilfe einer App eigene Hallvarianten zu erstellen und auf einem von drei User-Speicherplätzen zu sichern. Für rund 100 € ist das Reverb Pedal eine klare Empfehlung, die zudem auch noch recht platzsparend ist.

Reverb Pedale für Synthesizer – Fazit

Die Spitzenreiter dieser Auswahl sind für mich ganz klar Source Audio Ventris Dual Reverb, Empress Reverb und das UAFX Golden Reverberator. Die drei Pedale bieten einen wahnsinnig guten Sound, der eigentlich jedes Eingangsmaterial veredelt. Egal ob riesige Hallräume, Spezialeffekte oder kleine Räume: Die Reverbs überzeugen in sämtlichen Disziplinen und sind ideale Reverb Pedale für Synthesizer.

In der Budgetklasse sind Oceans 12 und Hall of Fame 2 ein guter Kompromiss aus Preis, Leistung und Qualität. Wer nicht viel Geld zur Verfügung hat, macht mit dem Hall of Fame 2 sicherlich nichts falsch. Ich würde dennoch dazu raten, etwas mehr anzusparen und gleich auf das Oceans 12 zu gehen. Klanglich und von der Ausstattung her liegt das doch zu deutlich über dem, was TC Electronic mitbringt.

Weitere Links

• Strymon Nightsky Test
• Die besten Delay-Pedale für Synthesizer
• Studiokopfhörer für elektronische Musik: die besten Kopfhörer für Techno
• Test: Polyend MESS – Kreativeffekt für elektronische Musik
• UAFX Golden Reverberator Test

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Delay-Module für Eurorack-Modularsysteme

Beginnen wir die Auswahl mit meinen favorisierten Eurorack-Delays und Kombi-Modulen. Wie gesagt wird diese Liste ständig aktualisiert, dafür gibt es einfach zu viele spannende Effektmodule.

intellijel Sealegs: Vielseitiges Charaktermodul

Sowohl klanglich als auch gemessen am Funktionsumfang spielt das intellijel Sealegs in der Spitzenliga der Eurorack Effekte mit. Der zunächst hoch erscheinende Preis von rund 460 € relativiert sich schnell, wenn man das Gebotene ins Verhältnis setzt.

Denn das Stereo-fähige Modul bringt neben drei gut klingenden Delay-Algorithmen (BBD / Tape / Retro Digital), noch ein Reverb, Overdrive und einen flexiblen LFO mit. Die meisten Parameter sind hier im direkten Zugriff und verfügen darüber hinaus noch über einen CV-Eingang. Die Schwingungsform des LFO kann man bei Bedarf über den Ausgang auch zur Steuerung anderer Module verwenden.

Die Bedienung geht über die Fader sehr intuitiv, mit unterschiedlichen Routing-Optionen bestimmt man die Effektreihenfolge. Wie schon beim Knobula ist die Parametertiefe des Reverb beim Sealegs vergleichsweise unterdimensioniert. Für diese Anwendung gibt es bessere Alternativen. Falls ihr aber einen Eurorack Effekt mit viel Charakter und einer großartigen Bedienung sucht, ist das intellijel Sealegs eine perfekte Ergänzung für euer Modularsystem.

Knobula Echo Cinematic: Kombi-Eurorack-Effekt mit Motion Recorder

Echo Cinematic vereint Reverb, Delay und Filter in einem Stereo-Eurorack-Modul, das gerade mal 12 TE beansprucht. Neben dem gut klingenden Tap Delay kann auch der 24-Bit-Stereo-Hall überzeugen.

Echo Cinematic bietet aber noch zwei Features, die das Effekt-Modul herausheben. Zunächst ist da die Möglichkeit, die Bewegungen von Parametern auf der Frontplatte mit einem „Knob-Recorder“ aufzuzeichnen und wiederzugeben. Diese Automationen können bis zu 30 Sekunden lang sein, geloopt, oder per externem Steuersignal getriggert werden. Zudem bietet die Filtersektion neben HP, LP, Peak und Notch noch ein Kammfilter, mit dem dank LFO-Modulation auch metallische Flanger-Sounds möglich sind.

Während sich das Delay umfangreich bearbeiten und zur Clock / Tap synchronisieren lässt, stehen beim Reverb nur Effektanteil und Größe zur Verfügung. Falls ihr also primär ein Reverb sucht, sind andere Lösungen besser. Spezielle Features wie das Kammfilter oder die Aufnahmefunktion ergänzen das Echo Cinematic Modul aber hervorragend.

Doepfer A-188-1-Serie: BBD-Delays

Im besten Sinne roh geht es bei der Doepfer A-188-1-Serie zur Sache. Die auf einem echten BBD-Chip basierenden Delay-Module gibt es in insgesamt sechs Varianten mit unterschiedlichen Laufzeiten. Zudem bieten diese Module ein hervorragendes Preis-/Leistungsverhältnis.

Das Besondere bei der A-188-1-Serie sind die zahlreichen CV-Anschlüsse, durch die sich diese Module hervorragend für experimentelles Sounddesign eignen. Klassische Analog-Delays gehen mit den größeren Modellen theoretisch, dafür gibt es aber auch genug andere Varianten in der Eurorack-Welt.

Meine Empfehlung für den Einsatz als flexibles BBD-Delay ist die Variante A-188-1C mit dem 2048-Stages BBD-Chip. Dieser ermöglicht ausreichend lange Delay-Zeiten, lässt sich aber auch kurz genug einstellen für Karplus Strong, Chorus- und Flanger-Effekte.

Wenn man es mit der Delay-Zeit übertreibt, wird das Ausgangssignal auch herrlich crunchy, vor allem, wenn man es ohne Filter abgreift. Dieser Schmutz ist allerdings nicht jedermanns Sache. Wer relativ saubere, lange Delay-Zeiten sucht, sollte zur größeren Variante, dem A-188-1D greifen. Aber auch von diesem sollte man kein Standard-Digital-Delay erwarten. Abschließend sei noch auf die Bautiefe hingewiesen. Mit knapp sechs Zentimetern passen die A-188-1-Module leider nicht mehr in Skiff-Gehäuse.

T-Rex Replicator: Ein Tape-Delay fürs Modularsystem

Mono, gerade mal zwei CV-Eingänge, limitierte Soundpalette und massiver Platzbedarf: Eigentlich im krassen Gegensatz zum Sealegs oder Echo Cinematic steht der T-Rex Replicator, der kaum Anschlüsse bietet und auch klanglich recht eingeschränkt ist.

Dafür liefert dieses Tape-Delay einen einzigartigen Sound, den ich so anders einfach nicht hinbekommen würde. Und auch wenn ich ein großer Fan dieses LoFi-Kassetten-Flair in Kombination mit der Sättigung bin, kann ich verstehen, dass das nicht jeden abholt.

Freunde des Sounds von Boards of Canada oder Alessandro Cortini holt der T-Rex Replicator mit seinen Artefakten aber schnell ab. Dieses Modul ist in der Lage, einen herrlich organischen Sound im Handumdrehen zu erzeugen, für den man anderswo lange schrauben müsste.

Strymon Magneto

Und noch ein Tape-Delay fürs Eurorack: Das Strymon Magneto ist ein digitales Modul, das sich der Simulation eines Bandechos mit vier Tonköpfen widmet. Dazu gehören neben den Standards wie Delay-Zeit und Feedback auch spezieller Funktionen wie Tape-Abnutzung, Wow & Flutter und Störgeräusche. Das ermöglicht Retro-Feeling im Stil von Boards of Canada und älteren Dub Techno Produktionen.

Manch einer kennt den authentischen Sound bereits vom Volante Reverb Pedal. Als Eurorack Effekt wurde dieses aber mit etlichen CV-Anschlüssen, einer Looper-Funktion, sowie vier Clock-Ausgänge erweitet.

Magneto bietet einen Stereo-Signalweg und alle relevanten Parameter im direkten Zugriff. Um das Delay mit dem Rest des Setups zu quantisieren, gibt es neben dem Tap-Button auch einen Clock-Eingang. Spannend ist ihr auch die modulare Integration des Bandmaschine. So sind Wiedergabe, Abspielrichtung, Aufnahme etc. alle per CV steuerbar, womit man sehr kreativ arbeiten kann.

Ergänzt wird die Ausstattung des Magneto durch eine gut klingende Federhall-Simulation, die sich zwar nur in ihrer Intensität regeln lässt, den Funktionsumfang aber sinnvoll abrundet.

Reverb-Module für Eurorack Modularsysteme

Neben Delay dürfte Reverb eine weitere essentielle Effektgattung für Modularsysteme sein. Auch hier gibt es mittlerweile eine gigantische Auswahl an Modulen, von denen ich ein paar meiner derzeitigen Favoriten vorstellen möchte.

Strymon Starlab: Reverb, Delay und Karplus-Strong Synth in einem Effekt Modul

Das Strymon Starlab basiert auf dem Reverb Pedal „Nightsky“, erweitert dieses aber im Modularkontext noch einmal erheblich. So bietet die Eurorack-Variante des beliebten Effekt-Moduls siebzehn CV-Eingänge, unter anderem zur Steuerung des Shimmer-Anteils, Pitch und Size, oder des Filters.

Aber auch ohne externe CV-Signale bietet Starlab umfangreiche Möglichkeiten, den Sound direkt am Gerät zu verändern. Ein flexibler interner LFO kann auf Delay-Zeit, Pitch oder Filter geroutet werden und ist per CV in auch synchronisierbar; ebenso übrigens, wie die Delay-Zeit.

Ein weiteres Highlight des Stereomoduls ist die Möglichkeit, es als Karplus-Strong-Synthesizer zu verwenden und tonal über CV zu spielen. Hierbei wird mit extrem kurzen Delay-Zeiten und durch hohes Feedback ein Signal erzeugt, das sich gut für Percussion oder zur Simulation von Saiteninstrumenten und Drones eignet. Alternativ ist es auch möglich, diesen Modus als Resonator für externe Signale zu nutzen. Ein ziemlich flexibles Pedal also, das auch durch seinen guten Sound überzeugt.

Doepfer A-199 Spring Reverb

Beim A-199 von Doepfer handelt es sich um einen echten Federhall. Der markante metallisch dichte Sound wird hier mithilfe einer (bzw. drei) Federn erzeugt, durch die das Audiosignal geschickt wird.

Die Federn hängen in einem speziellen Reverbtank, der Teil des Lieferumfangs ist, aber auch durch andere Modelle ersetzt werden kann. Je nach Größe der Federn ändert sich auch der Klang des Reverbs. Grundsätzlich klingt so ein Federhall im besten Sinne künstlich, wenn man es mit andere Reverb wie z.B. einem IR-Reverb vergleicht.

Genau das macht aber den Charme aus und das A-199 ist mit seinem metallisch resonierenden Nachhall perfekt für Dub Techno und Klangexperimente. Denkt nur daran, den Reverbtank nicht in die Nähe des Netzteils zu setzen, da die Federn sehr empfindlich für externe Einstreuungen sind, die sich im Signal einnisten. Ich hatte das A-199 über zehn Jahre im Einsatz und nicht nur gemessen am Preis ist es eine klare Empfehlung fürs Modularsystem.

Die besten Eurorack Effekte – Delay und Reverb fürs Modular System: Fazit

Dieser Artikel kann nur einen Teil der mittlerweile gigantischen Auswahl an Eurorack Delays und Reverbs zeigen. Und der Fokus liegt hier primär auf Charaktermodulen oder Effekten, die außergewöhnliche Funktionen bieten, wie etwa dem Motion Recorder des Knobula Cinematic Echo.

Eine abschließende Empfehlung zu geben ist immer schwer, weil letztlich der Geschmack zentral für eine Entscheidungsfindung ist. Mein persönlicher Favorit ist hier das Sealegs von intellijel. Das intellijel ist nicht nur extrem flexibel, sondern auch intuitiv bedienbar. Zudem ist hier der Gedanke der Modularität zu Ende gedacht worden und nahezu jeder Parameter besitzt einen CV-Eingang.

Sollte der Platz in eurem Modularsystem begrenzt sein – was schnell passiert – rate ich direkt zu einem Kombi-Modul, das sowohl Delay als auch Reverb vereint. Hier habt ihr allerdings häufig weniger Möglichkeiten, die einzelnen Effekte vollumfänglich per CV zu steuern.

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FM Synths sind verantwortlich für unzählige furchtbare Glöckchen-Sounds in 80er-Weihnachtsliedern und nicht weniger nervige FM-Pianos in US-Sitcoms. Aber in dieser Synthese stecken auch exzellente Bässe, aggressive Leads, treibende Dub Chords, oder schwebende Texturen: perfekt für elektronische Musik!

Allerdings haftet FM Synthesizern nach wie vor der Ruf an, kompliziert zu sein, weshalb viele einen Bogen um diese spannende Syntheseform machen. Sicherlich ist die klassische analoge (subtraktive) Klangsynthese intuitiver begreifbar. Trotzdem ist auch FM Synthese keine Raketenwissenschaft, wenn man ein paar einfache Dinge begriffen hat. Dieser Artikel soll dabei helfen.

Die Basis von allem: Der Operator

Die Basis jedes Sounds und gleichzeitig einer der wichtigsten Begriffe in der FM Synthese ist der Operator. Hierbei handelt es sich um einen Oszillator, der traditionell meistens als Sinusschwingung vorhanden ist. Mittlerweile gibt es etliche FM-Synths, die bei den Operatoren auch andere Schwingungsformen bereitstellen und dadurch drastischere klangliche Ergebnisse liefern.

Ein Operator kann Carrier oder Modulator sein, manchmal sogar beides gleichzeitig, je nach gewähltem Algorithmus. Zum Algorithmus komme ich später im Artikel, gucken wir uns erst einmal den Unterschied zwischen Carrier und Modulator an.

Carrier und Modulator

Hinter den etwas sperrigen Begriffen verbirgt sich eigentlich keine große Magie. Vereinfacht gesagt, gibt der Carrier in der FM Synthese den Sound aus – er „trägt“ ihn an den Audioausgang. Demgegenüber steht der Modulator, mit dem man den Klangfarbe des Carriers verändert, in dem er dessen Frequenz moduliert. Das Frequenzverhältnis der beiden zueinander bestimmt schließlich die daraus entstehende Wellenform.

Hält man sich an ganzzahlige Frequenzverhältnisse, also 2:1, 4:1, 8:2 usw., bleiben die Ergebnisse im harmonischen Rahmen. Es klingt also meistens aufgeräumter, aber unter Umständen auch langweiliger.

Spannend wird es, wenn man auch nicht-ganzzahlige Werte nimmt, zum Beispiel „2.24 :1“ etc. Hier betritt man ein klangliches Spektrum, das auch disharmonische Obertöne hervorbringt, ähnlich den Ergebnissen bei Ringmodulation.

Will man wie bei analogen Synthesizern leichte Schwebungen erzeugen, gibt es bei vielen traditionellen FM Synthesizern hierfür den sogenannten „Tune“-Regler. Im Gegensatz zur Bezeichnung bei analogen Synths wirkt sich dieser nur auf ein sehr feines Stimmungsintervall aus. Dadurch sind die leichten Schwebungen deutlich feiner dosierbar. Ganz so, als würde man versuchen, ein ähnliches Ergebnis mit dem „Fine“-Tune-Regler bei einem subtraktiven Analogsynth zu erzielen.

Wie ändert man den Sound mit der FM Synthese?

Bei der FM-Synthese bestimmen zwei Faktoren die Intensität der Klangveränderung: Einerseits die Lautstärke des Modulators, andererseits dessen Frequenz. Je höher die Lautstärke des Modulators ist, umso stärker ist die Modulationsintensität, und umso deutlich sind klangliche Unterschiede auszumachen.

Den Lautstärkeregler des Modulators kann man sich wie einen Cutoffregler eines Tiefpassfilters vorstellen. Je weiter wir die Lautstärke des Modulators erhöhen, umso heller wird der Klang. Wenn man die Lautstärkeänderung des Modulators nun noch mit einer Hüllkurve moduliert, kann man den Sound ähnlich wie mit einer VCF-Hüllkurve formen.

Die Hüllkurven

Neben den Operatoren spielen die Hüllkurven bei traditionellen FM Synthesizern eine entscheidende Rolle. Jeder Operator besitzt seine eigene (Multisegment-)Hüllkurve, die grundsätzlich die Lautstärke des Operators steuert.

Je nach dem, ob es sich beim Operator um einen Carrier oder um einen Modulator handelt, übernimmt die Hüllkurve aber klanglich zwei unterschiedliche Aufgaben: Bei einem Carrier kümmert sich die Hüllkurve um die Lautstärke des hörbaren Ausgangsignals, ähnlich einer VCA-Hüllkurve im analogen Synthesizer.

Bei einem Modulator steuert die Hüllkurve ebenfalls die Lautstärke, allerdings wird der Modulator ja nur im Signalpfad hörbar, wenn er neben seiner Hauptaufgabe als Modulator auch noch Carrier ist (z.B. im Fall von Feedback). Normalerweise bestimmt man mit der Lautstärkehüllkurve des Modulators aber die Intensität der Fequenzmodulation im Zeitverlauf. Wir erinnern uns: Je lauter der Modulator, umso stärker die Modulation des Carriers, und umso obertonreicher der Sound.

Unterschiede zur klassischen Hüllkurve in der subtraktiven Synthese

Hüllkurven bei klassischen FM-Synthesizern unterscheiden sich häufig von ihren subtraktiven Pendants mit den typischen ADSR-Phasen. (Anm.: Mittlerweile setzen auch viele aktuelle FM-Synths wie der Korg opsix auf den klassischen ADSR-Hüllkurvenverlauf).

Das ist schade, denn die Multisegment-Variante – zum Beispiel bei vielen DX-Synths – bietet einige Vorteile, wenn man erstmal verstanden hat, die einzelnen Segmente zu nutzen.

Ein wesentlicher Unterschied ist, dass die Level für einzelne Segmente frei definierbar sind. Startet die Attackphase einer klassischen ADSR-Hüllkurve immer im Nullpunkt, kann der Attack-Startpunkt etwa bei einer FM-Hüllkurve irgendwo zwischen 0 und 127 liegen.

Gleiches gilt für die darauf folgenden Segmente: Das zweite Segment (bei ADSR ist das Decay) muss nicht zwingend im Maximum liegen. In der Praxis ergibt sich daraus, dass man noch tiefer ins Klanggeschehen eingreifen kann. Verfügt der FM-Synth dann noch über die Möglichkeit, pro Segment zwischen linearem und exponentiellem Verlauf umzuschalten, kann der Klang sehr exakt eingestellt werden.

Hüllkurven-Scaling

Hinzu kommt, dass man bei vielen FM-Synths die Hüllkurvengeschwindigkeit noch an die Tonhöhe koppeln kann (Scaling). Je höhere Noten man spielt, umso schneller durchläuft die Hüllkurve dabei ihre Segmente.

Dieses Verhalten ist akustischen Instrumenten nachempfunden, die bei höheren Tönen schneller ausklingen. Wie etwa bei einem Klavier, bei dem höher gespielte Noten deutlich kürzer ausklingen als in den tiefen Lagen.

Manche FM Synths bieten zudem die Möglichkeit, dieses Verhalten umzukehren. Tiefere Noten erklingen dann kürzer als höher gespielte Noten. Zudem können häufig noch Splitpunkte auf der Klaviatur bestimmt werden, die dieses Scaling einzelnen Bereichen zuordnet.

Die Hüllkurven in Oktave C0-C1 wären dann zum Beispiel schnell und exponentiell, C1 – C2 eher langsam und linear usw. Mit geschicktem Sounddesign könnte man also einen Sound in perkussive Elemente links auf der Tastatur und Pads im Notenbereich rechts vom Split aufteilen.

Algorithmen in der FM Synthese

Womit wir direkt zum nächsten Punkt kommen – den Algorithmen. Der Begriff klingt erstmal furchtbar kompliziert. Er meint aber nichts anderes, als die Beziehung der einzelnen Operatoren zueinander.

Bei den FM-Algorithmen muss man sich vor allem vier Dinge merken:

1. Der Algorithmus legt fest, ob ein Operator ein Modulator oder ein Carrier ist.
2. Der Algorithmus bestimmt, zwischen welchen Operatoren eine Modulation stattfindet.
3. Der Algorithmus gibt den Feedback-Pfad vor, also welche Operator sich selbst moduliert (und dadurch auch Sägezahn oder Rechteck generieren kann)
4. Über den Algorithmus legt man schließlich ebenfalls fest, welcher Operator am Audioausgang anliegt und somit am Ende hörbar ist.

Die Algorithmen unterscheiden sich bei vielen FM-Synthesizer voneinander. Einige, wie zum Beispiel der Korg Opsix oder der Sonicware LIVEN XFM, erlauben sogar die völlig freie Verschaltung der einzelnen Operatoren.

In der Regel kommt man mit den klassischen DX-7 Algorithmen schon recht weit. Möchte man aber zum Beispiel eine spezielle Verschaltung eines anderen FM-Synths nachbauen, ist die Möglichkeit der freien Verschaltung schon ziemlich praktisch.

Wie wähle ich den geeigneten FM-Algorithmus aus?

Das dürfte nun die schwierigste Frage in der ganzen FM-Synthese sein. Denn hier sollte man sich vor dem Sounddesign einigermaßen Gedanken machen, welcher Sound am Ende entstehen soll. Das verlangt eine gewisse Vorkenntnis, ist aber im Prinzip recht schnell erlernt. Wenn ihr noch gar keine Erfahrung in dieser Richtung habt, empfehle ich erstmal, mit einem einfachen Bass-Sound zu starten.

Beispiel 1: Bass-Sound mit FM-Synthese erstellen – Welcher Algorithmus?

Bei simplen FM Bässen reicht meistens ein Algorithmus, bei dem ein Operator den anderen moduliert. Als Intervall empfiehlt sich ein harmonisches Verhältnis von 1:2, 0.5:2, 2:0.5 usw. Nun zieht ihr die Lautstärke des Modulators langsam hoch und stellt die Hüllkurve auf einen perkussiven Verlauf ein. Also so, dass die Hüllkurve für die Modulatorlautstärke nach einer relativ kurzen Zeit bei einem niedrigen Wert (oder 0) angelangt ist.

Die weiteren Operatoren könnt ihr deaktivieren, oder für leichte Schwebungen und harmonisch sinnvolle Intervalle hinzumischen. Das gibt bereits die nötige Struktur für den Algorithmus vor, der …

• a) mindestens eine Verschaltung von Carrier und Modulator vorweisen muss.
• b) mehrere Carrier am Ausgang haben sollte, falls ihr Verstimmungen oder harmonische Intervalle benötigt

Beispiel 2: Analoge Pads mit FM-Synthese – Welcher Algorithmus?

Mit FM gelingen ebenfalls hervorragende Pad-Sounds. Wie immer, ist der hier vorgestellte Ansatz nur einer von vielen. Für zukünftige Pad-Varianten könnt ihr aber immer auf diese Blaupause zurückgehen.

Bei Pad-Sounds mit analogem Flair ist es wichtig, Schwebungen in den Sound zu bekommen. Dazu könnt ihr zwei Carrier nehmen, die Lautstärke bei beiden aufziehen, und beide im Anschluss minimal gegeneinander zu verstimmen.

Damit das nicht nur nach einer Orgel klingt, wählt ihr jetzt einen Algorithmus aus, der auch Modulatoren für eure Carrier bereitstellt. Mithilfe dieser Modulatoren und Feedback könnt ihr dann den Obertongehalt eurer Carrier variieren und mit den jeweiligen Hüllkurven der einzelnen Elemente den Klang nach Belieben formen. Denkt daran: Je lauter der Modulator ist, umso „härter“ klingt der Sound.

Tastet euch erstmal langsam heran und wählt simple Algorithmen aus, in denen jeweils maximal ein Modulator einen Carrier beeinflusst. Bei den meisten FM Synths könnt ihr zudem einzelne Operatoren an- oder ausschalten. Das ist gut, um die Struktur eines Sounds besser zu verstehen.

Geräuschhaftes hinzufügen

Gerade komplexere FM-Klänge verbinden mehrere Elemente im gleichen Algorithmus miteinander. Ein Strang des Algorithmus ist dann ausschließlich dafür zuständig, dem Sound ein perkussives Element am Anfang mitzugeben, etwa dem ersten Impuls einer Bassdrum, oder um den Moment nachzubilden, wenn eine Pianosaite von dem Hammer getroffen wird.

Diese perkussiven Elementen haben häufig keine klar definierte Tonhöhe, weswegen wir hier anders vorgehen:
Damit das perkussive Element über den kompletten Notenumfang identisch bleibt, müssen wir den Operator von der Tonhöhe entkoppeln. Das erledigt man einfach, indem man die Frequenz des Operators auf „fixed“ stellt. Nun bleibt die Tonhöhe dieses Operators immer gleich, egal, welche Note wir auf der Tastatur spielen.

Als nächstes modulieren wir diesen Carrier mit einem Modulator, dessen Frequenz wir ebenfalls auf „fixed“ stellen und setzen dessen Lautstärke auf das Maximum. Mit dem Coarse-Regler suchen wir dann nach dem perfekten Frequenzverhältnis. Damit wir keinen nervigen Dauerton erhalten, sondern wirklich nur den Impuls für den Anfang unseres Sounds, müssen wir nun noch die Hüllkurvenzeiten entsprechend kurz einstellen.

Wenn ihr den Klang noch mehr in Richtung „Rauschen“ formen wollt, solltet ihr einen Algorithmus wählen, der euch die Feedback-Möglichkeit für den Modulator im perkussiven Strang gibt. Je weiter ihr hier den Feedbackwert aufreißt, umso mehr erinnert das klangliche Ergebnis an Rauschen.

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Die Roland TB-303 Bassline ist ohne Zweifel einer der wichtigsten Synthesizer in der elektronischen Musik. Beim Acid war sie stilprägend, aber auch an etlichen anderen Genres wie Techno, Trance oder Ambient war sie maßgeblich beteiligt. Und die TB-303 hat nichts an Popularität eingebüßt. Im Gegenteil: Denn heute sind die Preise für gebrauchte Units höher denn je. Umso wichtiger ist es, Alternativen aufzuzeigen. In diesem Artikel geht es um die besten TB-303 Clones in Hardware-Form, sowie die besten TB-303 VST vor.

TB-303 VSTs: Das sind die besten 303-PlugIns

ABL Bass Line 3

Der TB-303 VST Clone ABL Bass Line 3 ist schon seit Jahren eine Bank in DAW-basierten Studios. Und das aus gutem Grund. Denn der abl3 liefert nicht nur einen sehr authentischen Klang, sondern lässt sich auch hervorragend bedienen. Mit anderen Worten: Die Unzulänglichkeiten des ursprünglichen TB-303-Sequencers wurden hier gezähmt und um intelligente Zufallsfunktionen erweitert. Diese findet man etwas versteckt in Ausklappmenüs. Dort finden sich auch weitere Anpassungen für das Übersteuerungsverhalten, Tuning und Filtersettings.

Im Vergleich zum D16 Group Phoscyon 2 gehen die Sounddeisgn-Möglichkeiten hier zwar nicht so weit. Dafür findet man auch hier Details wie das charakteristische Klicken/Rauschen des BA-662 VCAs, was sogar deaktiviert werden kann. Manchmal möchte man aber auch ganz schnörkellos und schnell zum Ziel kommen. Audiorealism abl3 liefert genau das: Guten TB-303-Sound und schnelle Ergebnisse.

Arturia Acid V

Arturia hat im Zuge ihrer V-Collection einen weiteren TB-303-Clone ins Rennen geschickt, der in dem Bundle natürlich nicht fehlen durfte, aber auch einzeln erhältlich ist. Der Acid V ist eine sehr gut klingende Emulation der 303, die zudem eine ausgezeichnete Effektsektion bereithält.

Einzigartig ist hier die Polymetrik-Funktion des Sequencers, bei dem Accent, Slide und Vibrato polymetrisch vorrücken und so spannende Groovemuster erzeugen. Gut gefallen haben mir auch die Trimming-Optionen, durch die man die virtuelle 303 näher an den Originalsound seiner Wahl – jede TB 303 klingt leicht anders – rücken kann.

Per Suboszillator kann man dem Acid V noch etwas mehr Tiefenschub mitgeben und hat hier die Wahl aus drei unterschiedlichen Schwingungsformen. Im Vergleich mit dem Phoscyon bietet letzterer aber noch ein wenig mehr Möglichkeiten fürs Sounddesign.

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D16 Group: Phoscyon 2

Über Jahre hinweg haben sich Phoscyon und die ABL Bassline ein Kopf-an-Kopf-Rennen um den Titel des besten TB-303 VST geliefert. Wenngleich die ABL Bassline 3 klanglich für mich immer einen leichten Vorsprung hatte, konnte die D16 Group mit der zweiten Auflage nun aufholen.

Beide Plugins liefern einen authentischen Sound und der Sequencer von Phosycon 2 bringt den herrlich treibenden Groove der Roland TB-303 in die DAW. Im direkten Vergleich überzeugt Phosycon 2 durch die im Vergleich noch einmal aufgebohrten Möglichkeiten. Diese reichen von zusätzlichen Syntheseparametern wie Envelope-Attack oder Accent Decay, bis hin zu einem intuitiven Sequencer mit gut umgesetzten Zufallsgeneratoren. Eine gut ausgestattete Effektsektion mit vernünftig klingender Overdrive-Sektion rundet die Ausstattung ab.

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Wenn der TB-303 Clone Hardware sein soll

Wem Software nicht so liegt, der aber nicht auf den TB-303-Sound verzichten möchte, findet in der Hardware-Welt mittlerweile ebenfalls etliche gute Alternativen zu einem Original. Die folgenden Vorschläge beschränken sich auf Modelle mit internem Sequencer, da dieser meiner Meinung nach ein wesentlicher Bestandteil einer 303 ist.

Behringer TD-3

Behringer liefert mit der TD-3 eine budgetfreundliche und sehr gut klingende Alternative. Lässt man mal die weniger gelungene Distortion-Einheit weg, liefert der Behringer TD-3 einen ausreichend authentischen Sound. Die Resonanz reicht hier fast bis zur Selbstoszillation (das war bei verschiedenen TB-303s auch unterschiedlich stark ausgeprägt), die Pulswelle klingt schön hohl und auch die Verarbeitung steht dem Plastikfeel des Original in nichts nach.

Zwar hat man bei Behringer auch den recht eigenwilligen Sequencer geklont. Das kann aber für all diejenigen ein Vorteil sein, die das Original-Feeling suchen. Immerhin kann man hier auch alternativ die Editor-Software nutzen, mit der sich der Sequencer gut einstellen lässt. Und für rund 120 € (je nach Modellfarbe) ist die TD-3 so oder so ein No-Brainer.

Behringer TD-3 MO: TB-303 Clone auf Steroiden

Ebenfalls aus dem Hause Behringer kommt die TD-3 MO (Modded Out). Hierbei wurde die originale Klangerzeugung aufgebohrt und um Erweiterungen ergänzt, die der bekannten Devilfish-Modifikation entsprechen. So besitzt der TD-3 MO unter anderem einen erweiterten Filterweg, Sub-Oszillator, Resonanzboost, Overdrive und FM. Auch die CV-Anschlusssektion ist hier noch einmal erweitert worden.

Durch die Modifikationen wird der limitierte Sound noch einmal ordentlich erweitert. Allerdings muss man hierbei beachten, dass man sich auch recht schnell vom Originalsound entfernt. Auch die Sweetspots verlässt man bei der TD-3 MO recht schnell, wenn man die Unit noch nicht auswendig kennt. Trotzdem ist die TD-3 MO für alle eine Empfehlung, die einen TB-303 Clone suchen, der auch mal abseits der ausgetretenen Pfade groovt.

Cyclone TT-303 MK2

Der Cyclone TT-303 war lange Zeit einer der wenigen erschwinglichen TB-303-Clones mit gutem Sequencer. Und auch wenn Behringers TD-3 dem französischen Unternehmen Cyclone wahrscheinlich einiges an Umsatz gekostet hat, ist der TT-303 MK2 immer noch eine echte Empfehlung.

Einerseits ist hier der Sound nicht ganz so spitz resonierend wie bei Behringers TD-3. Das setzt auch im Verbund mit einer TD-3 eine interessante andere klangliche Nuance. Andererseits bietet der Sequencer des Cyclone TT-303 MK2 einige spannende Features, die man bei Behringer vergeblich sucht. Dazu gehören zum Beispiel unterschiedliche Gate- und Slide-Längen, manueller Accent, verschiedene Shuffle-Settings, oder schlaue Random-Funktionen.

Mit überschaubarem Aufwand lässt sich auch die Resonanz bei der TT-303 modden und aggressiver einstellen. Und mit einer ProCo Rat dahinter, fängt sowieso jeder Clone an zu bellen und kreischen.

DIN Sync RE-303

„It’s not a Clone, it’s a replica“ – So wird der DIN Sync RE-303 auf der Webseite des DIY-Projekts vorgestellt. Entsprechend akkurat sind auch die klanglichen Ergebnisse, die dem Original am nächsten kommen. Auch wenn man jetzt streiten kann, wo ein Clone aufhört und eine Replika anfängt. Rein theoretisch müsste ein Clone ja noch einmal deutlich näher dran sein, da dieser genetisch zu 100% identisch ist. Aber lassen wir das – Marketing muss auch sein ;).

Allerdings ist man hier für ein aufgebautes Exemplar (es gibt diverse Anbieter im Netz) auch schnell bei rund 1000 €. Inwiefern einem das letzte Quäntchen Sound den Aufpreis wert ist, muss jeder für sich entscheiden. Als spannendes Lötprojekt für Fortgeschrittene ist die DIN Sync RE-303 auf jeden Fall eine Empfehlung.

Roland TB-03 Boutique

Da auch Roland mit der TB-03 einen TB-303-Clone im Portfolio hat, soll dieser hier ebenso Erwähnung finden. Grundsätzlich bin ich ein Freund von Rolands Boutique-Serie. Besonders der SH-01a ist eine gelungene Alternative zum Original.

Wenn ich die Roland TB-03 Boutique aber mit den anderen TB-303 Clones hier in der Liste vergleiche, muss ich sagen, dass Roland mit Abstand den schlechtesten Job in der Umsetzung gemacht hat. Da ist zum einen die recht digital klingende Resonanz. Zum anderen wurde auf das charaktervoll rauschende Attack des BA662 VCAs völlig verzichtet. Auch der Overdrive tönt eher blechern und nervig, als dass er hier eine gute Erweiterung der Soundpalette liefern würde.

Daher gibt es hier nur die Anstandserwähnung. Als echte 303-Alternative kann ich die TB-03 Boutique bei dem Angebot der Mitbewerber nicht mit gutem Gewissen empfehlen. Dafür liegen die anderen einfach zu weit davor, inklusive der TB-303 VST Varianten.

Abstrakt Instruments Avalon: Der nahezu unerreichbare TB-303 Clone

Die Avalon orientiert sich klanglich und technisch an der TB-303, bietet aber noch einmal deutlich mehr Features wie Filter Tracking und eine ADSR-Hüllkurve für den Amp. Zusätzlich kann man die Avalon Bassline mit optional erhältlichen Filter-Cartridges (SEM, Moog, Arp) erweitern und findet auf der Rückseite eine gute Auswahl an CV/Gate-Anschlüssen.

Allerdings gibt es die Avalon mittlerweile nur noch gebraucht und Modelle erreichen häufig Preise von rund 2000 €. Das können Liebhaber sicherlich rechtfertigen. Wer sich eine Anschaffung überlegt, sollte sich aber im Klaren darüber sein, dass der Support von Abstrakt Instruments schlicht unterirdisch ist. Mails werden nicht beantwortet und auch auf anderen Kommunikationswegen lässt sich der Entwickler nicht blicken. Man bezahlt also einen recht hohen Preis. Wer darauf keine Lust hat, bekommt mit dem Behringer TD-3 MO oder einer erweiterten X0XB0X , gute Alternativen zu einem deutlich geringeren Kurs.

TB-303 Clone: Fazit

Bassline-Freunde leben echt in guten Zeiten. Mittlerweile gibt es so viele gute TB-303 Clones, dass es schwieriger ist, eine Entscheidung zu treffen, als ein geeignetes Modell zu finden.

Klanglich liefern die meisten ab. Also wäre meine Empfehlung, neben dem Preis, die Entscheidung vom Sequencer-Konzept und den gewünschten Zusatz-Features abhängig zu machen.

Die Frage könnte dann lauten: Will ich mir das originale Sequencer-Feeling geben (Behringer TD-3-Serie), oder suche ich hier einen intuitiveren Ansatz wie etwa beim Cyclone TT-303 MK2 oder den TB-303 VSTs? Möchte ich die pure Klangerzeugung (ABL 3, TD-3, RE-303), oder will ich das volle Modding-Paket (Phoscyon 2, TD-3 MO)? Es spricht natürlich auch nichts dagegen, sich mehrere Clones ins Haus zu holen. Schließlich haben nicht nur Hardfloor gezeigt, dass man auch gut mit einer ganzen Herde von 303s arbeiten kann.

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Nach einer längeren Zeit des Winterschlafs kam es in den letzten Jahren zu einer wahren Renaissance der Wavetable-Synthese. Und das aus gutem Grund: Denn diese Syntheseform bietet ein enormes Klangpotential, welches sich besonders für Flächen eignet. Aber auch Bässe, Leads und Effektsounds sind mit einem Wavetable-Synthesizer überzeugend möglich.

Schnell erklärt: Was macht ein Wavetable-Synthesizer?

Die meisten Wavetable-Synthesizer unterscheiden sich strukturell tatsächlich nicht so sehr von (virtuell) analogen Synthesizern. Denn abgesehen von den Oszillatoren nutzt ein Großteil davon subtraktive Synthese, um den Klang anschließend in seine finale Form zu bringen.

Der wesentliche Unterschied liegt hier bei den Oszillatoren. Statt auf eine kleine Auswahl analog erzeugter Schwingungsformen zu setzen, gibt es hier etliche berechnete Schwingungen (Waves). Diese wiederum werden in sogenannten Wavetables zusammengefasst, die aus einer Handvoll verschiedener Schwingungsformen bis hin zu Sets aus hunderten Einzelschwingungen bestehen können.

Die einzelnen Schwingungen in den Wavetables können dabei entweder manuell angesteuert, oder mithilfe von Modulationsquellen wie LFOs, Hüllkurven durchfahren werden. Für das Durchfahren (Wave-Scanning) bieten viele Wavetable-Synthesizer unterschiedliche Überblendungsalgorithmen. Damit wird mehr oder weniger hart zwischen den einzelnen Schwingungen interpoliert. Dadurch sind die Ergebnisse mal butterweich oder eben ruppig abgehackt. Zusätzlich finden sich bereits in dieser Ebene weitere zahlreiche Methoden um bereits die Grundwellenformen zu beeinflussen. Darunter zählen unter anderem Ringmodulation, Sync, FM oder additive Synthese.

Auch die Auswahl an Wavetables ist mittlerweile gigantisch und lässt sich durch Sample-Analyse bei den meisten Synths sogar noch erweitern. Ob man hier analoge Schwingungsformen seiner Lieblingssynths lädt, sich seine Wavetables mathematisch errechnet, oder einfach wild mit Samples experimentiert: Der Fantasie sind dabei wenig Grenzen gesetzt.

Die besten Wavetable-Synths: Top-Liste

Korg modwave II

Korg setzt mit dem modwave II auf eine umfangreiche Fusion aus Wavetable-Synthese, Sample-Integration und virtuell analoger Synthese. Kombiniert mit einer einladenden Oberflächen und etlichen Möglichkeiten zur Klangbearbeitung, richtet sich Korg dabei gleichermaßen an Sounddesigner und Live-Performer.

Der modwave II macht in der Praxis sehr viel Spaß, benötigt allerdings auch etwas Einarbeitungszeit um das volle Potential auszuschöpfen. Das liegt einerseits am strukturellen Aufbau mit Parts und Layern, andererseits natürlich an der Fülle an Features.

Dank seines überzeugenden HiFi-Sounds, der Features und nicht zuletzt aufgrund des guten Preis-Leistungsverhältnis, ist der modwave eine klare Empfehlung für alle, die in die Welt der Wavetable-Synthese einsteigen wollen. Weitere Infos gibt es übrigens im Korg modwave Test.

Mayer EMI MD900

Mayer EMI MD900 ist ein kompromissloser Klangerzeuger, der Wavetable- und umfangreiche virtuell Analoge Synthese vereint. Der sehr hochwertig verarbeitete MD900 bietet zusätzlich noch einen Clip-Launch-Mode, einen extrem umfangreichen Arpeggiator und dazu noch eine komplexe Modulationsmatrix.

Zwar schlägt der MD900 zu einem Preis von rund 3300 € ein ziemliches Loch ins Budget. Auf der anderen Seite erhält man hier neben der guten Verarbeitung einen durchsetzungsfähigen, kräftigen Sound. Häufig vergisst man dann auch, dass es sich beim MD900 um einen digitalen Synth handelt. Denn der definierte Tiefenschub, den der MD900 erzeugt, sucht man bei den meisten anderen digitalen Synths vergeblich.

Und wer auf die zahlreichen Regler verzichten kann, erhält mit dem MD850 eine kleinere Version für rund 1000 € weniger. Auch der MD850 Vibes besitzt die umfangreiche Klangerzeugung der großen Version und bietet trotz der reduzierten Oberfläche einen erstaunlich direkten Workflow.

Vorbidlich ist auch der Service: Zur Kommunikation bietet Mayer einen Discord-Kanal an, in dem sich Nutzer untereinander und mit dem Entwickler rege austauschen können. Gute Vorschläge werden hier direkt übernommen und umgesetzt. Hier geht es zum Kanal: https://discord.gg/MEGZ8a8JCP

Waldorf Iridium

Mit dem Iridium dürfte Waldorf den zurzeit flexibelsten Hardware-Synthesizer im Angebot haben. Der Iridium vereint mehrere Synthesemodelle, darunter VA, FM, Granular, Physical Modelling und auch Wavetable-Synthese. Zudem lassen sich diese Modelle im Kernel-Modus weitgehend frei miteinander kombinieren.

Sechs Hüllkurven, ebenso viele LFOs, drei Oszillatorsektionen, sowie eine flexible Filterabteilung und umfangreiche Modulationsmatrix: Das Ausstattungspaket des Iridiums ist schlicht beeindruckend.

Durch seinen kräftigen HiFi-Sound, durchdachte Bedienung und vor allem die immense Feature-Liste ist der Waldorf Iridium daher eine klare Empfehlung für alle Klangforscher. Im Vergleich mit einem MD900 oder modwave ist die Bedienung des Iridiums allerdings nicht ganz so direkt. Mit etwas Übung beherrscht man den Synth aber auch im Club zu später Stunde.

ASM Hydrasynth

Ashun Sound Machines, kurz ASM, landete mit dem Hydrasynth einen echten Volltreffer. Der Wavetable-Synthesizer liefert eine wahnsinnig komplexe Syntheseabteilung mit mehreren LFOs, Hüllkurven, gut klingende Filter und umfangreichen Möglichkeiten zum Wave-Scanning. Anders als die anderen Vertreter in dieser Liste wird hier aber nicht auf riesige Wavetables gesetzt.

Vielmehr baut man sich beim Hydrasynth seine eigenen Wavetables, die bis zu acht Schwingungsformen aus dem internen Speicher beinhalten. Diese werden dann entweder einzeln wiedergegeben oder beim Durchfahren gemorpht, wodurch wiederum interessante Hybride entstehen. Auf Oszillatorebene stehen ebenfalls spannende Synthesefeatures wie FM, Wavefolder, Phase Modulation etc. bereit, um den Klang weiter zu formen. Verschiedene Filtermodelle und eine ausgefuchste Modulationsmatrix runden das Gesamtpaket ab.

Trotz all der spannenden Features und durchdachten Bedienung muss man allerdings erwähnen, dass der Hydrasynth einiges an Einarbeitungszeit erfordert. Denn hierbei handelt es sich definitiv nicht um einen „Sweet-Spot-Synth“ wie beispielsweise dem Korg modwave. Wenn man sich aber auf den Hydrasynth einlässt, wird man mit einem charismatischen Klangerzeuger belohnt, der ganz eigene klangliche Akzente setzt.

Arturia MicroFreak

Als Budget-Empfehlung sei hier der MicroFreak von Arturia genannt. Denn dieser verfügt, neben anderen Synthesemodellen, seit dem 4.0 Firmware-Update auch über die Möglichkeit, eigene Wavetables zu laden.

In Kombination mit analogem Multimodefilter, verhältnismäßig umfangreichen Modulationsmöglichkeiten und Paraphonie bietet der Hybride einen spannenden Einstieg (nicht nur) in die Wavetable-Synthese.

Waldorf M

Auch wenn in dieser Liste bereits das Synthesemonster Waldorf Iridium aufgeführt ist, darf ein weiterer Waldorf-Synth nicht fehlen. Mit dem „M“ setzt Waldorf eine langjährige Reihe fort, die vor über dreißig Jahren mit dem Waldorf Microwave begann. Dieser Wavetable-Synthesizer war ebenfalls ein Nachfolger, nämlich des legendären PPG Wave, mit dem seinerzeit die Wavetable-Synthese in ihrer jetzigen Form überhaupt erst ins Leben gerufen wurde.

Entsprechend kompromisslos ist auch der Ansatz des M, der sich in dieser Tradition sieht. Waldorf M vereint die Wavetables vom Microwave bis hin zum XT, bietet sowohl ein analoges als auch digitales Filter, sowie umfangreiche Modulationsmöglichkeiten. Zusätzlich können eigene Wavetables über den SD-Card-Slot importiert werden.

Zwar steht der Waldorf M mit seiner Ausstattung im direkten Vergleich etwas sporadischer da. Dafür erhält man hier einen einzigartigen Sound, der sich besonders gut für harte Bässe und Leads eignet, aber auch Pads überezugend wiedergibt. Nur muss man den charmismatischen Grundklang mögen. Deshabl sei der Waldorf M vor allem denjenigen empfohlen, die den rohen Originalsound der frühen Wavetable-Generationen suchen.

Groove Synthesis 3rd Wave

Mit dem 3rd Wave hat das kalifornische Unternehmen Groove Synthesis einen flexiblen Wavetable-/VA-Synth im Portfolio, der zum Teil auf dem legendären PPG Wave basiert. Die Klangsynthese hat es in sich: Vier Parts mit bis zu 24 Stimmen, Rossum-Lowpassfilter, ein weiteres digitales Multimodefilter, sowie eine umfangreiche Modulationsmatrix. Auch die Effektabteilung weiß hier zu überzeugen.

Neben zahlreichen vorhandenen Schwingungsformen und Wavetables kann man mit dem 3rd Wave auch eigene Wavetables erstellen und diese anschließend in verschiedenen Qualtitätsstufen (Vintage-Modi) wiedergeben. Klanglich ist das alles sehr stimmig und der 3rd Wave liefert absolut ab. Das sollte er aber auch, denn für knapp 4000 € in der Modulversion und rund 5500 € als Tastaturvariante ist der 3rd Wave mit Abstand der teuerste Synth in dieser Liste.

Fazit: Die besten Wavetable-Synthesizer

In dieser Liste ist nur eine kleine Auswahl derzeit erhältlicher Wavetable-Synthesizer. Zu nennen wären sicherlich noch Modals Argon8, die 1010music Nanobox Fireball, Fred’s Lab Töörö und viele andere Vertreter. Und damit würde ich immer noch etliche Software-Plugins unterschlagen, welche diese Syntheseform in Perfektion beherrschen.

Meine persönlichen Favoriten wären der Iridium für seine extremen Klangforschungsmöglichkeiten, der modwave für das geniale Preis-Leistungsverhältnis, und der MD-900 für seinen intuitiven Zugriff und hervorragenden Sound. Aber das kann bei euch völlig anders sein. Vielleicht hat euch diese Liste als Startpunkt trotzdem etwas geholfen und ihr macht eigene Erfahrung mit der Wavetable-Synthese. Wie immer freue ich mich über euer Feedback dazu in der Kommentarspalte.

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Bevor du deinen Einkaufswagen volllädst, solltest du dir bei deinem ersten Hardware-Synth über ein paar Dinge klarwerden: Möchtest du Live damit performen oder wirst du ihn nur im Studio einsetzen? Ist eine Soundkarte bereits vorhanden? Bist du eher Klangschrauber und programmierst jeden Sound von Grund auf oder siehst du dich eher als Performer, der schnell eine Vielzahl unterschiedlicher Presets abrufen muss? Und natürlich muss dir der Synth auch klanglich zusagen.

Vorweg: Bei letzterem Punkt kann ich nicht helfen, da guter Klang immer höchst subjektiv wahrgenommen wird. Selbst die krasseste Noisekiste wird ihre Liebhaber finden. Bei den anderen Fragen kann ich hoffentlich helfen. Im Anschluss findest du eine Top-5-Liste der besten Synthesizer für Einsteiger.

Was muss ein Synthesizer für Einsteiger mitbringen?

Um in diese Liste aufgenommen zu werden, mussten die Synths folgende Kriterien erfüllen:

• Intuitive Bedienung
• Breites klangliches Spektrum
• Nicht zu teuer in der Anschaffung
• Platz sparend und leicht ins Studio integrierbar
• Optional: Presets, die bei den ersten Schritten helfen

Mono- oder polyphoner Synth?

Im Studioalltag ist es dank Mehrspuraufnahmen fast schon egal, ob der Synth über eine oder mehrere Stimmen verfügt. Bei Bedarf nimmt man den gleichen Track immer wieder in einer anderen Tonhöhe auf und kreiert so polyphone Melodien.

Wichtiger sind da klangliche Aspekte und eine umfangreiche Ausstattung, die den Synth nicht schnell langweilig werden lässt. Umgekehrt bieten die meisten polyphonen (mehrstimmigen) Synthesizer die Möglichkeit, Sounds solo oder unisono (mehrere Stimmen spielen gleichzeitig den gleichen Ton auf der selben Note) wiederzugeben.

Einzig in Live-Situationen sind monophone Synths dahingehend limitiert, dass sie eben nur eine Note gleichzeitig erzeugen können; mal von der Möglichkeit abgesehen, Akkordklänge durch gezieltes Verstimmen der Oszillatoren zu simulieren. Wenn das für dich kein Ausschlusskriterium ist, bist du in der glücklichen Lage, aus einem riesigen Pott deinen Traumsynth herauszufischen. Früher war es häufig so, dass viele monophone Synths ihre eingeschränkte Stimmenzahl mit klanglichen Optionen gutmachten. Für experimentelle Sounds waren sie also öfter das Mittel der Wahl. Die Zeiten haben sich zum Glück geändert, denn der Markt ist seit einigen Jahren voll mit guten Synths mit hervorragendem Preis-/Leistungsverhältnis.

Die besten Synthesizer für Einsteiger – Top 7

Für einen guten Start findest du nachfolgend eine kleine Auswahl von Synthesizern, die nicht nur für Anfänger eine gute Empfehlung sind.

Behringer Pro-1

Behringer hat mit dem Nachbau von Sequential Circuits Pro One einen echten Volltreffer gelandet. Für unter 200 € bekommt man einen sehr gut klingenden Analogsynth, der auch noch solide verarbeitet ist. Bei einem Synthesizer für Einsteiger besonders gut: Jede Funktion am Synth hat einen eigenen Regler. So kann man stets den Signalfluss auch optisch nachvollziehen, was einem gerade in der Lernphase hilft. Einzig die Modulationsmatrix auf der linken Seite könnte anfangs eine kleine Verständnishürde sein.

Klanglich ist der Pro-1 sehr nah an seinem Vorbild: Brettharte Basslines, verträumte Leads aber auch experimentelle Sounds liegen dem Synth. Nicht umsonst findet sich der Pro One / Pro-1 in so vielen unterschiedlichen Stilen elektronischer Musik wieder. Wie viel einem die hundertprozentige Patina eines Originals auf dem Gebrauchtmarkt Wert ist, muss man letztlich für sich selbst entscheiden. Der Duo-Mode und das Nichtvorhandensein der anfälligen Tastatur sind neben dem Preis aber handfeste Argumente, zumindest mal einen Testlauf mit dem Behringer Pro-1 zu absolvieren.

Wer mit dem etwas härteren Klang vom Pro-1 nicht so viel anfangen kann, sollte sich noch den Minimoog-Clone von Behringer ansehen. Mit dem Behringer Model D erhält man für wenig Geld einen Synthesizer, der nicht nur ausgezeichnet klingt, sondern für den Kurs erstaunlich gut verarbeitet ist. Wenn es die finanzielle Situation zulässt, kann man über eine Anschaffung beider Synthesizer nachdenken, da sie sich klanglich sehr gut ergänzen.

Elektron Digitone II

Ein FM-Synthesizer für Einsteiger? Absolut, wenn es sich dabei um den Digitone von Elektron handelt! FM Synthese hat (leider) den Ruf, vergleichsweise kompliziert zu sein. Obwohl das echt keine Raketenwissenschaft ist, kann ich verstehen, dass ein DX7 erstmal komplexer wirkt, als beispielsweise ein Minimoog. Hat man sich die Basics der FM-Synthese aber erst einmal raufgeschafft, ist Frequenzmodulation eine großartige Quelle für viele authentische Sounds.

Das ist auch einer der Gründe, warum sich in unzähligen Techno- und Ambienttracks Klänge finden, die irgendeinem DX-Synth entsprungen sind. Von weichen Pads über trocken hölzernen Leads bis hin zu eiskalt harschen Texturen liefert diese Syntheseform eine breite Farbpalette, die man woanders vergeblich sucht.

Hinzu kommt, dass Elektron einem den Einstieg in die FM extrem einfach macht. Eine Limitierung auf die wichtigsten Parameter, eine schlaue Menüführung und nicht zuletzt der gelungene Sequencer sorgen für ausreichend Spaß. Zusätzlich erleichtert Elektron den Zugang, indem sie nicht nur FM Synthese eingebaut, sondern das Ganze um einen subtraktiven Filter erweitert haben. Selbst wenn einem die FM-Synthese anfangs noch zu schwer ist, kann man mit den Presets ausprobieren und gezielt mit dem Filter erste Gehversuche starten.

Da der Digitone II über ein gutes internes Audiointerface verfügt, gleichzeitig die eigenen Sounds via Overbridge per USB an den Rechner überträgt, benötigt man anfangs keine zusätzliche Peripherie. Mittlerweile ist auch der Overbridge-Editor ausreichend entbuggt, um damit komfortabel auf alle Parameter zugreifen zu können

Novation Bass Station 2

Speicherbare Presets, gute Verarbeitung, etliche Features und ein ausgezeichneter Klang: Novation hat mit Bass Station 2 einen analogen Synth auf den Markt gebracht, der es in sich hat. Hinzu kommt eine nahezu beispiellose Produktpflege. So spendierte Novation der Bass Station II noch sechs Jahre nach Erscheinen ein umfangreiches Firmware-Update, das den Synthesizer unter anderem mit Duophonie und Retrigger der Hüllkurven ausstattete.

Klanglich ist der Synthesizer sehr ergiebig, was zum einen an der umfangreichen Filtersektion, zum anderen an den flexiblen Oszillatoren liegt. Bei anderen Synths muss man für das Dazuschlagen von Noise schon einmal einen Oszillator opfern. Nicht so bei deBass Station II: Im Mixer werden die Signale nach Bedarf hinzugemischt, was auch für den Ringmodulator und die Suboszillatoren gilt. Da zudem die LFO-Frequenzen bis hin den hörbaren Bereich gehen, sind selbst glockige und harsche FM-Sounds möglich. Bass Station 2 ist also nicht nur ein guter Lieferant für Bässe, sondern liefert eine umfangreiche Klangpalette für nahezu alle Sounds.

Bass Station 2 oder Circuit Mono Station? Die feinen Unterschiede erklärt.

Da beide Synths klanglich recht nah beieinander sind, sollte man sich für die Entscheidung drei Aspekte klarmachen: Wer seine Melodien lieber mit einer Klaviatur spielt, sollte zur Bass Station 2 greifen. Ist das nicht so wichtig, erhält man mit dem Sequencer der Circuit Mono Station ein extrem mächtiges Tool, das nicht nur live eine gute Figur macht. Über die Pads lässt sich die Circuit Mono Station auch recht gut spielen, das Spielgefühl ist aber anders.

Möchte man sich am Preis orientieren, lohnt es sich unter Umständen zu warten. Die Circuit Mono Station gab es mehrmals im Angebot für etwa 280 €, wodurch sie rund 100 € günstiger als die Bass Station 2 ist. Dadurch dürften immer wieder auch günstige Geräte auf dem Gebrauchtmarkt erscheinen.

Zuletzt bleibt der Vergleich der Features: Die Bass Station 2 bietet bessere Suboszillatoren, zwei vollwertige LFOs und Hüllkurven, bei der Circuit Mono Station muss man sich jeweils mit einer begnügen. Dafür gibt es hier den ausgefuchsten Modulations-Sequencer mit dem man etliche Parameter automatisieren kann. Zusätzlich ist es möglich, einzelne Elemente der Klangerzeuger am Filter vorbei in den Mix zu leiten, was wiederum spannende Klänge ermöglicht, die so mit der Bass Station 2 nicht möglich sind.

Novation Circuit Tracks

Zwei ausgewachsene Synthesizer plus vier Sample-Spuren, sowie eine flexible Klangerzeugung. Und das ganze zu einem Preis von rund 300 €. Novations Groovebox „Circuit“ ist seit Jahren schon fester Bestandteil in vielen Live-Setups und Studios.

Klanglich spielt der Circuit Tracks seine Stärken eher bei digitalen Sounds aus, also bei komplexen Leads, Glocken, sowie Flächen und Texturen. Analoge Bässe gelingen ihm zwar, im Vergleich zu vielen analogen Spezialisten fehlt ihm dann aber doch der letzte Schub.

Dafür lässt er sich mit Batterie betreiben um unterwegs schnell mal eine Idee festzuhalten. Und mit geschickter Pattern-Programmierung ist man mit dem Circuit in der Lage, ein komplettes Live-Set zu spielen. Selbst als MIDI-Controller macht der platzsparende Synth eine gute Figur. Die 32 Pads reagieren auf Anschlagdynamik und zur Noteneingabe lassen sich eigene Skalen festlegen und abspeichern.

Roland SH-01a

Rolands SH-01a ist eine digitale Emulation des legendären SH-101 mit sinnvollen Extras. Eines der wichtigsten Upgrades gegenüber dem analogen Vorgänger ist die vierfache Polyfonie. Dadurch lassen sich auch wunderbare Flächen mit der typischen SH-Soundästhetik spielen. Dass der interne Sequencer in der Lage ist, Melodien polyphon aufzuzeichnen und wiederzugeben rundet dieses Feature noch ab.

Klanglich spielt der SH-01a ganz vorne mit, wenngleich ihm im Vergleich zum Original ein Quäntchen „weiche Melancholie“ fehlt. Wir reden hier aber über Nuancen, die an anderer Stelle durch den erweiterten Funktionsumfang wieder aufgefangen werden.

Ein weiterer Punkt warum dieser Synth Einzug in diese Liste fand, ist die Möglichkeit, den SH-01a als Audio Interface zu betreiben. Nicht nur wird das eigene Audiosignal per USB direkt an den Computer übertragen, man kann über den Audio-Eingang (Mix In) ein externes Signal einschleifen. Die Latenzen sind ausreichend niedrig, wenngleich spezialisierte Audio Interfaces nach wie vor die Nase vorn haben. Anfänger können sich mit dem SH-01a also anfangs ein Audio-Interface sparen und direkt loslegen.

Roland S-1

Falls ihr nur die SH-inspirierte Klangerzeugung sucht und auf ein Audiointerface verzichten könnt, ist auch der Roland S-1 eine gute Alternative. Noch einmal günstiger bietet er einen überraschend guten Sound im ultrakompakten Format. Dazu lässt er sich sogar per internem Akku betreiben und bringt interne Effekte gleich mit.

Die besten Synthesizer für Einsteiger – Fazit

Für welchen Synthesizer du dich entscheidest, ist eine Frage des Geschmacks und nicht zuletzt des Budgets. Gut klingende Synthesizer für Einsteiger gibt es aber reichlich. Natürlich kannst du auch nur mit den Computer und Plug-In Synthesizern richtig gute Ergebnisse erzielen und so langsam das Geld für deinen Traumsynth zusammensparen.

Und selbst wenn du dir mal einen Fehlkauf leisten solltest: Dank 30 Tage Money Back im Onlinehandel und gut funktionierendem Gebrauchtmarkt ist das Risiko sehr überschaubar, auf dem Synth sitzen zu bleiben.

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Vorabüberlegung

Vorweg aber noch der Hinweis, dass jedes Modularsystem individuell ist. Die Zusammenstellung der Module folgt also immer dem geplanten Einsatzzweck des Musikers. Wenn man aber noch ganz am Anfang steht und in erster Linie Musik mit dem Modularsystem machen möchte, gibt es ein paar Module, die nicht fehlen dürfen. Dazu in diesem Artikel mehr.

Jetzt gibt es natürlich auch Anwendungsfälle, für die man sich ein Modularsystem als flexibles Effektgerät anschafft. Oder als reine Drum-Machine. Oder als Drone-Synthesizer, der fröhlich vor sich hin oszilliert, aber nicht tonal gespielt werden soll. Diese spezielleren Anwendungen werde ich sicherlich noch einmal in einem anderen Artikel behandeln. Gehen wir jetzt aber ins Detail – mit welchen Modulen fängt man an? Und was benötigt man unbedingt in einem Basissystem?

Was sind die wichtigsten Komponenten in einem Modularsystem für Einsteiger?

• Oszillatoren
• Filter
• Modulationsquellen
• Amp- und Output
• Utility-Module
• MIDI-CV/Gate-Interface

1. Oszillatoren

Die Oszillatoren sind der Grundbaustein eines Klanges. In klassischen Systemen generieren sie die Schwingungsformen Sägezahn, Rechteck, Dreieck und häufig auch Sinus. Mittlerweile beschränkt sich die Auswahl nicht nur auf diese Schwingungsformen, denn viele Anbieter haben etliche Mischformen oder digitale Oszillatoren im Angebot, die weit über das hinausgehen, was die Klassiker bereithielten.

Welche Features sollte ein Oszillator mitbringen?

Wollt ihr ganz klassisch anfangen, könnt ihr euer Modularsystem erstmal mit zwei Oszillatoren ausstatten, die neben den oben genannten Grundschwingungen zusätzlich mindestens noch einen Sync-Input und einen zweiten Eingang für analoge Frequenzmodulation bereitstellen sollten. Das wird spätestens dann entscheidend, wenn ihr atonale Klänge erstellen wollt. Gerade FM erweitert das Klangspektrum noch einmal immens, insofern solltet ihr nicht darauf verzichten. Ebenfalls ist es wichtig, dass die Pulsbreite modulierbar ist. Dadurch entstehen wunderbar breit klingende Schwebungen, von denen nicht nur Pads, sondern vor allem auch fette Bässe profitieren.

Bei einem Modularsystem für Einsteiger empfehle ich, erstmal mit klassischen Modulen zu starten. Ohne Zweifel gibt es in den digital aufgebauten Oszillatoren etliche spannende Features wie Wavetable, Sampling, FM und mehr. Aber meiner Erfahrung nach sollte man sich gerade am Anfang nicht von zu vielen Möglichkeiten überfordern lassen.

Klang und Oktavreinheit

Wie bei anderen Komponenten auch, unterscheiden sich die Oszillatoren mitunter immens im Grundsound voneinander. Während das eine Modul mit dominanten Obertönen knarzt, liefert ein anderes Modell eher einen samtig weichen Grundsound, wohingegen ein dritter Kandidat erhebliches Pfund im Bass mitliefert. Die vorgestellten drei Module zeichnen sich durch einen guten Kompromiss aus Funktionsumfang und gutem Klang aus. Zudem erfüllen sie noch ein letztes Kriterium: Die Oktavreinheit. Anders als bei digital gesteuerten Oszillatoren kann es gerne mal vorkommen, dass ein Oszillator nur sauber über drei Oktaven trackt. Das bedeutet, wenn ihr Melodielinien mit großem Notenabstand spielt, klingen weit auseinander liegende Töne ziemlich verstimmt. Die hier vorgestellten Modelle lassen sich nach einer Aufwärmphase von rund 10-15 Minuten ohne weiters über fünf Oktaven spielen.

2. Filter

Filter setzt man ein, um die rohe Gewalt der Oszillatoren zu zähmen. Als klangformendes Element im Modularsystem nehmen Filter dem Audiosignal Höhen, Tiefen und andere Frequenzen weg. Die Resonanz betont dabei die Eckfrequenz, also die Frequenz, ab der das Signal beschnitten wird.

Es gibt etliche unterschiedliche Filtertypen, deren Charakter von schmutzig-zerstörerisch bis hin zu butterweich reicht. Ebenso vielfältig wie der Sound sind die technischen Ausführungen. Für den Einstieg reicht es, sich erstmal mit den Varianten Tiefpass (LP), Bandpass (BP) und Highpass (HP) zu beschäftigen. Von diesen wiederum ist das Tiefpassfilter das ergiebigste.

Zusätzlich unterscheidet man der Einfachheit halber oft zwischen historischen Filtermodellen. Mal ist von der klassischen Moog-Kaskade die Rede, mal ist es der gefällige Sound von Roland oder das weiche Oberheim-SEM-Filter, und natürlich darf man auch das rotzige MS-20-Filter nicht vergessen. Darüber hinaus gibt es viele Kombinationen aus den genannten, Nachbauten von Exoten, oder komplett neu entwickelte Filter-Designs. Da dieser Artikel aber Modularsysteme für Einsteiger behandelt, werde ich den Pfad nicht weiter verfolgen und beschränke mich auf vier Empfehlungen.

Verschiedene Filtermodelle: Empfehlungen für ein Modularsystem für Einsteiger

Roland-Filter

Zugegeben, Roland änderte sein Filterdesign im Laufe der Zeit immer wieder und setzte auf verschiedene Komponenten. Meistens werden jedoch die Filter aus den späten 70er und 80er-Jahren in die modulare Form gegossen, darunter SH-Varianten oder angelehnt an die Juno- oder Jupiter-Reihe. Roland liefert mit seinen Filtern immer einen großen Sweetspot der, anders als etwa Moog, das Beste aus allen Welten kombiniert: Nicht zu roh, nicht zu fett, nicht zu dünn, aber immer mit viel Charakter. Daher sind Roland-Filter auch perfekt für den Einstieg geeignet.

Die beiden hier empfohlenen Filter gehen genau in diese Richtung. Während das Behringer 121 Dual VCF ein Clone des System 100 Filters ist, basiert das noch etwas günstigere Surges auf dem Mutable Instruments Ripples, was sich wiederum den Sound der Roland-Klassiker SH/Jupiter der 80er-Jahre widmete. Klanglich sind beide Filter super. Beim 121 Dual VCF gibt es allerdings gleich zwei Filter auf einmal.

Moog-Kaskade

Moogs 24dB Tiefpassfilter liefert die Blaupause für etliche Filterdesigns, sei es analog oder digital. Das Filter packt ordentlich zu und klingt dabei immer musikalisch. Sein Sound wird mitunter gerne als cremig beschrieben, verliert aber auch an Bass, sobald man die Resonanz recht stark aufdreht. Besonders gut reagiert das Filter auf laute Pegel, die es mit einer angenehmen Sättigung quittiert.

MS-20-Filter (Korg-35)

Streng genommen kamen in dem originalen MS-20 von Korg im Laufe der Zeit zwei Filter-Designs zum Einsatz. Dabei handelt es sich um eine Kombination aus 6dB HP- und 12 dB Tiefpassfilter. In den meisten Modular-Clones findet man allerdings die erste Variante Korg-35. Diese Variante zeichnet sich durch einen noch roheren, kreischenden Sound aus. Demnach eignet sich das MS-20-Filter besonders gut für knarzige Bässe oder aggressive Leads. Nicht umsonst sieht man den MS-20 so häufig im Industrial, EBM oder Techno.

SEM-Filter

Der letzte Kandidat dieser Truppe ist ein echter Weichmacher. Das 12dB-Multimodefilter schleift auch den härtesten Klang und formt ihn zu einer schönen Skulptur um. Es ist gleichzeitig auch eines der wenigen Filter, das in nahezu jeder Einstellung gut klingt. Selbst bei hohen Resonanzwerten gelang es Oberheim, einen angenehmen Klang zu erzeugen, der sich eher um die Frequenzen schmiegt. Da es sich beim SEM-Filter zudem um ein Multimode-Filter handelt, bekommt ihr hier neben Tief-und Hochpass noch alternativ Bandpass und Notch.

Wie bei allen Komponenten in einem Euroracksystem könnt ihr natürlich auch mehrere Filter einbauen. Ich nutze in meinem System gerne Kombinationen aus Roland-Filter, SEM-Filter und einer MS-20 Variante. Damit decke ich von klinisch sauber, über retro bis hin zu brutal alles ab.

3. Modulationsquellen

Um den Klang über die Zeit hinweg automatisiert zu formen, benötigt man Modulationsquellen. Die wichtigsten Module dafür sind Hüllkurven (Envelopes) und LFOs.

Hüllkurven

Hüllkurven sollten in der Lage sein, schnell zuzupacken. Erst dadurch sind fette Bass-Sounds oder perkussive Klänge möglich. Zum anderen sollten sie aber auch ausreichend lange Zeiten für Pads oder Drones bereitstellen. Im Idealfall bietet das Modul die Wahl zwischen unterschiedlich langen Zeiten. Wenn es dann noch möglich ist zwischen exponentieller und linearer Charakterstik zu wechseln, ist die Hüllkurve für fast alle Klänge gewappnet.

Die klassische Modularhüllkurve ist als ADSR-Variante ausgeführt. Attack ist die Zeit bis die Hüllkurve ihren Maximalpunkt erreicht. Der Decay-Wert wiederum beschreibt die Zeit, bis die Hüllkurve bei gehaltener Note den dritten Wert Sustain erreicht. Mit Release bestimmt man am Ende wie lange die Hüllkurve noch „ausklingt“ wenn man die Taste loslässt.

Zusätzlich gibt es noch mehrstufige Hüllkurven, die weitere Segmente besitzen und andere Varianten, sie sich auf Attack und Decay oder sogar nur Decay beschränken. Für ein günstiges Modularsystem für Einsteiger würde ich auf eine Kombination aus AD- und ADSR-Hüllkurve setzen. Wenn man diese loopen kann, ersetzt man damit unter Umständen sogar noch einen LFO.

LFOs

Vorweg: LFOs sind zwar eine gute Modulationsquelle. Wenn ich aber ein sehr günstiges Modularsystem für Einsteiger zusammenstellen müsste, wäre das der erste Teil, den ich wegstreichen würde.

Stattdessen sollte man lieber in einen zweiten VCO oder eine besser ausgestattete Hüllkurve investieren. Warum? Nun, im Prinzip ist ein LFO erstmal nichts anderes als ein sehr langsam schwingender VCO mit meistens weniger Möglichkeiten. Habt ihr euer System also mit zwei guten VCOs ausgestattet, kann man durch extremes Herunterpitchen einer der beiden VCOs einen LFO vorerst prima ersetzen. Alternativ könnte man eine loopbare Hüllkurve auch als LFO verwenden.

Trotzdem ist es ab einer gewissen Größe sinnvoll, einen LFO im Modularsystem zu haben. Dabei solltet ihr auf folgende Dinge achten:

• Der LFO sollte schnell genug sein, etwa für FM oder um ihn als VCO einsetzen zu können.
• Er sollte über einen Reset-Eingang verfügen, um ihn rhythmisch besser einbinden zu können.
• Er sollte seine Schwingungsformen gleichzeitig an mehrere Ausgängen ausgeben.
• Wenn sich die Frequenz dann noch sauber über CV steuern lässt, sind eigentlich keine Wünsche mehr offen.

Sowohl Behringer 150 als auch die Dual-Hüllkurve Behringer 140 verfügen über einen LFO, der nahezu alle oben genannten Kriterien erfüllt. Man muss lediglich darauf verzichten, alle LFO-Schwingungsformen gleichzeitig nutzen zu können. Für ein kleines Modularsystem sind sie dennoch meine Preis-Leistungsempfehlung. So einen Funktionsumfang für den Kurs bekommt man woanders nicht.

Wer es deutlich flexibler mag, sollte sich unbedingt mal das Mutable Instruments Tides ansehen. Das Modul ist ein echtes Chamäleon und gleichermaßen als LFO, VCO, Hüllkurve und mehr einsetzbar. Wer etwas mehr Budget hat, kann hier bedenkenlos zugreifen.

4. Amps und Output

Als letztes Modul der Signalkette kommt fast immer ein Amp oder spezialisiertes Ausgangsmodul zum Einsatz. Amp-Module können ein Signal verstärken oder abschwächen und sind demnach sogar in der Lage, einen Mixer in kleineren Systemen zu ersetzen. Grundsätzlich spricht aber auch nichts dagegen, direkt aus einem Filtermodul in einen externen Mixer oder in eine Soundkarte zu gehen und dort den Pegel einzustellen.

Da es sich hierbei um ein Modul handelt, das ein wesentliches Element im Signalfluss darstellt, sollte man an dieser Stelle nicht sparen. Auch wenn das Modul im Vergleich mit VCOs oder Filtern langweilig erscheint.

Amps übernehmen aber noch weitere Funktionen:

• Sie erhöhen den Pegel von Oszillatoren, um Filter stärker in die Sättigung zu fahren.
• Als Gates sorgen Amps dafür, Audiosignale passieren zu lassen oder nicht.
• Mit Amps lässt sich die Modulationsintensität von LFOs oder Hüllkurven gezielter einstellen.

Output-Module

Spezielle Outputmodule bieten teilweise noch Kopfhöreranschlüsse, Stereo-Ausgänge oder direkt Anschlüsse für 6,35 mm Klinkenkabel. Bei kleineren und günstigen Modularsystemen würde ich aber erstmal ein normales Ampmodul verwenden und das Signal mit einem Adapterkabel 3,5 mm auf 6,35 m Klinke herausführen. Gut sind hier Module, die über hochwertige Vorverstärker verfügen. Eine umfangreiche Funktionsausstattung wie z.B. Panning ist ein weiterer Pluspunkt.

Für VCA-Anwendungen kann ich den Behringer 130 Dual VCA empfehlen. Hier gibt es 2 x 3 Audioeingänge, jeder mit CV-Eingang, sowie zwei große Lautstärkeregler. Letztere sind praktisch, wenn man schnell mal den Gesamtpegel anpassen muss.

Theoretisch könntet ihr mit dem 130 Dual VCA Modul direkt in den Mixer oder die Soundkarte gehen. Ich finde es praktischer, dafür noch ein spezielles Modul im System zu haben, wie das A-138s oder das Intellijel Outs. Das Doepfer A-138s ermöglicht es, die vier Kanäle einzeln im Stereopanorama zu verteilen, während das Outs von Intellijel stattdessen einen Kopfhörerausgang bereitstellt. Ob ihr so ein Modul anfangs überhaupt benötigt und ob euch Panning oder Kopfhörerausgang wichtiger ist, liegt bei euch.

5. Utility-Module

Der letzte essentielle Part im Modularsystem für Einsteiger ist wahrscheinlich auf dem ersten Blick auch der unspektakulärste. Trotzdem sollten die sogenannten Utility-Module bereits bei der Grundanschaffung mit einkalkuliert werden.

Allen voran ist hier das Multiple-Modul zu nennen. Davon kann man in einem Modularsystem fast nie genug haben. Denn mit Multiple-Modulen, der Name verrät es schon, multipliziert ihr Eingangssignale. Das ist zum Beispiel dann wichtig, wenn ihr eine Steuerspannung für die Tonhöhe gleichzeitig an mehrere Ziele schicken wollt. Nur so könnt ihr überhaupt Patches mit mehr als einem Oszillator sinnvoll aufbauen.

Multiples gibt es sowohl als aktive als auch passive Variante. Die aktive Variante hat den Vorteil, dass auch bei längeren Verbindungswegen oder kritischen Steuersignalen wie Clock oder eben genannte Pitch-CV die Spannung stabil bleibt. Ich empfehle für ein kleineres Modularsystem eine Mischung aus einem oder zwei aktiven 2 x 4 Multiple(s), sowie zwei bis drei passiven Multiples.

6. MIDI zu CV/GATE – Interface

Wenn ihr euer Modularsystem per CV-Gate steuert oder hauptsächlich für Drones oder Effektsounds einsetzt, könnt ihr auf dieses Modul verzichten. Sobald ihr aber das System im Verbund mit anderen MIDI-Geräten oder über einen Computer ansteuern wollt, benötigt ihr noch ein MIDI Interface. Dieses wandelt die eingehenden digitalen MIDI-Signale in analoge Steuerspannungen um.

Bei einem MIDI-zu-CV/Gate-Interface empfehle ich, gleich in eine Nummer größer zu investieren. Achtet am besten darauf, dass neben mehreren CV / Gate-Ausgängen auch ein weiterer Anschluss für Clock-Signale vorhanden ist. Damit könnt ihr eure LFOs rhythmisch besser einbinden und später auch Sequencer ansteuern. Ein guter Kompromiss aus Preis und Features ist das hier empfohlene Doepfer A-190-4.

Günstiges Modularsystem für Einsteiger: Ein paar Tipps zum Schluss

Nachdem ihr jetzt wisst, womit man den Einstieg in die modulare Synthese gut findet, noch ein paar Tipps von mir.

Nicht zu viel auf einmal

Als erstes empfehle ich, nicht zu viele Module auf einmal zu kaufen. Besonders dann nicht, wenn ein Modul sehr viele Funktionen bereitstellt, wie es etwa bei Mutable Instruments häufig der Fall ist. Setzt euch mit den Komponenten auseinander und lernt erstmal, mit den vorhandenen Features auszukommen. Gerade in Modularsystem kann man nämlich durch Kreativität viele Module durch andere ersetzen.

Plant Reserven im Gehäuse ein

Da sich ein Modularsystem mit der Zeit an eure Ansprüche anpasst, solltet ihr gleich zu Beginn eine großzügigere Reserve von 20-30 % einkalkulieren. Habt ihr euch etwa auf zehn Module festgelegt, fügt ihr im Geiste noch einmal den Platz für drei durchschnittlich große Module (10-16 TE) hinzu. Darauf basierend kalkuliert ihr dann den Platzbedarf für euer Modular Case.

Spart nicht beim Netzteil

Diesen Punkt habe ich schon in meinem Artikel Modularsystem zusammenstellen ausführlich behandelt. Das Netzteil ist die Lebensader jedes Modularsystems. Wird hier gespart, kommt es gerne mal zu einer Unterversorgung oder im schlimmsten Fall zu Spannungsschwankungen. Das führt dazu, dass einige Module eventuell gar nicht versorgt werden, oder das Tuning wie verrückt driftet. Also: Spart nicht beim Netzteil.

Günstiges Modularsystem für Einsteiger: Beispielkonfiguration

Ich habe euch exemplarisch auf Modular Grid ein günstiges Modularsystem für Einsteiger vorkonfiguriert. Denkt aber immer daran: Solange es sich um Eurorack-Module handelt, könnt ihr die Komponenten jederzeit frei austauschen und miteinander kombinieren. Das macht letztlich den Reiz aus.

Weitere Links

• Modular System zusammenstellen: Das richtige Case finden, die korrekte Spannungsversorgung und mehr
• Eurorack Sequencer: Die besten Sequencer für Eurorack Modular Systeme
• Behringer System 100 Test
• Modularsystem anschließen – Tutorial
• Behringer MonoPoly Tutorial: Patches für Techno und Ambient

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Was ist ein Theremin und wie funktioniert es?

Doch bevor wir konkret werden, gibt es zuerst etwas Geschichte und Hintergrundinfos. Das Theremin ist ein elektronisches Musikinstrument, das man komplett ohne direkten physischen Kontakt spielt. Es wurde 1920 von Lev Termen erfunden und ist nach ihm benannt.

Ein Theremin besteht neben dem Gehäuse, das die elektronischen Komponenten zur Klangerzeugung enthält, in der Regel aus zwei Antennen: Einer vertikalen Antenne für die Tonhöhe, und einer horizontalen Antenne für die Lautstärke. Bewegt man nun die Hand in die Nähe der Tonhöhen-Antenne, steigt die Tonhöhe je stärker man sich der Antenne nähert. Und je näher man die Hand an die Lautstärke-Antenne bewegt, umso lauter wird der gespielte Ton.

Um die Position der Hand des Künstlers im Raum zu messen nutzt das Theremin die Eigenschaften von elektrischen Feldern. Eine elektronische Schaltung misst kontinuierlich die Kapazität zwischen den Antennen und wandelt diese Änderungen in elektrische Signale um. Diese Signale werden dann verstärkt und an einen Lautsprecher gesendet, der den Ton erzeugt.

Wie einfach ist es, ein Theremin zu spielen?

Was auf den ersten Blick spielerisch aussieht, erfordert in der Praxis sehr viel Übung und Kontrolle, da das Instrument sehr empfindlich auf kleinste Bewegungen der Hand reagiert.

Ein gutes Gespür für Musik und Tonhöhen helfen auf jeden Fall. Denn bei einem Theremin gibt es im Gegensatz zu Klaviertasten oder den Bünden einer Gitarre keine Referenzpunkte für die Tonhöhe. Aber wenn man es richtig beherrscht, kann man damit eine Vielzahl von Klängen erzeugen und sogar ganze Melodien spielen. Manche Modelle besitzen sogar Ausgänge zur Steuerung von anderen Instrumenten, wodurch man zum Beispiel ein Modularsystem oder einen Synthesizer über das Theremin spielen kann.

Theremin kaufen: Worauf sollte man achten?

Je nachdem, was man für einen Anspruch ans eigene Spiel und ans Instrument hat, wird der preisliche Rahmen bestimmt. Professionelle Geräte ermöglichen ein möglichst präzises Spiel, sind leider nicht günstig zu haben. Meine Empfehlung ist auch, ein Theremin vorher einmal vor Ort auszuprobieren. Denn der Zauber verfliegt oft recht schnell, wenn man merkt, wie viel Arbeit und gutes Gehör erforderlich sind, dieses faszinierende Instrument einigermaßen zu beherrschen.

Wer allerdings primär auf den Show-Effekt wert legt, ein paar Effektsounds abfeuern möchte, oder das Theremin hauptsächlich zur ungenauen Steuerung von Klangfarben nutzen möchte, kann auch problemlos auf günstigere Modelle ausweichen.

Falls das Theremin ganz klassisch als Instrument genutzt wird, sollte es eine eigene Klangerzeugung mitbringen. Auch sollte es über zwei Antennen verfügen: eine für die Tonhöhe, eine weitere für die Lautstärke. Ich erwähne das nur, weil es auch sehr günstige Modelle gibt. Diese werden zwar als Theremin verkauft, bringen außer einer Tonhöhensteuerung aber nichts mit und rödeln so die ganze Zeit nervig vor sich her.

Wollt ihr das Theremin auch oder ausschließlich zur Steuerung anderer Geräte wie Synthesizer nutzen, müssen MIDI-Out – oder besser noch CV-Ausgänge vorhanden sein. CV hat hier ganz klar den Vorteil, dass die Steuersignale stufenlos übertragen werden, ihr also keine Wertesprünge habt.

Theremin kaufen: Die besten Modelle

Moog Etherwave

Den Auftakt bei den Empfehlungen macht, wie soll es auch anders sein, Moog mit dem Etherwave Theremin. Denn Moog hat seit Jahrzehnten unterschiedliche Varianten des Instruments im Portfolio. Damit richtet sich das Unternehmen gleichermaßen an ambitionierte Einsteiger und professionelle Musiker.

Nachdem es das Spitzenmodell Moog Claravox Centennial Theremin mittlerweile nur noch gebraucht gibt, ist das Etherwave die professionellste Variante, die man derzeit kaufen kann. Einerseits wurde die Ausstattung beim Etherwave auf die relevanten Parameter reduziert. So stehen hier mit Timbre und Wahl der Schwingungsform zwei Drehregler zur Verfügung, die direkten Zugriff auf den Klangcharakter ermöglichen. Zusätzlich kann man die Sensibilität der Antennen justieren und ans eigene Spiel anpassen.

Andererseits verfügt das Etherwave über die höchste Präzision beim Spielen, weshalb gerade Profis auf diese Variante setzen. Was wohl den meisten Einsteigern nicht auffällt, ist für professionelle Thereminspieler essentiell: Die Interpretation der Bewegung im elektrischen Feld sollte möglichst konstant sein, um Tonhöhen und Lautstärken exakt zu steuern. Hier liefert das Etherwave am besten ab, allerdings fehlen hier auch Hilfsfunktionen wie Quantisierung, die das kleinere Modell „Theremini“ mitbringt.

Moog Theremini

Und damit kommen wir direkt zur nächsten Empfehlung, ebenfalls von Moog. Das Theremini ist im Gegensatz zum Etherwave digital aufgebaut. Es bietet aber ein paar Funktionen, die vor allem Einsteigern den Erstkontakt mit dem Instrument erleichtern.

Allen voran ist hier die Quantisierungsfunktion zu nennen. Mit dieser werden falsch gespielte Noten automatisch in die richtige Skala gebracht. Statt die Noten also akribisch genau in der Luft zu treffen, reicht es hier, in die Nähe zu kommen. Die Quantisierung schubst daneben liegende Noten also direkt in die richtige Tonhöhe. Das Moog Theremini bringt 22 unterschiedliche Skalen mit, für die man zudem noch den Grundton festlegen kann. Das sollte die meisten Anwendungen abdecken und schnell erste Erfolgserlebnisse liefern.

Zusätzlich bietet das Theremini 32 unterschiedlich klingende Presets und damit ab Werk die größte Klangvielfalt. Mit einer speziellen App hat man darüber hinaus Zugriff auf zahlreiche Parameter und kann die Presets weiter anpassen. Da das Theremini zudem noch ein Stereo-Delay, einen Lautsprecher und andere sinnvolle Funktionen wie USB/MIDI an Bord hat, ist es für mich die perfekte Empfehlung für ambitionierte Einsteiger und Fortgeschrittene.

Doepfer Theremin

Eher für die Frickler-Fraktion ist das Doepfer-Theremin gedacht. Konkret handelt es sich um eine Mindestkonfiguration aus Einzelmodulen, die in ihrer Gesamtheit ein Theremin ergeben. Diese Zusammenstellung erzeugt für sich schon authentisches Feeling und den typischen Sound. Seine Stärken spielt es aber im Verbund mit anderen Synthesizern oder Modularsystemen aus, welche man hierüber direkt ansteuern und erweitern kann.

Es spricht natürlich nichts dagegen, ein größeres Modular-Case zu kaufen und gleich weitere Oszillatoren oder Filter zu ergänzen. Damit steht einem ein deutlich erweiterter Spielraum für Klangexperimente zur Verfügung. Diese Variante ist aber eher fortgeschrittenen Usern empfohlen. Denn neben der ohnehin komplexen Spielweise eines Theremins muss man hier noch Grundwissen in Klangsynthese, Modularsynths und Patching mitbringen, damit man brauchbare Ergebnisse erzielt.

Dübreq Stylophone Theremin

Eine preiswerte Alternative könnte das Dübreq Stylophone Theremin sein. Auf dem relativ kleinen Desktopgehäuse gibt es eine gute Auswahl an Reglern, um die erweiterten Funktionen des Theremins live zu verändern. Dazu gehört auch ein Fader zur präzisen Tonsteuerung, wenn die Theremin-Performance über die Antenne noch nicht so richtig überzeugen mag.

Zusätzlich bietet das Stylophone einen Trigger-Taster, interne Effekte wie Delay, Chorus und Vibrato, sowie einen internen Lautsprecher. Insgesamt also ein recht komplettes Paket für die ersten Schritte am Theremin, dem aber die zweite Ebene für die parallele Steuerung der Lautstärke fehlt. Hier muss man für sich entscheiden, wie „professionell“ man gleich zu Beginn einsteigen möchte.

Widara Distant Voices Theremin

Der Vollständigkeit halber sei hier noch das Distant Voices Theremin von Widara genannt. Um es vorweg zu sagen: Wer ernsthafte Ambitionen hat, sollte hierum einen Bogen machen. Denn abgesehen von etwas effektvoller Tonhöhenmodulation bietet dieses Modell nichts, was man für einen gezielten Einsatz benötigt. Vielleicht schafft es ein Bastler, wenigstens die Steuerspannung nach außen zu führen.

Falls ihr aber ein Effektsoundmodul für die Bühne sucht, das mit etwas Handwischen mehr oder weniger atonalen Krach macht, sind die knapp 100 € möglicherweise gut angelegt. Allen anderen sei wärmstens ans Herz gelegt, noch ein paar Sparrunden zu drehen und gleich zum Theremini zu greifen.

Berühmte Kompositionen und Tracks mit Theremin-Einsatz

Am Ende des Artikels möchte ich noch ein paar Videos mitgeben, in denen intensiv ein Theremin genutzt wurde.

Carolina Eyck – Midnight Theremin

Den Auftakt dieser Empfehlungen macht Midnight Theremin von Carolina Eyck. Der Track ist exemplarisch für ihr Werk, denn die Künstlerin ist eine der besten kontemporären Theremin-Spieler. Kaum jemand beherrscht dieses komplexe Instrument mit so einer Perfektion. Wer sich für das Theremin interessiert, sollte sich auf jeden Fall ihren musikalischen Katalog anhören.

Clara Rockmore – The Swan

Am Ende noch ein historischer Tipp. Clara Rockmore wird zurecht als eine Koryphäe am Theremin bezeichnet. Sie war eine der ersten, die das Theremin einem größeren Publikum näherbrachte und das Instrument in Perfektion beherrschte. Wer sich für das Theremin im klassischen Kontext interessiert, ist hier richtig.

Bildquellen: Moog, Doepfer

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Checkliste: Was sollte eine Groovebox für elektronische Musik mitbringen?

Zunächst einmal sollte eine Groovebox alles mitbringen, um komplette Tracks ohne zusätzliches Equipment zu produzieren. Also Drums, Synthesizer, Sequencer und vielleicht sogar noch Sampling. Das ist nicht nur wichtig, wenn man einfach mal ohne Computer Musik machen möchte, sondern auch dann, wenn man sich ohne großen Equipmentfuhrpark auf seine Ideen konzentrieren möchte. Ebenso kann man mit einer gut ausgestatteten Groovebox komplette Live-Performances bestreiten.

1. Eigene Klangerzeugung
2. Drum-Sektion
3. Ausreichend Polyphonie
4. Sampling
5. Viele Anschlüsse
6. Einzelausgänge
7. Sequencer mit Step- und Live-Programmierung
8. Viele Regler

1. Groovebox mit eigener Klangerzeugung

Ganz am Anfang mag man sich noch über eine Menge guter Factory-Presets freuen. Spätestens aber wenn man eigene Tracks performen möchte, sollte eine flexible Klangerzeugung fürs Sounddesign zur Verfügung stehen. Denn das hilft sehr, um seinen Tracks eine persönliche Note mitzugeben. Ob die Sound-Engine der Groovebox nun analog oder digital aufgebaut ist, spielt erstmal keine Rolle: Gut klingen muss sie und der Workflow muss inspirierend sein. Klang ist dabei oftmals subjektiv und so kann sich der eine für einen Digitone oder Circuit begeistern, während ein anderer auf den analog-melancholischen Sound eines Analog Four schwört.

2. Eine Drum-Sektion

Wer elektronische Musik macht, kommt an guten Drum- und Percussion-Sounds kaum vorbei. Umso wichtiger ist es, dass die Groovebox in der Lage ist, diese zu liefern. Idealerweise bietet das Gerät einen speziellen Bereich, in dem mehrere Drum-Tracks zur Verfügung stehen. Ebenso funktionieren Parameter Locks wie bei Elektrons Digitone, bei dem man pro Step einen Sound auswählen und abspielen kann.

3. Ausreichend Polyphonie

Je mehr Stimmen die Groovebox gleichzeitig wiedergeben kann desto besser! Wer komplexere Arrangements fahren möchte, benötigt unbedingt Reserven bei der Polyphonie. Ansonsten werden Pads abgeschnitten oder Drum-Sounds einfach verschluckt.

4. Sampling

Zusätzlich zur Drum-Sektion kann Sampling oder zumindest das Importieren eigener Samples eine echte Bereicherung sein. Schnell mal eine optimierte Kick aus dem Rechner importieren ist so problemlos möglich.

5. Vielseitige Anschlussmöglichkeiten

USB, MIDI und Audio über USB: Je mehr Anschlussmöglichkeiten eine Groovebox bietet, umso einfacher ist es, diese später einmal in bestehende Setups zu integrieren. Besonders das klassische MIDI-Interface mit Ein- und Ausgang ist spätestens dann essentiell, wenn man komplett ohne Computer mit mehr als einem Gerät performen möchte.

6. Einzelausgänge

Falls eine Groovebox über eine gute Mixing-Sektion verfügt, ist es nicht so tragisch, wenn keine separaten Ausgänge für jede einzelne Spur vorhanden sind. Trotzdem können Einzelausgänge in Verbindung mit einem externen Mischpult sehr hilfreich sein, wenn man bei einer hektischen Performance nicht immer zwischen Menüs hin- und herspringen möchte. Zusätzlich ermöglichen separate Outs die Bearbeitung einzelner Instrumente mit externen Effekten.

7. Pattern-basierter Sequencer mit Step-Programmierung

Natürlich muss eine Groovebox über einen Sequencer verfügen, ansonsten wird es schwer, komplexere Tracks damit zu produzieren. Nicht selbstverständlich ist allerdings die Möglichkeit, Melodien und Drums per Step-Eingabe zu programmieren. Das erhöht zusätzlich den Spaßfaktor und gemeinsam mit Lauflicht gibt diese Programmierung auch ein nützliches visuelles Feedback. Wichtig ist nur, dass die Groovebox sich nicht auf starres Step-Sequencing beschränkt, sondern außerdem in der Lage ist, in Echtzeit aufzunehmen. Schließlich sorgen nicht 100 % akkurat sitzende Noten erst für den nötigen Groove.

8. Regler zur spontanen Klangbearbeitung

Elektronische Musik lebt vom Sounddesign. Und um das sowohl beim Produzieren als auch bei Live Performances gut umzusetzen, benötigt man Drehregler, Fader oder andere Eingabemöglichkeiten.

Dabei ist es gar nicht mal so wichtig, wie viele Regler zur Verfügung stehen. Vielmehr muss die Auswahl Sinn ergeben. Also entweder auf häufig genutzte Parameter wie Cutoff abzielen oder – was noch besser ist – frei konfigurierbar sein. Mit einem intelligent zusammengestellten Set aus acht Drehreglern eines Novation Circuit oder eines Elektron Analog Four lassen sich Sounds beeindruckend verbiegen.

Nachdem jetzt die wichtigsten Features herausgestellt wurden, können wir uns jetzt die besten Grooveboxen ansehen. Nicht alle davon bieten immer die komplette Ausstattung. Trotzdem ist jede auf ihre Art perfekt auf elektronische Musik zugeschnitten. Welche Groovebox es letztlich werden soll, entscheiden persönliche Präferenzen und nicht zuletzt auch immer das verfügbare Budget. Abschließend hierzu noch ein Tipp: Solltest du dich schwer in ein Modell verliebt haben das oberhalb deines finanziellen Rahmens liegt: Versuche lieber, noch ein paar Monate länger zu sparen, als mit einem Kompromiss zu leben.

Novation Circuit – Die perfekte Groovebox für Einsteiger

Novations Circuit Tracks – bzw. die Circuit-Serie – erfreut sich seit Jahren großer Beliebtheit. Das liegt vor allem am direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter, der Reduktion auf das Wichtigste, sein geringes Gewicht und dem verhältnismäßig günstigen Preis von rund 350 €.

Circuit Tracks ist eine ideale Groovebox, um schnell mal Ideen festzuhalten oder komplette Tracks darauf zu programmieren. Falls man vorhat unterwegs zu produzieren, kann man das Dank interner Spannungsversorgung über den Akku über Stunden ohne Steckdose tun.

Richtig spannend wird es allerdings, wenn man die vorgefertigten Presets beiseite lässt, und sich mit dem Editor an die Erstellung eigener Patches macht. Denn unter der intuitiven Oberfläche verstecken sich zwei vollwertige digitale Synthesizer, deren Engine auf der Nova-Reihe basiert. Daher klingt der Novation Circuit Tracks auch immer eher digital, das aber im positiven Sinne.

Überblick Novation Circuit Tracks

Abgerundet wird die Ausstattung des Circuit durch die Möglichkeit, eigene Samples zu importieren. Diese lassen sich in insgesamt vier Spuren programmieren, was erstmal nicht nach besonders viel klingt.

Seit dem letzten Betriebsystem-Update bietet der Circuit aber Sample Switch, was die Möglichkeiten noch einmal erheblich erweitert. Denn dabei werden genau die Samples aufgezeichnet, die man live über die Pads einspielt, sodass auch komplexere Drum-Arrangements möglich sind. Falls man allerdings viel mit Sampling arbeiten möchte, sollte man eher zu einem Elektron Digitakt oder Polyend Tracker greifen.

Synthstrom Deluge

Synthstrom Audio Deluge ist eine flexible Kombination aus Sequencer, Sampler, subtraktivem Synthesizer und einer zusätzlichem FM-Klangerzeugung. Das kompakte Kraftpaket ist also perfekt für elektronische Musik jeder Art geeignet. Allein der umfangreich ausgestattete Sequencer bietet nahezu unbegrenzt lange Tracks, Polyrhythmik, sowie eine schlaue Auswahl an Features für Live-Performances. Darunter finden sich Track Mutes, Note Repeat, Nudge und vieles mehr.

Die Klangerzeugung besteht aus klassischer subtraktiver Synthese inklusive spezielleren Features wie Ring Modulation und Sync, sowie Frequenzmodulation. Zudem ist wohl geplant, dass der Deluge in Zukunft noch Waveshaping beherrscht. Darüber hinaus ist es möglich, eigene Samples einzubinden.

Die Samples lassen sich dabei direkt von der SD-Karte abspielen und das ist leider keine Selbstverständlichkeit. Schließlich haben es selbst Industriegiganten wie Akai Pro oder Native Instruments immer noch nicht geschafft, dieses wichtige Feature in ihre Geräte (MPC-Serie, Maschine+) zu implementieren.

Abgerundet wird die Ausstattung des Deluge noch durch eine umfangreiche Effekt-Engine, die neben den Standards sogar exotischere Algorithmen wie Live Stutter und Bit Crusher bereithält. Das ist besonders erfreulich, zumal man auch externe Instrumente anschließen und durch die Effekte jagen kann.

Den Synthstrom Deluge kann man für rund 800 € inklusive Transportkosten – aber ohne Zoll und Einfuhrsteuer – im Onlineshop von Synthstrom bestellen. Wer sich eine Groovebox für elektronische Musik zulegen möchte, sollte sich den Deluge auf jeden Fall mal näher ansehen.

Überblick Synthstrom Deluge

Elektron Digitone – Ein FM Synthesizer als Groovebox?

Elektron Digitone ist doch keine Groovebox! Grundsätzlich würde ich diesem Statement zustimmen, schließlich handelt es sich beim Digitone um einen waschechten FM-Synth mit angedocktem Sequencer. Dennoch ist der Digitone durchaus in der Lage, ein komplettes Live-Set abzufeuern.

Denn dank Parameter-Locks, Track Mute-Funktionen und subtraktiver Filter-Sektion geht mit dem Digitone extrem viel. Von komplexen Drum-Arrangements für IDM bis hin zu sphärischen Melodic Techno Tracks bietet der Digitone alles, was man für eine Performance benötigt.

Überblick Elektron Digitone

Elektron Model:Samples

Wer überhaupt nichts mit FM-Synthese anfangen kann, sollte sich den Model:Samples aus gleichem Hause ansehen. Denn Elektron hat es geschafft, eine immer noch recht flexible Sampling-basierte Soundengine in ein Format zu gießen, das auch in hektischen Live-Performances noch ausgezeichnet bedienbar bleibt.

Anstatt viele Funktionen in Untermenüs zu verstecken hat beim Model:Samples nahezu jeder Parameter einen dazugehörigen Drehregler. Dazu gibt es eine Kombination aus Tief- und Hochpassfilter, eine gut klingende Effektsektion mit Delay und Reverb, sowie eine Verzerrungsstufe.

Überblick Elektron Model:Samples

Keine Frage: Der Model:Samples ist eine perfekte Groovebox, wenn man schnell auf den Punkt kommen möchte. Falls man sich doch eine umfangreichere Klangerzeugung wünscht, hat Elektron mit dem umfangreicher ausgestatteten Digitakt eine wunderbare Alternative am Start. Zwar sind hier einige Funktionen in Menüs versteckt. Wenn man sich aber einmal in den Workflow eingearbeitet hat, wird man mit einer mächtigen Sampling-Groovebox belohnt, die zudem als zentrales Element in einem größeren Setup eine gute Figur macht.

Roland SH-4d – Groovebox von Roland

Roland lieferte Mitte der 90er Jahre mit der MC-303 den Prototypen für diese Gerätegattung. In dieser Tradition sind immer wieder Nachfolger auf den Markt gekommen, die meistens am Kürzel „MC“ zu erkennen sind. Aber auch der Roland SH-4d steht in dieser Groovebx-Linie, vereint er doch eine ausgewachsene Synthengine mit einer gut klingenden Drumsektion und Sequencer.

Der SH-4d lädt mit zahlreichen Bedienelementen zum Soundschrauben ein. Aus elf unterschiedlichen Synthesizermodellen lässt sich in vier Parts jeweils ein Modell auswählen und vom internen 64-Step-Sequencer oder live gespielt ansteuern. Hinzu kommt eine umfangreiche und gute Effektabteilung, mit der man seinem Sound eine gute Politur verpasst.

Überblick Roland SH-4d

Polyend Tracker Mini – Die etwas andere Groovebox

Polyend verfolgt mit dem Tracker Mini ein etwas anderes Konzept als die Lauflicht-basierten Sequencer der bereits vorgestellten Modell. Trotzdem gehört er in diese Liste, denn die Andersartigkeit eines Trackers kann einem beim Produzieren völlig neue Wege eröffnen.

Im Gegensatz zur Lauflichtprogrammierung durchläuft der Sequencer seine Positionen von oben nach unten. Dabei kann pro Step nicht nur Note, Anschlagdynamik etc. bestimmt werden, sondern auch, welches Sample er gerade an dieser Position abspielt. Der klassische Ansatz, jedem Track ein Instrument zuzuweisen, würde hier zwar funktionieren. Richtig spannend wird es aber dann, wenn man zum Beispiel einen Drumloop zerschneidet und ihn in einer Spur komplett neu zusammensetzt. Daher verwundert es nicht, dass das originale Tracker-Konzept bereits in den 90er Jahren sehr stark im Drum and Bass oder Jungle genutzt wurde.

Aber auch im Ambient, Techno oder anderen Spielarten elektronischer Musik macht der Polyend Tracker Mini eine gute Figur. Schließlich bestimmt der User, welche Samples im internen Speicher landen und weiterbearbeitet werden. Dazu stehen im Tracker übrigens mehrere Möglichkeiten zur Verfügung. Die Samples lassen sich durch subtraktive Synthese mit Filtern etc. verarbeiten oder mit Granularsynthese verändern. Dazu sieht der Tracker Mini einfach nur schick aus und passt mit wenig Gewicht und Umfang gut ins Reisegepäck.

Überblick Polyend Tracker Mini

Die besten Grooveboxen für elektronische Musik – Fazit

Falls du dich entscheiden solltest, elektronische Tracks nur mit einer Groovebox zu produzieren aber noch ganz am Anfang stehst, sind Novations Circuit Tracks, Elektron Model:Samples oder der MC-707 von Roland ein guter Einstieg. Für das aufgerufene Budget bieten sie genügend Möglichkeiten selbst für komplexeres Sounddesign und abwechslungsreiche Tracks. Trotzdem – und das ist fast noch wichtiger – machen alle drei Kandidaten direkt Spaß, ohne sich erst lange in die Materie einarbeiten zu müssen.

Wenn du schon etwas länger dabei bist und einfach mal komplett ohne den Computer produzieren möchtest, wären meine Favoriten der Elektron Digitone, sowie der Synthstrom Deluge. Beide besitzen eine vielseitige Klangerzeugung und ausreichend Spuren um weiteres Equipment anzusteuern.

Der Polyend Tracker Mini mag auf den ersten Blick nicht ganz so flexibel wie etwa ein Deluge erscheinen. Trotzdem sind sein außergewöhnlicher Ansatz als Tracker, sein kompaktes Format und nicht zuletzt seine Limitierungen eine ideale Inspirationsquelle, wenn man ausgetretene Pfade verlassen möchte. Eine Liebe zum Sampling sollte in diesem Fall natürlich vorhanden sein.

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Die Basis: Wie man Dub Chords am Synthesizer programmiert

Am Anfang steht ein recht simpler Akkord, den ihr entweder schon auf Synthesizerebene mit drei unterschiedlich gestimmten Oszillatoren realisiert (ein guter Startpunkt ist der Grundton plus 3 & 7 Semitöne) oder direkt einspielt.

Als Schwingungsform bietet sich ein obertonreicher Sägezahn oder ähnliches an. Wenn es der Synthesizer hergibt, könnt ihr an dieser Stelle bereits etwas Rauschen hinzugeben, das dem Signal ein extra Quäntchen Schmutz verleiht.

Als Filter wählt ihr entweder ein Bandpass- oder ein Tiefpassfilter aus und schließt die Flankensteilheit großzügig. Die Hüllkurven für Amp und Filter sind beide auf hartes Attack, moderate Decay-/Release-Zeiten und 30-50 Prozent Sustain eingestellt. Durch höhere Attackzeiten bewegt ihr den Sound mehr und mehr in Richtung Pad. Hier bietet sich an, die Attack-Zeit durch die Anschlagstärke zu modulieren.

Das Filter im Synth schneidet bereits einen Teil der Obertöne weg, die man per Modulation des Cutoff durch LFO und Filter-Envelope aber wieder temporär hinzufügt. Dub-Chords leben von Modulationen. Je mehr Parameter moduliert werden, umso interessanter das Endergebnis.

Auf Klangerzeugerebene war es das bereits, wenden wir uns nun dem wichtigsten Part zu – der Effektreihenfolge:

Dub Chords sind nichts ohne die richtigen Effekte

Ich habe ewig gebraucht, bis ich verstanden habe, dass der Großteil eines Dub Chords über Effekte zustande kommt. Oder anders formuliert: Wenn die Effektkette passt, kann man fast jedes Signal durchschicken und am Ende kommt Dub heraus.

In die Effektkette gehören in dieser Reihenfolge

• Delay, vorzugsweise ein Space Echo (Tape Delay) oder ein BBD-Delay
• Equalizer / Multimode-Filter
• Reverb / 2. Delay
• optional: Phaser
• optional: Sidechain-Kompressor

Am Anfang unserer Kette steht ein (Tape oder BBD) Delay, das den analogen Schmutz liefert. Die Delay-Zeit wählt ihr nach eurem Geschmack aus, zu kurz oder zu lang sollte sie aber nicht sein. Ein interessantes Feature ist, die Delay-Geschwindigkeit entweder manuell oder automatisiert zu verändern. Wenn man etwa einen LFO auf die Delay-Rate legt, reagiert eine gute Tape-Simulation mit Tonhöhenschwankungen. Dieses Leiern kommt besonders gut, wenn man es mit höheren Feedback-Werten kombiniert. Fährt man das Delay dabei knapp bis zur Selbstoszillation, entstehen recht schöne Übergänge.

Sehr wichtig ist dann ein Multimode-Filter (oder ein EQ), das direkt hinter dem Delay eingeschliffen wird. Ein Bandpassfilter mit 12 dB Flankensteilheit und mittlerer Resonanz ist ein guter Ausgangspunkt. Je tiefer ihr das Filter schließt, umso muffiger wird der Klang und umgekehrt.

Tipp: Einige Delay-PlugIns wie etwa das fantastische Echo von Ableton bringen Multimode-Filter für das Delay-Signal direkt mit. Hier kann man Hochpass und Tiefpass gut miteinander kombinieren und separat die Resonanz einstellen.

Spring-Reverb und weitere Delays

An dieser Stelle haben wir schon einen Großteil des Pflichtprogramms erfüllt. Jetzt streuen wir noch etwas Sternenstaub on top. Nach dem Filter fügt ihr optional ein weiteres Delay ein. Auf diese Weise könnt ihr schön treibende Grooves erzeugen, ohne kompliziert einzelne Noten einzugeben.

Im Anschluss folgt mit dem Reverb eine weitere wichtige Komponente. Als Algorithmus empfehle ich ein Shimmer Reverb oder ein warm klingendes Room-Preset. Wer den authentischen Retrosound sucht, greift besser direkt zu einer Federhall-Simulation oder einem Plattenhall. Gerade Spring-Reverbs (Federhall) kann man in unzähligen Dub-Produktionen heraushören, denn ihr markant metallener Hall-Sound ist unverwechselbar.

Phaser, Flanger und Sidechain-Compression

Am Ende der Effektkette addieren wir noch einen Phaser oder Flanger. Dezent eingesetzt verpasst dieser Effekt dem Signal noch zusätzliche Tiefe. Allerdings würde ich hier keine allzu extremen Einstellungen auswählen, damit sich der Klang insgesamt homogen in den Mix einfügt. Zumal wir mit der umfangreichen Effektbatterie davor schon ordentlich Bewegung im Sound haben.

Eine einfache Möglichkeit, Mixing-Probleme zu umgehen, ist der Einsatz eines Kompressors am Ende der Signalkette. Per Sidechaining wird dann die Lautstärke beim Einsetzen der Kick heruntergedrückt, wodurch sich der Dub Chord recht einfach in den Mix integriert.

Noch ein Tipp für Elektron Digitone User: In meinem Digitone-Tutorial zeige ich, wie man mit dem FM Synthesizer dubbige Effektketten erstellt.

Hardware-Empfehlungen für Dub Techno / Ambient Dub

Die hier vorgestellten Tipps gelten natürlich gleichermaßen für die Hardware-Pendants. Wer lieber mit Hardware produziert und nach guten Synthesizern und Effekten für Dub Techno und Ambient Dub sucht, findet hier noch ein paar meiner Favoriten.

Synthesizer für Dub Techno

Delays für Dub Techno

Kostenloses Dub Chord Instrument Rack für Ableton Live

Hier könnt ihr euch ein komplettes Instrument-Rack für Ableton Live herunterladen, das ich erstellt habe. Enthalten sind zum einen ein Dub Chords Patch für Operator, sowie eine komplette Effektkette, die alle hier beschriebenen Stationen enthält. Für Live-Performer gibt es ein Makro, das euch direkten Zugriff auf die wichtigsten Parameter bietet.

Sound Packs mit Dub, Techno und Ambient Patches

• Novation Circuit „Elements“
• Novation Peak „Permafrost“
• Elektron Digitone „Epigenetics“ und „Nemesis“
• Twisted Electrons MEGAfm „Magnitude“
• u-he Diva „ReVolution“: Presets für Melodic Techno & Ambient
• Die besten Synthesizer für Dub Techno

Der Beitrag Dub Chords und Pads erstellen Workshop erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Wer gerne unterwegs produzieren möchte, oder einfach mal auf dem Balkon jammen, ohne gleich meterweise Kabel zu verlegen, kann mittlerweile auf eine Auswahl an Powerbanks für Synthesizer und Batterien zurückgreifen. Zwar eignen sich die meisten Modelle grundsätzlich, allerdings unterscheiden sie sich für die professionelle Anwendung dann doch im Detail. Manchmal erfordert ein Synth oder eine Groovebox eine Spannung, die über den mittlerweile verbreiteten 5V-USB-Standard hinausgeht. Aber auch hierfür gibt es mittlerweile Lösungen, die dieser Artikel vorstellt.

Grundsätzlich: Was sollte eine Powerbank für Synthesizer leisten?

Bevor ich ein paar Modelle vorstelle, die ich hier auf Praxistauglichkeit geprüft habe, noch ein paar Worte, worauf man bei einer Powerbank für Synths achten sollte.

• Ausreichend Ausgangsspannung
• Hohe Ladekapazität
• Verschiedene Anschlussmöglichkeiten
• Geringes Gewicht
• Stabile Spannungsversorgung ohne Unterbrechungen

Ausreichend Ausgangsspannung

Viele Synthesizer unterstützen mittlerweile einen Betrieb über USB. Bei diesen Modellen müsst ihr euch keine großen Gedanken über die Ausgangsspannung eurer Powerbank machen. So könnt ihr euch direkt auf Ladekapazität oder Anschlüssmöglichkeiten fokussieren.

Will man aber Synthesizer mit 9V, 12V etc. an einer Powerbank betreiben, sieht die Sache schon etwas komplizierter aus. Auch hier gibt es dedizierte Akkus und mobile Spannungsversorgungen. Häufig sind diese aber recht klobig und konterkarieren den Gedanken an ein mobiles Setup. Mit entsprechendem Zubehör wie USB-Spannungswandlern kann man diese Synths aber ebenfalls an eine Powerbank anschließen.

Hier müsst ihr akribisch darauf achten, dass euer Adapter a) die richtige Größe der Steckverbindung hat und b) die korrekte Polarität auweist. In vielen Fällen dürfte das ein 12 V (Polarität: + innen) Spannungswandler wie die Ripcord-Modelle von myVolts sein. Dieses unterstützt zumb Beispiel Novation Circuit Mono Station, Behringer Crave, Elektron Digitone / Digitakt und vieles mehr. Aber noch einmal: Verlasst euch nicht auf diese Aussage, sondern überprüft erst ganz genau, was auf dem Netzteil eures jeweiligen Synths steht.

Hohe Ladekapazität

Die Kapazität gibt an, wie viel Leistungsreserve die Powerbank für Synthesizer zur Verfügung stellt. Mit anderen Worten: Je mehr Ladekapazität die Powerbank hat, umso länger könnt ihr eure Synthesizer damit betreiben. Gleichzeitig dauert es in der Regel länger, bis eine leere Powerbank mit viel Ladekapazität wieder vollständig aufgeladen ist.

Verschiedene Anschlussmöglichkeiten

Wollt ihr mehr als einen Synthesizer mit der Powerbank betreiben, solltet ihr neben ausreichender Ladekapazität auch darauf achten, dass die Powerbank verschiedene Anschlussmöglichkeiten bietet. Zwar könnt ihr mit entsprechenden Adaptern viel kompensieren. Allerdings holt ihr euch damit gleichzeitig mehr Gewicht und mögliche Fehlerquellen ins Haus. Oder ihr habt schlicht das Risiko, die kleinen Adapter nicht zu finden, wenn ihr sie benötigt. Je mehr also direkt vorhanden ist, umso besser.

Bei einem Setup, das rein auf USB-Anschlüssen basiert, müsst ihr eigentlich nur auf die Anzahl achten (mindestens zwei, damit ihr auch eine kleine Reserve habt). Idealerweise ist der Ladeanschluss USB-C, da ihr diesen dann umgekehrt auch zur Spannungsversorgung eurer Synths nutzen könnt. Zukünftige und aktuelle Synths wie Roland S-1, SH4D oder die Polyend-Plus-Serie haben ebenfalls eine USB-C-Schnittstelle: hier könnt ihr euch also einen Adapter sparen.

Möchtet ihr zusätzlich noch Effektpedale oder Synthesizer mit 9V oder 12 V an der Powerbank betreiben, benötigt ihr entweder wieder Adapter wie der Spannungswandler von myVolts (s.u.). Oder ihr setzt gleich auf eine Hybridlösung, die neben USB-Anschlüssen auch Anschlüsse für 9V etc. Geräte bieten.

Geringes Gewicht

Möglicherweise ist das nicht unbedingt ein Faktor für euch, aber wenn eine Lösung wirklich mobil sein soll, ist zu großes Gewicht ein Ausschlusskriterium. Die Batpack-Serie von Palmer ist total solide und liefert neben dem USB-Out mit 9V-Ausgängen auch ordentlich Power für andere Gerätegattungen. Im Handgepäck ist die Powerbank dann aber auch ein ganz schöner Klotz, den man mit sich herumschleppt. Dann lieber eine kompakte Variante, die sich mit entsprechenden Adaptern auch auf andere Spannungen anpassen lässt.

Stabile Spannungsversorgung ohne Unterbrechungen

Bis ich mir eine (bzw. zwei) Powerbank für den mobilen Betrieb meines Polyend Play+ zugelegt hatte, wusste ich nicht einmal, dass eine unterbrechungsfreie Spannungsversorung überhaupt ein Thema sein kann. Jedenfalls schaltete sich direkt nach dem Hochfahren der Groovebox diese sofort wieder aus. Zunächst dachte ich ein Montagsgerät bekommen zu haben, doch auch die Ersatz-Powerbank litt unter dem plötzlichen Spannungsabfall.

Mit einer anderen Powerbank ging der Betrieb mit dem Polyend Play+ dann problemlos und ich konnte die Ursache klar auf die Modellreihe zurückführen. Kurioserweise unterschied sich die problematische Variante nicht großartig von der funktionierenden Variante: 10500 mAh, 22.5 W im Gegensatz zu der geringfügig schwächeren Lösung mit 10000 mAh und 22.5 W. Und um die Sache noch verwirrender zu machen: Beide Powerbanks kamen vom gleichen Vertrieb (INIU).

Hier kann ich also nur raten, es selbst auszuprobieren, oder gleich die Variante zu bestellen, die bei mir mit verschiedenen Geräten erfolgreich getestet wurde (s.u. bei Empfehlungen)

Das Test-Setup

Eigentlich ist das hier kein klassischer Vergleichstest, sondern vielmehr aus der Praxis geboren. Denn bei vielen Sounddesign-Projekten wollte ich nicht stationär gebunden sein. Angefangen hatte die Suche nach einer mobilen Spannungsversorgung für die MPC One und ging dann über verschiedene Instrumente bis zuletzt der neuen Polyend Play+ und Tracker+ Modelle.

Und am Anfang hatte ich schlicht Glück, weil ich anscheinend durch Zufall gleich auf ein richtiges Pferd gesetzt hatte. Denn als es bei einem später angeschafften Akkupack ständig zu Spannungsaussetzern kam, merkte ich, dass es durchaus gravierende Unterschiede gibt. Ein Montagsmodell kann ich dabei ausschließen, denn ich hatte mir ein Ersatzgerät des gleichen Typs besorgt.

Damit ihr nicht in die gleiche Falle tappt, bekommt ihr jetzt Empfehlungen, die sich in der Praxis bewährt haben.

Powerbank für Synths: Empfehlungen

Falls ihr vorhabt, lediglich Geräte mit USB-Spannungsversorgung zu betreiben, reichen häufig die typischen Powerbanks aus dem Computer-Fachhandel. Kapazität und Ladegeschwindigkeiten sind hier ein Faktor. Vor allem aber auch die kontinuierliche Spannungsversorgung, damit euch nicht mitten in der Produktion plötzlich ein Ausfall die Arbeit vernichtet.

Gute Erfahrung habe ich hier mit dem Modell „INIU Power Bank 22.5W, 10000 mAh“ gemacht, die über mehrere Stunden an Polyend-Grooveboxen hingen. Gleichzeitig ist diese Powerbank mit rund 25 € noch relativ günstig. Falls ihr vorhabt, auch 9- oder 12 Volt-Geräte mit dieser Powerbank zu betreiben, solltet ihr noch Zubehör wie Ripcord Spannungswandler einplanen.

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Falls ihr euch Adapterkabel sparen wollt oder viele direkte Anschlussmöglichkeiten bevorzugt, wird die Auswahl zwar bedeutend kleiner. Dennoch gibt es auch hier sehr gute Lösungen. Spezialisiertes Zubehör wie die Harley Benton PowerPlant Powerbank liefern neben dem 5V USB-Anschluss auch 9Volt-Ausgänge für Gitarrenpedale. Soll damit auch ein Synth betrieben werden, müsst ihr auch auf die Polarität achten.

Den Anschluss-Overkill bei Powerbänken liefert schließlich das Joyo JP-05 Power Bank Supply 5. Das Modell von Joyo liefert an einem Ausgang variabel 9, 12 und 18 Volt, hinzu kommt ein 5V-USB-Ausgang, sowie sieben 9V-Ausgänge für Gitarreneffektpedale. Auch hier müsst ihr jedoch wieder auf die Polarität eurer Geräte achten. Wollt ihr das Joyo etwa mit Elektron-Geräten betreiben müsst ihr noch einen (oder mehrere) Polaritätswechsler in der korrekten Größe einplanen.

Auch bei Akkus sollte man nicht sparen

Bietet euer Synthesizer optional Batteriebetrieb an, ist das natürlich auch eine Möglichkeit, mobil Musik zu produzieren. Und viele Synths wie z.B. der Roland SH-4d oder der Teenage Engineering PO-133 K.O. II lassen sich gleichermaßen über USB via Powerbank, oder mit Batterien betreiben. Andere wiederum wie der Sonicware Lofi-12 XT oder die LIVEN-Modelle haben nur ein Batteriefach neben dem Netzbetrieb, oder werden sogar komplett ohne Netzteil ausgeliefert.

In diesem Bereich habe ich viel zu viele Akkuvarianten durch: von günstigen NoName-Artikeln bis hin zu „Spitzenmodellen“ aus der Drogerie. Bisher konnte mich allerdings wirklich nur die eneloop-Pro-Serie von Panasonic voll überzeugen. Die AA-Batterien zeichnen sich durch lange Laufzeit aus und sollen ihre volle Leistung bis zu 500 Ladezyklen lang garantieren. Bei Sonicware -Synths fiel mir z.B. auf, dass ich mit diesen Akkus insgesamt 5 Stunden (30 % länger) arbeiten konnte. Und das im im Vergleich zu den ebenfalls nicht schlechten Akkus Varta AA 2600 mAh NiMH.

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Ladestation für Akkus

Wer sich gute Akkus zulegt, sollte auch bei der Ladestation nicht sparen. Features wie intelligentes Laden etc. sorgen dafür, dass ihr schnell wieder einsatzbereit seid und Akkus länger betreiben könnt. Zusätzlich solltet ihr darauf achten, dass die Ladestation mehrere Akkutypen laden kann, also neben den weit verbreiteten AA-Batterien auch AAA unterstützt, und vielleicht sogar USB-Buchsen zum Laden von Smartphones oder internen Akkupacks wie beim Roland S-1 mitbringt.

Nützlich ist zudem eine Ladeanzeige. So habt ihr direkt im Blick, welche Akkus wann wieder einsatzbereit sind. Ein Farbdisplay ist für die meisten Anwendungen eher ein nettes Gimmick und treibt den Preis nur unnötig in die Höhe.

Das VARTA Akku-Ladegerät LCD Plug-Charger kann bis zu vier AA oder AAA Akkus separat voneinander laden. Zusätzlich besteht die Möglichkeit auch einen 9V Akkublock aufzuladen oder mit dem USB-Ladeanschluss weitere Peripherie zu versorgen.

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Das Ansmann Powerline 8 hat Ladekapazität für bis zu acht AA oder AAA Batterien und eine Anschlusstelle für USB-Geräte. LEDs auf der Oberseite geben den Ladestatus an und smarte Funktionen wie automatische Abschaltung, Temperaturüberwachung, Entladung und Prüfung auf Defekte erweisen sich im Alltag als nützlich.

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Powerbank für Synthesizer: Worauf sollte man noch achten?

Im Betrieb solltet ihr vermeiden, dass Lithium-Ionen-Akkus – was wohl für die meisten Powerbanks zutrifft – nicht über 35 Grad warm werden. Starke Hitze wirkt sich negativ auf die Kapazität der Powerbank aus. In der prallen Sommersonne Musik machen und die Powerbank offen ins Gras zu legen, ist also keine gute Idee.

Ebenso ist es natürlich nicht so schlau, die Powerbank herumzuwerfen oder fallen zu lassen. Wird die Powerbank längere Zeit nicht genutzt, solltet ihr vor dem Wegpacken sicherstellen, dass sie über die Hälfte geladen ist. So vermeidet ihr eine Tiefenentladung oder unnötigen Stress für die Zellen, weil die Powerbank zu stark aufgeladen ist.

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Nach dem nicht ganz unumstrittenen Flaggschiff „One“ schickt Moog nach einigen Jahren wieder einen speicherbaren Polysynth ins Rennen. Der Moog Muse ist achtfach polyfon, bi-timbral, weitgehend analog und – für einen polyfonen Moog überraschend – deutlich unterhalb der 4000 € Marke angesiedelt. Wie gut das Konzept aufgeht, erfahrt ihr im MOOG MUSE Test. Doch zunächst gibt es erstmal ein Demovideo zur Einstimmung.

MOOG Muse: Auf einen Blick

• 8-fach polyfoner Analogsynth mit Bi-Timbralität und Stack-Modus
• 61 gewichtete Tasten mit Aftertouch
• 64-Step-Sequencer und Arpeggiator mit eigenen Mustern
• Analoge Oszillatoren, Filter und Amps
• 3 digitale LFOs, 2 digitale Hüllkurven mit umfangreichen Möglichkeiten zur Detailbearbeitung

9.0 TOTAL SCORE

MOOG Muse Test

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Features 8

Sound 10

Bedienung 10

Preis/Leistung 8

PROS

• Flexibler Sound, der von Retro bis modern reicht
• Durchdachte Bedienung für Live und Studio

CONS

• Factory-Presets wenig auf elektronische Musik ausgerichtet
• Poly-Aftertouch wäre super gewesen

Erster Eindruck

Der MUSE kommt im Karton samt Umverpackung, die mich einiges an (Angst-)Schweiß gekostet haben. Zum einen ist da das Gewicht von knapp 15 kg, das man bei den recht großen Ausmaßen eines ausladenden 5-Oktaven-Synths erst einmal auf den Studiotisch wuchten muss. Natürlich ist das nichts im Vergleich zu alten analogen Schlachtschiffen, dennoch war ich etwas überrascht.

Womöglich hatte ich meine Mühen aber auch dadurch, dass beide Kartons ultraeng geschnitten sind. Keine Angst, das wird keine lange Unboxing-Erfahrung. Aber wer Kartons aufbewahren will oder muss, sollte wissen, dass sich der Muse im Umkarton sprichwörtlich festsaugt. Anschließend durfte ich mit dem zweiten Karton ähnlich kämpfen. Dieser wird aufgeklappt, dessen Klappradius ist aber derart knapp bemessen, dass insgesamt rund 5 Minuten vergingen, bevor ich den MUSE erstmalig in seiner ganzen Pracht vor mir hatte.

Die Wheels erinnern an den Prodigy, die kleinen Faderkappen aus der Mixersektion an den MG1, und gemeinsam mit modernen Elementen aus MOOG One und Subsequent 37 entsteht eine interessante Mischung, die rein optisch vielleicht nicht jedermanns Sache ist. Design ist aber immer eine Frage des Geschmacks und rein von der haptischen Erfahrung gibt es beim MUSE nichts zu beanstanden. Alles reagiert schnell, die Drehregler und Fader haben einen angenehmen Widerstand ohne zu sperrig zu wirken.

MOOG Muse Tastatur

Bei der Tastatur handelt es um eine 61 Tasten-Variante inklusive monofonem Aftertouch und Anschlagdynamik. Polyfoner Aftertouch hätte bei dieser tollen Klangerzeugung sicherlich Sinn ergeben, aber auch so spielt sich die leicht gewichtete Tastatur hervorragend. Gut finde ich, dass man bei Moog an unterschiedliche Velocity-Kurven und – was ebenso wichtig ist und häufig übersehen wird – an Slew für den Aftertouch gedacht hat. Das kann über die Modulationsmatrix pro gesteuertem Modulationsziel frei eingestellt werden und verhindert abrupte Klangänderungen.

Anschlüsse

Auf der Rückseite finden sich neben USB-Anschlüssen, zwei Pedal-Eingängen und einem 5-POL-MIDI-Trio noch sechs CV-Buchsen (2xIn, 2xOut, Clock I/O), sowie das obligatorische Stereo-Ausgangspaar. Hier hätte ich mir in dieser Preisklasse noch zwei weitere Einzelausgangsänge gewünscht, weil der MOOG Muse bi-timbral ist.

Der Kopfhöreranschluss befindet sich vorne am Synth und lässt sich über einen dedizierten Lautstärkeregler auf der Oberseite separat einpegeln.

Factory-Presets

Beim Durchgehen der Werkspresets sprang der Funke zumindest bei mir noch nicht über. Das liegt hier jedoch nicht an der Qualität der Sounds, sondern vielmehr an der Genreausrichtung. So hatte ich das Gefühl, dass ein zentraler Fokus auf „echten“ Musikern (also keine Sound-Frickler wie mich) liegt.

Dementsprechend finden sich in den knapp 220 der insgesamt 256 Soundspeicher vor allem Presets für Top40, Rock und Pop. Also viele Orgeln, String-Sounds, Funk-Leads und Moog-Klassiker. Wer sich so einen Synth ins Haus stellt, wird aber sicherlich auch gerne selbst ins Sounddesign einsteigen. Und das ist genau der Punkt, an dem es richtig spannend wird.

Die Stimmenverteilung

Die achtfache Polyfonie lässt sich frei auf die beiden Layer aufteilen, oder im ultrafetten Unisono-Modus spielen. Bei Bedarf könnte man im Splitmodus etwa einen Dual-Unisono-Bass mit einem 6-fach polyfonen String-Sound kombinieren.

Per Spreadregler wird bestimmt, wie stark die einzelnen Voices im Stereopanorama verteilt sind. Das führt zu herrlich breiten Klängen, von denen gerade atmosphärische Sounds profitieren.

MOOG Muse Oszillatoren

Die Oszillatoren basieren laut Moog (bzw. des MUSE-Produktspezialisten, mit dem ich im Austausch war) auf der MOOG Voyager-Serie und bieten einen großartigen Klang. Die Schwingungsformen lassen sich fließend zwischen Sägezahn und Rechteck überblenden. Zusätzlich kann man die Schwingungsform von Dreieck zu Sägezahn formen und hat zudem noch die Möglichkeit, die Pulsbreite des Rechtecks zu bestimmen.

Und da das alles auch als Modulationsziel zur Verfügung steht, ist bereits auf Oszillatorenebene einiges an Klangformung möglich. Dabei habe ich noch nicht einmal erwähnt, dass zusätzlich noch analoge Sync, FM und Ringmodulation vorhanden sind. Falls das immer noch nicht reicht, kann man darüber hinaus noch den analogen Modulation Oscillator auf hörbare Frequenz umschalten und diesen (optional) an die Tonhöhe koppeln.

Zwar verzichtet man beim Mod Oszillator auf Sync, PWM oder Ring Modulation. Die Nutzung als FM-Quelle ist aber möglich, indem man den Modulationsozillator auf die anderen Oszillatoren routet. Zudem stehen hier auch Filter Cutoff (1/2), PWM, VCA, Pan und PWM als Modulationsziele im direkten Zugriff. AM und PWM im hörbaren Bereich sind dadurch schnell umgesetzt und ermöglichen ein breites Spektrum an disharmonischen, metallischen und obertonreichen Sounds.

Zusammengefasst werden die einzelnen Signale anschließend im Mixer, wo man neben den drei Oszillatoren auch das Signal des Ringmodulators, sowie Rauschen einspeisen kann. Am Ende kann man mit Overload das Mixersignal noch vor der Filterstufe sättigen, was zu noch brachialeren Sounds mit kräftigem Tiefenschub führt.

Die Filtersektion

MOOG Muse besitzt zwei resonanzfähige Filter, die sich parallel, in Serie oder Stereo betreiben lassen. Das erste Filter bietet alternativ Hochpass als Betriebsart, sodass beide in Serie geschaltet auch einen Bandpass-Filter ergeben.

Im direkten Zugriff hat man hier neben der Modulationsintensität der Hüllkurven noch das Keytracking pro Filter. Per Wahlschalter wird bestimmt, ob es deaktiviert, oder bei 50 % bzw. 100 % liegt. Wer Zwischenwerte benötigt, kann das problemlos über die Modmatrix realisieren.

Über den MOOG-Filterklang muss man glaube ich kaum noch ein Wort verlieren. Es packt kräftig zu und verliert auch bei höherer Resonanz nicht allzusehr an Bass. Wer trotzdem noch kompensieren möchte, kann mit der bereits erwähnten Sättigunsstufe im Mixer das Bassfundament aufpumpen.

Umgekehrt – und das finde ich ziemlich praktisch – steht ganz am Ende der Signalkette ein weiteres Hochpassfilter (ohne Resonanz) bereit, um den sehr fetten Grundsound des MOOG Muse zu zähmen. Nicht nur für Live-Musiker dürfte das ein sinnvolles Feature sein, um den Muse schneller in den Mix zu integrieren.

Modulationsebe: Bewegung in die Sounds bringen

LFOs

Neben dem eben erwähnten Modulationsoszillator gibt es beim MOOG Muse drei weitere LFOs, die ebenfalls bis in den hörbaren Bereich reichen. Diese sind digital aufgebaut, was Puristen unter Umständen kritisieren, in der Praxis allerdings einige Vorteile mit sich bringt.

Man bekommt drei digitale LFOs mit verschiedenen Wellenformen, die sich an die Tonhöhe koppeln lassen und bei Bedarf bis in den Audiobereich reichen. Natürlich sind sie BPM-synchronisierbar und verfügen über Retrigger per Tastenanschlag.

Rein auf das Layout bezogen sind die ersten beiden LFOs konzeptionell „frei“ zuweisbar, während LFO 3 erstmal auf die Tonhöhe wirkt. Wie bei den anderen Funktionsgruppen auch, ist das aber nur eine theoretische Ausrichtung. Man kann LFO 3 problemlos anderen Dingen zuweisen, hat hier aber weniger Möglichkeiten als bei den anderen LFOs.

Diese überzeugen durch eine Vielzahl unterschiedlicher Schwingungsformen, die abseits von den Standards auch eine Auswahl an User-Modellen beinhalten. Importieren oder Zeichnen eigener Schwingungsformen wie beim MD 900 oder Waldorf Iridium sind zwar (noch?) nicht möglich. Trotzdem sind gerade die rhythmischen Muster bei den User-Schwingungsformen perfekt für elektronische Musik.

Die Hüllkurven

Moog Muse bietet zwei ADSR-Hüllkurven mit aktivierbarem Loop, eine davon ist per default dem Filter, die andere dem VCA zugewiesen. Wer dieses Routing auflösen möchte, um etwa die Tonhöhe eines Oszillators zu steuern, kann das fix über den Assign-Taster erledigen.

Mit dem Taster in der rechten Ecke der Sektion gelangt man wieder in Submenüs, in denen sich weitere Funktionen verstecken. Allen voran die Möglichkeit, den Verlauf einzelner Segmente zu beeinflussen, dürfte die Herzen vieler Sounddesigner schneller schlagen lassen. Im Standardmodus liefern die Hüllkurve diesen herrlich bauchigen Punch, den man von Moog kennt. Wer es noch knackiger oder gemächlicher möchte, bastelt sich hier seinen Traumverlauf zusammen.

Natürlich kann man nie genügend Modulationsquellen haben und auf den ersten Blick mag eine dedizierte Modulationshüllkurve fehlen. Aber man kann diese Funktion in den meisten Anwendungen auch durch geschickte Routings oder One-Shot-Modi bei den LFOs ersetzen.

Zuweisung der Spielhilfen

Besonders gut gelöst ist die schnelle Zuweisung der Controller Aftertouch, Modwheel etc. Wie bereits bei den LFOs reicht hier ein Druck auf den Assign-Taster, gefolgt vom Drehen des Zielparameters bis zur gewünschten Modulationsintensität, und abschließendes Bestätigen im Menü.

Modulationsmatrix des MOOG Muse

Wer noch weiter gehen möchte, etwa um Metamodulationen hinzuzufügen bei der eine dritte Modulationsquelle die Modulationsintensität bestimmt, kann dafür in die Modulationsmatrix abtauchen.

In insgesamt 16 Slots können jeweils Quellen einer Vielzahl an Zielen zugewiesen werden. In jeweils zwei weiteren Slots bestimmt man dann optional, ob weitere Modulationsquellen diese Intensität beeinflussen.

Hat man sich an die finale Bestätigung im Modulationsmenü gewöhnt, geht das Arbeiten mit der Matrix fließend von der Hand. Dieser zusätzliche Schritt verwirrte mich manchmal, da ich direkt vor dem MUSE ein Soundpack für den TEO-5 erstellte, bei dem auf diesen letzten Schritt verzichtet wird. Welche Lösung man bevorzugt, ist vermutlich Geschmackssache. Beide Varianten haben ihre Vor- und Nachteile.

Bei den Quellen fehlen mir zum Zeitpunkt dieses Tests noch ein paar Optionen, allen voran Random, Voice und Noise. Vieles kann man allerdings schon über die LFOs oder den Mod-Oszillator realisieren. Laut Moog ist das Potential auch noch nicht ausgeschöpft. So können wir in einem zukünftigen Update sicherlich noch weitere Quellen erwarten.

Arp und Sequencer

Ebenfalls recht prominent neben dem Hauptmenü platziert sind der Arpeggiator und Sequencer. Der Arpeggiator ermöglicht neben den obligatorischen Standards auch die Erstellung eigener Rhythmuspatterns.

Der 64-Step-Sequencer lässt sich live und in einzelnen Steps programmieren, oder er springt – wie etwa bei einem SH-101 – immer zum nächsten Step weiter, sobald eine Note (oder ein Akkord) gespielt wurde.

Anschließend stehen umfangreiche Modulationsmöglichkeiten zur Verfügung, um die Sequenzen abwechslungsreich zu gestalten. Wer gezielt in den Verlauf eingreifen will, kann im Menü die einzelnen Noten gezielt bearbeiten (z.B. Velocity oder Gate-Länge).

Sobald ihr mit dem Ergebnis zufrieden seid, könnt ihr die Sequenz in einem der 256 Sequence-Speicherplätzen verewigen oder mit anderen Sequenzen per Pattern-Chain verknüpfen.

Ein Feature, das ich auch bei anderen (multitimbralen) Synths schätze ist, dass man für den Arpeggiator und Sequencer bei beiden Timbres unterschiedliche Taktarten auswählen kann.

Delay-Effekt

Bevor wir zum Fazit kommen, möchte ich noch kurz den Delay-Effekt erwähnen. Moog hat hier einen hervorragend klingenden Algorithmus implementiert, der sich dank Diffusion auch in Richtung Reverb verschieben lässt.

Dank des integrierten Filters, Ping-Pong-Modi und BPM-Synchronität liefert das Delay ein breites Klangspektrum; von schnellen Slapback-Echos bis hin zu treibenden Dub-Delays.

MOOG Muse Test: Fazit

Zumindest für mich ist der MUSE eines der besten Instrumente, die MOOG bisher herausgebracht hat, ja sogar einer der besten analogen Polysynths, die ich bislang testen durfte. Bisher hatte ich aber immer auch eine gewisse Hassliebe mit den Moog-Klassikern. Denn nach einer anfänglichen Euphoriephase stellte sich meistens recht schnell Ernüchterung ein. Und zwar spätestens dann, wenn ich den dominanten Sound in den Mix integrieren wollte. Das liegt aber an mir und kann definitiv nicht Moog angelastet werden, die echt gute Instrumente bauen.

Und genau aus diesem Grund sollte man mein positives Feedback am Ende dieses Moog Muse Tests mit einer großen Portion Skepsis sehen. Vielleicht ist der Muse für die Enthusiasten des klassischen MOOG-Sounds eine herbe Enttäuschung? Kollegen von mir ziehen zum Beispiel den Matriarch-Sound dem des MOOG Muse jederzeit vor. Am besten ist es also, ihr probiert den Synth selbst aus.

Am Ende steht für mich der Sound, der mich total abholt: gewaltige Bässe, breite Pads, komplexe Leads, experimentelles Zeug. Gleichzeitig bietet der MUSE eine gut gemachte Benutzeroberfläche, die diese Vielseitigkeit ausgezeichnet beherrschbar macht. Auch für komplexes Sounddesign hat der MUSE eine Vielzahl spannender Features an Bord. Für mich ist der Muse ganz klar ein Gewinn für die Synthesizerlandschaft.

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Worauf sollte man bei einem Synthesizer für Dub Techno achten?

Bevor wir zu ein paar konkreten Produktempfehlungen komme, sehen wir uns ein paar Eigenschaften an, die ein Synthesizer für Dub Techno mitbringen sollte. Wie immer ist das nicht dogmatisch zu verstehen, sondern sollte eine grobe Orientierung liefern.

Grundsound

Der Grundsound ist wie so häufig Geschmacksache. Für mich teilt sich dieses Genre vor allem in warme Analogchords und etwas metallischer klingende FM-Chords auf. Damit seid ihr also sowohl mit den meisten Analogsynths also auch digitalen Klangerzeugern auf der richtigen Seite. Wichtig ist dabei, dass der Synth über mindestens dreistimmige Polyphonie verfügt, damit ihr Chords auch ausreichend flexibel variieren könnt. Ja, es geht auch mit monophonen Synths, sofern sie über drei Oszillatoren verfügen. Aber so richtig Spaß macht das nicht.

In den meisten Fällen kommt es allerdings weniger darauf an, dass die Synthesizer ohne Ende fett sind. Das Bassfundament liefert im Dub Techno gerne die Kick oder ein spezieller Bass-Synth, der sich dem Low End widmet.

Alternativ könnte sich auch der Einsatz eines Samplers lohnen. Selbst Gesamplete E-Pianos oder Orgel-Akkorde können bei entsprechender Nachbearbeitung eine sehr gute Ausgangsbasis für dubbige Chords bilden.

Eine gute Effektsektion

Dub Techno lebt von spannenden Effekten. Umso wichtiger ist es, auf eine gut ausgestattete Effektsektion zu achten, wenn man nicht vorhat, mit externen Effekten zu arbeiten, oder diese in der DAW hinzuzufügen. Allerdings kann man hier auch am ehesten Kompromisse eingehen, denn es ist recht einfach, nicht vorhandene Effekte zu ersetzen – im Gegensatz zu einem guten Grundsound.

Falls man aber den Ansatz verfolgt, alles in einem Gerät zu haben, sollten mindestens diese drei Effekte vorhanden sein: (Tape- oder Analog-) Delay, Reverb und ein Modulationseffekte wie Phaser oder Flanger. Dabei ist darauf zu achten, dass man mehrere Effekte gleichzeitig einsetzen kann.

Flexible Soundengine mit ausreichend Modulationsmöglichkeiten

War ich beim Thema Grundsound noch etwas schwammig, wird es jetzt konkreter: Dub Techno erzeugt seine Varianz über stark modulierte Klänge. Hierfür muss natürlich erst einmal eine ausreichend flexible Soundengine zur Verfügung stehen: Mehrere Hüllkurven und LFOs, verschiedene Oszillatoren, ein Multimodefilter (Bandpass wird im Dub Techno sehr häufig eingesetzt) und nicht zuletzt eine gut ausgestattete Modulationsmatrix bringen ordentlich Lebendigkeit in den Sound.

Die meisten FM Synthesizer bringen konzeptionell schon deutlich mehr Modulationsmöglichkeiten mit als viele Analogsynths. Denn hier werden die Lautstärken der einzelnen LFO jeweils mit eigenen Hüllkurven gesteuert. Nahezu immer gibt es dann noch LFOs und vielseitige FM-Algorithmen, um den Sound intensiv zu formen. Abstriche muss man hier häufig bei der Flexibilität der Oszillatoren machen. Gerade älteren Vertretern fehlt darüber hinaus noch ein Filter, um den Klang zusätzlich zu formen.

Die besten Synthesizer für Dub Techno

Und damit kommen wir jetzt zu ein paar Kaufempfehlungen, die ich selbst seit einiger Zeit einsetze und bedenkenlos (nicht nur) für dieses Genre empfehlen kann.

Twisted Electrons MEGAfm

Diese Liste eröffnet der MEGAfm von Twisted Electrons (zum MEGAfm Test). Der 4-Operatoren FM Synthesizer ist nicht nur aufgrund seiner einladenden Bedienung ein echter Geheimtipp für Dub Techno. Denn durch den charaktervollen Sound mit all seinen Nebengeräuschen, bitreduzierten Eigenheiten und Übersteuerungen, erzeugt der MEGAfm perfekt den organischen Vibe von Dub Techno. Um diesen organischen Schmutz in die Produktion zu bekommen, müsste man andernorts schon einiges an Nachbearbeitung mit einplanen. Der MEGAfm liefert das bereits ab Werk.

Nun sollte man sich beim MEGAfm aber zwei Dinge bewusst machen: Erstens besitzt der Synthesizer keine interne Effektsektion und die ist für Dub Techno zwingend nötig. Hier muss man also noch externe Effekte mit einkalkulieren, wenn man den Synth ohne DAW nutzt. Zweitens benötigt man etwas Zeit, bis man den Sound des MEGAfm in all seinen Nuancen erfasst hat und gezielt ins Sounddesign einsteigen kann. Vor allem die schnelle Übersteuerung, wenn man den Lautstärkeregler über fünzig Prozent zieht, ist für einige Nutzer erstmal ungewohnt. Hat man sich aber erst einmal darauf eingestimmt, ist der MEGAfm die perfekte Basis für Dub Techno.

Korg opsix MKII

Der opsix MKII von Korg ist ein umfangreich ausgestatteter 6 OP FM Synthesizer mit zusätzlicher subtraktiven Synthese und einer komplexen Oszillatorsektion mit eigenen Filtern und Waveshaping. Kein Wunder also, warum der Synth im Korg opsix Test so gut abgeschnitten hat. Hinzu kommt noch eine recht intuitive Bedienung, die den opsix auch für den Live-Einsatz als Synthesizer für Dub Techno prädestiniert.

Der Soundcharakter des opsix reicht von sphärisch weich bis hin zu körnig und metallisch. Im Prinzip liefert der opsix also die komplette Farbpalette an typischen Dub Techno Sounds. Im direkten Vergleich mit dem MEGAfm fehlt ihm manchmal allerdings das letzte Quäntchen an Charakter. Dafür bietet der opsix eine umfangreich ausgestattete Effektsektion, wodurch man sich im Live-Einsatz ein paar Effekte sparen kann.

Waldorf Iridium

Apropos Flexibilität: Mit dem Iridium kommen wir jetzt zum absoluten Soundchamäleon. Eigentlich ist es alleine schon aufgrund des Preisunterschieds nicht ganz fair, dieses Schlachtschiff mit in die Liste aufzunehmen. Da sich der Iridium aber aufgrund einer extrem flexiblen Soundengine inklusive FM, VA, Granularsynthese, Physical Modelling und Wavetables perfekt für alle (Dub) Techno Spielarten eignet, durfte er in dieser Liste nicht fehlen.

Der Grundsound ist typisch für neuere Waldorf-Synths, also eher im HiFi-Bereich. Mit der gezielten Kombination von Sampling und anderen Synthesen sind aber auch verrauschte Pads und deepe Chords überhaupt kein Problem. Vor allem, wenn man sich mal vor Augen führt, dass der Iridium pro Oszillator (!) einen kompletten Yamaha DX7 Synth mit sechs Operatoren nachbilden kann. Nutzt man den Iridium dann bitimbral, wären das bis zu sechs DX7 gleichzeitig. Oder eben eine wilde Kombination aus unterschiedlichen Syntheseformen.

Lediglich die Effektsektion ist mir hier etwas zu hochpoliert. Hier würde ich mir etwas mehr Flexibilität wünschen. Denn Dub Techno lebt gerade Live vom lebendigen Effekteinsatz und da sind die gebotenen Hall- und Delayalgorithmen eher hochwertig klingende Standardkost.

Elektron Digitone 2

Mit dem Elektron Digitone schaffte es neben dem MEGAfm ein zweiter 4 OP FM Synthesizer in dieser Liste. Zusätzlich zur FM Klangerzeugung bietet der Digitone allerdings noch einen recht umfangreichen Sequencer, subtraktive Synthese und ein übersichtliches Display.

Klanglich würde ich dem Digitone eher eine gewisse Melancholie zuschreiben, oder mit anderen Worten, der Digitone klingt im Vergleich zum MEGAfm deutlich cleaner und mittiger. Dub Chords sind hiermit problemlos möglich, allerdings muss man schon etwas tricksen, um dem kompakten Synth das Rauschen beizubringen, was ein essentieller Bestandteil im Dub Techno ist. Dafür bietet der Digitone allerdings eine extrem gute Effektsektion. Das Delay erzeugt mit wenigen Tricks echt gute Tape Echo Sounds (zum Elektron Digitone Sounddesign Tutorial), das Reverb besitzt genau die atmosphärische Dichte, um sphärische Pads zu erzeugen.

Novation Peak

Der achtstimmig polyphone Hybridsynthesizer Peak von Novation ist ebenfalls ein sehr guter Kandidat für Dub Techno, wenngleich hier der Fokus eher auf den warmen Analogchords liegt. Auch wenn der Peak über rudimentäre FM-Fähigkeiten verfügt, sind scheppernde Metallsounds nicht so leicht umsetzbar. Dafür punktet er mit einem guten analogen Multimodefilter, einer umfangreichen Modmatrix und einer flexiblen Oszillatorsektion.

Die internen Effekte klingen ausgezeichnet, wodurch man sich externe Effekte für den Live-Einsatz sparen könnte. Ein gutes Effektpedal für Dub-Delays würde ich aufgrund des spontaneren Eingriffs zwar mitnehmen, aber wenn man leicht reisen muss, geht es auch ohne. Der Vorteil des Peaks gegenüber den anderen Vertretern in dieser Liste liegt in der übersichtlichen Bedienung, die sich selbst Einsteigern schnell erschließt.

Fazit: Die besten Synthesizer für Dub Techno

Ich hätte diese Liste noch um weitere Modelle ergänzen können, aber als Startpunkt sollte das erstmal ausreichen. Meine zwei Favoriten sind zum einen der MEGAfm von Twisted Electrons. Dieser FM-Synth bietet einen organischen Klang, der allerdings auch mit Effekten gezähmt werden möchte. Wer auf frühere Rhythm & Sound oder Basic Channel Produktionen steht, wird die kleine Dreckschleuder schnell ins Herz schließen. Wem das Konzept zu puristisch ist, findet mit dem opsix von Korg einen würdigen Ersatz, der nicht nur gut klingt, sondern auch ziemlich flexibel ist.

Quasi als Gegenpol zu den beiden ist der Iridium mein zweiter Favorit, der aber eher auf der cleanen Seite des Klangspektrums steht. Die komplexe Klangsynthese ist im Hardware-Bereich derzeit fast alternativlos. Die Vielseitigkeit bezahlt man wiederum mit einer recht anspruchsvollen Lernphase. Denn um das volle Potential des Iridiums auszuschöpfen, muss man tief in die Kernel-Ebene einsteigen. Das lohnt sich zwar, allerdings sollte man davon etwas Abstand nehmen, wenn man keinen Spaß am Lesen von Bedienungsanleitungen hat.

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Vorweg: Modular Systeme sind konzeptionell mehr noch als normale Synthesizer auf persönliche Präferenzen zugeschnitten. Was für mich funktioniert, kann für euch vielleicht eine völlig falsche Empfehlung sein. Daher geht es hier mehr um grundsätzliche Dinge für den Start als um konkrete Modulempfehlungen. Ich werde mich auch auf das Eurorack-Format beschränken. Zum einen, weil es dort die größte Auswahl gibt und zum anderen, weil ich schlicht mit den anderen Formaten kaum praktische Erfahrungen gesammelt habe. Wenn ihr trotzdem etwas Starthilfe benötigt, findet ihr im Artikel Modularsystem für Einsteiger eine Auswahl der wichtigsten Module inklusive Kaufempfehlungen.

Semimodulare Synthesizer als Einstieg nutzen

Wieso lobe ich einleitend die Flexibilität modularer Synthesizer, um direkt nach der Einleitung wieder auf ein halb geschlossenes System hinzuweisen? Semimodulare Synthesizer wie etwa Behringer Crave, 2600, oder als flexible Spitzenlösung der Cascadia von intellijel besitzen fest vorgegebene Elemente. Im Gegensatz zu einem Modularsystem kann man also nicht mal eben einen Oszillator, Filter etc. austauschen.

Dennoch verfügen sie über Ein- und Ausgangsbuchsen, um den vorgegebenen Signalweg umzuleiten oder zu ergänzen. Für Einsteiger ist ein semi-modularer Synth daher aus fünf Gründen sinnvoll:

1. Ein semimodularer Synth erzeugt in der Regel Töne, ohne dass überhaupt ein Patchkabel gezogen werden muss. Das Frustrationspotenzial ist anfangs nicht so hoch.
2. Semimodulare Synthesizer laden zum Experimentieren ein: Mit den offenen Verbindungspunkten macht man erste Gehversuche beim Patchen. Schnell stellt man dabei fest, ob einem diese Art der Klangerzeugung überhaupt liegt.
3. Semimodulare Synthesizer sind meistens günstiger als die Summe der einzelnen Komponenten, würde man sich ein Modularsystem zusammenstellen.
4. Man kann semimodulare Synths später problemlos mit einem Modularsystem erweitern.
5. Netzteil und Gehäuse wurden vom Hersteller auf die vorhandenen Möglichkeiten des semimodularen Synths optimiert. Dadurch entfällt die Rechnerei, wie groß ein Netzteil dimensioniert sein muss, um alle verbauten Module zu versorgen. Das ist zwar kein großer Akt, kann aber ein weiterer Stolperstein bei den ersten Schritten sein.

Kaufempfehlung: semimodulare Synths für den Einstieg

Modular System zusammenstellen: Mischung aus Hi-End und Budgetlösungen

Wenn Geld keine Role spielt, kann man diesen Punkt getrost überspringen. Die meisten werden aber sicherlich nur ein begrenztes Budget zur Verfügung haben und stehen am Anfang vor der Frage, wo man sparen kann und wo man besser auf hochwertige Komponenten setzt.

Meine Philosophie ist eher wenig hochwertiges Equipment als viel Billigkram zu kaufen. Der Preis ist im Modularsegment allerdings nicht immer ein guter Indikator. Denn mit der Modulflut tummeln sich einige Unternehmen da draußen, die einem sprichwörtlich Mist für Gold andrehen wollen. Daher gibt es für mich vor allem zwei wichtige Kriterien für die Modulauswahl:

1. Soll das Modul Töne erzeugen oder aktiv Klänge verformen?

Sobald das Modul Bestandteil des Audiosignalwegs ist, sollte die Qualität entsprechend hoch sein. Man kann fast jeden Sound in Richtung LoFi und Noise verbiegen. Umgekehrt ist das schon deutlich schwieriger. Hochwertige Module sind sehr gut intern abgestimmt, das heißt die Regler reagieren effizient auf kleine Änderungen und ermöglichen selbst feinste Einstellungen. Die Haptik ist ein weiterer Faktor. Wie fühlen sich die Regler, Taster und Schalter an? Wackeln sie oder sitzen sie fest mit der Oberfläche verschraubt? Ist der Regelweg zu leichtgängig oder sind Änderungen nur unter erheblichem Kraftaufwand möglich?

Bei Modulen die fast ausschließlich zur Modulation eingesetzt werden, kann man eher mal sparen. Hier sollten die Regler etc. natürlich ebenfalls gut verarbeitet sein – der Anspruch an die Klangerzeugung kann aber etwas in den Hintergrund geraten. Sicherlich ist es schöner, wenn die Frequenz eines im Hörbereich schwingenden LFO auch sauber an die Tonhöhe gekoppelt werden kann. Hier würde ich aber mit dem Kompromiss leben, den LFO als Klangerzeuger nur über drei bis vier Oktaven nutzen zu können und dafür etwas Geld zu sparen.

2. Die Funktionsdichte

In kleinen Systemen kommt es häufig darauf an, möglichst viele Funktionen auf engem Raum zu haben. Hersteller wie Mutable Instruments, Intellijel oder 1010music haben sich hierauf spezialisiert. Der Schlüssel liegt in komplett digitalen oder Hybridmodulen, die digitale Funktionen mit analogen Komponenten vereinen. Mitunter schlagen sich hier ein größerer Programmier-Entwicklungsaufwand und Komponenten wie Display oder Speicher auf den Preis nieder. Und auch bei rein analogen Multifunktionsmodulen oder gar kompletten Synthesizerstimmen fürs Eurorack erhöht die Funktionsdichte in der Regel auch den Preis für ein einzelnes Modul.

Andererseits ersetzt so ein Modul häufig mehrere Einzelmodule, was in der Summe dann wieder günstiger sein kann. Vor allem ist das sinnvoll, wenn man mehrere nicht häufig genutzte Einzelmodule mit so einem Schweizer Taschenmesser ersetzt.

Beim Netzteil des Modularsystems nicht sparen!

Das Netzteil des Modularsystems sollte möglichst ausreichend dimensioniert sein. Schlechte Netzteile erzeugen unter Umständen hörbare Störsignale oder „eiernde“ Tonhöhen, da die Spannung nicht gleichmäßig sauber oder unterdimensioniert ausgegeben wird.

Die Spannungsanforderung an das Netzteil ergeben sich zum einen aus der Anzahl der Module und zum anderen aus dem Stromverbrauch der ausgewählten Module. Achtet dabei sowohl auf die Werte bei der positiven (+12 V) als auch bei der negativen Stromabgabe (-12 V) und besorgt euch im Idealfall gleich ein Netzteil, das zusätzliche 5 V ausgibt.Besonders durch Verwendung von Röhren, DSPs, Displays und mechanischen Komponenten – wie etwa beim Laufwerk des T-Rex Replicator Delay – können einzelne Module erheblich mehr Strom ziehen als andere.

Ich würde daher immer den Strombedarf aller geplanten Module zusammenrechnen und anschließend noch einmal 50 % Leistung zusätzlich einkalkulieren. Selbst wenn ihr es anfangs nicht benötigt: Solltet ihr vorhaben auf ein größeres System umzusteigen könnt ihr das Netzteil gleich weiterverwenden.

Ob ihr Bus-Boards oder lose Flying Bus Cables verwendet, ist Geschmacksache. Anfangs fand ich die lose Variante besser, da man die Anschlussstecker freier im System bewegen kann. Mittlerweile bevorzuge ich Bus-Boards, da man diese besser im Gehäuse befestigen kann und das beim Austausch einzelner Module aufgeräumter wirkt.

Das richtige Gehäuse für sein Modular System finden

Gehäuse für Modular Systeme gibt es mittlerweile reichlich. Viele Hersteller setzen auf eigene Lösungen und preislich ist vom sparsamen 70 € Rack-Mount-Kit bis hin zur leeren Modularschrankwand für einige tausend Euro alles drin. Bei den Gehäusegrößen sind vor allem drei Werte wichtig:

• „TE bzw. HP“ gibt die Gesamtbreite an, die für den Einbau aller Module maximal zur Verfügung steht. Für die einzelnen Module geben Hersteller ebenfalls diese normierte Angabe an, sodass man sich recht gut ausrechnen kann, wie viel Platz für die Wunschkonfiguration vorhanden ist.
• „U bzw. HE“ gibt die Höheneinheiten an. 3 U entspricht dem Eurorack-Standard für die Modulhöhe einzelner Module.
• Tiefe des Systems.
  Hierbei muss man zwei Dinge beachten: Besonders flache Gehäuse, auch „Skiff“ genannt sehen zwar sehr stylisch im Desktopformat aus, möchte man das System aufrecht stellen, ist eine Rack-Konstrunktion oder ein spezieller Ständer notwendig. Auch ist nicht jedes Modul kompatibel zum Skiff-Format und lässt sich dann aufgrund der Modultiefe nicht mehr einbauen.

Ein Beispiel zur Verdeutlichung: Wir planen ein System mit 10 Modulen. Zur Vereinfachung hat jedes Modul eine Breite von 8 TE. 10 Module mal 8 TE ergibt eine Mindestanforderung an unser Gehäuse von 80 TE. Ob sich diese 80 TE nun in einer Reihe (3 U, 80 TE) oder in zwei Reihen (6 U, 40 TE) aufteilen spielt keine Rolle.
Viele Modular-Cases auf dem Markt haben eine Größe von 84 TE bei einer Reihe (3U). Damit bekommen wir unsere 10 Module unter und hätten sogar noch Platz für ein schmaleres Modul mit nur 4 TE.

Worüber man sich vor dem Kauf klar sein sollte

Nachdem nun die wichtigsten Begriffe geklärt sind. sollte man sich vor dem Kauf des Cases folgende Fragen stellen:

• Wie groß soll mein Modularsystem maximal werden?
• Möchte ich das Modularsystem häufiger mitnehmen?
• Plane ich eher in die Höhe oder in die Breite?

Die erste Frage hängt zum einen vom verfügbaren Budget ab, soweit logisch. Allerdings bezieht sich das nicht nur auf das Case selbst, sondern auch auf die einmal darin enthaltenen Module. Plant also großzügig. Je größer euer System wird, umso leistungsfähiger muss auch das enthaltene Netzteil sein.

Plant ihr regelmäßig mit dem System unterwegs zu sein? Wollt ihr nach jeder Session zuhause lieber ein aufgeräumt verstautes Köfferchen sehen? Dann empfehle ich gleich, etwas mehr Geld für ein transportfähiges Case auszugeben. Gerade im Tour-Alltag kommt es auf jedes Kilo an. Gute Anbieter für robuste Modularcases sind Intellijel, Make Noise und Erica Synths.

Was wird ein Modular-Case kosten?

Alle drei Cases liegen bei rund 650 € und bringen ein ausreichend groß dimensioniertes Netzteil gleich mit. Mit rund 450 € ist das A-100 P6 Travel Case von Doepfer etwas günstiger. Ein Netzteil ist hier ebenfalls enthalten und das Gehäuse ist sehr stabil. Allerdings wirkt es auch etwas grobschlächtiger und bringt mehr Gewicht auf die Waage als die anderen Vertreter.

Wenn ihr ohnehin vorhabt, das System nur im Studio zu nutzen, kann man getrost zu günstigeren Varianten greifen. Do it yourself ist ebenfalls eine gute Option. Zumindest den Rahmen kann man sich erstmal aus Kartons zurechtschneiden (selbst erprobt), die Legokiste des Neffen plündern oder vier Holzlatten aneinander schrauben. Denkt dabei nur daran, nicht beim Netzteil und den Bus-Boards zu sparen und alle Kabel und Platinen so zu verbauen, dass man im laufenden Betrieb nicht an die Kontakte kommt.

Budgetlösungen für Modular Systeme

Als relativ günstige Lösung für den Einstieg hat Behringer mit dem System 100 ein ziemlich gutes Basissystem vorgelegt. Mit rund 700 €, davon fallen 500 € auf die Module und 200 € auf das Gehäuse, ist es nicht nur preiswert, sondern klingt dabei auch hervorragend. Hier geht es zum Behringer System 100 Test.

Sehr hilfreich ist auch die Seite Modulargrid. Dahinter verbirgt sich ein Modularkonfigurator inklusive gigantischer Moduldatenbank. Dort könnt ihr euer System planen, Gehäuse und -größen auswählen und bekommt sogar den Stromverbrauch eurer Auswahl angezeigt.

Ihr solltet nur die Filter so anlegen, dass a) nur verfügbare Module und b) nur fertig gebaute Module angezeigt werden, falls ihr nicht selbst den Lötkolben schwingen wollt. Eure Systemideen lassen sich speichern und jederzeit wieder aufrufen oder teilen. Letzteres ist super, wenn man sich in Foren zusätzlich Rat von anderen Usern holen möchte.

Ich hoffe, der Artikel hat euch bei den ersten Schritten geholfen. Wenn ihr weitere Fragen zum Thema Modular System zusammenstellen habt, hinterlasst gerne einen Kommentar.

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Minimoog-Clones: Das sind die besten Alternativen für den legendären Moog-Sound

Damit ein Synth den legendären Minimoog-Sound liefert, benötigt es eigentlich nicht so viel:

• Ein 24 dB Moog-Ladder-Filter
• Drei Oszillatoren mit den Schwingungsformen Dreieck, Sägezahn auf / ab, sowie Pulswelle in drei verschiedenen Breiten
• Zwei ADSR-Hüllkurven (wobei Release und Decay alternativ aktivierbar sind)
• Noise und Feedback
• Audioeingang

Das ist jetzt sehr vereinfacht dargestellt. Denn neben den trockenen technischen Daten spielen natürlich auch die verwendeten Bauteile, technischen Layouts, sowie das einzigartige Bedienkonzept eine entscheidende Rolle für den Erfolg. Die folgenden Alternativen bieten nahezu alles, gehen aber hier und da einen etwas anderen Weg.

Studio Electronics SE-3X

Bereits in den 80er Jahren gründete Studio Electronics ihr Konzept darauf, alten Minimoogplatinen in neuen Gehäusen Leben einzuhauchen. Was mit dem sogenannten Midimini begann, hatte etliche weitere Synthesizermodelle zur Folge; ohne aber den Ursprung völlig zu ignorieren.

Jüngster Sprössling ist der Studio Electronics SE-3X (Test), eine Iteration der besonders in den USA beliebten SE-1-Serie. In dem 19″-Rack-Synthesizer ist der Geist des Minimoog noch ganz klar zu spüren. Sowohl Konzept als auch der typisch fette Sound sprechen eine klare Sprache. Preislich liegt er mit knapp 3000 Euro aber auch ganz klar am oberen Ende. Zwar immer noch günstiger als ein Original, aber eben auch nichts für einen Spontankauf.

Im Vergleich zum Original empfinde ich den SE-3X etwas härter im Gesamtsound. Gleichzeitig bietet er aber auch eine deutlich umfangreichere Klangerzeugung mit mehreren Filtermodellen, Pulsbreitenmodulation, etlichen Modulationsquellen und Overdrive-Schaltung. Man könnte auch sagen, der SE-3X ist eine moderne Version des klassischen Minimoog. Wer tiefer einsteigen möchte, dem sei noch der Studio Electronics SE-3X Test ans Herz gelegt.

Roland SE-02

Falls ihr euch für den Studio Electronics Sound begeistern könnt, aber nicht mal eben 3000 € übrig habt, sei euch direkt ein weiterer Synth ans Herz gelegt: In Kooperation mit Roland schuf Studio Electronics einen vollanalogen Minimoog-Clone, der nicht nur phänomenal klingt, sondern auch mit Speicherplätzen und Delay-Effekt punktet.

Leider hat der SE-02 einen recht durchwachsenen Ruf. Das liegt allerdings weniger am Sound, sondern am etwas zu sadistischen Schrumpffaktor. Ich bin echt nicht kleinlich und auch ein Freund von kompakten Geräten. In diesem Fall kann ich die Kritik aber nachvollziehen: Die Drehregler liegen mitunter schon sehr eng beieinander und die Miniaturausführung hilft nicht gerade dabei, den SE-02 lieb zu gewinnen.

Klanglich ist der SE-02 aber über alle Zweifel erhaben, weswegen ich ihn nicht nur als einen der besten Bass-Synthesizer sehe, sondern generell als einen der am meisten unterschätzten Synths der letzten Dekade. Unbedingt ausprobieren!

Behringer Model D: Minimoog-Clone zum Budget-Preis

Schnörkellos präsentiert sich der Model D von Behringer. Der günstige Minimoog-Clone war die erste Kopie einer Synthlegende aus dem Hause Behringer. Viele weitere sollten folgen und, soviel kann man festhalten, die meisten klingen richtig gut.

So auch der Model D, der dem Original nicht nur konzeptionell sehr nahe kommt. Auch klanglich weiß der Synthesizer zu überzeugen. Zusätzlich zu USB, MIDI und Audioanschlüssen spendierte Behringer dem Model D eine kleine Auswahl an Patchbuchsen, um ihn komfortabel in modulare Umgebungen zu integrieren.

Verzichten muss man beim Model D dafür auf Speicherplätze oder automatisierbare Regler. Wem das wichtig ist, der muss zum Roland SE-02 oder dem SE-3X greifen. Allen anderen sei der Model D ans Herz gelegt: Denn selbst fürs gelegentliche Moog-Flair ist der Model D bei dem Preis eine klare Empfehlung. Hier geht es übrigens zum Behringer Model D Test.

Behringer Poly D

Ein paar Nummern größer richtet sich Behringer mit dem Poly D an alle, die nicht auf eine Tastatur verzichten wollen. Der Poly-D ist zwar nicht ganz so kompromisslos am Model D dran. Dafür bekommt man hier einen weiteren Oszillator, Sequencer, Distortion und Chorus on top. Letzterer klingt ok und auch die Distortion-Einheit ist eher eine nette Dreingabe.

Aber das Gesamtpaket stimmt hier total. Richtig satter Moog-Sound, dazu Hardware, die sich überraschend hochwertig anfühlt, sowie die 4-fache Paraphonie sind klare Argumente für den Poly-D.

Verzichten muss man hier auf die Patchbuchsen des kleinen Bruders. Auch Speicherplätze für eigene Sounds fehlen. Das hatte aber auch der originale Minimoog nicht.

Moog Grandmother: Nicht direkt ein Minimoog-Clone, aber starker Retro-Sound

Da es sich schlicht nicht richtig anfühlt, eine Sammlung der besten Minimoog-Clones ohne ein Produkt aus dem Hause Moog vorzustellen, kommt hier eine weitere Alternative. Denn einen authentischen Retrosound bringt auch der Moog Grandmother. Zwar orientierte man sich beim Grandmother eher an Komponenten aus dem eigenen Modularsystem. Trotzdem kann man dem Grandmother eine klangliche Nähe zum Minimoog nicht absprechen.

Verzichten muss man hier zwar auf den dritten Oszillator und die zweite ADSR-Hüllkurve. Dafür bekommt man einen separaten LFO, Sequencer und Arpeggiator, sowie einen Federhall. Klanglich fast noch wichtiger ist aber die Möglichkeit, Oszillator zwei zum ersten Oszillator zu synchronisieren. Das ist etwas, das dem originalen Minimoog fehlte und die Klangpalette noch einmal erheblich erweitert.

Wer also authentischen Retro-Moog-Sound sucht, aber nicht ganz exakt an der Minimoog-Struktur hängt, sollte sich unbedingt mal den Grandmother ansehen. Der Synthesizer klingt richtig gut.

Moog Minimoog Reissue

Noch näher dran – vor allem auch was Look & Feel betrifft, ist man mit der offiziellen Reissue von Moog. Wer über das nötige Kleingeld verfügt, holt sich einfach das Original als Neuauflage ins Haus.

Fazit: Die besten Minimoog Clones

Wer sich den legendären Moog-Sound ins Studio holen möchte, findet glücklicherweise etliche gute Alternativen für alle Budgets. Ob Speicherplätze, maximale Originaltreue oder zusätzliche Features wichtiger sind, liegt am Ende immer auch am Einsatzzweck. Im Studio kann man meistens auf Speicherplätze verzichten, live muss man dafür schnell zwischen unterschiedlichen Settings umschalten.

Klangliches Volumen und Retrosound bieten alle der hier vorgestellten Minimoog-Clones, wenngleich die Fraktion von Studio Electronics (SE-3X und SE-02) insgesamt noch etwas härter und moderner klingt. Demgegenüber stehen die Moog- und Behringer-Varianten, die etwas stärker in die Retrorichtung tendieren. Wir sprechen hier aber über Nuancen. Eine finale Entscheidung sollte daher eher aufgrund von anderen Parametern wie Tastatur, Speicherplätzen, Zusatzfeatures, oder schlicht dem verfügbaren Budget erfolgen.

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Neben TB-303, Minimoog, TR-808 und TR-909 hat auch der Roland SH-101 den Sound der elektronischen Musik maßgeblich mitgeprägt. Durch den runden Klang, der bei fast allen Einstellungen immer gut klingt, konnte sich der SH 101 eine große Fangemeinde aufbauen. Und so überrascht es nicht, dass originale Modelle auf dem Gebrauchtmarkt stetig im Preis steigen. Wer auch mit einem Roland SH-101 Clone leben kann, findet heutzutage zum Glück etliche gute Alternativen, sei es in Hardware-Form oder als SH-101 VST. Die besten davon zeigt diesere Artikel.

• Die besten SH-101 Hardware-Clones
  • Behringer MS-1: Analoger SH-101 Clone
  • Roland SH-01a
  • Roland S-1
  • Donner L1 Essential
  • Intellijel Atlantix
• Die besten Roland SH-101 VST PlugIns
  • D16-Group-LuSH-2
  • Softube Model 82
  • TAL Bassline 101
  • Roland Cloud SH-101
• Fazit: Die besten SH-101 Clones

Roland SH-101 Clones: Hardware

Kommen wir zunächst zu den Hardware-Alternativen. Im Gegensatz etwa zu einer TB-303 gibt es vom SH-101 nicht ganz so viele Varianten, aber letztlich ist ja nicht die Quantität, sondern die Qualität entscheidend.

Behringer MS-1: Analoger Roland SH-101 Clone

Den Auftakt macht Behringer, der mit dem MS-1 einen SH-101 Clone auf den Markt gebracht hat, der dem Original zumindest in seiner Erscheinungsform am nächsten kommt.

Auch klanglich gibt es hier sehr viele Überschneidungen. Abstriche muss man beim MS-1 vor allem beim Noise machen, das hier deutlich heller klingt als beim originalen SH-101. Der VCOs ist ingesamt sehr gut getroffen, ebenso wie das Filter. Wenn aber alle Elemente – also auch Envelope und LFO – in Kombination miteinander genutzt werden, tendiert der MS-1 von Behringer zu einem etwas härteren Klang. Das sind nur Nuancen, aber diese herrliche Melancholie des Originals fehlte mir beim MS-1 einfach. Ebenso fehlt dem MS-1 die Portamento-Option des Originals, bei der Portamento ständig aktiv ist.

Andererseits bietet der MS-1 einige Mods (Nova Mod mit FM) und Speicherplätze für eigene Sequenzen, die man beim Original erst nachrüsten müsste. Wem das wichtiger ist als eine maximal authentische Nachbildung, kann bedenkenlos zur Behringer-Variante greifen.

Der Behringer MS-1 macht einen hervorragenden Sound, aber wenn das Ziel ist, möglich nah am Original zu sein, konnte mich Rolands SH-01a sogar etwas mehr überzeugen. Und das, obwohl es sich hierbei um einen digitalen SH-101 Clone handelt.

Übrigens steht mit dem Behringer MS-1 MKII bereits ein Nachfolger mit angeblich verbesserten Bauteilen in den Startlöchern. Ich bin schon gespannt, wie sich dieser schlägt.

Roland SH-01a

Der zweite SH-101 Clone kommt aus dem Hause Roland selbst. Zwar ist das winzige Boutique-Format nicht jedermanns Sache, der SH-01a bringt, rein aufs Sounddesign bezogen, dennoch den SH-101 Workflow gut rüber. Wichtiger aber ist, dass der SH-01a auch klangleich eine sehr gute Figur macht. Gerade bei eher weichen und melancholischen Sounds finde ich den SH-01a sogar am überzeugendsten von den Hardware-Clones.

Zusätzlich bietet der SH-01a bis zu vierfache Polyfonie, Unisono und erweiterte LFO-Schwingungsformen. All das ergibt mit dem tollen Grundsound richtig Sinn, weshalb ich den Roland SH-01a auch als polyfonen Sweetspot-Synth sehr gerne einsetze.

Nicht ganz so wichtig, aber immerhin erwähnenswert ist, dass der Boutique-Synth sein eigenes USB-Audiointerface mitbringt und auch im kleinsten Reisegepäck noch Platz findet.

Roland S-1

Noch kleiner, günstiger, flexibler als der SH-01a – und zudem mit ebenso gutem Sound – ist der Roland S-1 Aira Compact zu haben. Wer keine Probleme mit Kleinstgeräten hat, findet hier eine überzeugende Lösung. Der S-1 besitzt alle Features des SH-01a und erweitert dessen Klangerzeugung auf Oszillatorebene.

Zusätzlich gibt es interne Effekte – also eine ideale Packung für den Live-Einsatz. Allerdings fehlen hier die praktischen Fader, die für mich persönlich einen wesentlichen Teil des SH-101-Workflows ausmachen.

Donner L1 Essential

Klanglich weiß auch der Donner L1 Essential zu überzeugen: Mit dem bauchigen Rechteck gelingen schnell typische Acidlines, Sägezahn und Suboszillator erzeugen mit etwas Pitch-Modulation sofort BoC-Vibes, und dank Dreieck sind auch schiebende Subbässe schnell umgesetzt.

Das Filter klingt auch bei hohen Resonanz-Werten gut und die 64 Steps lassen sich intuitiv programmieren. Beides sind Punkte, die ich etwa beim Behringer MS-1 im Vergleich nicht vollends überzeugend fand. Auch die zweite Hüllkurve, sowie zusätzliche Pitchmod über die Hüllkurve sind eine willkommene Ergänzung.

Für das gleiche Geld des Donner L1 Essential bekommt man allerdings auch einen Roland SH-01a oder die noch kleinere Variante Roland S-1. Beide bieten Polyfonie und Speicher, sind aber nicht analog und man macht bei der Größe Workflow-Abstriche.

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Intellijel Atlantix

Vorweg: Das Atlantix-Modul von Intellijel ist von den hier vorgestellten SH 101 Clones am weitesten vom Klang eines SH-101 entfernt. Da sich das Modul an vielen Stellen aber stark am Workflow des SH-101 orientiert und hier und da klangliche Nähen bestehen, wollte ich es als Alternative fürs Eurorack-System mit aufnehmen.

Denn der Sound des Intellijel Atlantix ist durchaus kraftvoll, wenngleich härter als der des SH-101. Bauchige Pulswellen und Acidgezwitscher liegen ihm ebenso, wie komplex modulierte Experimentalsounds. Hier bietet das Atlantis-Modul dank der vielen Patchpunkte und des schnell schwingenden LFOs ein immenses Potential. Wer es also nicht allzu genau mit dem SH-Sound nimmt, bekommt hier guten Workflow mit zahlreichen klanglichen Déjà-vus.

Die besten Roland SH-101 VSTs

Falls ihr ein DAW-basiertes Studio betreibt oder schlicht kein Budget oder Platz für einen Hardware SH-101 Clone vorhanden ist, gibt es auch einige gute SH-101 VST Alternativen. Das sind die besten SH-101 Plugins.

D16 Group LuSH-2

Mit dem Lush-2 hat D16 Group sein schickes SH-101 VST „LUSH-101“ noch einmal kräftig erweitert. Der ohnehin schon gute Sound wurde mit dem Nachfolger noch ein gutes Stück verbessert und um etliche Funktionen erweitert. LuSH-2 bietet einen authentischen Sound, punktet aber vor allem durch die umfangreichen Zusatzfeatures. Dazu zählen zahlreiche Moddings, eine umfangreiche Modulationsmatrix, Polyphonie und sogar Multitimbralität. Der Klang ist überzeugend, wenngleich Softube mit dem Model 82 noch ein Stück näher am Original ist.

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Softube Model 82: Authentisches SH-101 VST

Der jüngste SH-101 VST Clone kommt von Softube, die ihr ursprünglich auf Effekte und Dynamikprozessoren fokussierte Portfolio, sukzessive um gut klingende Synthesizer-Plugins erweitern.

In dieser Tradition steht auch das Softube Model 82: Hier hat man sich schnörkellos an der Architektur des Originals orientiert. Hier gibt es ebenso wenig Polyfonie, wie klangliche Erweiterungen, mal abgesehen von Velocity, Aftertouch, Doubling und einem Overdrive-Regler.

Dafür liefert das Model 82 den Klang, der von allen hier vorgestellten Clones den des Originals am stärksten trifft. Runde Bässe, hohle Pulswellen-Leads und zwitschernde Acid-Lines sind mit dem Model 82 kein Problem. Bestimmt kann man in extremen Settings noch Unterschiede herauskitzeln. Einen Blindtest zwischen SH-101 und Model 82 zu bestehen würde ich mir aber nicht zutrauen. Das gilt allerdings auch für die gute Emulation von TAL, die im nächsten Abschnitt vorgestellt wird.

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TAL-Bassline-101: SH-101 Plugin zum Budget-Kurs?

Wenn man mal Rabattaktionen außen vor nimmt, bietet TAL das günstigste SH-101 VST Plugin auf dem Markt. Der Entwickler konnte bereits mit anderen Emulationen überzeugen und liefert auch mit der TAL-Bassline-101 wieder ab. Neben typischen Acid-Leads und SH-101-Bässen ist es vor allem die melancholisch-weiche Tiefe, die dieses SH-101 VST deutlich besser nachbildet, als etwa die Cloud-Variante von Roland.

Im direkten Authentizitätswettlauf liegt für mich das Softube Model 82 zwar noch eine Atomnasenlänge davor. Im Gegensatz zu diesem stattete TAL die Bassline-101 dafür mit Polyfonie, Filter FM und VCO-FM, sowie vielen anderen sinnvollen Tweaks aus, die dem Model 82 fehlen. Für mich wären das im direkten Wettbewerb mit dem Model 82 überzeugende Argumente, die für das Plugin von TAL sprechen. Denn der SH-101 klingt polyfon einfach super und die Erweiterungen ergeben klanglich total Sinn.

Alternativ könnte man natürlich auch mit der TAL-Version starten und bei einer der zahlreichen Rabattaktionen von Softube sich dann das derzeit authentischste SH-101 VST mit Retrofeeling ins virtuelle Studio holen.

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Zur Webseite TAL Bassline 101

Roland Cloud SH-101

Leider kommt die schwächste Emulation in dieser Liste wieder aus dem Hause Roland, die schon mit dem TB 303 VST oder den X0X Drum Machine VSTs nicht überzeugen konnten. Schwach deshalb, da einerseits das Filter bei diesem SH-101 Plugin nicht überzeugend getroffen wurde. Die Resonanz neigt in höheren Einstellungen zu Aliasing und das Filter wirkt irgendwie aufgesetzt und nicht in den Klang integriert.

Hinzu kommt, dass man hier auf den Sequencer des SH-101 verzichtet hat, der aufgrund seiner eigenwilligen Arbeitsweise wesentlich zum Workflow beiträgt. Da helfen auch eine separate ADSR-Hüllkurve oder weitere LFO-Schwingungsformen nicht, um diese Mankos auszublenden. Zumal die Konkurrenz einfach überzeugender abliefert. Trotzdem sei Rolands Variante für die Vollständigkeit hier mit erwähnt.

Fazit: Die besten Roland SH101 Clones

Rolands SH-101 steht für legendären Sound aller Sparten elektronischer Musik. Puristen werden weiterhin nicht um das Original herumkommen, wenn sie das Gesamtpaket aus absolut identischem Workflow und Sound suchen. Für alle anderen gibt es mittlerweile einige sehr gute Alternativen. Mein Hardware-Favorit ist Rolands SH-01a der neben einem authentischen Sound auch Polyfonie und extra LFO-Schwingungsformen bereitstellt.

Bei der Wahl nach dem besten Roland SH-101 Plugin ist es schon schwieriger, einen klaren Sieger zu benennen. Geht es primär um Authentizität, sehe ich Softube Model 82 und TAL-Bassline-101 vorne, mit minimalem Vorsprung seitens Model 82. TAL wiederum bringt Polyfonie und einige Tweaks wie Filter FM mit, die den Sound erweitern. Wenn sowohl umfangreiche Flexibilität als auch guter Sound gefragt ist, kommt man am LuSH-101-2 nicht vorbei.

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Donner L1 Essential auf einen Blick

• Monofoner Analogsynth, basierend auf dem Roland SH-101
• Kompaktes Format mit authentischem Sound
• Autoglide und Retrigger-Verhalten der Hüllkurve sind noch nicht optimal
• Lohnt sich für SH-101-Fans, als gut klingender Monosynth, oder als kompaktes Gerät für den Live-Einsatz
• KB-32m-Erweiterung nicht zwingend notwendig, aber praktisch

8.0 TOTAL SCORE

Donner L1 Essential

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Sound 9

Features 7

Bedienung 9

Preis/Leistung 7

PROS

• Authentischer SH-101 Sound
• Intuitiver Workflow
• Leicht und kompakt

CONS

• Sequencer hat noch ein paar Bugs

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Erster Eindruck: Verarbeitung und Haptik

Beim Auspacken der beiden Komponenten Donner L1 Essentials (der Synthpart) und dem KB-32m (das Keyboard) bin ich erst einmal vom geringen Gewicht überrascht. So bringt der Donner L1 Essentials gerade mal 900 g auf die Waage.

Zusammen mit der flachen Bauweise lässt sich der L1 bequem transportieren, vermittelt aber auch nicht ganz den wertigeren Eindruck eines Roland SH-01a oder Behringer MS-1. Bei beiden laufen die Fader noch etwas gleichmäßiger und auch die Drehregler lassen sich bei beiden Alternativen noch etwas geschmeidiger bedienen. Trotzdem denke ich, dass der L1 einem ruppigeren Einsatz trotzen kann.

VCO-Sektion

Der VCO des Donner L1 Essentials basiert auf einem 3340 Chip (vermutlich der Cool Audio Nachbau). Er bietet Puls mit variabler Pulsbreite, Sägezahn, Noise, Dreieck, sowie Suboszillator. Wie beim Original kann dieser eine oder zwei Oktaven unter der VCO Frequenz liegen, in letzterem Fall steht neben Rechteck auch ein schmalerer Puls zur Verfügung.

Klanglich legt der VCO schon ein gutes Fundament für die typischen SH-101 Sounds. Das hohl klindende Rechteck weckt sofort Erinnerungen an zahlreiche Acid und IDM-Produktionen, mithilfe des Suboszillators gelingen auch klassische Electronica-Basslines im Handumdrehen. Ein wenig Pitch-und VCF-Modulation dazu, und schon steht der Boards of Canada Roygbiv Bass.

Das Dreieck ist ebenso wie die Pitchmodulation durch die Hüllkurve eine sinnvolle Erweiterung des originalen Feature-Sets. Wenn man die beiden kombiniert sind auch druckvolle Jungle-Pitchbässe problemlos machbar – ein Vorteil gegenüber dem Original und auch in Zeiten der SH-101-Clones ein Alleinstellungsmerkmal.

Filter

Die weitere Klangformung übernimmt beim Donner L1 Essentials ein klassisches (Clone) 3109 Roland-Tiefpassfilter, wie es auch im SH-101 zum Einsatz kam. Mit 24 dB Flankensteilheit und einer hervorragend klingenden Resonanz ist die Nachbildung des Filters beim L1 sehr gut gelungen. Natürlich reicht die Resonanz hier auch bis in die Selbstoszillation. Für noch mehr Authentizität sorgt auch die Nachbildung des originalen VCAs, der auf einem BA 662 basiert.

Hüllkurven und LFO

Zur automatischen Steuerung von Filter, PWM, Amp und Pitch stehen ein LFO mit den Schwingungsformen Dreieck, Rechteck, Random und Noise, sowei zwei ADSR-Hüllkurven bereit. Oldschool-SH-101-User werden aufhorchen, denn hier verlässt Donner mit dem L1 den 101-Standard.

Der LFO lässt sich zum Tempo synchronisieren und bei Bedarf in den hörbaren Bereich fahren. Leider kann man die Frequenz nicht an die Tonhöhe koppeln, aber auch so ist der erweiterte Paket sinnvoll für zeitgenössische elektronische Musik. Durch die hohe Frequenz sind auch FM-artige Effektsounds schnell umgesetzt und über den Sinn BPM-synchroner Modulationen braucht man wohl nicht lange diskutieren.

Ein weiteres Highlight sind die beiden ADSR-Hüllkurven, die nicht nur (optional) anschlagdynamisch sind, sondern sich auch koppeln lassen. Dadurch steuert – wie beim Original – ADSR 2 sowohl VCF als auch VCA gleichzeitig. Ebenfalls neu ist der Drone-Mode, bei dem Gate einfach offen bleibt, sowie die Möglichkeit, die VCO-Frequenz neben dem LFO auch per Hüllkurve zu steuern. Dadurch sind auch aggressivere Drum-Sounds oder Sägezahn-Zaps drin.

Sequencer und Arpeggiator

Ein SH-101 wäre wahrscheinlich ohne den Sequencer und Arpeggiator niemals so erfolgreich gewesen. Die intuitive Programmierung der 100 Steps, inklusive Pausen und Legato-Noten (Tie) ist auch heute noch Vorlage für viele Hardware-Sequencer.

Donner bleibt beim L1 Essentials mit maximal 64 Steps leider ein gutes Stück unter der Maximalanzahl des Originals, bietet aber einen ähnlich schnellen Zugang. Zum Zeitpunkt des Tests hatte der Sequencer allerdings noch ein paar Bugs, die sicherlich mit einem zukünftigen Update gefixt werden.

So ist z.B. der erste Step bei Programmierung einer neuen Sequenz gerne mal per default auf „Rest“ gesetzt. Diese stille Note kann man nur fixen, wenn man die Sequenz speichert und das Gerät neu startet. Kurioserweise tritt das erst nach einiger Zeit auf und auch nicht immer. Ebenso fehlt noch die Sequenz-Transponierungsfunktion, was laut Donner aber spätestens im Herbst nachgereicht werden soll.

Der Arpeggiator liefert die Standards Up/Down/U&D/D&U/Random über bis zu drei Oktaven, wurde aber noch um ein praktisches Feature ergänzt: Über die sechzehn beleuchteten Taster lassen sich einzelne Steps deaktivieren, wodurch man mit dem Arpeggiator auch gut rhythmische Phrasen programmieren kann.

Donner KB-32: Braucht man das Keyboard-Bundle?

Bei Donner hat man beim Kauf des L1 Essential die Wahl, sich gleich das KB-32 zu einem gümstigeren Preis als Bundle dazuzukaufen. Beim KB-32 handelt es sich um einen MIDI-Controller mit 32 Minitasten, der per Magnetanschluss auf der Rückseite direkt mit dem L1 Synth verbunden wird. Sowohl Strom als auch MIDI-Informationen werden hier über die S2C-Schnittstelle übertragen.

Auch wenn der Klickmechanismus praktisch ist, hätte ich mir gewünscht, dass die Verbindung insgesamt noch etwas robuster ist. So hätte man über einen zusätzlichen Arretierungsmechanismus die Einheiten fest miteinander verbinden können, damit man das Bundle auch problemlos transportieren kann.

In der Praxis vermittelt die Tastatur leider auch einen durchwachsenen Eindruck., trotz vier unterschiedlicher Velocitykurven und schickem Display. Wenn man also auf die optisch sehr gelungene Einheit verzichten kann, würde ich eher zu einem Arturia Keystep greifen. Der ist ähnlich teuer, bietet ein besseres Spielgefühl und neben Velocity auch Aftertouch, das sich per CV-Ausgang auch zur Steuerung des L1 einsetzen ließe. Gut, dass man die Wahl hat.

Donner L1 Essential – Alternativen

Neben zahlreichen Roland SH-101 VST Plugins gibt es seit einigen Jahren auch im Hardware-Sektor einige gute Roland SH-101 Clones.

Roland SH-01a vs. Donner L1 Essential

Als stärksten Mitbewerber sehe ich hier den Roland SH-01a. Zwar ist das kompakte Boutique-Gerät digital aufgebaut, überzeugt aber durch einen Sound, der nicht nur sehr nah am Original ist, sondern bis zu vierfach polyfon ist. Zudem hat man 64 Presets für eigene Soundkreationen und Batteriebetrieb.

Roland S-1 vs. Donner L1 Essential

Noch eine Nummer kleiner, günstiger, flexibler, und mit ebenso gutem Sound, ist der Roland S-1 Aira Compact. Wer keine Probleme mit Kleinstgeräten hat, findet hier eine überzeugende Lösung. Der S-1 besitzt alle Features des SH-01a und erweitert dessen Klangerzeugung auf Oszillatorebene.

Zusätzlich gibt es interne Effekte – also eine ideale Packung für den Live-Einsatz. Allerdings fehlen hier die praktischen Fader, die für mich persönlich einen wesentlichen Teil des SH-101-Workflows ausmachen.

Behringer MS-1 mkII vs. Donner L1 Essential

Als dritte Alternative sei natürlich auch noch auf den Behringer MS-1 MKII hingewiesen. Hierbei handelt es sich ebenso wie beim Donner L1 Essential um einen analogen Clone des SH-101. Klanglich liefert Behringer ebenso ab, wobei mein Modell damals leichte Übersteuerungen bei hohen Resonanzwerten hatte, welche ich in dieser Form weder vom Original noch von den Clones her kenne.

Ein großes Manko beim MS-1 ist für mich die Limitierung auf 32 Steps, also deutlich weniger als beim SH-101 mit seinen 100 Steps. Der Donner L1 Essentials bietet hier immerhin 64 Steps und ist damit etwas näher am Original dran. Auch ist die Programmierung beim Donner L-1 etwas intuitiver gelöst. Behringer setzt beim MS-1 leider weiterhin auf den unnötig umständlichen Behringer Crave-Sequencer.

Die FM-Mod des Filters ist beim Behringer MS-1 eine sinnvolle klangliche Erweiterung und einzigartig. Dafür muss man beim MS-1 wiederum auf die zweite Hüllkurve des Donner L1 Essential verzichten. Ich hatte beide Synths hier und mich am Ende für den Donner L1 entschieden. Gerade die Resonanz fand ich beim L1 noch etwas musikalischer, und die zweite Hüllkurve, sowie Pitch-Mod waren für mich am Ende ausschlaggebend. Ich finde die FM-Mod des MS-1 zwar spannend, kann diese Klangästhetik aber auch mit anderen Synths einfach umsetzen.

Donner L1 Essential Test: Fazit

Klanglich weiß der Donner L1 Essential zu überzeugen: Mit dem bauchigen Rechteck gelingen schnell typische Acidlines, Sägezahn und Suboszillator erzeugen mit etwas Pitch-Modulation sofort BoC-Vibes, und dank Dreieck sind auch schiebende Subbässe schnell umgesetzt.

Das Filter klingt auch bei hohen Resonanz-Werten gut und die 64 Steps lassen sich intuitiv programmieren. Beides sind Punkte, die ich etwa beim Behringer MS-1 im Vergleich nicht vollends überzeugend fand. Auch die zweite Hüllkurve, sowie zusätzliche Pitchmod über die Hüllkurve sind eine willkommene Ergänzung.

Für das gleiche Geld des Donner L1 Essential bekommt man allerdings auch einen Roland SH-01a oder die noch kleinere Variante Roland S-1. Beide bieten Polyfonie und Speicher, sind aber nicht analog und man macht bei der Größe Workflow-Abstriche.

Am Ende bleibt es also eine Frage des Geschmacks und der Prioritäten. Donner hat mit dem L1 Essential jedenfalls das Feld der Roland SH-101 Clones um einen würdigen Kandidaten ergänzt.

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Denn trotz des kompakten Formfaktors bietet er einen voll analogen Signalweg mit VCOs, VCF und VCA. Das Konzept richtet sich klar an Einsteiger und Producer, die klassischen Analogsound im tragbaren Format zu einem günstigen Preis suchen.

Behringer JTmini: alles Wichtige in Kürze

• Analoger parafoner Synth, inspiriert vom Roland Jupiter 8
• Drei VCOs mit Dreieck, Pulse, Rechteck und Sägezahn
• 12 / 24 dB Tiefpassfilter
• Geeignet für Einsteiger oder als kleiner Monosynth für Live-Einsätze

Behringer JTmini Test: Erster Eindruck

Der kleine JTmini wiegt mit gerade mal 380 Gramm nicht viel und hinterlässt mit seinen Minipotis und Plastikcharme eher einen Billigeindruck. Trotzdem würde ich ihn nicht sofort zu einem Spielzeug degradieren, denn rein von der Ausstattung bringt der JTmini eine gute Basis für druckvolle Sounds mit.

Mit Abmessungen von 193 × 123,7 × 43,2 mm passt das Gerät in nahezu jede Tasche. Der Formfaktor macht ihn ideal für mobile Setups oder spontane Jam-Sessions unterwegs. In Sachen Mobilität ist der JT Mini kaum zu schlagen. Allerdings muss man auf Batterie-/Akkubetrieb verzichten, was ihn im Gegensatz zu Geräten wie der Korg Volca -, oder Rolands Aira-Serie auf eine externe Stromquelle angewiesen macht.

Das integrierte Keyboard besteht aus 27 kapazitiven Touch-Keys, die nicht auf Druck, sondern auf Berührung reagieren. Das macht sie platzsparend, allerdings fehlt das Feedback klassischer Tasten. Wer also auf Ausdruck beim Spielen Wert legt, sollte den JT Mini über ein externes MIDI-Keyboard ansteuern – was problemlos funktioniert.

Anschlüsse & Stromversorgung

Wie schon beim ProVS mini oder dem JT4000 micro platzierte Behringer auch beim JT Mini alle Anschlüsse auf der Gehäuseoberseite. Und wieder komme ich zum Schluss, dass das für die Praxis ziemlich unelegant gelöst ist. Denn solange man keine Winkelstecker nutzt, entsteht durch die Stecker eine unnötige Hebelwirkung, die zu Kontaktproblemen führen können. Unabhängig davon sitzt das leichte Gerät dann noch etwas wackeliger auf dem Tisch.

Über den USB-C-Anschluss werden sowohl MIDI-Daten als auch Strom übertragen – etwa von einem Laptop, Netzteil oder einer Powerbank. Zusätzlich stehen ein klassischer MIDI-Eingang (5-polig), ein Kopfhörerausgang im 3,5-mm-Format sowie Clock-Sync In und Out zur Verfügung. Einen separaten Line-Out gibt es hier nicht.

Was überrascht – Der JTmini besitzt zwar keine Speicherplätze, die meisten Parameter lassen sich aber via MIDI (CC) steuern. Dadurch wird die Integration in DAWs oder Hardware-Setups erleichtert.

Aufbau und Oszillatoren

Der JT Mini arbeitet mit drei Stimmen, ist dabei jedoch paraphon aufgebaut – das bedeutet, dass sich alle Stimmen ein gemeinsames Filter und einen VCA teilen. Das unterscheidet ihn von echter Polyphonie, wo jede Stimme einen kompletten Signalweg besitzt. Trotzdem lassen sich einfache Akkorde spielen, was in dieser Preisklasse keinesfalls selbstverständlich ist.

Die drei Oszillatoren bieten jeweils vier wählbare Wellenformen: Sägezahn, Dreieck, Rechteck und Pulswelle. Klanglich liefern diese eine solide Basis – besonders die Pulswelle sorgt für den charakteristischen, hohlen Roland-Sound. Allerdings lassen sich die Wellenformen nicht individuell pro Stimme einstellen, sondern nur global für alle drei Oszillatoren.

Die drei analogen VCOs klingen kräftig und liefern je nach Wellenform eine breite Palette klassischer Sounds. Besonders im Bereich Leads und Bässe überzeugt der JT Mini durch ein rundes, warmes Timbre.

Filter & Hüllkurve

Das Filter des JT Mini ist ein analoger Tiefpass, das sich zwischen 12 dB und 24 dB Flankensteilheit umschalten lässt. Es klingt organisch und druckvoll, wobei Cutoff und Resonanz in einem erfreulich breiten Bereich steuerbar sind. Die Resonanz geht bei Bedarf auch in die Selbstoszillation über, was kreative Einsatzmöglichkeiten eröffnet. Modulationsoptionen stehen für Cutoff via LFO und Hüllkurve zur Verfügung.

Letztere ist eine klassische ADSR-Hüllkurve (Attack, Decay, Sustain, Release), die sowohl auf das Filter als auch den Verstärker (VCA) wirkt – ebenfalls parafon, also nur einmalig für alle Stimmen. In der Praxis bietet das genug Kontrolle für lebendige Bass- und Lead-Sounds, aber bei Flächensounds stößt man an Grenzen.

Behringer JT mini: LFO, Motion-Sequenzer & Arpeggiator

Die Modulationssektion ist recht einfach gehalten. Der LFO lässt sich auf Pitch oder Filter-Cutoff routen, und durch die Delay-Funktion lässt sich eine subtile oder gezielte Modulation aufbauen. Für andere Modulationsziele muss man den internen Motion-Sequencer nutzen.

Der LFO des JT Mini bietet vier Wellenformen: Sinus, Sägezahn, Rechteck und Zufall (Random). Das Tempo-Sync-Feature fehlt, was bei rhythmischen Spielweisen Einschränkungen bringt – man muss manuell feinjustieren. Da der LFO nicht bis in den hörbaren Bereich geht, bleiben auch FM-artige Experimentalsounds außen vor.

Zusätzlich verfügt der JT Mini über einen 16-Step Motion-Sequenzer, mit dem man in bis zu acht Slots Parameterbewegungen aufzeichnen kann. Das eröffnet gerade in Echtzeit-Performances oder bei komplexeren Soundscapes kreative Möglichkeiten.

Ergänzt wird das Setup durch einen rudimentären Arpeggiator mit verschiedenen Standard-Modi: Up, Down, Up+Down und Random.

Alternativen zum Behringer JTmini

Mit knapp 110 € ist der Behringer JTmini zwar immer noch sehr günstig. Allerdings ist der Analogsynth hier schon sehr nah an einem Preissegment, in dem es auch gute Alternativen gibt.

Zunächst seien der ProVSmini und der Kobol Expander, ebenfalls von Behringer, genannt. Der Pro-VS mini ist wie der JTmini parafon, noch etwas günstiger und klanglich deutlich flexibler als dieser. Dafür handelt es sich hierbei um einen Hybridsynth, der sich strukturell am Sequential Prophet VS orientiert. Der Kobol Expander ist für gerade mal 50 € mehr zu haben und meiner Meinung nach den Aufpreis definitiv Wert. Vor allem dann, wenn man einen vollwertigen Synth zum intensiven Sounddesign sucht. Verzichten muss man hier auf die Parafonie, die jetzt beim JTmini aber auch nicht für Ekstase sorgt.

Als dritte Alternative möchte ich noch den Roland AIRA S-1 nennen. Trotz seines digitalen Aufbaus liefert er nicht nur einen grundsoliden Roland-Sound, sondern auch echte 4-fache Polyphonie, Speicherplätze, einen internen Akku, sowie Anschlüsse auf der Rückseite. Für mich ganz klar die bessere Lösung, wenn man guten und flexiblen Sound zum Budget-Preis sucht.

Behringer JTmini Test: Fazit

Zu einem relativ günstigen Preis bietet der Behringer JTmini einen guten und vielseitigen Sound. Durch das kompakte Format lässt er sich bequem unterwegs einsetzen, wobei man hier noch eine externe Spannungsquelle wie eine Powerbank einplanen muss.

Im Vergleich mit anderen Synths steht der JTmini allerdings nicht alleine da. Guten (simulierten) Roland-Analogsound gibt es für nicht viel mehr Geld mit dem Roland AIRA S-1. Dort aber 4-fach polyfon, mit Effekten und Speicherplätzen, sowie einem besseren Sequencer.

Wenn es unbedingt analog sein muss, hält auch Behringer selbst etliche Alternativen parat, darunter der deutlich flexiblere ProVSmini, oder die ausgewachsenen Synths Kobol Expander und Pro-1. Am Ende entscheidet also wie so häufig der Geschmack.

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Auf einen Blick: Korg multi/poly Highlights und Negatives

• Extrem vielseitige Klangerzeugung mit solidem Sound
• Durchdachte Bedienung für Liveperformer
• Gut klingende Effektsektion
• Modulations-Routings sind bei anderen Herstellern intuitiver umgesetzt
• Für intensives Sounddesign ist die (gute) Editorsoftware notwendig

9.0 TOTAL SCORE

Korg multi/poly

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Features 10

Sound 9

Bedienung 8

Preis/Leistung 9

PROS

• Flexible Sound-Engine
• Guter Sound
• Bis zu 4-fach multitimbral

CONS

• Arpeggiator nur auf alle Layer gleichzeitig anwendbar
• Tastatur eher unterdurchschnittlich (Key-Variante)

Korg multi/poly Test: Erster Eindruck

In den letzten Monaten hatte ich alle drei Varianten vor mir, das Korg multi/poly Modul, die VST Variante, und die Keyboardversion. Letztere kommt mit einer 37-Tasten-Klaviatur, die zwar anschlagdynamisch ist, sich aber vom (nicht überragenden) Spielgefühl nicht großartig von den anderen Modellen der Reihe unterscheidet. Das war für mich etwas überraschend, denn Korg bewirbt die Tastatur im multi/poly als halbgewichtet. Im Direktvergleich mit anderen halbgewichteten Varianten hätte ich das im multi/poly echt nicht gemerkt.

Am Ende blieb entschied ich mich für die Modulversion, die immer noch einen sehr guten Zugriff ermöglicht und ebenfalls das – für Performances nützliche – KAOSS-Pad bietet.

Beide Hardware-Varianten versprühen einen gewissen Plastik-Charme, sind aber dennoch robust genug, dass ich sie auch auf längere Reisen mitnehmen würde. Die Potis zeichnen sich durch einen angenehmen Widerstand aus und auch die Plastiktaster gehen klar. Schön ist auch, dass man die Modulvariante bei Bedarf in ein 19″-Rack einbauen und für den Desktopbetrieb die Rackwinkel abbauen kann.

An Anschlüssen bieten die multi/polys neben zwei Line-Outs und Kopfhörerausgang noch Anschlüsse für ein Pedal, USB-B, sowie ein MIDI-Duo.

Korg multi/poly: Aufbau einer Performance

Der Korg multi/poly ist von Grund auf als Multilayer-Synthesizer konzipiert – das zeigt sich besonders deutlich im Performance-Aufbau. Eine „Performance“ besteht aus bis zu vier unabhängigen Layern, die sich einzeln programmieren, ansteuern und modulieren lassen. Jeder dieser Layer ist ein vollwertiger, in sich abgeschlossener Synthesizer mit eigener Klangarchitektur, eigenem Modulationssystem und MIDI-Zuweisung. So erhält man mit geschickter Programmierung einen vierfach multitimbralen Synth, der gleichzeitig Bässe, Leads und Flächen liefert.

Eine Ebene tiefer: Pro Layer gibt es vier Oszillatoren

Jeder Layer im Korg multi/poly bietet vier frei konfigurierbare Oszillatoren, die unabhängig voneinander gesteuert werden können. Dabei hat man die Wahl zwischen drei Synthesearten: virtuell-analog, Wavetable und Waveshaping (West Coast). Diese lassen sich beliebig kombinieren, was eine enorme Klangvielfalt ermöglicht.

Alle Oszillatoren verfügen über individuelle Parameter wie Pitch, Panorama, Routing und Modulationstiefe. Sie lassen sich gezielt per LFOs, Hüllkurven oder Motion-Sequencer ansteuern und auch im Stereofeld verteilen. So entstehen bereits auf Layer-Ebene extrem dichte, modulierte und räumliche Sounds, ohne externe Effekte zu benötigen. Und wem das immer noch nicht reicht, hat zudem noch die Möglichkeit, mit Ringmodulation oder Sync die Obertonstruktur zu verändern.

Dadurch liefert der multi/poly eine extrem flexible Klangpalette, die von kräftigen Bässen, Melodic Techno Leads und Trance-Plucks bis hin zu komplexen digitalen Texturen, Dub Chords und warmen analogen Pads reicht. Im folgenden Video erhält man einen Eindruck dieser Flexibilität.

Die Filtersektion: Dual-Filter mit Multifiltern

Insgesamt bietet der multi/poly pro Layer zwei unabhängige Filter, die 14 verschiedene Filtertypen beherbergen, darunter klassische Lowpass-, Highpass-, Bandpass- und Notch-Filter. Viele orientieren sich dabei an analogen Vorbildern – darunter Filtermodelle im Stil des MS-20, Polysix oder Moog.

Auch wenn man deutliche Unterschiede zwischen den Modellen hört, so muss ich an dieser Stelle sagen, dass man hier eher von Tendenzen sprechen sollte, was die Authentizität betrifft. Ein multi/poly ersetzt nicht den knurrigen Charme eines MS20 oder die Oberheim-SEM-Breitseite. Trotzdem liefert der multi/poly einen hervorragenden Sound, der auch bei hohen Resonanzwerten oder Filter FM nicht in die Knie geht.

Jedes Filter verfügt über seine eigene Hüllkurve sowie Modulationsmöglichkeiten über LFOs, Envelopes oder die Oszillatoren. Die Filterresonanz reicht dabei bis zur Eigenoszillation – ideal für druckvolle Acid-Lines oder experimentelle Klangverläufe.

Arpeggiator

Der Arpeggiator im Korg multi/poly ist, verglichen mit der restlichen Klangerzeugung, der Schwachpunkt des Synths. Dabei stört noch nicht einmal die eher rudimentäre Ausstattung mit den Standardmustern. Sondern es ist vielmehr die Tatsache, dass man Performances nicht so aufbauen kann, dass der Arpeggiator lediglich auf ein oder zwei Layer wirkt, während man z.B. mit den anderen Layern Pads dazu spielt.

Lediglich der Round Robin Mode ist hier erwähnenswert, bei dem die Layer mit jeder neuen Note nacheinander angespielt werden. Das kennt manch einer vielleicht noch aus dem Korg monopoly. Mit geschickter Programmierung sind hier subtile Nuancen ebenso möglich, wie stimmige Phrasen, bestehend aus komplett unterschiedlichen Einzelsounds.

Envelopes. LFOs, Motion-Sequencer und mehr: Die Modulationsmöglichkeiten des Korg multi/poly

Von bis zu 5500 Modulationsverknüpfungen ist auf der Webseite von Korg die Rede. Auch wenn ich die im einzelnen nicht nachgezählt habe – Die Modulationssektion des multipoly gehört zu den umfangreichsten, die es derzeit auf dem Markt gibt. Dass es Korg dabei schafft, das Ganze über die Hardware noch einigermaßen bedienbar zum machen, ist bestimmt auch der langjährigen Erfahrung geschuldet. Allerdings muss man auch erwähnen, dass andere Hersteller wie etwa Sequential mit dem Take 5 die Messlatte noch etwas höher gehängt haben, was gezielte Verknüpfung von Modulationen betrifft.

Auf der anderen Seite punktet Korg mit dem kostenlosen Editor/Librarian. Häufig erstelle ich das klangliche Fundament direkt am multi/poly und switche ab einer bestimmten Stelle zum Editor. Dort erledige ich dann das klangliche Finetuning oder tief gehendes Sounddesign. Und das ist beim multi/poly zweifelfrei möglich.

Pro Layer gibt es vier loopbare DAHDSR-Hüllkurven, fünf LFOs sowie sechs Modulations-Prozessoren. Die Hüllkurven lassen sich zudem in ihrem Charakter anpassen, wofür auch Modelle von Klassikern zur Verfügung stehen, darunter ARP, Moog, oder Sequential. Wie wichtig der Einfluss einer Hüllkurve auf den Sound ist, wird gerne mal unterschätzt. Wenn es aber z.B. um Nuancen eines knackigen Bass geht, ist gerade der Hüllkurvenverlauf ein entscheidender Faktor.

Abgerundet wird das Ganze durch Motion Sequencing 2.0, bei dem sich Timing, Pitch, Shape und andere Parameter unabhängig sequenzieren lassen. Der Sequencer ist allerdings in erster Linie zur Modulation gedacht. Zwar kann auch die Oszillator-Frequenz ein Ziel sein, klassische Sequencer-Melodien lassen sich mit dem multi/poly aber eher umständlich programmieren.

Effektsektion des multi/poly

In insgesamt vier Effektslots hat man im Signalweg von links nach rechts die Wahl aus 1. Distortion / Lofi / Kompressor, 2. Modulations-Effekte, 3. Delay, und 4. Reverb / Master-EQ. Im Gegensatz etwa zu einem opsix ist die Reihenfolge beim Korg multi/poly fest vorgegeben, was ich etwas schade finde.

Pro Effektslot gibt es zahlreiche Varianten inklusive spezielleren Modellen, sowie Effektpresets, um direkt loszulegen. Gut gelöst finde ich, dass man auch eigene Effekt-Presets abspeichern kann.

Die meisten Effekte klingen ordentlich und sind eine gute Ergänzung zur internen Klangerzeugung. In der Produktion würde ich sie wahrscheinlich gegen spezialisierte Plugins oder Effektgeräte austauschen, aber für Live-Anwendungen kann man sich zusätzliche Peripherie gut sparen.

Korg multi/poly Test: Welche Alternativen gibt es?

Wer auf die Hardware-Erfahrung verzichten kann, bekommt den Sound des Korg Multipoly ebenso gut als Software mit dem Korg multi/poly native. Ich habe mich dennoch für die Desktopversion entschieden, mit der das Soundschrauben einfach intuitiver von der Hand geht.

Ob einem ein direkter Bezug ein vierfaches des Anschaffungspreis Wert ist, muss jeder für sich entscheiden. Bezieht aber in die Kalkulation immer mit ein, dass auch ein Rechner Geld kostet, ebenso das Interface, die DAW etc. Und dass all diese Sachen nach ein paar Jahren so gut wie wertlos sind. Wenn ihr DAW-less arbeitet, stellt sich die Frage natürlich erst gar nicht.

Als Hardware-Alternative zum Korg multi/poly sehe ich tatsächlich den Modwave von Korg als heißesten Kandidaten. Zwar handelt es sich hierbei in erster Linie um einen Wavetable-Synth, aber für die traditionelle Nutzung als VA-Synth gibt es auch hier die klassischen Wellenformen und eine gute Auswahl an Filtern.

Hätte ich den modwave damals behalten, wäre dieser wohl ersetzt worden, oder der multi/poly nicht eingezogen. Der größte Unterschied zwischen beiden ist der Sample-Import im modwave, durch den auch hybride „ROMpler“-Sounds möglich sind. Dafür punktet der multi/poly mit Westcoast-Synthese (Waveshaping), die dem modwave vorenthalten sind.

Korg multi/poly Test: Fazit

Ich dachte eigentlich, dass zum Thema VA schon fast alles gesagt wurde, weshalb mich die Produktankündigung erstmal kalt ließ. Doch bereits nach wenigen Minuten in der Praxis war klar, dass Korg mit dem multi/poly einen ausgezeichneten Synth entwickelt hat. Für mich definitiv ein Highlight.

Denn nicht nur klanglich weiß der multi/poly zu überzeugen. Auch das Feature-Set geht weit über Standards hinaus und hält lange Nächte für Soundforscher und Produzenten bereit. Wer auf die Hardware verzichten kann, bekommt mit dem Korg multi/poly Native Plugin eine ebenso gut klingende Alternative. Man verzichtet hier aber auf das gut durchdachte Bedienkonzept.

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Tastatur & Hardware

Die verbaute Tastatur bietet 25 Tasten mit fein einstellbarem polyphonem Aftertouch – ein echtes Alleinstellungsmerkmal in dieser Preisklasse. Die Anschlagdynamik benötigt etwas Eingewöhnungszeit, und auch an den Aftertouch muss man sich aufgrund des sehr kurzen Hubs erst einmal gewöhnen. Dafür lässt sich sich das Verhalten über den Expertenmodus im kostenlosen Editor individuell anpassen – sehr schön.

Zusätzlich gibt es Pitch-Bend- und Modulations“räder“. Beide sind beim ESI XSynth als druckempfindliche Gummitaster auf der linken Seite der Tastatur ausgeführt. Was sich erstmal suboptimal anhört, lässt sich mit etwas Übung überraschend präzise steuern.

Anschlüsse & Audio-Interface-Funktion

Der XSynth kann über USB-C auch als 2-in/2-out Audio Interface fungieren – mit 24-bit/96 kHz Auflösung. Praktisch: Die interne Synth-Engine lässt sich direkt über den USB-Audioausgang aufnehmen, was ihn für einfache Produktions-Setups interessant macht.

Auf der Rückseite des XSynth finden sich die folgenden Anschlüsse:

• 1x 3,5  mm Stereo-Line-Out (Miniklinke)
• 1x 3,5 mm Kopfhörerausgang (Miniklinke)
• 1 x 3,5 mm Stereo-Line-In
• MIDI In/Out über 3,5 mm Miniklinke (Adapter wird mitgeliefert)
• USB-C Port für Stromversorgung, MIDI und Audio

Verwendung als MIDI-Controller

In DAWs oder modularen Setups funktioniert der XSynth problemlos als Class-Compliant USB-MIDI-Controller. Besonders erwähnenswert: Er sendet polyphonen Aftertouch, was ihn ideal für PolyAT-fähige Software oder Hardwaremodule macht.

Oszillatoren & Klangerzeugung

Der XSynth nutzt drei samplebasierte Oszillatoren mit einer festen Auswahl an Wellenformen – darunter klassische VA-Wellen (Sägezahn, Rechteck, Dreieck), digitale Formen und einige perkussive oder experimentelle Sounds. Leider sind die Wellenformen teilweise schlecht normiert – manche sind eine Oktave zueinander versetzt, was das Layern etwas erschwert.

PWM ist vorhanden, jedoch grobstufig umgesetzt, was sich besonders bei langsam modulierten Sounds negativ bemerkbar macht. Hier hört man die einzelnen Stufen statt wie üblich einen fließenden Übergang. Einige Wellenformen verändern zudem ihre spektrale Zusammensetzung über verschiedene Oktaven hinweg. So kann etwa ein „F“ mitunter mal deutlich mehr Obertöne besitzen, als das direkt daneben liegende „G“. Ich kenne das Verhalten, wenn ich – um Speicherplatz zu sparen – nicht jede einzelne Note sample, sondern z.B. nur jede Oktave. Oder wenn man beim Sampling nicht ganz sauber arbeitet.

Hard Sync und FM sind implementiert, aber derzeit noch ziemlich verbuggt. So erzeugen Sync und FM in manchen Einstellungen starkes digitales Aliasing – besonders bei höheren Tonhöhen oder Modulationen – was sich in einem aggressiven digitalen Rauschen äußert.

Zwar kann man per FM auch Noise zur Modulation des Oszillatoren einsetzen. Ebenso wie beim LFO basiert die Noise-Quelle aber leider auf einem Sample. Das mag zwar für einfache Effekte brauchbar sein, liefert aber keine lebendige oder „echte“ Textur wie man es vom klassischen weißen oder rosa Rauschen kennt.

Filter

Das digitale Multimode-Filter bietet Tief-, Hoch- und Bandpass-Modi mit umschaltbarer Flankensteilheit (12 dB und 24 dB/Okt). Klanglich ist es solide für einfache Filterungen, stößt aber bei höheren Resonanzwerten schnell an seine Grenzen: Das Signal wird rau und „digital“, mit hörbaren Artefakten und Aliasing. Für experimentelles / extremes Sounddesign oder komplexe Filtermodulationen ist es also eher ungeeignet. Möglicherweise kann hier ein Firmware-Update Abhilfe schaffen.

Modulation & Makros im ESI Xsynth

Die Modulationssektion umfasst drei LFOs mit unterschiedlichen Wellenformen, deren Geschwindigkeiten aber leider nicht langsam genug für subtile Modulationen ist, und wiederum nicht schnell genug für umfangreiche Audio-Rate-Modulation. Damit ist z. B. FM oder AM über die LFOs nur sehr eingeschränkt möglich. Envelopes sind ADSR-typisch, aber relativ grob aufgelöst, was sich besonders bei perkussiven Sounds bemerkbar macht.

Die Makrosteuerung ist ein gut gemeinter Ansatz, aber viele relevante Parameter sind derzeit (noch?) nicht zuweisbar – darunter wichtige FX-Funktionen, oder die Möglichkeit, die Attack-und Releasezeit gleichzeitig für alle Hüllkurven zu steuern. Schade, denn hier verschenkt ESI Potenzial für den Live-Einsatz.

Effektsektion

Die interne FX-Engine bietet einfache Effekte wie Chorus, Delay, Reverb, Overdrive und einen LoFi-Prozessor. Während Chorus und Delay durchaus musikalisch einsetzbar sind, wirken Reverb und Overdrive zu metallisch und digital. Der LoFi-Effekt hingegen ist gelungen – er verleiht dem Klang Schmutz ohne übertrieben aggressiv zu werden.

ESI Xsynth Test -Fazit

Der ESI XSynth ist ein ungewöhnlicher Hybride aus polyphonem Aftertouch-Controller, einfacher samplebasierter Synth-Engine und USB-Audiointerface. Sein Konzept ist ambitioniert, aber nicht in allen Bereichen überzeugend umgesetzt. Zudem sind in der derzeitigen Version noch einige Bugs enthalten, wegen der ich den Xsynth live nicht einsetzen würde. Über die stufige Pulsbreitenmodulation kann man eventuell noch hinwegsehen, und auch die gelegentlich auftretenden Audio-Dropouts dürften auch nicht zu hart ins Gewicht fallen, wenn man den Synth vor allem als Zweitgerät nutzt. Das aggressive Aliasing in manchen Sync- und Reso-Settings sind hingegen nicht akzeptabel. Hoffentlich wird ESI hier mit einem Firmware-Update reagieren.

Solange diese nicht gefixt sind, würde ich einen Kauf nur eingeschränkt empfehlen. Es sei denn, für euch zählt in erster Linie das solide Gesamtpaket aus Audiointerface, Controller und Synth. Vom Sound her versprüht der Xsynth definitiv 90er-Rompler-Charme. Und dass er Charakter hat, sei hier bitte nicht als Euphemismus zu verstehen, sondern ist ernst gemeint.

Wer also in erster Linie nach einem polyphonen Aftertouch-Controller mit Bonus-Synth sucht – und mit einigen Eigenheiten leben kann – könnte hier fündig werden. Besonders als Poly-AT-Controller oder zur DAW-Steuerung im kleinen Studio bietet er einen interessanten Einstieg. Wenn der Xsynth primär als gut klingender Synth fürs Studio oder für komplexes Sounddesign angeschafft werden soll, gibt es stärkere Alternativen. Wenn es ESI schafft, die angesprochenenen Mängel zu beseitigen, hat der XSynth aber durchaus Potenzial.

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Behringer 2-XM auf einen Blick

• Zwei unabhängige Synth Voices, inspiriert vom Oberheim SEM
• Voll analoger Signalweg mit insgesamt vier (2 x 2) VCOs, und 2 Multimode-Filtern
• Rudimentär ausgestattete Patch-Sektion
• Unisono und Duo-Mode, Möglichkeit zum Poly-Chaining
• Keine internen Effekte oder Sequencer
• Interessante Stereo-Effekte durch Panning

Behringer 2-XM Test: Erster Eindruck

Wie schon viele andere Behringer-Synths, kommt auch der 2-XM im kompakten Desktopformat. Bei Bedarf lässt sich der 2-XM in ein Eurorack-System einbauen, wobei der Umzug nur als Kompletteinheit möglich ist. Besser wäre gewesen, wenn man die beiden Synths-Voices einzeln ausbauen könnte.

Bei der Verarbeitungsqualität gibt es nicht viel zu meckern. Die Potis haben einen angenehmen Widerstand, wenngleich sie für gezieltes Sounddesign manchmal etwas zu klein geraten sind. Das macht sich vor allem dann bemerkbar, wenn man versucht, beide Synthvoices gezielt aufeinander abzustimmen. Etwas Abhilfe könnten größere Potikappen schaffen, wodurch der Regelweg größer wird.

Auch fiel auf, dass beide Module ab Werk nicht wirklich aufeinander bezogen kalibriert wurden. Das ist nicht weiter tragisch, wenn man die Feineinstellungen per Gehör vornimmt. Wer sich beim Sounddesign aber gerne auf reine Wertangaben verlässt, wird sich beim 2-XM erst einmal umgewöhnen müssen. Hier sei aber erwähnt, dass das bei sehr vielen analogen Geräten der Fall ist, und gerade auch im Vintage-Bereich eher die Regel ist.

Die Oszillatoren des Behringer 2-XM

Pro Synthesizer-Modul stehen insgesamt zwei Oszillatoren und Rauschen am Anfang der Signalkette. Die VCOs erzeugen jeweils Sägezahn und Puls (mit variabler Pulsbreite). Das Mit einem Potentiometer stellt man wie beim Original die jeweilige Lautstärke ein. Ganz nach links ist der Sägezahn auf Maximum, bei 12 Uhr hört man nichts, und bei Rechtsanschlag ist der Puls voll zu hören.

Zum Sägezahn gibt es eigentlich nicht viel zu sagen: Mit Obertönen und kräftigem Bass erzeugt er genug Schub, um sich im Mix gut durchzusetzen. Das weiße Rauschen lässt sich alternativ zu externen Signalen hinzumischen, steht aber leider nicht als Quelle in der Patchbay zur Verfügung. Trotzdem könnte man hier etwas improvisieren, indem man für diesen Zweck das zweite Modul als reine Noise-Quelle opfert.

Die Pulswelle erzeugt mit etwas Fingerspitzengefühl ein herrlich bauchiges Rechteck, das klanglich etwas zwischen Roland-esquer Perfektion und dem Moog-Pulse liegt. Geht man den Regelbereich weiter, oder moduliert den Puls per LFO, erreicht man auch extrem spitze Werte, perfekt für drahtige Bässe oder percussive Leads. Hier geht der 2-XM sogar etwas weiter als das Oberheim-Original.

Zwei Multimode-Filter im SEM-Stil

Beide Module bieten ein SEM-Multimode-Filter. Dabei handelt es sich um ein 12dB State-Variable-Filter mit Tiefpass-, Hochpass-, Bandpass- und Notch-Modi. Während sich der Tiefpass stufenlos über Notch hin zu, Hochpass morphen lässt, wird der Bandpass-Modus per Schalter aktiviert. Das ist beim SEM-Filter normal und sorgt für eine breite Klangpalette. Vermisst habe ich hier ganz klar die Möglichkeit, den Status zu modulieren. Das ist beispielsweise beim Sequential OB-6 möglich und hätte hier über die Patch-Bay realisiert werden können.

Das Filter greift mittelmäßig stark in den Sound ein. Ich hatte manchmal auch das Gefühl, dass das Filter hier nicht ganz so heiß angefahren wird, wie beim Oberheim SEM und dadurch weniger satt klingt. Eventuell finden sich hier noch Modder, die sich dem Thema annehmen.

Die Resonanz reicht nicht ganz so weit wie beim SEM, auch neigt der 2-XM bei höheren Werten eher zu einem Pfeifen. Andere SEM-Filter (OB-6, TEO-5, Doepfer SEM) fügen bei hohen Resonanzwerten dem Signal einen Glanz hinzu, was klanglich an einen Exciter erinnert und zumindest für mich ein wesentliches Argument für das SEM-Multimode-Filter ist. Trotzdem klingt das Filter keinesfalls schlecht, aber da es sich hier um einen essentiellen Baustein des SEM-Sound handelt, wird hier etwas kritischer hingeschaut. Wer in erster Linie vorhat, sein Studio um eine weitere Filter-Nuance zu erweitern, macht mit dem 2XM nichts verkehrt.

Hüllkurven und LFOs: Bewegung in den Klang bringen

Hüllkurven

Beide Module verfügen pro Stimme jeweils über zwei ADS-Hüllkurven, eine per Default aufs Filter bzw. die Tonhöhe von VCO2, die andere auf den VCA, bzw. die Frequenz von VCO1 geroutet. Die Hüllkurvenintensität wird in den entsprechenden Sektionen festgelegt und per Kippschalter alternativ zum LFO aktiviert. Das geht in der Praxis schnell, nur hätte ich mir hier wieder eine parallele Nutzung gewünscht. Immerhin lässt sich die Envelope-Intensität bei Bedarf per Anschlagdynamik steuern.

LFO

Um zyklische Bewegung in den Klang zu bringen, bietet der Behringer 2-XM pro Voice einen LFO. Wie beim Original ist dieser sehr rudimentär ausgestattet und bringt lediglich einen Sinus hervor.

Für leichte Filtermodulationen und Vibratos mag das ausreichend sein, aber hier hätte ich mir nicht nur mehr Schwingungsformen gewünscht, sondern hätte mich auch über eine größere Range gefreut, die es auch weit in den hörbaren Bereich schafft. Dadurch wäre das Klangspektrum noch einmal stark erweitert worden; so muss man sich mit der Patchbay behelfen.

Die Patchbay bringt (etwas) Modular-Vibes

Ganz auf der rechten Seite des Panels gibt es für beide Synthvoices getrennt eine kleine Patchbay. Jeweils 16 Anschlüsse laden zum Experimentieren ein und erweitern das klangliche Spektrum des 2-XM. Hierüber sind Dinge wie Filter FM, Crossmodulation, oder AM möglich, wodurch auch experimentelle Sounds schnell von der Hand gehen. Für gezieltes Ssounddesign wird man allerdings häufig eine der beiden Stimmen als „Modulationsgenerator“ zweckentfremden müssen, was an der mitunter eigenartigen Auswahl der Anschlüsse liegt.

Gefehlt hat mir am meisten ein CV-Eingang für die LFO-Rate, sowie dedizierte Ausgänge für den Rauschgenerator, oder die einzelnen Schwingungsformen der VCOs. Weitere Abschwächer oder ein kleiner Mixer wären ebenfalls hilfreich, um die Patchbay sinnvoll zu erweitern. All das hätte aber auch ein größeres Gehäuse zur Folge, welches dem Desktop-Standard von Behringer nicht entspricht. Durch so eine Entwicklung würden wieder Mehrkosten entstehen, die am Ende der User zahlt. So muss man mit den Kompromissen leben, oder sich eben ein größeres System um den 2-XM herum aufbauen.

Behringer 2-XM Alternativen

Gebrauchte Oberheim SEM steigen seit ein paar Jahren konstant im Preis und liegen jetzt schon bei rund 2000 € für eine Unit, vom Two-Voice ganz zu schweigen. Mit etwas Glück kann man noch einen SEMtex oder Tinysizer ergattern, die ebenfalls auf dem SEM aufbauen. Aber die sind mitunter noch seltener zu finden, als das Original. Insofern ist die Auswahl verfügbarer Alternativen begrenzt.

Für etwas mehr Geld gibt es heute noch TEO-5 und Sequential OB-6, die ebenfalls auf der SEM-Struktur aufbauen. Wer Polyfonie anstrebt, hat gerade mit dem TEO-5 eine flexiblere Alternative, die zudem noch über Preset-Speicher verfügt. Verzichten muss man auf die organischen Feinheiten die entstehen, wenn man die Module einzeln einstellt. Bei mehreren Stimmen muss man das Fein-Gekurbel aber auch echt wollen.

Behringer 2-XM Test: Fazit

An manchen Stellen zeigt der Behringer 2-XM Schwächen, vor allem bei hoher Filterresonanz, der mitunter starken Abweichungen zwischen den beiden Einheiten, oder der nicht immer ganz durchdachten Ausstattung der Patch-Matrix.

Für viele Dinge gibt es zum Glück bereits Lösungen, etwa größere Potikappen, um den Regelweg zu erweitern. Auch bin ich mir sicher, dass viele Modder nur darauf warten, den Synth weiter zu optimieren.

Darauf bin ich gespannt und kann bis dahin allen empfehlen, sich das Dual-Voice-System mit SEM-Flair einmal näher anzusehen. Vielleicht lohnt es sich aber auch zu warten, bis der Preis wieder etwas sinkt. Denn auch wenn der 2-XM preiswert ist, handelt es sich bei den derzeit aufgerufenen rund 350 € nicht mehr unbedingt um ein Schnäppchen.

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dreadbox Artemis Test auf einen Blick

• Analoger Polysynth mit 6 Stimmen
• Hervorragender Sound mit dreadbox-Charakter
• Umfangreiche Effektsektion von Sinevibes
• Robustes Desktopgehäuse mit direktem Zugriff auf alle relevanten Parameter
• MPE-fähig

Erster Eindruck – dreadbox Artemis

Gut verarbeitet im soliden Metallgehäuse – man kennt es bereits von dreadbox und auch der Artemis steht anderen Geräten in dieser Hinsicht in nichts nach. Die Potis haben ebenso wie die Fader einen angenehmen Widerstand, der sich wertig anfühlt, und auch nach Jahren sollten die Bedienelemente noch zuverlässig arbeiten. Das Display lässt sich auch bei starkem Lichteinfall gut ablesen. Allerdings wird die unterste Zeile gerne mal vom Gehäuse verdeckt, wenn man nicht direkt von oben auf den Synth guckt.

Neben dem Stereo-Ausgang auf der Rückseite gibt es noch einen Kopfhöreranschluss, sowie MIDI-Duo und eine USB-Buchse. Auf einen Audio-Eingang hat dreadbox beim Artemis verzichtet. Das ist schade, denn von den guten Effekten und Filtern hätten auch andere Geräte im Studio profitiert.

Oszillatoren

Der Artemis verfügt über zwei Oszillatoren, plus Suboszillator und Noise. Falls ihr schon einmal einen Typhon oder Murmux vor euch hattet, kennt ihr das Prinzip der überblendbaren Schwingungsformen. Beim Artemis ist es so gelöst, dass ihr in einem recht großzügigen Drehkreis für beide Oszillatoren gleichzeitig die Schwingungsform bestimmt.

Das ist in der Praxis zwar intuitiv gelöst, bringt aber auch ein paar Nachteile mit sich. VCO1 auf Sägezahn und VCO2 auf Pulse zu stellen ist so zum Beispiel nicht möglich. Umgekehrt wiederum geht es, allerdings spielt das spätestens dann eine Rolle, wenn ihr Sync oder FM fürs Sounddesign nutzen wollt.

Andererseits wird bei der VCO-FM auch das Signal des Suboszillators (oder Noise) berücksichtigt, wodurch ihr hier etwas mehr Spielraum habt. Aber auch hier hätte ich mir gewünscht, Noise und Suboszillator gleichzeitig abgreifen zu können und nicht alternativ hinzuzumischen. Das gleiche gilt auch für die Lautstärke der Oszillatoren, die über einen Regler (links = VCO 1 100%, Mitte = 50/50, rechts = VCO 2 100%) bestimmt wird.

Dadurch fehlt die Möglichkeit, die VCOs komplett zu deaktivieren. Wenn man also nur das Rauschen filtern möchte, oder Sinusleads mit der Selbstoszillation des Filters kreieren will, muss man die Pulswelle wählen und die Pulsweite extrem schmal setzen. Das wiederum wirkt sich aber auf die Möglichkeiten der Filter-FM aus.

Klanglich können die VCOs des Artemis hingegen voll überzeugen: Ein bauchiges Rechteck, das durchaus Roland-esque Züge annimmt, kräftige Sägezähne und eine fette PWM bilden hier eine ausgezeichnete Basis für die weitere Bearbeitung durch die Filter.

Filter

Artemis verfügt über ein Hochpass- und ein Tiefpassfilter, die seriell arbeiten. Die Flankensteilheit des Tiefpassfilters lässt sich zwischen 12 und 24dB umschalten, die Eckfrequenz in drei Stufen an die Tonhöhe koppeln (inaktiv, 50% und 100%). Damit ist es auch möglich, das Tiefpassfilter bei Selbstoszillation als Sinusoszillator zu nutzen.

Wie schon bei den anderen dreadbox-Synths zeichnet sich das Filter im Artemis durch einen cremigen Vintage-Sound aus und kann dabei trotzdem kräftig genug zupacken. Wer es etwas heftiger möchte, kann das Filter in mehreren Stufen in die Sättigung fahren. Hier hätte ich mir zwar gewünscht, die Dosierung feiner über eine dedizierte Lautstärkereglung der VCOs vorzunehmen. Aber auch so ist das ein akzeptabler Kompromiss – die Ergebnisse können sich hören lassen.

Modulationsmöglichkeiten

Für Automatisierungen gibt es im Artemis zwei LFOs und zwei Envelopes, sowie übers Menü die meisten gängigen MIDI-Controller wie Aftertouch, Velocity, Modwheel etc. Erwähnenswert ist der vorhandene MPE-Support, was sich glücklicherweise bei immer mehr Synths durchsetzt. Auf speziellere Modulationsquellen wie Rauschen, Komparatoren, oder eine freie Nutzung der ADSR-Hüllkurven muss man zu diesem Zeitpunkt noch verzichten.

Die Geschwindigkeiten der beiden LFOs lassen sich zwar an die MIDI-Clock koppeln, reichen im Freilauf aber nicht bis in den hörbaren Bereich. An Wellenformen gibt es hier alle Standards aber auch einen Envelope-Modus. Mit diesem lässt sich die Beschränkung der negativen Hüllkurven beim Lowpass umgehen. Allerdings ist man momentan noch auf die vorgegebenen Routings limitiert. Die sind aber bei genauer Betrachtung schon sehr umfangreich und decken viele Anwedungsszenarien ab, wenn man um die Ecke denkt.

Die beiden Hüllkurven folgen dem ADSR-Standard und sind ausreichend schnell für Bässe und Percussion, sowie langsam genug für Pads. Ich bin ein großer Fan von loopbaren Envelopes und würde mir diese Funktion auch in einem zukünftigen Update wünschen. Vielleicht geht da noch etwas.

Derzeit fehlt mir zudem noch die Möglichkeit, die Filter umfangreicher mit Modulationsquellen zu steuern. Vor allem vermisse ich, die Eckfrequenz des Hochpassfilters oder die LFO-Rate an die Tonhöhe zu koppeln, sowie eine negative Hüllkurvensteuerung der Filter. Viele der Funktionen werden auf Nachfrage bei dreadbox wohl aber in zukünftigen Updates nachgereicht.

Sinevibes-Effekte: Ein echtes Highlight des dreadbox Artemis

Integrierte Effekte bei Analogsynths sind immer wieder eine Glaubensfrage. Ich gehöre ganz klar zum Team „Pro-Effekte“. Denn wenn die Effekte gut sind – und evtl. noch moduliert werden können – bilden sie einen integralen Bestandteil der Klangerzeugung. Bei zeitgenössischer elektronischer Musik kommen ohnehin Effekte zum Einsatz, warum diese also nicht gleich perfekt auf den Synth abgestimmt mitliefern?

Für die Effektabteilung im dreadbox Artemis wurde wieder der Deveolper „Sinevibes“ an Bord geholt. Er steuerte bereits die guten Effekte im Typhon bei und hat auch beim Artemis wieder abgeliefert.

Insgesamt vier Effektslots stehen hier bereit: Overdrive (mit Shapern, Lofi etc), Modulation (Chorus, Flanger, Phaser), Delay (Tape, BBD, digital), und Reverb (Small, Large, Grain, Shimmer). Die Effekte klingen durch die Bank gut bis sehr gut, sollten aber vorsichtig dosiert sein, weil sie sonst den guten Grundsound stark überlagern. Bei richtigen Levels fügen sich die Effekte aber zu einer perfekten Melange mit dem Grundklang zusammen. So eine Harmonie sieht man selten bei internen Effekten.

Bei der großen Auswahl waren für mich lediglich ein paar der Shaper-Algorithmen nicht auf Höhe der restlichen Qualität, da mir die Ergebnisse etwas zu harsch bzw. fuzzy klangen. Auch das Shimmer-Reverb fand ich bei manchen externen Units etwas überzeugender, aber das ist sicherlich Geschmackssache. Schlecht klingt es definitiv nicht.

Alternativen zum dreadbox Artemis

Wer polyphonen dreadbox-Sound sucht, könnte mit dem dreadbox Nymphes Geld sparen, verzichtet dabei aber auch auf den deutlich direkteren Zugang, die guten Effekte und erweiterten Modulationsmöglichkeiten. Für mich kommt daher zurzeit vor allem eine Alternative infrage.

Novation Peak vs. dreadbox Artemis

Der Novation Peak kostet zwar knapp 200 € mehr, besitzt aber eine deutlich umfangreichere Modulationsabteilung und ebenfalls sehr gute Effekte. So eine Flexibilität will aber auch bedient werden und die Möglichkeiten im Peak könnten einige User auch überfordern.

Die Oszillatoren sind im Peak zudem digital ausgeführt und der Gesamtsound etwas cleaner. Beide Synths ergänzen sich vom Charakter aber und letztlich entscheidet hier der persönliche Geschmack.

dreadbox Artemis Test: Fazit

Mit dem dreadbox Artemis erscheint ein weiterer Polysynth auf dem Markt, der soliden Analogsound mit hervorragenden Effekten kombiniert. Und trotz des mittlerweilen stark umworbenen Markts liefert dreadbox, mit genug Eigenständigkeit im Sound und vor allem mit einer hervorragenden Bedienung, genügend Argumente, bestehendes Equipment zu ersetzen, oder den Fuhrpark entsprechend zu erweitern.

Zwar fehlen dem Artemis zu diesem Zeitpunkt noch umfangreiche Modulationsroutings. Aber ich bin mir sicher, dass dreadbox hier einerseits nachliefert, und die meisten User andererseits mit dem schon umfangreichen Angebot an Optionen sehr gut zurecht kommen dürften.

8.8 TOTAL SCORE

dreadbox Artemis

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Sound 10

Features 8

Bedienung 10

Preis/Leistung 7

PROS

• Analogsound mit Charakter und Sweetspots
• Hervorragende Effektabteilung
• Intuitive Bedienung

CONS

• Modulationsmatrix könnte flexibler sein

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Behringer Grind auf einen Blick

• Hybride Klangerzeugung mit digitalen Oszillatormodellen
• Analoges Filter plus Lowpass-Gate
• Semimodularer Aufbau mit 34 Patchbuchsen
• 32-Step-Sequencer mit Speicher und Arpeggiator
• Klanglich flexibel, mit leichter Neigung zum LoFi-Spektrum

Behringer Grind: Erster Eindruck

Wer schon einmal mit einem Crave, Edge oder Spice gearbeitet hat, wird sich auch beim Grind schnell zurechtfinden. Der kompakte Desktopsynth bietet etliche Drehregler mit angenehmem Widerstand, zahlreiche Patchbuchsen auf der Oberseite für eigene Modulations-Routings, sowie eine rudimentäre „Klaviatur“, über die auch der Sequencer programmiert wird.

Die digitalen Oszillatoren: Das Herz des Grind

Zunächst sollte man an dieser Stelle noch einmal erwähnen, dass ein Großteil der 24 spannenden Algorithmen der Entwicklung von Mutable Instruments geschuldet sind. Denn ursprünglich wurden 15 der Oszillator-Modelle für das Plaits-Modul entwickelt, einem flexiblen Oszillator-Modul für Eurorack-Systeme.

Da Mutable Instruments aber die Open Source Ideologie immer schon radikal verfolgt hat, handelt es sich hier nicht um eine möglicherweise umstrittener Aneignung fremder Technologie. Und selbst für Besitzer eines Plaits oder eines Microfreak von Arturia kann ein Behringer Grind eine sinnvolle Anschaffung sein. Denn die zusätzlichen Oszillator-Algorithmen werten das ohnehin schon gute Angebot noch einmal auf. Man sollte den Sound dann aber schon sehr lieb haben, ansonsten wird es schnell redundant.

Die Klangpalette der 24 Modelle ist sehr umfangreich und reicht von klassischen VA-Modellen über additive und granulare Synthese, zahlreiche Percussion-Algorithmen, bis hin zu Effektsounds. Es gibt sogar Importmöglichkeiten für DX-7 Sounds und eine komplette 303-Emulation. Das meiste davon ist mehr als nur brauchbar, wenngleich ich dem Grind insgesamt eher einen Hang zum LoFi-Sound attestieren würde. Die beiden Timbre- und Harmonics-Regler steuern mehrere Parameter gleichzeitig und ermöglichen so mit wenig Aufwand komplexes Sounddesign.

Durch die vielen Optionen handelt es sich bei der Oszillatorsektion eigentlich schon um einen kleinen Synth im Synth. Die zusätzlichen Möglichkeiten des Grind erweitern das Angebot aber sinnvoll.

Besonders haben mir die Chord-Algorithmen gefallen, mit denen man sehr schnell zu typischen House-Stabs und Detroit-Techno-Sounds kommt. Selbst Pads gelingen mit dem eigentlich monofonen Synthesizer recht gut, wobei man hier logischerweise auf echte Polyfonie verzichtet. Wer eher auf der Suche nach Bässen und Leads ist, wird ebenfalls nicht enttäuscht.

Filtersektion

Wer seine Sounds ganz klassisch formen möchte, kann dafür ein 24 dB Ladder-Filter nutzen, das mancher vielleicht schon vom Crave kennt. Das Filter packt ordentlich zu und kann bei Bedarf auch in einen Hochpass-Modus umgeschaltet werden. Die Resonanz reicht bis in die Selbstoszillation, lässt sich per Keytracking aber maximal über drei Oktaven sauber spielen.

Zusätzlich gibt es noch ein Lowpass-Gate in der VCA-Sektion. Ist das LPG aktiv, erhöht sich auch der Rauschpegel mitunter recht stark. Trotzdem ist es eine gute Erweiterung für fette Bässe und Kicks.

Modulationsmöglichkeiten: LFO und Hüllkurve

Der analoge LFO bietet Rechteck und Dreieck. Bei Bedarf lässt er sich bis in den Audiobereich jagen, per CV steuern und somit neben FM-Experimenten auch als zweiter Oszillator nutzen.

Die ADS-Hüllkurve reicht von knackigen Einstellungen bis langsam genug für Pads, auch wenn ich mir etwas längere Decay-Zeiten gewünscht hätte. Wer sich den Grind primär für Drones zulegen will, kann den VCA auf „on“ stellen, wodurch das Signal immer durchgeschickt wird, auch wenn kein Gate-On-Befehl über ein angeschlossenes Keyboard erfolgt.

Ein echtes Highlight beim Grind ist die Patchmatrix mit insgesamt 34 Buchsen. Hiermit kann man das klangliche Repertoire des Desktop-Synths umfangreich erforschen. Der Bereich ergänzt die vorhandenen Anschlüsse eines Plaits sinnvoll. Es lassen sich beispielsweie beide LFO Schwingungen gleichzeitig abgreifen und mischen, Rauschen hinzufügen, oder einzelne Komponenten des Sequencers extern steuern.

Der Sequencer des Behringer Grind – es bleibt kompliziert

Der Sequencer ist ein nettes Extra, bleibt aber mühsam zu programmieren und zu bearbeiten. Jedenfalls muss ich jedes Mal, wenn ich längere Zeit nicht mit diesen Geräten gearbeitet habe, wieder den Artikel „Behringer Crave Sequencer programmieren“ hervorholen. Ich vermute, wenn man regelmäßig damit arbeitet, gewöhnt man sich irgendwann daran.

Das sind die Alternativen zum Behringer Grind

Wer auf der Suche nach einer Alternative zum Behringer Grind ist, hat eine recht große Auswahl. Neben dem originalen Plaits-Modul, das es nur noch gebraucht gibt, haben etliche Eurorack-Anbieter ebenfalls gute Alternativen im Angebot. Hier sind u.a. Behringer Brains und After Later Audio Pixie zu nennen. Diese Module muss man aber im Eurorack-Kontext sehen, wo man sich die fehlenden Komponenten eines Behringer Grind hinzukauft, oder eben anderweitig kombiniert.

Der stärkste Mitbewerber ist für mich dann auch der Microfreak von Arturia, bzw. dessen großer Bruder Minifreak. Beide setzen teilweise auf Mutable Instruments Algorithmen und erweitern diese mit eigenen Kreationen und Modellen von Noise Engineering, darunter auch einem Vocoder und anderen spezielleren Modellen. Der größte Vorteil gegenüber dem Grind dürften das flexiblere Multimode-Filter und der deutlich umfangreichere Sequencer sein. Ausprobieren und vergleichen lohnt sich hier definitiv.

Behringer Grind Test: Fazit

Behringer Grind bietet eine flexible Sound-Engine und ist fast schon ein No-Brainer für alle, die sich ein budgetfreundliches Setup zusammenstellen wollen. Der Synthesizer kann problemlos als Herzstück eines kleinen semi-modularen Rigs oder als Spielwiese für Klangforscher dienen. Zu dem Preis gibt’s wirklich kaum etwas zu meckern. Wem der Sequencer des Grind auf Dauer zu umständlich oder uninsprierend ist, findet mit dem Arturia Microfreak eine starke Alternative.

8.5 TOTAL SCORE

Behringer Grind Test

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Sound 8

Features 10

Bedienung 7

Preis/Leistung 9

PROS

• Flexible Oszillator-Sektion
• Kompaktes Format
• DX-Sound-Import

CONS

• Sequencer umständlich zu programmieren
• LPG rauscht

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Der Beitrag Behringer Grind Test: Flexibler Desktop-Synth erschien zuerst auf elektronische-musik-produzieren.

Welche Eigenschaften sollte ein Synthesizer für Pads mitbringen?

• mindestens 4 Stimmen (gerne mehr)
• mindestens zwei Oszillatoren (oder einer plus Suboszillator)
• ausreichend Modulationsmöglichkeiten, um Pads über längere Zeit spannend zu halten

Welche sind also die besten Synths für Flächen, die man zurzeit kaufen kann?

Die besten Synthesizer für Pads: Übersicht

Novation Peak / Summit: Hybridsynth mit exzellenten Pads

Novation hat mit dem Peak einen richtig guten Polysynthesizer kreiert, der sich neben vielen anderen Dingen ideal für Flächen eignet. Mit acht Stimmen, hervorragend klingenden Oszillatoren, analogen Filtern und einer mächtigen Modulationsmatrix erzeugt er Pads, Texturen und Drones in nahezu allen Facetten. Von granular bis analog, von gläsern digital bis hin zu experimentellen Sounds ist damit nahezu alles machbar. Eine ausgezeichnete Effektsektion, rudimentäre Frequenzmodulation und sinnvolle Features wie loopbare Hüllkurven runden die Ausstattung ab.

Summit verfügt als Tastaturvariante des Peak neben der doppelten Stimmenanzahl noch über einen zweifachen Multimode, sowie ein zweites Filter, von dem gerade Flächensounds noch einmal enorm profitieren.

Korg Minilogue XD: flexibler als man denkt

Mit dem Vorgänger Minilogue (ohne „XD“) landete Korg bereits einen Hit: Vier voll analoge Stimmen inklusive Tastatur und tollem Design. Und das Ganze für deutlich unter 1000 €. Knapp zwei Jahre später setzten sie mit dem „Minilogue XD“ noch einen drauf. Dabei ist der XD ein eigenständiger Synthesizer, der nicht nur anders klingt, sondern sinnvolle Erweiterungen mitbringt. Ein dritter digitaler Oszillator erweitert die Klangerzeugung um etliche Schwingungs- und Syntheseformen.

Die Effekt-Engine wurde aufgebohrt und liefert jetzt gute Reverb- und Delay-Algorithmen, die sich bei Bedarf – ebenso wie der digitale Oszillator – sogar noch um eigene Modelle erweitern lassen. Mittlerweile hat sich darum eine eigene Community gebildet, die spannende Oszillator- und Effektmodelle teils kostenlos, teils kommerziell anbieten. Ein smarter Zug von Korg – denn durch die Öffnung der Technik für Drittanbieter dürfte die Zukunft des XD gesichert sein.

Durch seine einfache Bedienung, ausreichend Möglichkeiten fürs Sounddesign und dem runden Grundsound sind gute Flächen schnell erstellt. Für den aufgerufenen Preis von rund 580 € ist das Teil eine ganz klare Kaufempfehlung.

Roland JU-06a: ideal für Old-School-Ambient-Pads

Wenn es retro klingen soll, ist der JU-06a von Roland eine gute Wahl. Der Synthesizer im Kleinformat emuliert sehr ordentlich die legendären Juno 6 und Juno 60, die seit den 80ern auf unzähligen Tracks zu hören sind. Von Retrowave bis hin zu Ambient deckt er trotz limitierter Möglichkeiten eine große klangliche Palette ab. Die Synths der Juno-Reihe sind eher Schönklinger – das machen sie dafür aber richtig gut.

Wer die Flächen und Arpeggios bei Niels Frahm, Boards of Canada usw. mag, wird mit dem JU-06 glücklich. Einziges Manko ist hier die Limitierung auf vier Stimmen. Dafür bekommt man mit dem JU-06a noch ein Audiointerface on top, wodurch sich der kleine Synth perfekt für unterwegs eignet. Eine direkte Alternative hierzu wären Behringer Deepmind 6 / 12. Klanglich sind die Behringer-Synths näher am Juno 106 als am 6 bzw. 60 dran. Der Sound ist dadurch als etwas verwaschener zu beschreiben, was durchaus auch seine Fans findet.

Sequential OB-6: Oberheim-Pads mit großartigem Filter

Was wäre eine Synthesizer-für-Pads-Liste ohne einen Oberheim? Die legendären Oberheim-Filter genießen nicht ohne Grund einen guten Ruf, wenn es um Flächen geht. Die Resonanz betont hier sehr musikalisch die Eckfrequenz, wodurch selbst extreme Einstellungen eher glänzen als stören. Und so darf auch der sensationelle Sequential OB-6 (Test) nicht in dieser Liste fehlen.

Eigentlich haben alle Oberheim-Synthesizer eins gemeinsam: Trotz ihrer Vielseitigkeit klingen sie in fast allen Einstellungen immer gut. Umfangreiche Modulationsmöglichkeiten lassen experimentelle Klänge ebenso zu wie klassische Analogsounds. 3000 Euro für die Tastaturversion bzw. 2400 € für die Desktop-Ausführung sind sicherlich nicht gerade wenig. Auf der anderen Seite erwirbt man ein solides Instrument, das auch nach Jahren noch Freude macht.

Elektron Digitone II: Digitale Texturen und analoge Pads

Elektron hat mit Digitone II einen FM Synthesizer im Angebot, der sich auch ausgezeichnet zur Erzeugung von Pads eignet. Intuitive FM mit vier Operatoren, Zugriff auf die Obertonverteilung bei den Oszillatoren und vor allem die Integration verschiedener Filtermodelle ermöglichen es selbst Einsteigern, schnell gut klingende Patches zu erstellen.

Mit einer geschickten Stimmzuweisung sind zudem sehr komplexe Layer-Sounds möglich. Selbst Drones und Texturen, die über Minuten hinweg spannend bleiben stellen Digitone vor keine große Herausforderung. Schade nur, dass sich die Hüllkurven noch nicht loopen lassen und die LFOs im Gegensatz zu den größeren Elektron-Modellen nur ein Modulationsziel besitzen.

Unabhängig vom Einsatz als Flächenlieferant ist der Digitone eine ideale Ergänzung zu bestehenden Studio-Setups. Mit seinem vielseitigen Sequencer und Funktionen wie Sound- und Parameter-Locks könnte man ein komplettes Live Set nur mit diesem Synthesizer durchziehen. Ach ja: Ein Audiointerface und komplette Einbindung in Computer-Setups sind dank Overbridge ebenfalls mit an Bord. Für rund 950 € ist Digitone eine ganz klare Kaufempfehlung, wenn es nicht unbedingt analog sein muss.

ASM Hydrasynth: Die Modulationsmaschine

Das chinesische Unternehmen ASM hat mit dem Hydrasynth ganz überraschend einen polyphonen Wavetable-Synthesizer auf den Markt gebracht. Nachdem die Schwächen der ersten Version ausgeräumt wurden – hier ist besonders der anfangs unterdimensionierte Bassanteil zu nennen – ist der Hydrasynth längst kein Geheimtipp mehr unter Synthesizer-Freaks.

Und das aus gutem Grund: Neben einem ausgewogenen Grundsound und gut klingenden Filtermodellen spricht für den Hydrasynth eine sehr umfangreiche Modulationsmatrix mit fünf DAHDSR Hüllkurven und ebenso vielen LFOs.

Wo man sich bei anderen Herstellern gerne mal in Untermenüs verheddert, ist beim Hydrasynth nahezu alles schnell miteinander verknüpft. So werden die komplexen Möglichkeiten gezähmt und aus dem Synth ein echtes Flächenmonster. Nicht zuletzt durch seine solide Verarbeitung (die Keyboard-Variante ist überraschend schwer) ist der Hydrasynth eine klare Empfehlung als Synthesizer für Pads und natürlich auch andere Sounds.

Trotz der umfangreichen Möglichkeiten erschließt sich der Hydrasynth durch seine intuitive Oberfläche auch Einsteigern recht schnell. Allerdings würd ich neben dem Hydrasynth immer noch einen weiteren Synthesizer dazustellen, wenn es mal schnell gehen soll. Hier haben Synths mit weniger Features teilweise die Nase vorn.

Korg modwave II

Und noch einmal Korg, dieses Mal mit dem Wavetable Synthesizer Korg modwave II. Dieser Synthesizer kombiniert einerseits Wavetable-Synthese mit klassischer subtraktiver Synthese. Andererseits findet sich noch ein umfangreicher Vorrat an Samples, mit denen man sich abwechslungsreiche Pads zusammenbauen kann.

Für die Kombination eines Presets stehen hier insgesamt vier Layer zur Verfügung, die sich jeweils völlig frei voneinander aufbauen lassen. Mit umfangreichen Modulationsroutings und intelligenten Echtzeitzugriffen ist der modwave auch ideal für Live-Performances. Ein sehr solider Klang, der eher in Richtung HiFi geht plus vielseitige Sounddesignmöglichkeiten machen den modwave zu einem perfekten Flächenleger. Hier geht es zum Korg modwave Test.

Korg Multi/Poly

Mit dem Multi/Poly schafft es Korg ein weiteres Mal in diese Liste. Und das aus gutem Grund, denn der VA/Wavetable-Hybride bietet nicht nur einen hervorragenden Sound, sondern auch wahnsinnig gute Möglichkeiten, die ihn als Synthesizer für Pads geradezu prädestinieren.

Zum einen ist da die flexible Klangerzeugung die Westcoast- und Eastcoast-Ansätze vereint und mit Wavetable-Synthese kombiniert. Bis zu vier Layer und davon jeder einzelne mit vier Oszillatoren – teilweise mehr, wenn auf Kombimodelle gesetzt wird – erzeugen breite Klangteppiche.

Etliche gut klingende Filtermodelle helfen dabei, den Sound in die gewünschte Richtung zu formen. Hinzu kommen gut klingende Effekte und eine enorm flexible Modulationsmatrix.

Expressive E Osmose: Wenn es richtig außergewöhnlich werden soll

Abgerundet wird diese Liste durch einen Exoten. Die bis zu 24-fach polyfone Klangerzeugung im Expressive E Osmose basiert auf Haken Audios EaganMatrix; einer Mischung aus subtraktiver Synthese, Physical Modelling (also der Nachbildung akustischer Instrumente), FM und allem was dazwischen liegt.

Das verspricht völlig neuartige Sounds, die durch die einzigartigen Controller-Fähigkeiten des Keyboards erst richtig zum Leben erweckt werden. Hybride Flächen, die von Streichern zu Analogpads mutieren, metallene Texturen oder granulare Drones sind für Osmose kein Problem. Wenn man Klänge von Grund auf neu programmieren möchte, muss man sich allerdings erst instensiv in die nicht wirklich zugängliche EaganMatrix-Software einarbeiten.

Das Keyboard ermöglicht neben Anschlagdynamik auch polyphonen Aftertouch und reagiert sehr exakt auf Wertveränderungen. Dadurch ist ein ausdrucksstarkes Spiel möglich, wie es nur bei einer Handvoll elektronischer Instrumente der Fall ist.
Und sollten die internen Soundmöglichkeiten mal nicht mehr ausreichen: Mit entsprechend kompatibler Software lässt sich Osmose auch als High-End-Controller für den Computer verwenden.

Zur Webseite von Expressive É Osmose

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Ein semi-modularer Synthesizer ist ein perfekter Einstieg in die Klangsynthese. Aber auch in umfangreichen Studiosetups kann die Kombination aus Flexibilität bei gleichzeitig teilweise vorab definiertem Signalfluss eine echte Bereicherung sein. Worauf man bei einem semimodularen Synth achten sollte und welche Modelle zurzeit empfehlenswert sind, zeigt dieser Artikel.

Was ist ein semimodularer Synthesizer überhaupt?

Ein semimodular Synthesizer bewegt sich konzeptionell zwischen einem geschlossenen Konzept wie etwa einem Minimoog und einem komplett offenen Modularsystem, bei dem man erst Patchkabel ziehen muss, um überhaupt einen Klang zu erhalten.

Ein semimodularer Synth hat den Vorteil, dass man direkt Töne aus dem Instrument bekommt, ohne ein Patchkabel zu ziehen. Dadurch eignen sich diese besonders für Einsteiger, die vor ihren ersten modularen Gehversuchen stehen. Demgegenüber hat das Modularsystem wiederum den klaren Vorteil, dass man einzelne Elemente wie Filter, Oszillatoren etc. völlig frei zusammenstellen kann.

Die besten semimodularen Synthesizer

Wer nun vor der Anschaffung eines semimodularen Synths steht, sollte darauf achten, dass dieser über ausreichend Patchbuchsen verfügt. Sind lediglich ein paar CV Ein- und Ausgänge für Pitch, Gate oder Filter vorhanden, kann man noch nicht von einem semimodularen Konzept sprechen.

Ebenfalls sollte die Klangerzeugung nicht zu spartanisch ausgestattet sein. Ansonsten stößt man schnell an die Grenzen. Die folgenden Empfehlungen sind nach dem Anschaffungspreis sortiert und liefern genug Features für einen spannenden Einstieg. Wie immer handelt es sich hierbei um meine persönlichen Favoriten der letzten Jahre. Der Markt wächst ständig und ebenso wird auch dieser Artikel laufend aktualisiert. Wenn ihr noch spannende Empfehlungen habt, hinterlasst gerne einen Kommentar.

Behringer Crave: Semimodularer Synthesizer zum Budgetkurs

Perfekt für Einsteiger mit geringem Budget: Der Behringer Crave vereint guten Klang mit einer flexiblen Klangerzeugung bei überschaubaren Kosten. Der gut verarbeitete semimodulare Synthesizer verfügt über 32 Patchbuchsen, die sich über 18 Eingänge und 14 Ausgänge verteilen. Damit dürften die ersten Gehversuche mit modularen Konzepte gut gelingen.

Falls ihr vorhabt, den Crave live einzusetzen, hilft die Möglichkeit eigene Sequenzen mit bis zu 32 Steps vorzubereiten und im Speicher abzulegen. Zwar gestaltet sich die Programmierung des Behringer Crave Sequencers anfangs etwas sperrig. Aber Funktionen wie Accent, Slide und Ratcheting entschädigen schnell für den umständlichen Workflow.

Für die Klangerzeugung im Crave steht ein CEM3340 VCO zur Verfügung, dessen SAW oder Pulse-Schwingung (letzterer mit PWM) durch ein kräftig zupackendes 24dB-Ladder-Filter geschickt wird. Oder bei Bedarf am Filter vorbei, denn schließlich handelt es sich hierbei ja um einen semimodularen Synth!

Dreadbox Erebus Reissue: der Kompakte

Etwas weniger Patchbuchsen als der Crave, dafür aber mehr Komponenten bei der Klanggestaltung bietet der Dreadbox Erebus Reissue. Der semimodulare Synthesizer hat zwar nur zehn CV-Eingänge und sechs Ausgänge, bringt mit seinen zwei Oszillatoren und dem sehr musikalisch klingenden Filter ordentlich Schub mit für Bass-Sounds, Leads und experimentelle Klänge.

Fortgeschrittenes Sounddesign ist mit dem Erebus Reissue ebenfalls möglich. Denn nicht nur lassen sich die VCOs synchronisieren, die LFO-Frequenz reicht bis weit in den hörbaren Bereich, sodass damit auch Vocal-artige Patches, Percussion und FM-Texturen drin sind.

Bei Bedarf kann man zudem einen Duo-Mode aktivieren und den Erebus Reissue ohne zusätzliches Patchen 2-fach parafon spielen. Abgerundet wird die Ausstattung noch durch ein analoges BBD-Delay, dessen Frequenz sich zudem per CV-In steuern lässt.

Arturia Minibrute 2 und 2S: Semimodularer Synth mit eigenständigem Sound

Die Minibrute-2-Serie von Arturia ist nach wie vor ein geniales Gesamtpaket, wenn man einen semimodularen Synthesizer sucht, der sich auch ohne externes Equipment steuern lässt. Für eigene Melodien oder Automationen hält der Synth eine (Minibrute 2) bzw. drei (Minibrute 2S) Sequencerspuren bereit.

Ein flexibler Brute-Oszillator mit frei mischbaren Schwingungsformen und Suboszillatoren, dazu noch ein zweiter VCO und ein flexibles Multimodefilter bilden hier die Basis. Hinzu kommen noch Noise, Sync und Ringmodulation. Herausragend sind auch die loopbaren Hüllkurven, die mit den zwei LFOs ein ideales Paket für rhythmische Sounds aller Art bilden.

Zwar ist der eigenwillig aggressive Sound der Mischung aus Brute-Oszillator und Steiner-Parker-Filter nicht jedermanns Sache. Das liegt aber auch daran, dass viele User das VCO-Signal immer zu laut in die Filtersektion schicken. (Deutlich) Weniger ist hier mehr und dann gelingen auch weiche Sounds auf einmal problemlos.

Durch diese klangliche Varianz sind in Verbindung mit der gut ausgestatteten Patch-Matrix aber auch eine Vielzahl an Klängen möglich; von knallharten Bässen und Leads bis hin zu experimentellen Texturen und Drones.

Behringer 2600: Inspiriert vom ARP 2600

Auf den Spuren eines Klassikers der 1970er Jahre wandelt der 2600 von Behringer. Wie seine historische Vorlage von ARP, ist der Behringer 2600 ein semimodularer Synth. Der bedienfreundliche Synth bietet etliche Fader, ganze 83 Patchbuchsen zur kreativen Klangfindung und in der grauen und blauen Spezialeditionen sogar einen echten Federhall.

Insgesamt 3 VCOs mit Sync und RM, sowie Noise können hier von einem Lowpass weiter geformt werden. Dessen Charakteristik lässt sich zwischen Transistor(Moog)-Filter und Arp-Variante umschalten.

Zwar gibt es hier weder Arpeggiator noch Sequencer, dafür aber zahlreiche Modulationsquellen und Funktionsgeneratoren. Auch der Klang weiß zu überzeugen und so ist der Behringer 2600 ein solider Allrounder für professionelle Anwendungen und ambitionierte Einsteiger.

neutral labs Elmyra 2: semimodularer Synthesizer für Drones und mehr

Mit seinem Fokus auf Drones weicht der Neutral Labs Elmyra 2 zwar ein gutes Stück von den anderen Synths dieser Liste ab. Trotzdem ist er hier aufgeführt, denn das außergewöhnliche Konzept mit dem LoFi-Sound ist vielleicht genau das fehlende Teil im Studio.

Beim Elmyra 2 wird der Sound von bis zu vier digitalen Oszillatoren erzeugt, die in unterschiedlichen Modi verschaltet werden können. Gespielt wird der Synth entweder über die vier Touch-Plates auf der Oberfläche oder bis zu vierfach paraphon per CV/Gate.

Für die weitere Klangbearbeitung verfügt Elmyra 2 über vier unterschiedliche Filter, ein Reverb, sowie ein Delay. Ein böse klingender „Ouch-Effekt“ kombiniert Distortion, Waveshaper und Filter. Die Effektreihenfolge kann mit kleinen Steckkarten variiert werden.

Elmyra 2 ist ein großartiger semimodularer Synth mit viel LoFi-Charakter, der sich übrigens auch problemlos in ein Eurorack-Modularsystem einbauen lässt.

Neutral Labs Elmyra 2 gibt es hier.

intellijel Cascadia: Eigentlich schon ein Modularsystem

Den Abschluss dieser Liste macht der semimodulare Cascadia von intellijel. Abgesehen davon, dass man hier die Module nicht austauschen kann, handelt es sich hierbei fast schon um ein kleines bis mittelgroßes Modularsystem.

Trotz kompakter Größe beherbergt Cascadia etliche Komponenten fürs Sounddesign und vereint dabei Elemente der klassischen subtraktiven Synthese, dazu LPG und Waveshaper und analoge FM (TZFM, exponential und linear). Was mich neben dem beeindruckenden Funktionsumfang aber am meisten überzeugt, ist der durchdachte Workflow.

Die interne Vorverdrahtung ist hier sehr logisch aufgebaut und spart dadurch etliche Patchkabel. So lassen sich selbst bei minimalem Kabeleinsatz extrem komplexe Patches bauen.

Auch Funktionen wie Tap-In für die interne Clock oder Insert-Wege für externe Effekte zeigen, dass sich hier jemand wirklich Gedanken gemacht hat. Intellijel Cascadia ist nicht günstig, aber sein Geld auf jeden Fall wert. Für eine ähnliche Ausstattung müsste man anderswo deutlich drauflegen.

Fazit: Die besten semimodularen Synths

In der mittlerweile riesigen Auswahl an guten semimodularen Synths den richtigen Kandidaten für sich zu finden, ist nicht einfach. Wenn es das Budget zulässt, rate ich zum Cascadia, dessen riesiger Funktionsumfang sich durch einen klaren Workflow schnell begreifen lässt. Etliche Möglichkeiten zum Sounddesign versprechen langfristig Spaß auf kompaktem Raum.

Einsteigern empfehle ich entweder den Behringer Crave, oder den Erebus V3 Reissue. Letzterer klingt eigentlich immer gut, selbst in extremen Einstellungen, wodurch sich hier schnell ein Erfolgsfaktor einstellt. Der Behringer Crave ist im Vergleich zwar nicht ganz so ein Sweet-Spot-Synth, bietet aber zum attraktiven Preis einen guten Einsteig ins Thema semimodulare Synthesizer. Damit ist er ideal, um einfach mal zu gucken, ob euch das Strippenziehen überhaupt Spaß macht.

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Mit dem semimodularen Synth Model 15 orientiert sich Behringer an dem legendären Moog Model 15 Modularsynth und dem aktuell noch erhältlichen Grandmother. Zwar hatte ich nie die Gelegenheit, den raren Moogthusalem zu probieren, die Grandmother kenne ich aber. Model 15 verfügt über 2 VCOs im Moog-Stil, ein MOOG-Ladder-Filter, und eine nützliche Modulationsmatrix. Wie gut sich der Synth schlägt, erfahrt ihr im Behringer Model 15 Test. Zuerst gibt es aber wie immer ein Demovideo mit Patches für elektronische Musik.

Behringer Model 15 in Kürze

• Semianaloger Synth, inspiriert von Moog Model 15 / Grandmother
• Überzeugender Vintage-Analogsound
• Flexible Patchmatrix für Klangexperimente
• Interner 256-Step-Sequencer und Arp

Behringer Model 15: Erster Eindruck

Der Model 15 kommt im typischen Behringer-Desktop-Gehäuse und bietet auf der Vorderseite – neben der Patchbay – einen MIDI-In, während der MIDI-Out/Thru-Ausgang auf der Rückseite sitzt. Dort finden sich auch ein USB-MIDI-Anschluss, ein 6,3mm-Mono-Line-Out und ein Kopfhörer-Anschluss mit regelbarer Lautstärke.

Wie bereits bei den anderen Desktopvarianten geht auch beim Model 15 die Verarbeitung absolut in Ordnung. Die insgesamt 28 Potis weisen einen angenehmen Drehwiderstand auf, die Kipp-Schalter erscheinen auch solide. Einzig die wabbligen Gummittaster erscheinen in dem ansonsten robusten Kontext etwas deplaziert.

Die Oberfläche ist logisch aufgebaut, allerdings gehören die Credits hierfür dann doch Moog zugesprochen. Denn wenn man Grandmother und Model 15 miteinander vergleicht, scheint es recht offensichtlich, woran sich Behringer hier orientiert hat. Aber ich verspreche, dieses Türchen nicht weiter zu öffnen. Im Behringer Model 15 Test geht es in erster Linie um den Synth.

Oszillatoren

Am Anfang der Signalkette stehen zwei Oszillatoren mit jeweils vier Schwingungsformen, jeweils mit Dreieck, Sägezahn und Rechteck mit variabler Pulsbreite.

Der zweite VCO lässt sich bei Bedarf als flexibler Suboszillator betreiben, für den ebenfalls vier verschiedene Schwingungsformen zur Verfügung stehen. Zusätzlich finden sich noch Hard Sync und Rauschen (weiß / rosa), etwa um dem Klang etwas Schmutz mitzugeben, Perkussives, oder für experimentelle Sounds.

Die VCOs sind komplett analog aufgebaut und überzeugen durch ihren runden, satten Sound. Moog-typisch tendiert dieser eher zu dominanten Mitten und Bässen, die man erst einmal im Mix zähmen muss.

Die Filtersektion mit der typischen Moog-Kaskade

Eine erste Möglichkeit, die Klanggewalt der VCOs unter Kontrolle zu bringen, bietet die Filtersektion. Neben der typischen 24dB Moogkaskade findet man hier auch ein Hochpassfilter ohne Resonanz, mit dem man das Signal bei Bedarf ausdünnt.

Das Ladder-Filter packt kräftig zu und klingt auch bei hoher Resonanz ausgezeichnet. Die Resonanz lässt sich zwar bis zur Selbstoszillation fahren. Allerdings steht dem Einsatz als Sinusoszillator das nicht ganz saubere Tracking entgegen, das den sinnvollen tonalen Bereich bei meinem Modell auf 2,5 bis 3 Oktaven begrenzte.

Modulationsquellen: LFOs und Hüllkurven

Die Hüllkurve ist beim Model 15 als klassische ADSR-Variante ausgeführt. Standarmäßig ist sie auf das Filter und den VCA geroutet. Beim Filter kann die Intensität positiv oder negativ variabel eingestellt werden.

Im linken Bereich befindet sich der überraschend flexibel ausgestattete LFO mit den Schwingungsformen Sinus, Saw, Ramp und Rechteck mit variabler Pulsbreite. Vorverdrahtet und im direkten Zugriff sind die Modulationsziele Pitch und Filter, über die Modulationsmatrix ist aber noch mehr drin.

Die Frequenz des LFOs kann bis in den hörbaren Bereich aufgedreht werden, was sich hervorragend für FM-Experimente eignet. Dasselbe gilt für die Cross-Modulation, wenn zwei VCOs (oder LFOs) über die Matrix auf der rechten Seite gepatcht werden.

Digitaler Federhall

Zur Klang“veredelung“ besitzt der Model-15 noch einen echt digitalen Federhall, dessen Klang mich allerdings nicht abholen konnte. Häufig ist ein Federhall technisch bedingt sehr dominant in den Mitten und das ist auch bei dieser Simulation nicht anders. Da aber auch der Model-15 sehr präsente (untere) Mitten hat, werden diese durch den Federhall noch zusätzlich betont. Ein echt simuliertes BBD-Delay hätte ich an dieser Stelle ergiebiger empfunden, aber vielleicht kommt das ja noch mit einem Update.

Behringer Model 15 bietet Sequencer und Arp

Der Sequenzer ist einfach zu bedienen und kann daher eine schöne Inspirationsquelle sein. In drei Speicherplätzen können Sequenzen mit bis zu 256 Steps abgelegt werden. Die Programmierung ist deutlich intuitiver gelöst, als bei anderen Behringer-Synths wie z.B. Crave oder Poly-D.

Man schaltet einfach auf Rec, gibt über eine angeschlossene MIDI-Tastatur die Noten ein und fügt per Gummitaster auf der Oberfläche gehaltene Noten, Accent und Pausen ein. Zusätzlich kann man hier noch die Abspielrichtung variieren.

Der Arpeggiator kommt vergleichsweise rudimentär daher, ist aber dennoch eine nützliche Dreingabe. Hier kann man ebenfalls die Art der Wiedergabe ändern und den Umfang auf bis zu drei Oktaven festlegen.

Die Modmatrix – ein Highlight im Behringer Model 15

Mit insgesamt 48 Patch-Punkten lädt die Modulaationsmatrix auf der rechten Seite zum Experimentieren ein. Zwar wird es bei komplexen Patches in dem Bereich schnell etwas eng. Dafür hat man beim Performen keine Patchkabel im Bedienfeld, was in der Praxis für mich einen guten Kompromiss ergibt. Auf all die Möglichkeiten explizit einzugehen, würde den Rahmen des Tests sprengen. Aber gerade für diejenigen, die erste Schritte an einem günstigen semimodularen Synth machen wollen, ist der Model 15 eine ideale Option.

Ich habe es bei meinem Testexemplar nicht geschafft, den S&H so zum Laufen zu bringen, wie ich es von dieser Mod-Quelle erwartet hätte. Es scheint sich eher wie rosa Rauschen zu verhalten, das direkt auf das Mod-Ziel geroutet wird, ohne Sample und Hold. Keine große Sache, aber dennoch erwähnenswert für all diejenigen, die getaktete randomisierte Texturen lieben.

Anm.: Mittlerweile hat sich Behringer diesem Problem angenommen und bietet eine Modifikation an. Solltet ihr aber auf dem Gebrauchtmarkt nach einem günstigen Model 15 suchen, wäre das der erste Punkt, den ich checken würde.

Behringer Model 15 Alternativen

Da sich Behringer bereits am Moog Grandmother orientierte, wäre die nächste Alternative natürlich das Original. Zwar liegt hier der Anschaffungspreis um einiges drüber. Man hat aber einen recht stabilen Wiederverkaufswert und einen Analogsynth mit Tastatur, der auf der ganzen Linie Retrocharme versprüht.

Als zweite Alternative kommt mir der Behringer D in den Sinn. Denn wenn man auf die Patchpunkte verzichten kann, liefert dieser auch einen recht eindrucksvollen Moog-Sound. Wenig überraschend, da der D auf Spuren des Model D wandert.

Falls ihr eine flexible Soundengine mit Moogcharakter sucht, aber nicht auf Presets verzichten könnt, sei euch abschließend noch der Roland SE-02 ans Herz gelegt. Dieser Synth klingt ebenfalls hervorragend, seine (austauschbaren) kleinen Potis schrecken aber viele ab. Lasst euch davon bitte nicht täuschen! Der SE-02 klingt fantastisch und geht von der Soundpalette noch etwas in die aggressivere / modernere Richtung.

Behringer Model 15 Test: Fazit

Eine umfangreich ausgestattete Modulationsmatrix, guter Analogsound und ein intuitiver Sequencer für deutlich unter 300 €: (nicht nur) für den geforderten Preis ist das Model-15 ein großartiger Synthesizer. Zudem ist der Model 15 gut verarbeitet. Man sollte nur aufpassen, nicht eines der Modelle mit dem S&H-Fehler zu erwischen.

Ich finde den Model 15 besser als Behringers Model D, wenn man den Vintage MOOG-Sound anstrebt UND eine flexible Sound-Engine sucht. Das ist natürlich immer Geschmackssache und andere wiederum bevorzugen den direkten Zugriff und die Reduktion auf das Wesentliche eines Behringer D.

9.3 TOTAL SCORE

Behringer Model 15 Test

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Sound 9

Features 10

Bedienung 8

Preis/Leistung 10

PROS

• Flexible Sound-Engine
• Kräftiger Analogsound
• Intuitiver Sequencer

CONS

• Modulationsmatrix mitunter etwas fummelig
• Federhall-Emulation klanglich nicht überzeugend

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Dieser Artikel stammt aus dem Buch „Elektronische Musik produzieren – Die größten Fehler, Sounddesign und Tipps für erfolgreiche Clubtracks“. Weitere Infos zum Buch gibt es hier.

Kicks layern – worauf kommt es an?

Die Kick in der elektronischen Musik setzt sich meistens aus mehreren Komponenten zusammen: dem tieffrequenten Bassanteil, einem tonalen Mittenbereich und einem Klicken ganz am Anfang des Zeitverlaufs. Viele Produzenten machen sich das zunutze, indem sie sich ihre Traumkick einfach aus verschiedenen Samples zusammenbauen. Diese Frankenstein-Kick kann also den Boom eines Sinusoszillators, die Mitten einer akustischen Kick und als Topping ein lediglich kurz angerissenes Rimshot-Sample nutzen.

https://www.thomann.de/de/d16_group_punchbox.htm?offid=1&affid=397Der Trick besteht nun darin, die drei Samples per Layering übereinander zu legen. Dabei isoliert man mit Filtern immer genau die Frequenzanteile, die vom jeweiligen Sample übernommen werden soll. Die meisten Drumsampler sind in der Lage mehrere Samples auf eine Note zu legen. Alternativ könnte man drei Clips gleichzeitig abspielen und das entstehende Signal resamplen. Noch einfacher geht das ganze mit spezialisierten Drum-Plugins wie D16 Punchbox, Ableton-Drum-Racks oder in Hardwareform mit Drum-Computern wie dem Rytm von Elektron, die analoge Klangerzeugung und Sample-Engine kombinieren können.

In unserem fiktiven Beispiel der Frankenstein-Kick kann der Sinus als Basis so bleiben. Denn Obertöne, die wir entfernen müssten, besitzt diese Schwingungsform nicht. Bei der akustischen Kick beschneiden wir die tiefen und oberen Frequenzen so weit, bis sich die verbleibenden Mitten nicht mehr mit den Frequenzen des Sinus oder unserem Topping beißen. Final setzen wir bei unserer Rimshot ein Hochpassfilter an und lassen nur noch die Obertöne durch, die wir für unseren perfekten Attack benötigen. Der Vorteil an dieser nicht ganz simplen Methode ist, dass ihr die volle Kontrolle über jedes einzelne Element eurer Kick habt. So könnt ihr den Sinus mit einer entsprechenden Hüllkurve länger stehen lassen als den Rest oder beglückt die Mitten eurer Kick mit etwas Distortion.

Welche EQ-Einstellung, um die Techno Kick fetter zu machen?

Ob ihr ein vorhandenes Kickpreset verwendet oder die Kick per Layering / Synthese aufbaut: Eine Nachbearbeitung ist auf jeden Fall angesagt. Fast immer kommen dabei EQ und Kompressor zum Einsatz. Der EQ hilft dabei, unnötige Frequenzen herauszuschneiden und dezent klangliche Akzente zu setzen.

Je nach elektronischem Genre übernimmt die Kick gleichzeitig den Basspart. In diesem Fall könnt ihr alle Spuren außer der Kick ruhig unter 100 Hz mit einem Low Cut beschneiden, damit sich die Instrumente nicht gegenseitig in die Quere kommen. Um den Bassbereich der Kick zu betonen, boostet ihr die Frequenzen um 40 – 80 Hz mit einem EQ. Idealerweise zielt ihr dabei auf den Grundton der Kick.

Soll der Bass-Lead den Tieftonpart in deinem Track übernehmen, müsst ihr umgekehrt die Kick im Tieftonbereich beschneiden und die tiefen Frequenzen des Basssounds mit einem EQ anheben. In diesem Fall könnt ihr die Kick bei ca. 120 Hz schmalbandig mit einem Peak-EQ betonen. Eine Absenkung der Frequenzen bei 200 bis 350 Hz bewirkt, dass die Kick insgesamt trockener klingt.

Störende Frequenzen ermittelt man, indem man mit einem stark verstärkten schmalbandigen EQ langsam den Bereich abscannt. Sobald der Kick-Sound anfängt zu klingeln bzw. zu zerren, habt ihr die Frequenz gefunden. Jetzt kehrt ihr den Vorgang wieder um und senkt die Frequenz breitbandig moderat (um ca. 6dB) ab. Unterhalb von 150 Hz sollten Kick und Bass mono sein. Das lässt sich recht einfach mit speziellen Plugins wie Fabfilter Q3 oder dem Utility-Tool von Ableton umsetzen.

Wie wird die Kick nachbearbeitet?

Mit dem Kompressor verdichtet ihr das Klangmaterial, arbeitet die Attackphase stärker heraus und macht die Kick dadurch voluminöser. Beim Kompressor solltet ihr auf eine längere Attack- und eine kurze Releasezeit achten. Dadurch wird der Anschlag der Kick nicht negativ von der Komprimierung beeinflusst und die Kick bekommt insgesamt mehr Druck. Ein Ratio-Wert von 4:1 bis 8:1 sollte in den meisten die besten Ergebnisse bringen. Threshold – also der Wert, ab dem der Kompressor anfängt zu arbeiten – ist abhängig von der Stärke des Eingangssignals. Hier müsst ihr einfach etwas experimentieren, bis euch das Resultat gefällt.

Am Ende der Kette könnt ihr der Kick noch mit Distortion zu Leibe rücken. Dezent eingesetzt verleiht es dem Sound zusätzliche Obertöne, wodurch die Kick im Mix noch präsenter wird. Im Techno geht man gerne etwas stärker in die Sättigung, wodurch die Kick noch aggressiver erscheint.

Zur Verzerrung finden sich eine Menge Werkzeuge. Ob es Distortion, Overdrive oder eine Bandsättigungs-Emulation sein soll, bleibt eurem Geschmack überlassen. Sehr gut für diesen Zweck ist das Freeware-Plugin Saturation Knob von Softube. Mit wenigen Parametern und exzellentem Sound kommt man hiermit schnell zum Ziel.

Gerüchten zufolge „leihen“ sich einige bekannte Künstler ihre Kicks gerne mal aus anderen erfolgreichen Produktionen für die eigenen Tracks aus. Rechtlich ist das wahrscheinlich keine Grauzone mehr, aber ihr könnt dieses Verfahren für eigene Produktionen ja mal ausprobieren und bei Gefallen die Kick nachbauen.

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1. Eurorack Sequencer: Welcher ist der richtige für mich?

Bevor wir zur Auswahl der besten Eurorack Sequencer kommen, sehen wir uns erstmal an, welche Sequencer-Typen es gibt und für wen diese am besten geeignet sind. Ebenso wie die konkreten Vorschläge, hat diese Liste keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Dazu gibt es einfach zu viele (spannende) Konzepte. Für eine gute Starthilfe sollte es aber reichen.

Step Sequencer

Traditionelle Step Sequencer gehören mit zu den ältesten Steuereinheiten im Modularsystem. Hierbei werden einzelne Tonhöhen und aktive Noten pro Step programmiert und dann nacheinander abgefeuert. Zur Visualisierung an welcher Stelle sich die Sequenz befindet, durchläuft meistens ein Lauftlicht die einzelnen Schritte. Die Programmierung erfolgt je nach Modell über Fader, Drehregler oder per Taster, wobei letztere für kreative Zufälle eher nicht geeignet sind. Und damit habe ich schon einen wesentlichen Vorteil des Step Sequencers angesprochen.

Durch die auf den ersten Blick etwas umständliche Programmierung entstehen interessante Notenabfolgen, die man so wahrscheinlich nicht bei einer klassischen Aufnahme per Keyboard-Eingabe erhält. Hinzu kommt, dass man bei Step Sequencern, die rein auf Steuerspannung basieren und auf Skalen verzichten, schnell spannende mikrotonale Verschiebungen erhält. Oder mit anderen Worten: Die Melodien klingen leicht verstimmt und dadurch gerne mal sehr organisch.

Der größte Nachteil bei klassischen Step-Sequencern ist häufig die Begrenzung auf 8, 16 oder selten mal 64 Steps. Intelligente Abspielmodi wie vorwärts / rückwärts, Zufall oder Trigger-Wahrscheinlichkeiten wirken gegen die Starrheit, mit krummen Sequencer-Längen wie 5, 7 oder 14 Steps kann man klassische 4/4-Loops zudem erheblich spannender gestalten.

Aufnahme-Sequencer

Bei einem Aufnahmesequencer seid ihr in der Lage, eure eingespielten Ideen festzuhalten und anschließend wiederzugeben. Dieser Sequencer-Typ bietet häufig keine Lauflichtprogrammierung, dafür aber auch deutlich längere Pattern, Chordfunktionen, unterschiedliche Quantisierungen bis hin zu Songmodi. Das Angebot reicht hier von simplen Kopien im SH-101-Stil bis hin zu kleinen DAWs fürs Eurorack-System.

Dieser Sequencertyp richtet sich vor allem an Musiker, die das Bandmaschinenprinzip ins Eurorack übertragen möchten, gleichzeitig aber nicht auf die Bearbeitungs-Flexibilität eines MIDI-Sequencers verzichten wollen.

Drum-Sequencer vs. Melodiesequencer

Wie bereits geschildert, sind Melodiesequencer in der Lage, Klangparameter wie Tonhöhen oder Filter Cutoff zu steuern. Demgegenüber steht eine andere Sequencer-Klasse, die auf eine flexible CV-Steuerung verzichtet.

Drum-Sequencer, auch Trigger Sequencer genannt, werden vor allem zur Steuerung von Drum-Spuren genutzt. Hier stehen häufig mehrere Ausgänge und Spuren zur Verfügung. Allerdings beschränken sich Drum-Sequencer häufig auf die Erzeugung von Trigger- oder Gate-Impulsen. Wer mit einem Trigger-Sequencer Melodien erzeugen will, muss also entweder tricksen (indem man unterschiedliche Trigger-Ausgänge per Mixer auf den Pitch-CV-Eingang desselben Oszillators routet). Oder man benötigt ein weiteres Modul, das Steuerspannungen erzeugt.

Solltet ihr euch also eine Modulare Drummachine zusammenstellen wollen, könnte dafür ein reiner Drum-Sequencer ausreichen. Ich würde dennoch immer empfehlen, zumindest einen weiteren Sequencer zu nutzen, der auch CV-Werte ausgibt. Denn auch Drum-Sounds profitieren von dynamischen Parameterveränderungen.

Algorithmische Sequencer und Zufallssequencer

Die letzte große Kategorie bilden Sequencer, die auf mathematischen Modellen und Zufall basieren. Grundsätzlich gibt es diese Sequencer als reine Trigger-Ausführung, zur Erzeugung von Steuerspannungen, oder als Kombination. Der Unterschied zu den eingangs erwähnten Melodie- und Drumsequencern liegt nun in erster Linie in der Art der Wiedergabe.

Bei algorithmischen Sequencern erfolgt die Wiedergabe anhand von mathematischen Mustern. Die programmierten Sequenzen werden also nicht wie üblich von links nach rechts (bzw. rückwärts oder alternierend) durchlaufen. Vielmehr folgt die Wiedergabe einer vorgegebenen mathematischen Logik. Eine prominte Ausführung basiert etwa auf dem euklidischen Algorithmus. Ohne zu sehr auf die mathematische Grundlage einzugehen, eignen sich diese Sequencer in erster Linie zur Erzeugung spannender Rhythmen, die das klassische 4/4-Schema durchbrechen.

Ergänzt man diese Sequencer noch um dosierbare Zufallselemente, kann man sich schnell ein rhythmisches Perpetuum Mobile zusammenstellen. Und so überzeugen diese Sequencer häufig durch eine enorme Flexibilität auf kleinem Raum. Allerdings muss man sich diesen Mehrwert oft auch durch eine deutlich weniger intuitive Bedienung erkaufen. Möchte man hier gezielt Loops programmieren, sollte man auf jeden Fall konzentriert bei der Sache sein.

2. Worauf sollte man beim Kauf eines Euorack Sequencer achten?

Nachdem wir uns unterschiedliche Sequencer-Typen angesehen haben, kommen nun zu den Eigenschaften, auf die man bei der Anschaffung eines Eurorack Sequencers achten sollte. Dabei gibt es wie so oft kein richtig oder falsch. Vielmehr muss der Sequencer zu eurem System und eurem Workflow passen.

Patternlänge

Wenn ihr mit dem ganz klassischen Moog- oder Roland-Ansatz mit acht, zwölf oder sechzehn Steps zufrieden seid, ist die Patternlänge nahezu egal. Denn die meisten auf dem Markt erhältlichen Sequenzer fürs Modularsystem bieten mindestens acht Steps.

Sobald ihr aber komplexere Themen umsetzen wollt, solltet ihr unbedingt auch auf die maximale Patternlänge achten. 64 Steps scheint hier ein recht verbreitetes und meiner Meinung nach sinnvolles Format zu sein. Besonders dann, wenn man die Taktrate (Subdivisions) pro Spur noch frei bestimmen kann. Wichtig wäre hier nur, dass einzelne Sequencer-Tracks in unterschiedlichen Subdivisions (Taktauflösungen) laufen können. Denn nur so könnt ihr Pads oder Bass-Progressionen über weitere Takte hinweg erstellen.

Es gibt auch Sequenzer, deren Pattern eine nahezu unbegrenzte Länge haben können. In diesem Fall werdet ihr aber immer damit leben müssen, dass mit zunehmender Patternlänge auch die Übersichtlichkeit verloren geht. Und eben dieser Aspekt ist für viele User ein wesentlicher Grund, sich ein teures Modularsystem anzuschaffen.

Speicher

Solange der Sequenzer nicht über einen Speicher verfügt, müssen sämtliche Melodien oder Rhythmen direkt eingegeben werden. Das kann in puristischen Ambient und Techno Sessions durchaus seinen Reiz haben. Zumal in diesem Fall die Regler und Taster immer exakt das anzeigen, was ihr einprogrammiert habt.

Sobald ihr aber komplexe Live-Acts mit starken Variationen plant, oder im Studio an mehreren Tracks arbeitet, ist eine Speicherfunktionen ziemlich hilfreich. Alternativ könntet ihr auch mehrere Sequencermodule ohne Speicher verbauen und pro Track dann eben den anderen Sequencer verwenden, während ihr am nächsten bereits die nächste Melodie eingebt. Aber ganz ehrlich: Das ist am Ende nicht nur deutlich teurer, sondern belegt euch auch wertvollen Platz im Eurorack-Gehäuse. Meine Empfehlung lautet daher, gleich auf einen Sequenzer zu setzen, der Speicherplätze für eigene Kreationen bietet.

Swing (Shuffle)

Sollen eure Tracks grooven oder reicht auch ein starres Beatmuster? Falls ihr etwas Swing in die Tracks bringen wollt, sollte euer Sequencer „Shuffle“ anbieten. Gute Varianten bieten einen recht großen Umfang, der einzelne Noten nicht nur nach hinten versetzen, sondern auch nach vorne ziehen kann. So steht euch zwischen treibend und laid-back ein breites Spektrum zur Verfügung.

Anzahl der Spuren

Ein wesentlicher Aspekt bei der Suche nach dem perfekten Sequenzer ist auch die Anzahl der Spuren. Das Angebot reicht hier von simplen Modellen mit lediglich einem CV-Ausgang und Eingängen für Clock und Reset, bis hin zu komplexen Modular-Workstation, die etliche CV/Gate-Spuren mitbringen und zudem noch zahlreiche CV-Eingänge bieten.

Stellt euch hier einfach die Frage, ob der Sequencer eine allumfassende Rolle im System einnehmen soll? Oder sucht ihr eher eine alternative Ideenquelle für kleine Melodien, Klangmanipulationen oder rhythmische Loops, die euch spontanten Zugriff bietet?

Sonderfunktionen (Ratcheting, Quantisierung Trigger-Wahrscheinlichkeit und co)

Neben den eben aufgeführten Features spielen natürlich auch Sonderfunktionen eine Rolle für die Entscheidung, welchen Sequencer man sich zulegt. Die meisten davon lassen sich zwar mit Hilfsmodulen kompensieren. Aber es ist schon praktisch, alle direkten Sequencer-Funktionen in einem Modul zu haben.

Quantisierung

Allen voran steht für mich die Quantisierung. Denn vor allem analoge Eurorack-Sequencer, bei denen die Steuerspannung exakt der Reglerstellung entspricht, können schon mal leicht oder stark verstimmt sein.

Je nachdem, wie gut der davor sitzende Performer die Tonhöhe nach Gehör justieren kann. Und genau hier hilft eine Quantisierungsfunktion. Diese hilft euch dabei, die ausgehenden Steuerspannung auf eine vorgegebene Skala zu bringen, wodurch die Tonhöhen perfekt wiedergegeben werden. Hier würde ich einserseits darauf achten, dass mehrere und vor allem auch eigene Skalen möglich sind. Andereseits ist es praktisch, wenn man die Quantisierung deaktivieren kann, um auch mikrotonale Melodien oder fein dosierte Steuerspannungen auszugeben.

Ratcheting

Ratcheting dürfte vor allem die Traditionalisten der Berliner EM-Schule und PsyTrance-Producer interessieren. Hier werden einzelne Noten wiederholt und in definierbaren Abständen schnell hintereinander abgespielt. Dadurch werden die typischen Rrrrrt-Sounds erzeugt, die man häufig auf Produktionen dieser Genres hört.

Trigger-Wahrscheinlichkeit

Trigger-Wahrscheinlichkeiten wiederum sind besonders dann spannend, wenn man mehr Lebendigkeit und Abwechslung in starre Sequenzen bringen will. Hier werden einzelne Noten nach vorgegebener Wahrscheinlichkeit abgespielt (oder eben nicht).

3. Die besten Eurorack Sequencer für Modularsysteme: Top 5

Nach der ganzen Theorie kommen wir nun zu ein paar konkreten Produktempfehlungen. Wie eingangs bereits erwähnt, hat diese Liste keinen Anspruch auf Vollständigkeit, denn jeder Workflow ist anders. Bei der Zusammenstellung ging es mir vor allem darum, einerseits den Low-Budget-Bereich abzudecken. Andererseits auch Module aufzuführen, die zwar auf den ersten Blick teuer erscheinen, die aber ein hervorragendes Preis-Leistungsverhältnis aufweisen. Somit sind diese Lösungen bei näherer Betrachtung in der Lage, mehrere Zusatzmodule zu ersetzen.

Falls ihr euch anfangs für eine LowBudget-Lösung entscheidet, um erstmal Erfahrungen mit dem Konzept „Modular Sequencer“ zu machen, ist das auch eine gute Strategie. Denn nicht jedem liegt das mitunter etwas starre Konzept eines Sequencers. Gerade in elektronischer Musik sind hypnotisch treibende Sequencer-Lines aber ein wesentliches Element. Und dabei sind diese Module eine ziemliche Hilfe.

Intellijel Metropolix

Mit dem Metropolix hat Intellijel einen intuitiv bedienbaren Sequencer im Programm, der einige spannende Features mitbringt. Auf 34 TE werden zwei CV/Gate-Spuren über insgesamt 16 Schalter und acht Fader programmiert. Während die Aufgabe der CV-Fader als Pitch-Steuerung auf den ersten Blick erkennbar ist, muss man sich die Funktionsweise der Schalter erstmal verinnerlichen.

Kurz gesagt bestimmt man mit der ersten Reihe die Anzahl der Wiederholungen pro Step und mit der darunter liegenden Tasterreihe die Dauer des einzelnen Wiederholungsimpuls. Das kann von kurzen Triggern bis hin zu gehaltenen Noten über die gesamten acht Wiederholungen reichen.

Zwar ist der Metropolix nur in der Lage, acht Notenwerte einzugeben, wodurch vielleicht der Eindruck entstehen könnte, er verfüge nur über acht Steps. Gerade aber in Kombination mit den flexiblen Gate- und Wiederholungswerten sind Pattern mit bis zu 64 Steps möglich. Durch den direkten Zugriff entstehen hierbei auch schnell Melodien und Rhythmusmuster, auf die man höchstwahrscheinlich nicht von alleine gekommen wäre.

Speicherplätze für bis zu 64 Presets, Quantisierung, sowie Shuffle und Modulationstracks runden die Ausstattung ab. Ohne in eine akademische Parameterschlacht auszuarten, bleibt der Intellijel Metropolix dabei immer gut bedienbar. Dadurch ist der Metropolix für mich auch eine klare Empfehlung für alle, die einen intuitiven Sequencer suchen, dabei aber nicht auf Flexibilität verzichten wollen.

Winter Modular Eloquencer

Das spanische Unternehmen Winter Modular hat mit dem Eloquencer einen der leistungsfähigsten Sequencer fürs Eurorack entwickelt. Durch zahlreiche Funktionen, Songmodus, Pattern mit bis zu 64 Steps und individueller Länge, sowie komplexe CV-Modulationen ist der Eloquencer eine kleine DAW fürs Eurorack-System. Unterstrichen wird das durch jeweils acht CV und Gate-Tracks, die unabhängig voneinander Spannungen ausgeben. So könntet ihr einige Gate-Ausgänge nutzen, um Drums abzufeuern, während die CV-Spuren Filterfahrten steuern.

Im Gegensatz zu einem Intellijel Metropolix, oder den WYSIWYG-Sequencern von Behringer oder Doepfer, muss man sich beim Winter Modular aber auch auf eine recht umfangreiche Lernphase einlassen. Zwar ist das Konzept durchdacht und schlüssig, aber der Funktionsumfang ist schlicht zu groß, als dass man das Modul nach ein paar Tagen vollumfänglich begreift.

Zur Webseite von Winter Modular

Squarp Instruments Hermod+

Neben dem Winter Modular Eloquencer ist auch der Squarp Instruments Hermod eine hervorragende Sequencer-Zentrale fürs Euroracksystem. Mit zahlreichen Anschlüssen ausgestattet und insgesamt sehr benutzerfreundlicher Bedienung überzeugt das Modul des französischen Herstellers durch eine enorme Funktionsvielfalt auf geringem Raum.

Und genau hier liegt für mich auch die Stärke des Hermods: Mir ist kein Sequencer bekannt, der bei so wenig Platzbedarf so viel Funktionen bietet. In der neuen Variante Hermod+ gibt es nun auch 16 Pads, über die sich einzelne Steps programmieren lassen. Alternativ kann man seine Ideen auch direkt einspielen. Dafür bietet Hermod+ Eingänge für MIDI, CV/Gate und sogar einen USB Host. Zusätzlich punktet das Modul durch etliche MIDI-(Mod)-Effekte wie LFO, Arpeggiator, Delay uvm.

Wer möchte, kann man den Squarp Hermod auch als umfangreich ausgestattetes 8-fach MIDI/CV-Gate Interface verwenden, die Ausgänge als Modulations-Tracks nutzen, oder Clock-Signale ausgeben. Praktisch: Da das Modul über einen USB Host verfügt, kann man hier direkt einen Controller anschließen und diesen auch gleich mit Spannung versorgen. Nebenbei ist der Sequencer auch in der Lage, einzelne Spuren polyphon über MIDI (USB und MIDI) auszugeben. Oder man nutzt den MIDI-Ausgang einfach, um eine externe Drum-Machine zu syncen.

Falls ihr mittelfristig weitere Spuren benötigt, gibt es mit dem xp32 zudem ein Erweiterungsmodul. Dieses erweitert den ohnehin schon umfangreichen Sequencer noch um satte 32 frei zuweisbare (CV/Gate/Mod/Clock) Ausgänge. Insgesamt hat man dann 16 Tracks im direkten Zugriff, plus MIDI Tracks und etliche Modulationsmöglickeiten.

Erica Synths Black Sequencer

Zwar bietet der Black Sequencer von Erica Synths nicht ganz so viele Spuren wie Hermod+ oder der Eloquencer. Dafür ist der Black Sequencer ein exzellenter Kompromiss aus Funktionsvielfalt und intuitiver Bedienung.

Die Eingabe der CV- und Gate-Werte erfolgt bei diesem Eurorack-Sequencer über die 16 Drehregler auf der rechten Seite. Gleichzeitig programmiert man hierüber auch die Gate-Befehle, indem man per Druck die einzelnen Steps (de-)aktiviert.

Jede der vier Gate- / CV-Spuren kann eine Länge von bis zu 64 Steps haben. Polymetrik ist natürlich ebenso möglich wie Quantisierung nach vorgegebenen Skalen, Ratcheting und unterschiedliche Gate-Längen pro Step. Desweiteren stehen vier separate Modulationsspuren zur Verfügung, um Lebendigkeit in eure Pattern zu bringen.

Der Black Sequencer ist mit rund 600 € zwar das teuerste Modul in dieser Liste. Allerdings bieten hier der kompromisslose Ansatz und die intuitive Bedienung ein solides Preis- /Leistungsverhältnis.

Behringer 182 und 960

Wer es ganz klassisch haben möchte, sollte sich die beiden Eurorack Sequencer von Behringer einmal ansehen. Behringer 182 basiert auf Rolands Sequencer aus dem System 100m, während der 960 Sequential Controller den gleichnamigen Sequencer aus dem Moog Modular als Vorbild hatte.

Beide Sequencer sind als Step-Sequencer ausgeführt, wobei der 960 insgesamt noch mehr Funktionen bei deutlich höherem Platzbedarf bereitstellt. In je drei unabhängigen Spuren können beim 960 Sequential Controller CV-Werte für bis zu acht Steps eingestellt werden. Die einzelnen Schritte lassen sich alternativ muten oder überspringen, und bieten darüber hinaus pro Step einen eigenen Trigger-Ausgang, um Modulationsziele im Euroracksystem zu steuern. Die dritte Reihe kann im 960 übrigens auch dafür verwendet werden, um das Timing der einzelnen Steps zu steuern. Dadurch sind auch exotischere Funktionen wie Ratcheting möglich.

4. Fazit: Die besten Eurorack Sequencer für Modularsysteme

So unterschiedlich die Sequencer-Konzepte sind, so individuell verschieden sind auch die Ansprüche der User. Eine klare Empfehlung auszusprechen, kann also nicht funktionieren.

Falls ich einen kreativen Performance-Sequencer suchen würde, wäre sehr wahrscheinlich der Intellijel Metropolix meine erste Wahl. Außergewöhnliches Konzept und intuitive Bedienung ergeben eine perfekte Live-Einheit. Wenn es etwas konventioneller, aber dennoch Live-orientiert sein soll, wäre der Black Sequencer von Erica Synths mein Favorit. Beide sind in ihrem Funktionsumfang wiederum etwas limitiert, wenn eine Steuerzentrale gesucht wird.

Als umfangreich ausgestatten DAW-Ersatz sehe ich den Squarp Hermod+ ganz weit vorne. Hier stimmt das Verhältnis von Funktionsumfang, Spuren und intuitiver Bedienung einfach. Die Flexibilität des Hermod+ steht hier ganz vorne, vor allem, wenn es über klassische CV/Gate-Anwendungen hinausgeht, oder auch exotischere Steuerspannungen benötigt werden.

Für kleine Systeme reichen aber auch die Budget-freundlichen Sequencer von Behringer. Vor allem, wenn es darum geht, sich erstmal überhaupt mit dem Sequencer-Konzept vertraut zu machen.

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Nun erlebt die FM Synthese eine Renaissance und immer mehr Modelle kommen auf den Markt. Darunter finden sich auch spannende Hybrid-Synths, die FM mit anderen Synthesemethoden kombinieren. Dieser Artikel stellt die besten aktuellen FM Synthesizer vor.

Twisted Electrons TWISTfm: Mächtiger FM-Hybride mit Analogfiltern

Den Auftakt dieser Liste macht ein relativer Newcomer, der Twisted Electrons TWISTfm. Der achtfach polyphone FM Synthesizer basiert auf einem Retro-FM-Chip, der in den frühen 90er unter anderem in den Soundblaster-Audiointerfaces eingesetzt wurde.

Kombiniert wurde dessen Klangerzeugung mit einem hervorragend klingenden, analogen Multimode-Filter, das insgesamt 15 Filtermodi bereithält. Darüber hinaus lässt sich die Filterresonanz alternativ zwischen „liquid“ und einer aggressiveren MS-20-Variante umschalten.

Für ausdruckstarkes Spiel unterstützt der TWISTfm Poly-Aftertouch und MPE, besitzt aber auch ohne diese Controller ein breites Klangspektrum, das von weichen Pads über treibende Dub Chords bis hin zu kräftigen Bässen und Leads reicht.

Elektron Digitone 2: Die FM Groovebox

Mit dem Elektron Digitone schaffte es neben dem MEGAfm ein zweiter 4 OP FM Synthesizer in dieser Liste. Zusätzlich zur FM Klangerzeugung bietet der Digitone allerdings noch einen recht umfangreichen Sequencer, subtraktive Synthese und ein übersichtliches Display.

Hinzu kommen in der aktuellen Version neue Synthese-Algorithmen wie Wavetone, Swarmer, FM Tone, aber auch ein spezieller FM Drum Mode. Daher ist der Digitone 2 eine klare Empfehlung für alle, die eine FM Synthesizer/Groovebox-Kombi suchen. Durch flexibles Waveshaping und Operatoren-Balance wird das klangliche Spektrum noch erweitert. Trotzdem bewegt sich der Digitone 2 im Vergleich zu anderen FM Synths häufig stark im Mittenbereich. Aggressiv harsche Höhen wie man sie von anderen FM Synthesizern kennt, sind hier nicht so schnell möglich.

Der legendäre Elektron-Sequencer bietet euklidische Funktionen, Parameter-Locks und kann pro Track alternativ auch externe MIDI-Geräte ansteuern. Mit der Möglichkeit, externe Geräte durch die interne Effektabteilung zu routen, übernimmt der Digitone 2 auch die Rolle einer Schaltzentrale im DAW-less-Setup.

Korg opsix MKII: Der unterschätzte FM Synthesizer

Der opsix MKII von Korg ist ein flexibler 6 Operatoren FM Synthesizer mit angedockter subtraktiver Synthese. Zusätzlich findet sich eine komplexe Oszillatorsektion mit eigenen Filtern und Waveshaping.

Es überrascht nicht, dass der Synth im Korg opsix Test so gut abgeschnitten hat. Hinzu kommt noch eine recht intuitive Bedienung, die den opsix auch für den Live-Einsatz als Synthesizer für Dub Techno prädestiniert.

Der Charakter des opsix reicht von sphärisch weich bis hin zu körnig und metallisch. Im Prinzip liefert der opsix also die komplette Palette an typischen Dub Techno Sounds. Im direkten Vergleich mit dem MEGAfm fehlt ihm manchmal allerdings das letzte Quäntchen an Charakter. Dafür bietet der opsix eine umfangreich ausgestattete Effektsektion, wodurch man sich auf der Bühne ein paar Effekte sparen kann.

Twisted Electrons MEGAfm: Perfekt für Old-School Dub Techno

Ebenfalls von Twisted Electrons ist der MEGAfm, den es neu nur noch als MEGAfm MKII gibt. Der 4-Operatoren FM Synthesizer basiert auf einem alten YM2612 (später YM3438) FM-Soundchip von Yamaha. Ursprünglich kam dieser unter anderem in alten SEGA Megadrive Konsolen zum Einsatz. Der MEGAfm ist nicht nur aufgrund seiner direkten Bedienung ein echter Geheimtipp für Dub Techno.

Denn durch seinen charaktervollen Sound mit Nebengeräuschen, bitreduzierten Eigenheiten und Übersteuerungen, erzeugt der MEGAfm perfekt den organischen Vibe der ersten Dub Techno Tracks im Stil von Rhythm and Sound, Maurizio und Basic Channel.

Beim MEGAfm sollte man aber zwei Dinge wissen. Erstens muss man den sehr rohen Sound mögen und Equipment zur Nachbearbeitung einplanen. Zweitens benötigt man trotz des direkten Zugangs Zeit, bis man den Sound des MEGAfm in all seinen Nuancen erfasst hat.

Vor allem die schnelle Übersteuerung, wenn man den Lautstärkeregler über fünzig Prozent zieht, ist für einige Nutzer erstmal ungewohnt. Hat man sich aber erst einmal darauf eingestellt, ist der Twisted Electrons MEGAfm die perfekte Basis für Dub Techno.

Zum MEGAfm Test

Waldorf Iridium: Das Soundchamäleon

Apropos Flexibilität: Mit dem Iridium kommen wir jetzt zum absoluten Soundchamäleon. Der Iridium bietet eine extrem flexible Soundengine inklusive VA, Granularsynthese, Physical Modelling, Wavetables und sogar FM mit bis zu sechs Operatoren.

Der Grundsound ist typisch für Waldorf, also eher HiFi. Vor allem, wenn man sich mal vor Augen führt, dass der Iridium pro Oszillator (!) einen kompletten Yamaha DX7 Synth mit sechs Operatoren nachbilden kann. Nutzt man den Iridium dann bitimbral, wären das bis zu sechs DX7 gleichzeitig.

Kodamo Essence FM MKII: Das Powerhouse

Der Essence FM MKII richtet sich an alle, die einen FM Synthesizer mit ordentlich polyfoner Reserve suchen. Der 16-fach multitimbrale Essence FM MKII liefert eine maximale Polyphonie von 300 Stimmen. Dadurch ist er in der Lage, komplette Produktionen im Alleingang zu stemmen.

Eine umfangreiche Modulationsmatrix mit Multisegment-Hüllkurven, LFOs und gut klingende Effekte helfen dabei, eigene Klangideen Realität werden zu lassen. Damit das auch bedienbar bleibt, verfügt der Essence FM MKII über ein responsives Touch-Panel. Hierüber lassen sich sich auch eigene Operatoren-Schwingungen einzeichnen oder die Hüllkurven editieren.

Wem das an Sounddesign-Möglichkeiten nicht reicht, kann den Klang noch mit einem Multimode-Filter weiter formen. Der Essence FM MKII ist klanglich zwar extrem flexibel, der Grundsound steht aber insgesamt eher auf der (neutralen) HiFi-Seite. Daher würde ich ihn besonders DAWless- Usern ans Herz legen, die einen kompromisslosen FM Synth suchen.

Korg Volca FM 2: FM Synthesizer Budget-Empfehlung

Falls das Budget begrenzt ist, ihr aber dennoch einen vollwertigen FM Synthesizer sucht, solltet ihr euch den VolcaFM 2 ansehen. Zwar ist der Miniatursynth am Gerät echt nicht komfortabel zu editieren. Man kann aber mit der Freeware „Dexed“ am Computer eigene Patches erstellen und auf den Volca FM 2 übertragen. Zudem ist es möglich, hierüber Patches aus der gigantischen DX-7-Library zu nutzen.

Da das Mäuseklavier der Volca-Reihe nicht zum Spielen einlädt, sollte man noch eine externe MIDI-Tastatur mit einplanen. Dann ist der Volca FM 2 ein vollwertiger FM Synthesizer, der vielen Modellen aus den 80ern in Sachen Features nicht nachsteht. Klanglich ist mir der Volca FM2 häufig etwas zu eindimensional und mittenbetont. Mit entsprechender Peripherie wie etwa einem Delay an den Ausgängen kann man diesem Manko aber entgegenwirken.

Yamaha Reface DX und MODX+

Klein und portabel kommt der 4-Operatoren-FM-Synth Reface DX daher. Von der Soundengine her vergleichsweise spartanisch ausgestattet, liefert der Reface DX eher HiFi Sound. Daher ist dieser auch meine Empfehlung für alle, denen der körnige Klang eines MEGAfm zu ruppig ist, der des Volca FM 2 zu mittenbetont, und die gleichzeitig eine bezahlbare Lösung für unterwegs suchen.

Natürlich liefern auch andere Modelle des Yamaha Portfolios umfangreiche FM-Synthese. Hier sei vor allem die MODX+-Reihe zu nennen. Eigentlich als Workstations konzipiert, beherbergen sie eine mächtige FM Synthese mit 8 Operatoren und 88 Algorithmen.

Hinzu kommen noch umfangreiche Sequencer-Funktionen und eine solide AWM2-Klangerzeugung. Ähnlich wie beim Iridium muss man sich hier erstmal durch die (Un)Tiefen des Geräts arbeiten, wird dann aber mit einer extrem flexiblen Klangerzeugung belohnt.

Weitere FM Synthesizer, die man erwähnen sollte

Die hier vorgestellten Modelle bieten alle eine solide Ausstattung, lassen sich gut bedienen und sind in der Regel auch noch neu gut erhältlich. Trotzdem möchte ich noch auf ein paar Alternativen hinweisen.

Allen voran ist das tolle DIY-Projekt um den Preen FM zu nennen, mittlerweile als Preen FM 2 und Preen FM3 erhältlich. Dahinter verbergen sich gut ausgestattete 6-Operatoren FM Synths, die man relativ gut bedienen kann. Allerdings muss man nach fähigen Lötern Ausschau halten, falls man sich den Zusammenbau nicht selbst zutraut. Mir wurde hier u.a. VanDaal-Electronics empfohlen, mit dem ich aber selbst noch keine Erfahrung gemacht habe.

Weiterhin gibt es von Jomox noch einen semimodularen 4 Operatoren FM Synthesizer für das Modularsystem oder als Desktopvariante. Sobald ich den ausprobiert habe, gibt es hier mehr zu lesen.

Die besten FM Synthesizer: Fazit

Um authentische FM Sounds zu bekommen, muss man heutzutage glücklicherweise nicht mehr viel Geld ausgeben. Zum einen ist da ein gigantisches Angebot auf dem Gebrauchtmarkt. Zum anderen gibt es auch neu etliche gute FM Synthesizer, die sich zudem endlich auch gut bedienen lassen.

Mein persönlicher Favorit ist hier der TWISTfm von Twisted Electrons. Twistfm bildet mit einer gelungenen Synthese aus Retro-FM und analogen Filtern einen exzellent klingenden Synth für elektronische Musik. Klangforscher dürften am ehesten mit dem Korg opsix und Waldorf Iridium glücklich werden. Beide Synthesizer bieten eine Menge Funktionen, die weit über klassische FM-Synthese hinausgehen.

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So eine Flexibilität lädt zum Experimentieren ein, ist für manche Einsteiger mitunter aber auch etwas überfordernd. Gut, dass es die Möglichkeit gibt, den Polyend Synth mit neuen Sounds zu füttern. Von Limbic Bits gibt es nun ein Soundpack mit 34 Polyend Synth Presets, 5 Samples und acht vorbereiteten Scenes. Die Scenes kombinieren drei Layer mit optimierten Effekt-Einstellungen und laden zum Jammen ein.

Der Fokus der Soundpacks von Limbic Bits liegt auf den Genres Ambient, Electronica und Dub Techno. Wer statt des Polyend Synth einen Polyend Play+ oder Tracker+ besitzt, kann ebenfalls von dem kostenlosen Soundpack profitieren. Zwar werden von diesen nicht alle Soundengines und Scenes unterstützt. Viele der enthaltenen Polyend Synth Presets laufen trotzdem in den beiden anderen Systemen, indem man die einzelnen Presets in die entsprechenden Unterordner der jeweiligen Klangerzeuger schiebt.

Das Polyend Synth Sound Pack von Limbic Bits könnt ihr euch hier herunterladen:

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Moog Muse – Das Analogschlachtschiff

Der Moog Muse wurde 2024 erstmals vorgestellt und bietet acht weitgehend analog aufgebaute Stimmen, Bi-Timbralität, eine ausgezeichnete Effektsektion und eine sehr durchdachte Bedienoberfläche.

MUSE ist eines der besten Instrumente, die MOOG herausgebracht hat, ja sogar einer der besten analogen Polysynths, die ich bislang testen durfte. Allerdings hört man Puristen auch immer wieder sagen, der MUSE klänge nicht vintage genug.

Möglicherweise ist das der Faktor, der mich beim MUSE im Kontext elektronischer Musik am meisten überzeugt: Der Synth klingt absolut zeitgemäß, bietet aber auch authentische Retrosounds, sofern man nicht auf das letzte Quäntchen 70er-Moog-Sound Wert legt.

Auch für komplexes Sounddesign hat der MUSE eine Vielzahl spannender Features an Bord. Für mich ist der Muse ganz klar ein Gewinn für die Synthesizerlandschaft.

Hier geht es zum MOOG Muse Test.

Waldorf Iridium – Das Synthesemonster

Waldorf hat mit dem Iridium ein echtes Schlachtschiff im Programm, das für Sounddesigner, Ambient-Performer und Technoproduzenten etliche Möglichkeiten bereithält. Als etwas abgespeckte Version des Quantum bietet der Iridium alle Syntheseformen des großen Bruders. Verzichten muss man hierbei nur auf die analogen Filter des Quantums und natürlich die Tastatur.

Wer das nicht vermisst oder schlicht nicht genug Platz im Studio hat, kann bedenkenlos zu der günstigeren kleineren Version greifen. Denn auch die digitalen Waldorf-Filter klingen ganz hervorragend.

Unter der Oberfläche des Iridiums stecken pro Oszillator fünf Synthesemodelle, die sich miteinander kombinieren lassen:

• Wavetable
• Waveform (Virtuell analog)
• Particle (Sampling und Granularsampling)
• Resonator
• Kernels (FM)

Während sich die anderen vier Syntheseformen selbst erklären, ist Kernel auf den ersten Blick nicht ganz so schnell begreifbar. Kernel verwandelt – vereinfacht gesagt – einen Oszillator in sechs Suboszillatoren, die sich wiederum per FM völlig frei miteinander verschalten lassen.

Egal welche Syntheseform man wählt: Anschließend kann man den Sound mit drei Filtern pro Stimme weiter formen. Entweder man macht das manuell über die vielen Bedienelemente auf der Oberfläche. Oder man nutzt dafür die Modulationsquellen wie LFOs, Hüllkurven etc. um das ganze zu automatisieren. Als ob das nicht genug wäre, bringen Arpeggiator und Sequencer zusätzlich Bewegung in die Performances.

Twisted Electrons TWISTfm: Hybrider FM Synth

Ebenfalls 2024 vorgestellt und zur Jahreswende auf den Markt gebracht, ist der TWISTfm von Twisted Electrons definitiv ein Synth mit Charakter. Ich mochte ja den MEGAfm schon sehr, nun ist mit dem TWISTfm ein Hybridsynthesizer erschienen, der Old-School-FM-Synthese mit einem hervorragend klingenden analogen Multimode-Filter verbindet.

Das Ergebnis dieser Liaison ist ein Synthesizer, der sich nicht nur angenehm von den vielen anderen Synths auf dem Markt unterscheidet. Der Klang ist geradezu perfekt auf elektronische Musik wie Dub Techno zugeschnitten.

Zahlreiche Bedienelemente sorgen für einen direkten Zugriff und machen die manchmal nicht ganz so intuitive FM-Synthese sprichwörtlich begreifbar. Eigener Charakter, gute Bedienung und ein Preis, der such für so einen kleinen Hersteller noch im Rahmen bewegt, machen den TWISTfm zu einem der besten Synthesizer auf dem Markt.

Dreadbox Typhon – Analoges Herz und digitale Effekte

Ein weiterer Kandidat dieser Best-of-Liste ist der Typhon von Dreadbox. Zwar hat der Typhon schon einige Jahre auf dem Buckel. Aber der Typhon überzeugt immer noch durch seinen hervorragenden Klang, intuitive Oberfläche und Speicherplätze. Und nicht nur das: Im Inneren des Monosynthesizers findet sich eine ausgezeichnete Effektsektion von Sinevibes.

Der Preis eines Effektpedals mit dieser Qualität liegt in ähnlichen Regionen wie das, was der Dreadbox kostet. Nur dass man hier noch einen kompletten Synth dazu bekommt.

Hier geht es zum Dreadbox Typhon Test

Korg modwave MKII – Viel mehr als nur Wavetable-Synthese

Mit dem modwave hat Korg einen hervorragend klingenden Allrounder im Portfolio. Der modwave ist ein recht komplex aufgebauter Synthesizer, der seine Klänge mit Wavetables, Filtern und umfangreichen Modulationsquellen formt. Insofern eignet sich der modwave besonders gut für bewegte Pads, Soundscapes und Leads.

Roland AIRA S-1 Tweak Synth

Eventuell wurde der Roland S-1 aufgrund seiner winzigen Größe bei Markteinführung etwas unterschätzt. Mittlerweile scheint sich das Konzept aus gut klingendem Synth, günstigem Preis und überraschend flexibler Soundengine durchzusetzen.

Klanglich orientiert sich der Roland AIRA S-1 am SH-101 aus gleichem Hause. Der Techno-Klassiker wurde dabei um vierfache Polyfonie, Effektsektion und ein paar spannenende Features auf Oszillatorenebene erweitert. Der S-1 zwar nicht mehr analog, überzeugt aber dennoch durch seine breite Soundpalette. Mit einem breiten Sweetspot dürften auch Einsteiger schnell Erfolgserlebnisse erzielen. Lediglich die stark geschrumpfte Oberfläche mit ihren Minipotis ist anfangs gewöhnungsbedürftig.

Hier geht es zum Roland S-1 Test.

Oberheim TEO-5: Flexibler Synth mit SEM-Filtern

Der TEO-5 liefert den klassischen, warmen und breiten Oberheim-Sound, klingt im Vergleich zum OB-6 aber insgesamt etwas moderner/HiFi . Eine vielseitige Modulationsmatrix, die nicht nur leicht zugänglich ist, sondern viele Modulationsquellen und -ziele bietet.